500分！！！求演讲材料——关于钢琴音乐艺术

　　你有没有邮箱，字数太多发不下，这些是第一部分，还有第二部分呢

　　1698年，意大利管风琴制作师巴尔托洛梅奥．克里斯托福里为佛罗伦萨的贵族菲迪南德．梅迪契制作了一架与羽管键琴的外形和结构相似的钢琴。1709 年，克里斯托福里又制作了一架能同时演奏弱音和强音的钢琴，从此开始了钢琴艺术的历史纪元。在意大利语中，“钢琴”就是指能同时发出强音和弱音的羽管键琴。后来，克里斯托福里将闲暇时间完全投入在钢琴的革命性发明中，从1709年到1732年逝世为止，他一共做出了25架钢琴。

　　[耶胡迪．梅纽因]钢琴的前身是击弦古钢琴，而不是羽管键琴，羽管键琴是通过拨动琴弦而发音，而钢琴则是通过敲击琴弦来发音的。用钢琴可以演奏任何风格的乐曲，但不一定能达到真正完美的效果。作为一个小提琴演奏者，我这样说是有根据的，因为琴弦发出的声音不像人的嗓音，人的嗓音可以保持一定的强度不变，而琴弦受到敲击之后，声音会由强变弱。所以钢琴的演奏不能完全达到人声演唱的效果，但是，如果演奏者技艺精湛，也可以演奏出接近人声的音色。当琴弦的声音开始下滑的时候，应当尽量减少间歇，保持声音的连贯和圆润，这样就能演奏出类似人声演唱的音色，要达到这样的音响效果，演奏者必须有超凡的技艺，否则，击弦后声音的强度就无法保持不变。钢琴的质量不仅直接关系到琴弦声音强度的稳定性能，而且影响到演奏的效果。钢琴也是一种和声乐器，因为钢琴具备所有的音阶，可以奏出各种和声，所以钢琴可以演奏各种乐曲。

　　为何钢琴是一个重要的自我表达的工具 著名作家乔治．肖伯纳说：“钢琴是有史以来最重要的乐器发明，它对音乐的重要性，犹如印刷之于诗歌”。16世纪键盘乐器中的王子曾是羽管键琴，但人们对于更具歌唱性的键盘乐器需求激增，人们需要一种可以提供更多音色的乐器。而羽管键琴不能像钢琴那样发出轻柔或响亮的声音，也无法产生回响。当社会逐渐变得世俗，到十八世纪人们希望键盘乐器能如歌唱般地触动人心，而不是仅能播送音乐。很快，顺应时代需求的钢琴产生了。如果说羽管键琴代表巴洛克时代，钢琴则成为古典和浪漫派音乐的象征。

　　早期的钢琴引起了许多乐器制作师的兴趣，他们对这种乐器进行了改进，但是这种钢琴最终没有得到全面的发展，哲学家伏尔泰曾经说：“制作钢琴和羽管键琴应当是制锅的工匠干的活”。钢琴的内部构造太硬，不便于练习，如果触键太轻，琴槌就不能接触到琴弦，如果触键太重，琴槌则会反弹，造成重复击弦，声音就会很难听。直到克里斯托福里使用擒纵装置之后，才彻底解决了这个问题。虽然克里斯托弗里发明了钢琴，但热衷于歌唱和小提琴的意大利人却对这项新发明不感兴趣。在克里斯托弗里去世后，德国人很快就掌握了钢琴的发展。

　　管风琴制造师、德国人戈特弗里德．希尔伯曼同时也是巴赫的朋友，一直梦想着制造有很大动态范围的乐器，他奇迹般地发现了克里斯托弗里的琴槌装置的图纸，并付诸实施。18世纪40年代末，菲特烈大帝购买了超过一打的希尔伯曼钢琴，并把它们放置在柏林的皇宫和各处行宫中。在此之前一年，巴赫曾经试弹过希尔伯曼的钢琴，这位羽管键琴和管风琴大师并不喜欢它，但当他拜访菲特烈大帝并再次试弹改进过后的新装置的时候，巴赫宣称它完美无暇。巴赫的钢琴作品是留存最早的钢琴曲目。

　　1843年，波士顿钢琴制造商琼纳斯．契柯林发明以铸铁型框架制造钢琴的外框，之后不但钢琴持久不走音，其嘹亮的音响还可传遍音乐厅的每一个角落。克里斯托弗里的原型钢琴远比现代钢琴轻巧。现代钢琴以多达两万件的零件，荣登“工业革命之女”宝座，钢琴从此成为浪漫派的乐器代表。在浪漫派时代，钢琴天才们纷纷降生。在德国，菲利克斯．门德尔松出生于1809年，波兰人弗里德利克．肖邦出生于1810年，匈牙利来的弗朗茨．李斯特生于 1811年。他们为钢琴创造出一个充满鲜明个性与浓烈情感宣泄的视野。

　　音乐创作的发展进一步推动了钢琴制作工艺的进步。从1860年起，人类进入了真正的钢琴时代。英国的乐器制作大师布罗德伍德对方形钢琴的琴弦设计进行了改进，使低音音域更加宽广。同时还用踏板代替了操纵旋钮和膝板。布罗德伍德对三角钢琴也进行了改进，使钢琴的声音增加了强度和共鸣性，但同时又使声音的清晰度有所减弱。19世纪初，法国人塞巴斯蒂安．埃拉尔开始在琴架上使用金属支撑杆。1822年，埃拉尔又迈出了最重要的一步，那就是在钢琴中使用了双重擒纵装置，这就使演奏者能够迅速地连奏同一个音，于是就可以用钢琴来演奏各种旋律。现在的钢琴都是采用双重擒纵装置，因此埃拉尔被誉为“现代钢琴之父”。德国人亨利．帕普也是一位多产的发明家。1826年，帕普想出了一个很有创意的办法，那就是用尼绒垫代替琴槌上的皮垫。此外，三角钢琴和方形钢琴也出现了一些重要的发明，比如琴弦交叉安装，既加长了琴弦，同时又使摆放琴马的位置变得更加合理，而低音琴弦和高音琴弦的重叠，使钢琴获得了更加理想的共鸣效果。

　　随着社会文明的发展，钢琴在上流社会越来越受欢迎，新的钢琴品牌应运而生。19世纪后半叶，美国的亨利．斯坦威成为令人瞩目的钢琴制造商。工业革命推动了机械制造业的发展，钢琴制作技术又有了新的改进。19世纪中期，德国的钢琴制造业发展迅速，一些历史悠久的钢琴品牌也在积极地进行技术革新，他们制作的钢琴占领了欧洲大大小小的音乐厅。直到1914年，美国的斯坦威钢琴进入欧洲市场之后，才结束了德国钢琴的垄断地位。第一次世界大战爆发之前，德国制造的钢琴以优良的质量闻名于世，英国人则擅长制作用于教学的钢琴，法国的埃拉尔和普莱耶尔两大品牌制造商则主要生产用于演出的钢琴。在那个时代，乐器制造商们不遗余力地改进制作技术，为钢琴注入了更丰富的音色。

　　20世纪是一个分水岭，在进入20世纪的同时，钢琴进入了现代化阶段。与众多的音乐家相比，一位法国的音乐家在20世纪初创立了一套新的作曲体系，他就是克劳德．德彪西。德彪西不仅是一流的钢琴演奏家，同时又是杰出的钢琴作曲家。他在音乐创作中进行了许多新的探索，把钢琴当作一种可以制造丰富的色彩和独特的音响效果的调色板，激进的和声语言是他为20世纪音乐创作带来的最大礼物。

　　从第一架古式钢琴的出现到现代钢琴的广泛运用，钢琴的制作经历了近300年的历史。经过历代制琴大师的不断改进，钢琴的构造日趋完善，音色更加完美，它已经成为现代乐器中音域最广阔、表现力最丰富的键盘乐器。三百年钢琴的历史发展不仅反映了人们在音响审美上的追求，还勾勒出了乐器和演奏者之间的相互促进关系。然而钢琴家在将自己的情感与心境投入钢琴作品时，完成的不仅仅是对作品的二度创作，更多的是演奏家在追求琴人合一的境界，实现钢琴作为自我情感媒介的功能。钢琴历史的三百年，就是人类文化所经历的三百年。钢琴之所以伟大，就因为它是人类酸甜苦辣三百年的象征。

　　晚期巴洛克时期键盘音乐的兴起 17世纪初至18世纪中叶的欧洲艺术风格，崇尚豪华、奇异和精雕细琢，被称为“巴洛克”。在此之前的文艺复兴时期，艺术上追求“逼真”，尊重“自然”。许多艺术作品都体现出把对神的崇拜和颂扬，逐渐转移到对人类情感的关注。巴洛克时代的艺术家们将这样的风格发扬、演进，并且在新的艺术倾向中更多地强调紧张、亢奋和激扬的情绪。巴洛克音乐承载着深厚的社会背景，形成了独有的艺术气质。在这个时期，欧洲音乐的许多重要体裁初步形成。

　　18世纪初是巴洛克键盘音乐史上新的里程碑，意大利古钢琴家多米尼科．斯卡拉蒂与法国羽管键琴乐派的音乐家让-菲利普．拉莫开创了键盘音乐的新天地。德国音乐大师约翰．塞巴斯蒂安．巴赫在创作实践中尝试了当时几乎所有的音乐体裁与结构原则，为后世的音乐树立了永恒的典范，也是钢琴艺术史上划时代的人物。巴洛克音乐的贡献在音乐史上是无人可以比拟的，它的到来标志着欧洲近代音乐文明开始展露曙光。

　　1685年，多米尼科．斯卡拉蒂出生在意大利的那不勒斯。十六岁时，他已经是那不勒斯皇家小教堂的管风琴师兼作曲家。威尼斯、佛罗伦萨、罗马都曾经留下过这位音乐家的创作足迹。斯卡拉蒂不仅为教会撰写宗教音乐，而且也为皇室谱写歌剧、室内乐等世俗作品，逐渐形成了自己独特的音乐风格。

　　在多年的漂泊游历中，斯卡拉蒂接触到许多像阿堪杰罗．科雷利和乔治．弗里德里克．亨德尔这样的演奏家和作曲家。在自由浓厚的音乐氛围里，斯卡拉蒂进行了许多充满新奇大胆的音乐尝试，装饰音与不协和音的使用不仅让当时的听众耳目一新，对后世的音乐发展也有着深远的影响。

　　1728年，斯卡拉蒂作为宫廷音乐教师，跟随玛利亚．芭芭拉公主来到西班牙马德里，并在马德里开始了他创作的全盛时期。斯卡拉蒂为公主的音乐教育创作了五百多首键盘奏鸣曲，这些经典的传世之作为后来的键盘音乐开辟了一片新天地。

　　后期巴洛克时代开始于17世纪末18世纪初，那时，在很多领域，无论是科学、政治、哲学或是艺术与文化，都预示了启蒙时代即将来临。在融合了宗教和音乐的社会背景中，伟大的德国音乐家约翰．塞巴斯蒂安．巴赫越过前人筑起的丰碑，将键盘复调音乐推向最高峰，成为巴洛克时期最伟大的复调音响建筑师。

　　巴赫键盘音乐的创作不仅扎根于传统的宗教文化，深深地植根于德国民间传统音乐之中，同时也受到了马丁．路德新教的影响。巴赫的音乐语言极其丰富，具有鲜明的个性。

　　[雅克．路西耶]巴赫改变了音乐的法则，走得很远，他发展了一种绝妙的结构，和弦、声部非常丰富。这是巴赫音乐的一大特点。像这一首《赞美曲》…… 几乎每半拍就有一个和弦…… 12个音符有7个和弦，很丰富。

　　[雅克．路西耶]巴赫的低音非常出色，在键盘上弹G大调很简单。但这已经具有爵士乐的风格了，低音高起低落，是一个歌唱性的低音，而不仅仅是在键盘上敲低音音符，是在歌唱。如果忘了G大调，还有低音…… 紧接着，绝不停止，永无止息。而这就是巴赫音乐的重要特点。没有沉闷的部分，像这样没有主题地去弹，很有意思…… 所有的东西都有价值…… 继续……

　　1717年，克滕大公利奥波德聘请巴赫担任宫廷乐长。利奥波德大公是位音乐爱好者，他十分欣赏巴赫的音乐才华，并给予优厚的待遇。而且，利奥波德大公本人精通古大提琴和大键琴，巴赫因此乘兴创作了许多这类的器乐曲。克滕时代可以说是巴赫创作的高峰。当时，巴赫创作的大量键盘音乐都是极富价值的作品。如果说巴赫的管风琴音乐主要是他宗教音乐世界观的反映，那么世俗性和民间性的音乐语言则较多地体现在他那风格清新，富有生活气息的古钢琴组曲及《平均律钢琴曲集》中。《平均律钢琴曲集》被后人称为钢琴音乐的“旧约圣经”，它的第一卷就是在这个时期完成的。这些作品自然、流畅，音乐的内涵与演奏的技巧之间达到了无懈可击的平衡。

　　他在《平均律钢琴曲集》的卷首写道：为了音乐的求知与熟习。

　　[乔安娜．麦克瑞格/钢琴家（女）] 平均律钢琴曲顺应调律法的变化而写。在当时，琴键按五度音的关系调律，演奏某些作品的确非常好，比如演奏威廉．伯德的作品，大部分时是C大调加上大量的变奏。《平均律钢琴曲集》则取其中，以八度音的调律进行创作。把一个八度分成12个半音，第一次不管用什么调演奏都可以。因此，巴赫大胆地、开创性地为每个调都写了前奏曲和赋格曲，原本用C大调、c小调、G大调、g小调，忽然间就变成了降e小调或降b小调，这是全新的工作。在第一本书里，以C大调前奏曲开始，然后转成c小调，然后有一个新的调升C大调。就这样，一级一级往上走。他写了很多这样的赋格曲。

　　[安德列斯．席夫] 莫扎特、贝多芬、肖邦和舒曼每天都练习这些音乐，后来的巴托克和卡萨尔斯同样也是如此，他们称之为音乐的旧约。我也这样认为，每天都练习《平均律钢琴曲》。每天演奏2首、4首或6首不同的前奏曲和赋格曲，这是开始每一天的绝妙方式，就像洗澡清洁自己一样。对于精神、心灵和身体，这是一件非常纯洁的事情，而不用做其他浪费时间的蠢事。因为这已经给了你足够的练习。像这样一首曲子…… 这已经用到了几乎所有的指法。就像跳舞一样，你会为活着而感到幸福无比。

　　[加夫利洛夫] 升C大调前奏曲的节奏很轻快，当然也很有力，而且流畅、动听，很酷的。这首曲子让人感到很快乐、舒服、很有活力。演奏起来就像度小说一样。是的，我真的很喜欢。

　　老年的巴赫视力已近乎失明，身体状况也迅速恶化。巴赫最后一部键盘作品《赋格的艺术》被誉为音乐家的“哲学著作”，他以音乐思维中的高度逻辑性和结构的严密性来反映音乐所包含的数理与宇宙的和谐之美。这部作品在巴赫逝世时仍然没有完成。

　　[乔安娜．麦克瑞格/钢琴家（女）] 最后一首赋格曲是第14对位曲，篇幅很长。有很多段，以3个主题为基础，第一个主题严肃……庄严…… 第二个主体却非常轻快，为作品带来了活力。第三个主题更有意思——非常私人化，曲子他的名字“B-A-C-H”。因为在德语里，B就是降B音，H是B音，所以他的名字听起来是这样的……巴赫在键盘上听起来就是这样的。这是他第一次用自己的名字去谱曲。非常有意思，因为它是这么容易拼写，他是第一次写这样的赋格曲。这部分结构很严密，有很多紧密的连接……巴赫在去世之前，没有完成这首赋格曲，因此音乐猛然被切断。人们认为这是4声部的赋格，作品最后的切入点，重新诠释了赋格的艺术。但他去世了，没有完成。所以，他留下了这个忽然结束的让人惊讶的结尾……

　　1750年，音乐巨人巴赫的逝世被看作是巴洛克音乐的休止符。随着资产阶级启蒙运动的兴起和维也纳古典主义音乐的诞生，巴洛克音乐渐渐被新的潮流所淹没。对于巴赫来说，人们更多的是怀念其精湛的键盘演奏技巧，而忽略了他伟大的键盘音乐作品。在钢琴艺术史上，巴赫的键盘作品构建起理性的音乐大厦，向全人类展示了一个纯美的心灵家园。

　　早期古典乐派的钢琴音乐

　　18世纪上半叶的欧洲，思想上和政治上发生了巨大的变革。“启蒙运动”在文艺复兴时期提倡的“反对神权”的基础上，进一步提出了反对君权的口号，提倡回归自然，崇尚人的理性思考，西方音乐开始由巴洛克时期转向古典时期。这一时期的钢琴音乐也从巴洛克那浑然一体的复调结构中解脱出来，以顺应当时整个社会所提倡的“回归自然”的思潮。

　　然而，钢琴音乐中新风格的产生与钢琴取代古钢琴的现象是分不开的。经过改良的钢琴既能表现蜿蜒起伏的歌唱性旋律又能奏出丰满、响亮的和弦，因而成为古典时期的主要键盘乐器。在这个过渡时期，钢琴音乐的旋律深受当时新兴的意大利喜歌剧的影响，曲调更具有歌唱性的特点。除此之外，18世纪中叶曼海姆交响乐派的动力性风格也为钢琴音乐风格增添了新的因素。

　　在这一时期，音乐尊重人的理性，众多作曲家们的天才与个性得到了自由展现。其中，巴赫家族对钢琴艺术的发展仍然起了重要的作用，约翰．塞巴斯蒂安．巴赫最小的儿子约翰．克里斯蒂安．巴赫是世界上第一个用钢琴开音乐会的人；而另一个儿子，被人们称为“汉堡巴赫”的卡尔．菲．埃．巴赫是整个过渡时期最重要的键盘作曲家，也是钢琴艺术史上从巴洛克风格到古典风格转折中的一位关键人物。

　　维也纳古典主义大师的第一人——奥地利作曲家约瑟夫．海顿是卡尔．菲．埃．巴赫的直接继承者，他钢琴音乐的创作也正如他的基本创作风格一样，明朗、乐观、富有幽默感和民间气息。在海顿时代，奥地利的经济和文化繁荣发展。当时德奥的资产阶级启蒙思想家对生活都充满信心，信仰人道主义。这种意识在海顿的音乐创作中也得到了充分的反映。

　　海顿的生活年代长久，一生跨越了从巴洛克时期到几乎整个古典时期的漫长阶段。海顿的钢琴音乐风格可分为早、中、晚三个时期，作品以62首钢琴奏鸣曲为主。早期的钢琴奏鸣曲大多为帕蒂塔或嬉游曲，带有洛可可艺术的痕迹。

　　18世纪70年代是钢琴艺术史上古典时期的开始，也是海顿整个创作的转折点。受当时德国文学界掀起的“狂飙突进运动”和北德音乐“情感风格”的影响，他的钢琴奏鸣曲规模不断扩大，形式的变化也日趋丰富，音乐主题的展开更为严密和富有建筑感。18世纪80年代以后，海顿的钢琴音乐风格出现了新的倾向，晚期钢琴奏鸣曲中抒情性的成分大大增加。这时期的海顿在音乐表现力方面已经炉火纯青，在音乐结构方面也获得了和声与对位因素的平衡，这也正是古典风格的两大特点。

　　长期以来，海顿在钢琴艺术史上的地位没有得到应有的重视，被人误解为专写玩具式钢琴曲的“海顿爸爸”。然而，海顿的音乐是对人间现实的肯定和感受。在钢琴音乐创作的长河中，海顿是连接卡尔．菲．埃．巴赫和路德维希．范．贝多芬之间的桥梁。

　　莫扎特钢琴音乐的创作

　　1756年1月27日，在奥地利萨尔茨堡一个普通的音乐教师家庭中，诞生了一位日后震惊世界、具有“神童”美誉的古典音乐巨匠，这就是沃尔夫冈．阿．莫扎特。如果说在约瑟夫．海顿的作品里，人们较多地感受到他巧智与幽默，那么莫扎特的音乐则更让人体验到浓厚的人情味。在主调风格的钢琴音乐里，莫扎特是第一位用音乐来进行心理描绘和性格刻画的作曲家。

　　莫扎特早在五六岁时便显示出超凡的钢琴演奏和创作才能，他总是用锐利、精巧的动机呈现和灵活顺畅的调性变化来取得情绪上的对比。莫扎特钢琴音乐的创作，既继承了其前辈作曲家的写作手法，又在音乐语汇和曲式结构上进行了很大的创新。莫扎特的钢琴奏鸣曲不仅结构、形式均衡统一，在主题性格的对比，和声的应用方面也更为纯熟。在莫扎特的笔下，作品中那些看似松散的音乐材料之间总有一条极其微妙的“锁链”联系着，任何乐章在他的天才创作下都是一个高度完美，结构紧密的和声整体。

　　有人说：“莫扎特的音乐没有繁杂的配器，也没有唐突的展开，一切都恰如其分、无可挑剔……”的确，莫扎特的天分和才华使得他的创作既没有过分改变传统，又具有极为鲜明的特色。他大量的作品流露出一种单纯的美，把宫廷艺术的优雅发展到了顶峰。莫扎特不仅具有非凡的音乐平衡能力，还把声乐艺术的抒情性注入到器乐演奏形式中。对于这一点，甚至有人说，莫扎特最大的贡献是教会了乐器如何歌唱。

　　当莫扎特开始他非凡的作曲家生涯时，协奏曲这种体裁已有近一百年的历史。莫扎特对钢琴协奏曲贡献颇多，从11岁创作第一首钢琴协奏曲，一直到他辞世那年的最后一首，二十七首钢琴协奏曲的记录着莫扎特在音乐上的成长轨迹。莫扎特称维也纳为“钢琴之乡”，在那里，他以教授钢琴与演出自己的钢琴协奏曲维持生计。

　　在钢琴协奏曲的历史上，莫扎特率先采用交响手法使钢琴独奏同乐队齐奏保持了精妙的平衡，歌剧性的因素在他的钢琴协奏曲中更为明显。钢琴与乐队之间既有对比又有配合，生动细腻又充满戏剧性。从某种意义上说，莫扎特是钢琴协奏曲的奠基人，他所完善、发展的钢琴协奏曲形式成为后人参照的典范。

　　[科林．戴维斯]莫扎特的钢琴协奏曲有很多特点，其中那首A大调很出色。那首协奏曲没有双簧管，声音非常平滑。对于莫扎特来说，单簧管相当于女高音或中提琴，一般来说，中提琴被分声部，使乐团的声音更加柔和。优美、浓密、甜美。加入单簧管之后，一切更加动听。他创造了现代的钢琴协奏曲，巴赫也写了很多同类的作品，但是是完全另外一种风格。莫扎特铺设了这类作品全新的道路。

　　在莫扎特一生的创作中，钢琴协奏曲是其所有器乐协奏曲中的精华，独奏声部的和谐平衡达到了几近完美的境界，出人意料的转换、不同感情的对照和明确的意境都使得他的钢琴协奏曲成为十八世纪钢琴艺术的典范。在莫扎特的所有钢琴协奏曲中，只有两首是用小调写成的，它们充满了忧郁和悲伤的情绪。其中的《第二十钢琴协奏曲》阴郁而内省。音乐大师路德维希．范．贝多芬非常喜爱这首协奏曲并亲自演奏过它。正是这种特质使莫扎特为十九世纪许多作曲家钢琴音乐的创作开启了先河。

标题音乐是以文字或标题阐明作品思想内容的器乐作品。其渊源可上溯至十六世纪以前。十九世纪上半叶标题音乐因欧洲浪漫派音乐家的提倡而盛行。

标题音乐的名称也于此时产生。

重要作曲家有：柏辽兹、李斯特等。

标题音乐可以根据作曲家自己的构思进行创作，如H柏辽兹的《幻想交响曲》；也可以取材于文学、戏剧和美术等作品，如ПИ柴科夫斯基依据但丁《神曲》中的《地狱篇》创作的交响诗《里米尼的弗兰契斯卡》、柏辽兹依据莎士比亚的同名悲剧创作的管弦乐序曲《李尔王》；李斯特的交响诗《匈奴之战》则受德国画家Wvon考尔巴赫的壁画的启发

　　标题音乐比起无标题音乐来，由于它的表现力的尖锐性和生动的音乐形象更易于被广大群众所了解，因此它在器乐作品中占有很重要的地位。

19世纪欧洲浪漫主义音乐的代表人物及其代表作品：

1、罗伯特·舒曼。

代表作有钢琴曲《蝴蝶》、《狂欢节》、《C大调幻想曲》、《童年情景》等。

是十九世纪上半叶德国音乐史上突出的人物，在他的艺术创作中深刻地反映出德国浪漫主义的优点和弱点。

舒曼狂喜的、热情的精力增加了他音乐的个人特征。他关注高于他内在自我和灵感的源泉，无论是霍夫曼还是克拉拉。这种思想几乎是意识流的，造就了奇迹般的具有独创性的形式。

2、路德维希·凡·贝多芬。

代表作品包括歌剧《费德里奥》、《D大调弥撒》、声乐套曲《致远方的爱人》等。

创作于1803年至1804年间的《第三交响曲》标志着其创作进入成熟阶段。此后20余年间，他数量众多的音乐作品通过强烈的艺术感染力和宏伟气魄，将古典主义音乐推向高峰，并预示了19世纪浪漫主义音乐的到来。

3、舒伯特。

代表作：《未完成交响曲》；d小调弦乐四重奏《死神与少女》、钢琴五重奏《鳟鱼》、C大调弦乐五重奏、钢琴曲《流浪者幻想曲》、《音乐的瞬间》 、降E大调即兴曲、A大调奏鸣曲和配剧音乐《罗莎蒙德》等。

是早期浪漫主义音乐的代表人物，也被认为是古典主义音乐的最后一位巨匠，现闻名天下的《摇篮曲》（开头为“睡吧睡吧我亲爱的宝贝）便是在他的笔下完成的。

4、弗里德里克·弗朗索瓦·肖邦。

代表作品有：钢琴协奏曲2首、钢琴三重奏、钢琴奏鸣曲3首、叙事曲4首、谐谑曲4首、练习曲27首、波罗乃兹舞曲16首、圆舞曲17首、夜曲21首、即兴曲4首、埃科塞兹舞曲3首、歌曲17首；此外还有波莱罗舞曲、船歌、摇篮曲、幻想曲、回旋曲、变奏曲等，共21卷。

肖邦是历史上最具影响力和最受欢迎的钢琴作曲家之一，是波兰音乐史上最重要的人物之一，欧洲19世纪浪漫主义音乐的代表人物。他的作品以波兰民间歌舞为基础，同时又深受巴赫影响，多以钢琴曲为主，被誉为“浪漫主义钢琴诗人”。

5、弗朗茨·李斯特。

代表作《十二首超技练习曲》、《六首帕格尼尼大练习曲》、三部《旅行岁月》钢琴曲集、《华丽足尖舞》、大量歌剧幻想曲，如改编自威尔第的《弄臣》、改编自莫扎特的《唐璜的回忆》、《诺玛的回忆》及《恶魔罗伯特的回忆》等等。

出生于匈牙利雷汀，匈牙利著名作曲家、钢琴家、指挥家，伟大的浪漫主义大师，是浪漫主义前期最杰出的代表人物之一。

以下是一些适合演讲演讲的背景音乐，它们可以帮助提高演讲的感染力，引起听众的共鸣：

1 雨中漫步(纯音乐) - 这首曲子旋律优美，带有一种平静和安详的感觉，适合用于讲述安全和珍爱生命的重要性。

2 天空之城(纯音乐) - 这首曲子也具有美妙的旋律和宁静的氛围，可以在演讲中加入一些轻柔的钢琴演奏，为演讲增添一些感人的情感。

3 你的笑颜(Your Smile) - 这首曲子出自班德瑞的《仙境》专辑，通常被用于电台午夜节目作为背景音乐。它的旋律并不特别悲伤或哀婉，但仍然能够触动听众的神经。

4 春野(ONE DAY INSPRING) - 这首曲子是班德瑞的经典作品之一，常被用于节目开头的曲子或新闻、起床曲的开头背景音乐。它非常舒缓柔美，适合在演讲中表达对生命的珍视和关爱。

5 安妮的仙境(Annie’_Wonderland) - 这首曲子也出自班德瑞的《仙境》专辑，具有柔美和力度，适合用于演讲中的朗诵配乐。

以上是一些适合演讲演讲的背景音乐，您可以根据自己的需求选择适合的音乐来为演讲增添感染力和情感。

推荐几个外国比较浪漫的歌手或乐队：

1、卡朋特乐队（Carpenters）是美国歌星理查德·卡朋特和卡伦·卡朋特兄妹二人组成的演唱组合，1970年代和1980年代初期风靡一时。卡朋特兄妹于1965年开始组织乐队，1969年11月15日，卡朋特乐队的单曲《Close to You》（靠近你）一举走红，其后，他们在整个1970年代大获成功。《Yesterday Once More》（昨日重现）、《Top of the World》（世界之颠）、《Please Mr Postman》（请等一下，邮差先生）等歌曲广为人知。1983年2月4日，卡伦·卡朋特因长期严重神经性厌食症而突然去世，卡朋特乐队随之告终。

2、恩雅（爱尔兰盖尔语：Eithne Ní Bhraonáin ，英文：Enya Brennan，1961年5月17日－），爱尔兰共和国著名独立音乐家。恩雅形容自己的三个词：完美主义者，诚实，浪漫。聆听恩雅的音乐，你的心会随着这美轮美奂而又圣洁音乐进入一个天籁般的世界。在恩雅的音乐世界里，你能感受到Only Time像River一样静静流逝，当Evening Falls时，Shepherd Moons将天空渲染成Caribbean Blue，Paint The Sky With Stars；在恩雅的音乐世界里，Anywhere Is，记忆就像淡淡的Watermark，去留无痕，但Water Shows the Hidden Heart，因此恩雅会On My Way Home时带我们去寻找那易逝的The Memory Of Trees；在恩雅的音乐世界里，恩雅就像一朵China Roses悠然开放在Marble Halls，无论Orinoco Flow还是Storms In Africa，Once You Had Gold，Hope Has A Place。

3、莎拉布莱曼（Sarah Brightman ，英国人）的歌声充满了个人特质，让人充满迷惑与想像，就像航行在海的水手听见萝蕾莱的吟唱般，成为一种方向感的依归，一种心灵折服的美声女神。她的音质纯净、通透，演唱起不食人间烟火的角色时格外惹人怜惜，让我们不禁好奇她的出身以及音乐成长背景。 让她能够悠游地游走音乐剧、古典、跨界之间，她演出且录过的音乐剧包括“猫”、“歌剧魅影”之外，还有“夜莺”、“爱的观点”、“Granpa”、韦伯“安魂曲”等