欧洲浪漫时期的设计风格主要是(

您是想问欧洲浪漫时期的设计风格主要是体现哪几方面？

1、自然主义：欧洲浪漫时期的设计风格追求自然真实、情感真挚的表达方式，倡导自然的美感和真实的生活体验。

2、柔和的色彩：浪漫主义的设计风格强调温柔、柔和的色彩，如淡雅的粉色、蓝色、绿色等，以及柔和的灰色调。

3、曲线和流畅的形状：浪漫主义设计注重形式的流畅和曲线的美感，强调设计中的流动性和温柔感。

4、中世纪艺术的影响：浪漫主义设计风格受到中世纪艺术和建筑的影响，例如哥特式和拜占庭式的元素，如繁复的花纹和装饰等。

古典派的代表人物：贝多芬、莫扎特、海顿等人

早期浪漫派：肖邦、柴可夫斯基、舒伯特、舒曼、门格尔松等人

晚期浪漫派：李斯特、拉赫、马勒等人

古典时期的音乐相比浪漫派、印象派、现代派的容易欣赏，主要代表就是贝多芬的钢琴奏鸣曲和交响曲！随着时代的发展早期浪漫派也相对来说容易理解，比如肖邦夜曲，门格尔松无词歌等一些经典作品！而到了晚期浪漫派往后，音乐已经不去注重听觉上的和谐了，作曲家们打破了传统的作曲规则和套路，以音响效果尖锐刺耳，以表达某种感情！印象派和现代派更为刺耳，现代派代表人物可以参考勋伯格，如今的现代派是朝着无调性音乐发展，听觉上舒适和谐已经被打破了。

在写作手法上，古典派的写作比较规矩，和弦选择与运用是符合逻辑的正常的，大量的正格进行来强调调性。而早期浪漫派写作手法会发现和古典派很大的区别，和弦运用非常多，音响效果很丰富。而到了晚期浪漫派以后，作曲规则被打破，一些反功能进行大量出现和一些不符合常规逻辑的运用！

如果要去欣赏建议先从贝多芬他们古典派欣赏开始，再去听浪漫派，如果你刚开始就听晚期浪漫派的东西会接受不了，觉得是一团遭，那是因为欣赏水平还没有达到，要慢慢一步步来，从古典派老师听慢慢的音乐素养就会提高，欣赏水平也会提高！

纯手工！纯手工，绝无复制粘贴！拒绝盗用！望采纳！

关于西方艺术史，尽管不少老师多次强调它对于提高艺术鉴赏力和夯实美学基础的重要性，遗憾的是大学课堂并未讲授，我只能自己到文艺书厅翻阅那些精美的画册，感叹于《泉》那样优美的裸体绘画，还有出土的断臂维纳斯、恢宏的罗马斗兽场、巍峨的哥特式教堂，等等，都给我留下过深刻的印象。因此常常神往像叶芝那样《驶向拜占廷》：“那不是老年人的国度。青年人/在互相拥抱……我就远渡重洋而来到/拜占廷神圣的城堡……请尽快把我采集进永恒的艺术安排……在金树枝上歌唱/一切过去、现在和未来的事情/给拜占廷的贵族和夫人听。”

一、寻找西方艺术史

我一直没有系统读过西方艺术史，因为书架上的教材、读本大多被翻得残旧难看，还有一股难闻的尘味，我屏住呼吸翻了几页，见理论太多、插图太少，就兴趣索然，宁愿继续去翻看提香笔下的那些健硕裸女。作为一个刚满18周岁的成年男子，知慕少艾，却未谙女体，此时与其说是欣赏西方艺术，不如坦白招出自己好奇的性心理。

欧洲的天才人体画家们常常将仙女绘成专食人间烟火的欲女，如提香的《乌尔比诺的维纳斯》，让美神成熟的裸体斜躺于榻上，两眼含着渴望、期待、挑逗、茫然和无所谓的神情，既像思春的贵妇人，又像*荡的妓女，仿佛在等待着情人或顾客的来临。那时我听说过一点古希腊艺术的知识，就以为表现性与肉欲是西方绘画的主要特点，却忽视了提香在维纳斯后面画的两个人，其中一个双膝下跪似在祈祷，代表了画家的某种宗教情怀。对此画的理解，要将诱人的肉体和背后的祈祷联系起来才算完整。

若干年后，我找到了一个比较好的版本，海南出版社2000年版的《西方艺术史》，图文并茂，几乎每页都有艺术作品的插图，看起来清爽多了，唯一的缺陷是理论诠释过于简略，许多地方看起来似懂非懂。幸好我曾零星看过一些艺术赏析的书，所以勉强能接受。

此书由四名欧洲学者编撰，原名“The history of art”――艺术史。这种欧美中心论的治学方式钩起了我心理的一点不快，毕竟书中只有欧美的艺术，相信译者看了也有这种感觉，所以转译为《西方艺术史》。

二、文艺复兴之前

西方艺术起源于何处？文艺复兴期间有一幅名画叫《维纳斯的诞生》，刚从海洋泡沫中诞生的维纳斯站立在一只蚌壳上，两位风神把她送到岸边，时辰女神拿着花斗篷前来迎接，天空下着玫瑰花雨，海面微微泛起波澜。这大概就是艺术诞生的隐喻。

神话传说、祭祀、狩猎、性爱、生育、史前洞穴……沿着时间的脚印巡礼西方艺术，可以发现法国拉斯科洞窟的原始绘画也充满了抽象、象征的意味，令人想起印象主义和现代的某些画风。

尽管美索不达米亚和埃及等地中海沿岸地区都对西方艺术的形成产生过重要影响，但真正起决定性作用的无疑是伟大的古希腊文明。希腊人除了给我们留下动人的神话故事，还有雅典娜、宙斯、赫拉和巴底农等立柱式的神庙，因其对石材的广泛应用而保存长久；至于人体艺术，他们更是鼻祖。在中国人在艺术创作中羞涩地隐藏起自己的胴体时，他们很早就提出人体的最佳比例：身高7至8倍于头长；并奉献出了《掷铁饼者》等大量完美的裸体雕像。即使在希腊化时代，也有一只极其帅气的亚历山大大帝头像，实在想不到他就是那个曾经纵横欧亚大陆的军事统帅，和神话中的阿喀硫斯一样战无不胜，可惜英年早逝。希腊时代的人体艺术品，无论男女，在体型、气质方面都达到了无可企及的美境。

罗马帝国的艺术承自希腊，但《披甲的奥古斯都皇帝》繁琐的衣甲抑制了人的生命力，自以为是的领袖架势已显造作，美感远远逊色于希腊裸男。中世纪无论是拜占廷、罗曼还是哥特艺术，除了建筑风格尚可欣赏之外，那些神祗和人物画看起来很气闷，这是欧洲的阳萎期，而同期的唐朝诗人李白“仰天大笑出门去，我辈岂是蓬蒿人！”唱响了盛唐艺术的最强音。

三、文艺复兴之后

直到文艺复兴，人文主义思潮的传播才使西方艺术重新勃起。达芬奇、提香、波提切利、米开朗基罗等天才重拾希腊精神，将西方艺术提升到了新的层次。《蒙娜丽莎》不必多说。米开朗基罗的雕塑《大卫》也是世界艺术史罕有的杰作：大卫这个《圣经》里的英雄充满自信地站立着，向人们展示了他的健美身材，左手拿石块，右手下垂，头向左侧转动，面容英俊，双目有神，英姿飒爽，身体中积蓄的强大力量似乎随时要爆发，代表了伟大的人文主义精神。此雕像的复制品至今仍屹立在意大利佛罗伦萨的市政广场，原件则在博物馆严加保存。可惜书中仅选了多纳太罗的《大卫》雕像，虽然也不俗，但比米氏差了一个档次。

文艺复兴向前演变，就产生了“巴洛克”、“罗可可”等术语。前者原指形状不规则的东方珍珠，后词义变宽，表示思想和表达方式的独特、个别、任意性，在艺术创作中表现为对感官、喜庆、浮华和激情的突出。后者原指对岩洞、贝壳和钟乳石的模仿，后被引入室内装饰，日益走向日常生活，变得越来越世俗化。这个时期的西方艺术给我印象深刻的是罗马圣彼得大教堂广场等宗教建筑和巴黎贵族的沙龙以及装饰豪华的宫殿，还有伦勃朗的自画像。

伦勃朗有画自己的嗜好，共画了近百幅，我看到的是他青年、中年、老年三个时期的三张自画像。青年时期他身穿华丽服装、意得志满、嘴唇充满肉感，看起来玉树临风，可以想像他应是一位风流才子。中年时期他眉宇显出疲倦，衣着朴素，已经发福，人到中年百事忧，看来他也难免俗。老年时期他穿着尊贵的服饰，胸前还挂着类似怀表的饰物，清澈的眼睛透出哲学般的深思，嘴角的撇起和隐隐的微笑表示自己已经世事洞明，看清楚了就无所谓。人生的三个阶段，在此得到了充分概括。

四、19世纪的西方艺术

19世纪最先出现的是新古典主义，《马拉之死》、《荷拉斯兄弟的宣誓》等作品告诉我们艺术辞典中离不开责任、宏伟和庄严等词。油画《马拉之死》表现了马拉这个法国大革命的重要***刚刚被刺的惨状：被刺的伤口和染红了浴巾的鲜血，握着鹅毛笔的手垂落在浴缸之外，另一只手紧紧地握着凶手递给他的纸条。作者以触目惊心的画面来表现了古典主义的献身精神。《荷拉斯兄弟的宣誓》以罗马历史上的英雄荷拉斯三兄弟向老父亲作出征前的宣誓，表现对国家的忠诚和荣誉感，而旁边妇女们的哭泣哀叹强化了他们刚毅神武的英雄形象。

对于浪漫主义，我们首先要记住雨果的名字，他从理论上阐述了浪漫主义，并在文学和绘画等方面作了重要探索。他的小说《巴黎圣母院》和《悲惨世界》闻名于世；画作《涡石灯塔》以拟人化的手法将灯塔塑造成了为浪漫主义狂飙大声疾呼的旗手。还有载入过中学历史课本的《自由指引人民》（作者：德拉克罗瓦），画中自由女神敞胸露乳、高举旗帜带领革命者向光明前进，非常激动人心。德拉克罗瓦的另一幅画作《萨达纳巴尔之死》表现了国王在围城内准备与所有财宝、骏马和女人一起自焚殉国时的情景，火红的宫床、绸缎、缰绳、辔饰、长幔，国王的眼光从上方倾斜而下，右下角的妇女惨遭割喉，整个画面惊心动魄，具有巨大的艺术爆发力。这幅画就像德拉克罗瓦在日记写的那样：“色彩就是眼睛的音乐，它们象音符一样组合着……无法达到的感觉”。

此后的现实主义更加关注社会现实和平民的普通生活，如米莱的《捆干草者》、莱勃尔的《教堂里的三个女人》等。库尔贝的《画室》应是代表作。他这样描述自己的画作：“这幅画分为两个部分，我处在中央，正在作画；右边是所有股东，也就是说朋友、艺术界的工作者和爱好者。左边是另一个平凡生活的世界，普通百姓、悲惨的人、穷人、富人、受剥削者、剥削者以及靠死人生活的人……一名女裸体模特儿站在我椅子后边。” 这幅画极具象征性，画中的画家仿佛就是圣父，用他的画架分开了善恶，进行着最后的审判。

最令我震撼的是其后出现的印象主义。摄影技术揭示了表象的多样性和直接捕捉真实感觉的重要性。印象主义更强调画家的主观感觉和捕捉瞬间的的能力，他们确信风景是依时刻、季节、气候不同而变化的，这种短暂、瞬间的诱惑把他们引向逐渐消逝和无穷无尽的艺术幻想。一般认为这一画派的奠基人是马奈，他的《草地上的午餐》把全裸的女子和衣冠楚楚的绅士画在一起，愉快地聊天、聚餐，以夸张的手法表达了对率真、自由的世俗生活方式的向往，其鲜艳明亮、对比强烈的画法是对传统的突破。

“印象派”一语由莫奈的《印象，日出》所引发，他描绘了法国勒阿弗尔港口一个多雾早晨的景象：一轮红日投射在海上，海水被染成淡紫色，天空微红，水波淼淼，摇曳的小船朦胧模糊，人影依稀可辨，远处的工厂烟囱、大船上的吊车等若隐若现。这来临自他从一个窗口凝望产生的瞬间印象，笔触大胆新奇，开创了一代画风。

梵高的故事相信大家都不陌生，斯通的《梵高自传》已有具体描述。他不是正宗的印象派，但却是真正的天才，就是普通的向日葵也被他画出了生命的真谛。欣赏那幅不朽的画作《向日葵》，可体会到画家像熊熊火焰一样炽热的激情和旋转不停的运动感，还有单纯强烈、粗厚有力的色彩对比，那种激动人心的画面效果充分体现了他心灵的震颤和激情。这时的向日葵不再是静静的植物，而是带有原始冲动和热情喷发的生命体。他画的草鞋、工人等也闪烁着天才的光芒，流露着悲天悯人的情怀。

与印象派相关的大师还有高更、塞尚等。

五、现代艺术的困境和嬗变

20世纪是工业化集大成的时代，钢筋水泥成为广泛应用的建筑材料，建筑在强调美观的同时，更具实用性和世俗性。欧式高楼大厦随全球化走遍世界，五大洲处处皆是，这在城市化的中国尤为泛滥，造成诸城的千篇一律。而我喜欢的经典之作如悉尼歌剧院和贝聿铭为卢浮宫入口处设计的金字塔等在国内非常罕见。

在都市森林中，在两次世界大战造成的人道主义危机中，在意识形态的幻变中，艺术亟需变革。受到象征主义、批判现实主义、印象主义、自然主义和唯美主义等各种思潮影响的毕加索开辟了立体主义的新天地。过去的画家都是从一个角度去看待人或事物，所画的只是立体的一面。受X光透视等现代科技启发，立体主义以全新的方式展现事物，他们从正面不可能看到的多个角度去观察，把几个侧面都用并列或重叠的方式表现出来。毕加索在《阿维尼翁的姑娘们》中，把五个裸女的色调以蓝色背景来映衬，背景也作了任意分割，没有远近的感觉，人物是由几何形体组合而成的，右边两个女子的面孔酷似非洲的硬木人面具，右下角的女子双腿分开令人联想起性和生育，画面下方还有几只水果，充满象征和暗喻，至今仍是个未被说明的秘密。这反映了20世纪现代艺术的特点：作者只提供一个空间和可能性，让读者参与创作，主题在作者和读者的互动中产生（甚至，根本就是无主题）。

康丁斯基更将现代艺术引向了大抽象，使人们对事物外表的的审视转变为“内部参与”。他的作品《带黑色的弓形，154号》中，特定的主题和视觉的判断都消逝了，只借色彩和形状的搭配营造出一种猛烈冲突的动势和紧张，令人想起世界大战或罢工。《白线，232号》以一种松散和气氛性的手法来处理的，色块被一种强烈的直线条图案和规则的曲边所强调，也许想表现宇宙空间和星系的相互作用。

随后的艺术家们越走越远，那些奇思妙想的几何造型和极度抽象的色彩组合令人越来越费解，艺术家企图突破传统，却越来越陷入迷宫，超现实主义、行为艺术……五花八门的术语掩饰不了审美的混乱，至少我对这阶段的艺术并不喜欢。当然也有些艺术家在回归传统，关注现实，以简洁的象征来表达主题，但成就与前两个世纪尚有差距。

至于互联网时代的艺术，读图开始优先于读文，声光特技和电脑制作的发展使创作变得更含混，一切尚在嬗变中，我混乱的脑袋尚未清晰，无定的寻觅中只能欣赏当下和回眸以往。

先是原始神话故事的产生

进而是产生于战国时期的楚辞的产生 尤其是屈原的浪漫主义杰作《离骚》的产生 奠定了我国古典浪漫主义的基石 这个时期不能忽略庄子的寓言杰作 给后世浪漫主义文学发展立下的汗马功劳

在诗歌史上 我们会首先记起浪漫主义的诗人李白 他的诗歌在中国文学发展史上 是以浪漫主义著称的·······

浪漫时期是不是有分音乐的浪漫时期和别的浪漫时期

浪漫时期绝对唔关爱情事，是战争，革命的唔关2月14事嫁~~ 浪漫主义 Romantici 18世纪后期到19世纪中叶 浪漫主义Romantici 为强烈的诉求个人在美感、奇特、情绪上的艺术作品，不满现实而又热情，更对异国的 世界响往。 欧洲艺术发展到了十八世纪中叶，出现了一股向往回归自然、迷恋中世纪的风气，浪漫主义Romantici 的倾向于是露出了端倪，并且继续发展，到了十九世纪初，终于汹涌澎湃成为席卷欧美的艺术风潮。 浪漫主义主张创作自由、强调表现艺术家的个性、重视想像和感情，在许多方面，与新古典主义 Neoclassici 艺术形成了鲜明对照。新古典主义艺术家不强调清晰的个人风格，而是寻求表现永恒的有效真理；浪漫主义则追求将自身的情感、信念、希望和恐惧，以各种形式表现。浪漫主义画家不强调素描和严谨的外形而是强调激越的情感和极端个性化的表现。 浪漫主义排除单一风格的发展，它并不反对前期的风格，所以在浪漫主义盛行之时，新古典主义的理念仍旧可以发展。西方艺术史上所谓的「浪漫主义时期」，应将新古典主义、浪漫主义、写实主义Reali 以及自然主义全部包括在内。因为它们的精神是一直贯穿、绵延不断的。所以在一些写实主义或自然主义作品里，可见浪漫主义的气质。 浪漫主义的重要艺术家有法国的杰利柯Theodore Gericault、德拉克洛瓦Eugene Delacroix，英国的布雷克William Blake，和西班牙的哥雅Francisco de Goya，德国的腓特烈Car David Friderich及美国的宾汉Gee Caleb Bingham。 抽象表现主义 在欧洲的说法是"无形式艺术"(Art Informel)。 这名词早在1920年就出现了，1946年，美国的媒体正式使用这名词描述当代的绘画。1940年代，当大部分的欧洲陷入二次大战的烽火中，而美国承担了继续发展艺术的大任。"抽象表现主义"即是第一个在美国本土发展出来的艺术流派。当时美国优秀的艺术家们聚集在东海岸，特别是纽约，正好与来美躲避战火的欧州艺术家们互相学习，观摩。这些欧州艺术家其中包括了：麦克斯．恩斯特(Max Ernst)，皮耶．蒙德里安(Piet Mondrian)等人，他们影响了美国当时的艺术风格，所以"抽象表现主义"可以说是一个"欧裔美系"的艺术潮流。 细分"抽象表现主义"，我们可以类分为： "爆发表现派" "书法表派" "记号表现派" "几何表现派" "单色表现派" "音乐表现派" 所以，"抽象表现主义"所表现的并不是一种特定的绘画风格，而是一种对于艺术的态度。此派的画家的作品主题常常带有沈重的悲剧性与道德感，这与当时社会与生活的现况恰成对比。此间的画家多具有叛逆的精神与自由的信念，他们重视个性的表达与即兴的创作，传统的主题与风格已无法满足他们的创作欲，风格已不是他们注重的课题。 抽象表现主义所受到现代艺术各流派的影响包括了：梵谷的表现主义，康丁斯基的抽象，马谛斯对明亮饱满的色彩运用，米罗的有机造型，一直到超现实主义的潜意识的心理幻象。 目前"抽象表现主义"(AE or Ex)这名词在美国已是家喻户晓，它影响了战后的艺术创作，包括了摄影，雕塑，陶艺，与设计，而"行动绘画"(Action Painting)与"美国风格 "(American-style)也成为了"抽象表现主义"的代名词。 二十世纪最初的新绘画运动，如将理论推到极端将变成抽象绘画。抽象绘画发展循着两个形态进行的：古典和浪漫；冷和热抽象；几何形与表现抽象。二次世界大战后，抽象绘画在美国与超现实主义结合，产生了「抽象的表现主义」。抽象绘画主要观念：艺术作品是形与色这两个单纯因素的构成。 抽象绘画形成的三部分 一抽象绘画的前身 印象派忽略主题，专心描写光和色。 二广义的抽象绘画 立体派解体形象，注重平面的造形结构。 奥菲斯派破坏形象注重画面律动。 末来派破坏形象强调主题的运动感觉 三狭义的抽象绘画 结构主义关心几何形体的组织。

参考: kidsartidv/fineart6

浪漫时期？是不是音乐的浪漫时期？ 西方音乐发展粗略来说始于中世纪的宗教音乐，那时音乐是修士的鬼玩意。然后到了「文艺复兴」时期，音乐不断发展，进入了「巴洛克」时期以及百花齐放的「古典时期」，后来的两个世纪里，钢琴键数被定为八十八个，管弦乐团的编制成形，管弦乐法及交响诗等出现；交响曲、协奏会、奏鸣曲等断渐趋成熟，而歌剧的发展亦一发不可收拾。就是这个辉煌的年代，人们称它为「浪漫时期」。　在此之前，音乐是宗教的一部分，是哥颂上帝的途径，可以说是以神为主，但是在浪漫时期出现了转变，音乐以人为主，人们懂得以音乐歌颂大自然，歌颂生命。「浪漫主义」一词颇为多意，在音乐上我们把它定义为狂想、创造、想像力、传奇故事等。在文学或绘画上亦属同意。「浪漫时期」的狂想，、创新与「古典时期」的平衡，对称形成了最鲜明的对比，在十八与十九世纪之交，浪漫时代接替古典时代，也就是说「浪漫时期」是在两者的比较下而被突出的，而「古典时期」亦突显了它在某种意义上的价值。　浪漫主义与古典主义之间最显著的分别在于表现与形式。「古典时期」强调形式规则与方法，「浪漫时期」则以表现和内容先入为主。在古典音乐的乐曲中，我们可以听到乐曲的清晰结构，在个人的自觉意识上，我们仿佛可以预先推想到乐曲的进行与发展。任何事件触发的情感表达，都可以在乐曲的结构中找到。在「浪漫时期」的乐曲中，我们会感受到旋律中表达的情感表现，这些情会通过和声或旋律，在某个巧妙的时刻出现。感情表达的手段以各种新思想的冲击，比形式更为重要。浪漫主义艺术家更往往把形式作为一种本质上的存在而接受，并令其更加动人，在古典的传统形式内注入了出人意表的变化。　　贝多芬为古典时期书上了句号，亦是浪漫时代的开拓者，在此之后，作曲家们在十九世纪中不断创造出连串的经典。舒伯特、白辽士、门德尔松、萧邦、柴可夫斯基、德伏扎克、艾尔加、李斯特、威尔第，还有更多。他们的笔下出现了不少家传户晓的乐曲小品，例如李斯的「爱之梦」，威尔第的「茶花女」，布拉姆斯的「匈牙利舞曲」，艾尔加的「爱的颂赞」，萧邦的「夜曲」，德伏扎克的「幽默曲」……这些浪漫时期的作品都被收入了世界音乐的宝库，值得一听再听。

巴洛克音乐指欧洲在文艺复兴之後开始兴起，且在古典主义音乐形成之前所流行的音乐类型，延续期间大约从1600年到1750年之间的150年。

巴洛克（Baroque）一词来源於葡萄牙语「Barocco」，意指形态不够圆或不完美的珍珠，最初是建筑领域的术语，後逐渐用於艺术和音乐领域。在艺术领域方面，巴洛克风格的特徵是精致细腻的装饰以及华丽的风格，造成这种现象的主因，是因为巴洛克时期是贵族掌权的时代，富丽堂皇的宫廷里奢华的排场正是新的文化以及艺术的发展中心，而这个大环境的改变也直接的影响到了音乐家的创作。十七、八世纪宫廷乐师所写的音乐作品，绝大部分是为上流社会的社交所需而做，为了炫燿贵族的权势以及财富，当时的宫廷音乐必定得呈现出炫燿的音乐以及不凡的气度，以营造愉悦气氛。[1]

巴洛克音乐的特点是极尽奢华，加入大量装饰性的音符。节奏强烈、短促而律动，旋律精致。复调音乐（复音音乐）仍然占据主导地位，大小调取代了教会调式，同时主调音乐也在蓬勃发展。於是复调的和声性越来越明显。复调在 JS巴赫时代发展到极至。<br/><br/>数字低音及即兴创作是巴洛克重要的部分，并且管弦乐团编制尚未标准化。<br/><br/>目录 [隐藏]<br/>1 主要作曲家 <br/>2 音乐创作 <br/>21 乐器作品类型 <br/>22 创作技法 <br/>3 参考书目 <br/>4 附注 <br/>5 参见 <br/><br/><br/><br/>[编辑] 主要作曲家<br/>义大利：<br/><br/>科莱里（Arcangelo Corelli, 1653-1713） <br/>A史卡拉第（Alessandro Scarlatti, 1660-1725） <br/>韦瓦第（Antonio Vivaldi, 1678-1741） <br/>D史卡拉第（Domenico Scarlatti, 1685-1757） <br/>德国：<br/><br/>巴赫（Johann Sebastian Bach, 1685-1750） <br/>韩德尔（George Frideric Handel, 1685-1759） <br/>泰勒曼（Georg Philipp Telemann, 1681-1767） <br/>法国：<br/><br/>吕利（Jean-Baptiste Lully, 1632-1687） <br/>F库普兰（Francois Couperin, 1668-1733） <br/>拉摩（Jean-Philippe Rameau, 1683-1764） <br/>英国：<br/><br/>珀赛尔（Henry Purcell, 1659-1695） <br/><br/>[编辑] 音乐创作<br/>巴洛克音乐创作的发展中心以贵族的宫廷、私人组织的学会以及天主教教会为主，其中又以宫廷最具影响力。此时期的音乐创作除了适合在宫廷里演奏的大协奏曲（concerto grosso）以外，还有贵族沙龙里带有私密气氛的小规模乐器奏鸣曲（Sonata）；弥撒、神剧、受难曲以及丰富的管风琴曲目，令教堂充满了圣神的光彩；另外，歌剧在威尼斯快速兴起，藉著音乐和戏剧的结合将情感抒发到最高点。音乐创作从此步入了一个蓬勃发展的阶段。[2]

[编辑] 乐器作品类型

当时富有的贵族大多都拥有专属的乐团，以便在宫廷中娱乐宾客，而变化多样又音乐宽广的乐器曲就广受青睐。乐器曲崛起後，音乐的创意更有了发挥空间，音乐家开始发展出不同的乐曲类型：[3]

组曲（Suite）

奏鸣曲（Sonata）

协奏曲（Concerto）

赋格曲（Fugue）

罗曼尼斯卡（Romanesca）

[编辑] 创作技法

数字低音（basso continuo）

顽固低音（basso ostinato）

赋格（fugual polyphony）

竞奏（concertato medium）

即兴演奏（improvisation）

浪漫主义音乐、文学

　　浪漫主义在艺术上的兴起，最早见于十八世纪的文学作品中，这些作品将一切个人的感情、趣味和才能表现得淋漓尽致。在音乐方面，浪漫主义作曲家强烈地表现出自己的癖好，这与受形式支配的古典主义格格不入。古典主义音乐象线条一样鲜明；而浪漫主义音乐则偏重于色彩和感情，并含有许多主观、空想的因素。

　　然而，这只是原则上的区别，要想在不同的创作风格之间，譬如古典主义和浪漫主义之间，按照那些讲究条理的音乐史家的愿望划一道泾渭分明的界线，从来不是那么容易的。简单地下定义行不通，这些定义总是因为忽视了很多非常重要的因素而过于简单化。

　　例如，假使断言古典主义音乐是客观的，浪漫主义音乐是主观的，那么岂不是说海顿、莫扎特和贝多芬在某种程度上像电脑一样，从不创作反映自己个人感情的作品了？这显然是非常荒谬的。同样地，如果说浪漫主义作曲家“摆脱”了传统形式的原则，那么这实际上就是否定了他们在继续使用这些形式，甚至在未必可能的场合下使用古典形式。

　　例如威尔第就用赋格曲式结束他的喜歌剧《法尔斯塔夫》。另外还需明确古典主义和浪漫主义这两种风格曾经共存了一段时期，重要的浪漫主义歌剧作曲家、德国理想主义者韦伯就先贝多芬一年逝世，舒伯特的死也仅比贝多芬晚一年。可是，在这两种乐派之间实际上又存在着我们很容易把握的区别，这些区别大多是源于非音乐的原因。到浪漫主义时期，作曲家在社会上的地位已有根本的改变，他们已不再是一个城市、宫廷或教堂的雇员。

　　贝多芬也只是赢得了某种程度上的真正独立，因为不管那些贵人们多么慷慨地让他自行其是，他的大部分生计仍维系于贵族的庇护。而现在，理论上说作曲家完全是他自己的主人，实际上也就是大众的仆人。

　　为了满足大众的需要，各种各样的音乐会社团和音乐节网络迅速地发展起来。如果一个作曲家，比如门德尔松，能为这个众多的占统治地位的中等阶层提供他们所喜闻乐听的音乐，他就是成功的；反之，如果他忽视时代的审美观，只为自己或他理想中的后代创作，那么他在公众的心目中就必然是个“怪里怪气”的孤僻艺术家。这一类作曲家常以为他们是出类拔萃的杰出人物，是未来艺术的预言者。

　　“艺术家”一词的使用不是没有意义的，因为整个十九世纪的作曲家都这样看待自己。他们这样称谓自己很有理由，因为一旦摆脱了私人的庇护，投身到社会中去，他们便开始和文学作家等富于创造精神的同行有了接触。

　　事实上，韦伯、舒曼、柏辽兹除了作曲还写过一些有关音乐的书，而瓦格纳不仅自己写剧本，还写出了许多关于音乐、戏剧和哲学的著作和论文，真难以想象他何以还有时间创作出那么多的乐曲来。这新的一代作曲家对弥漫在社会上的各种新思想有着浓厚的兴趣，不管是科学的、民族的、还是艺术的。最重要的是，他们对文学的陶醉到了如痴如狂的程度。他们的前辈仅满足于用器乐表达纯粹的音乐思想，浪漫主义音乐家则致力于让音乐在表达的广度上与语言并驾齐驱。

　　当然，给歌词谱曲一直是作曲家们的实践之一，可是当时流行的是用器乐表达或描绘一种特定的场面，甚至讲述一个故事。这起始于贝多芬的同代人韦伯，后来又被李斯特、理查德·施特劳斯发展为描述性的交响诗。

　　十九世纪上半叶，自然的、乡村的浪漫主义文学转变为幻想的、比生活更加广阔的浪漫主义文学，分别以简·奥斯汀的《傲慢与偏见》（1813年）和艾米莉·勃朗特的《呼啸山庄》（1847年）为代表。这两部英国小说有天壤之别，这种区别在沃尔特·佩特（W·Pater）给浪漫主义下的定义中可以得到概括，他认为浪漫主义是“给美添上了怪诞的色彩”。

　　因此，毫不奇怪，浪漫主义音乐在很大程度上同样表现了一种奇异的超自然的东西，如柏辽兹在他1830年所作的《幻想交响曲》中所表现的那样。作曲家们很快就对周围的大自然发生了新的兴趣，这种自然已经不是贝多芬《田园》中的那种简单的自然，而是大写的“自然”，一种因为他们超脱于芸芸众生才与他们有着特殊联系的力量。不管是文学还是音乐，浪漫主义的另一个特点就是十分强调单个的人，而不是那种作为社会的一分子、被仔细地划入某个阶层而根本无法摆脱其束缚的人。

　　因此，对独立个性的重视使作曲家们有意识地追求个人的特点，有时成了自我主义。这样，他们离那些因为循规蹈矩而压抑了自己部分创造才能的古典主义作曲家就越来越远了。

　　想用寥寥数语概括浪漫主义音乐的特点，其结果非常容易使读者误以为浪漫主义作曲家都是放浪形骸之徒。虽然他们中间有人确有行为出轨的时候，但是总地来说，他们有足够的自控能力使自由不致逾越界限。他们当中大多数人仍继续运用传统的交响曲、奏鸣曲、四重奏等形式，虽然在这些形式里出现了与莫扎特不同、会使他的审美观受到侵害的新东西需要记住的是，审美的好恶总是处于不断的变化之中，因此这一代认为“过分”的行为在下一代眼里却是规范，昨天的“顽皮的孩子”，逐渐长成为今日受尊重的“老伯伯”。[注：法国诗人戈蒂耶早年参加浪漫主义运动时被称为“顽皮的孩子”、“老伯伯”则是英国人对曾经担任首相的政治家格莱斯的尊称]。浪漫主义运动内部也一直存在两个不同的流派，一个是以柏辽兹、李斯特、瓦格纳为代表的激进派，另一个是以门德尔松、勃拉姆斯、布鲁克纳为代表的保守派。研究早期浪漫主义可以说明分裂是怎样产生的，也可以把那些重要性在管弦乐曲的作曲家（门德尔松、柏辽兹）和那些重要性在其他方面的作曲家（如歌曲方面的舒伯特、歌曲与钢琴曲方面的舒曼、歌剧方面的韦伯）区别开来。

18世纪的设计风格是非常矛盾的。工业革命后，新的材料、技术和新的生产方式不断出现，传统的设计已不能满足新时代的要求，人们以各自的方式探索新的设计道路。在这一过程中，混乱是难免的。

由于传统的风格和形式在长期的实践中已定型、成熟，当人们改用全然不同的材料进行商品生产时，还不熟悉新的可能性，起初总是要借鉴甚至模仿习见的传统形式。这就在旧形式和风格与新的材料和技术之间产生了矛盾。这种矛盾从18世纪下半叶一直延续到19世纪末。

由于受到建筑风格的影响，复古思潮统治着18世纪下半叶的设计活动，这期间比较流行的是新古典和浪漫主义。它们的出现，主要是新兴的资产阶级有政治上的需要，他们之所以要利用历史式样，是企图从古代文化中寻求思想上的共鸣，用借来的语言导演出世界历史的新场面。

新古典是指资本主义初期最先出现在文化上的一种思潮，在建筑和设计史上指18世纪60年代开始在欧美盛行的古典形式。18世纪前的欧洲，巴洛克式风格和洛可可式风格盛行一时，其繁琐的装饰与贵金属的镶嵌逐渐引起了人们的厌恶。在探求新的设计风格的过程中，希腊、罗马的古典建筑成了当时的创作源泉。1750年，罗马庞贝遗址被发掘，在欧洲引起了研究古典艺术的热潮，人们认识到古典艺术质量远远超过巴洛克式风格和洛可可式风格，促成了新古典的产生与流行。

新古典追求古典风格和简洁、典雅、节制的品质以及“高贵的纯朴和壮穆的宏伟”。在建筑上追求建筑物体形的单纯、独立和完整，细节的朴实，形式的符合结构逻辑，并且减少纯装饰性的构件，显示了人们对于理性的向往。新古典在各国的发展虽然有共同之处，但多少也有些差异，大体上在法国是以罗马式样为主，而在英国、德国则是希腊式样较多。新古典风格也体现于当时的产品上，其特点是放弃了洛可可式过分矫饰的曲线和华丽的装饰，追求合理的结构和简洁的形式，构件和细部装饰喜用古典建筑式的部件。图3-2所示是一种法国座钟，即采用了古典柱式，整体形态简洁利落。

但是将一件实用品模仿建筑物来设计，未免小题大作，喧宾夺主。英国新古典家具的成就很大，其中涌现了一大批优秀的设计师，他们长于设计朴素、实用的形式，加上座钟适度的装饰细节，以防止单调。乔治二世（George II ，1683—1760）的衣橱基本上是一个朴素的四方盒子（图3-3）。但这种四方形又被顶层抽屉下的腰线和托架地底座所减缓，底座上的脚将柜子稳当地放置在地板上而不显沉重。这种典型的英国风格显示出来的朴素感在欧洲是罕见的。在柜子的制造方面，出现了以玻璃门为主要特点的大型立柜（图3-4）。这种立柜力图表现木材本身的纹理美，柜体完全以直线贯穿首尾，这大概可称得上是现代家具的先声。

英国的谢拉顿（George Sheraton，1751—1806）是当时新古典的家具大师。他的椅子（图3-5、图3-6、图3-7、图3-8）设计重点装饰放置于靠背之上，变化很多，但椅腿却很少有曲线装饰，表现出单纯的结构感。谢拉顿于1791年出版的《家具制造师与包衬师图集》和1802年出版的《家具辞典》是家具设计的百科全书，对整个家具界贡献巨大。图3-9所示是谢拉顿设计的新古典陶瓶。

漫主义（Romanticism）是18世纪下半叶至19世纪上半叶活跃于欧洲艺术领域中的另一主要艺术思潮，在设计上也有一定的反映。浪漫主义始源于工业革命后的英国，一开始就带有反抗资本主义制度与大工业生产的情绪，它回避现实，向往中世纪的世界观，崇尚传统的文化艺术。浪漫主义在要求发扬个性自由，提倡自然天性的同时，用中世纪艺术的自然形式来对抗机器产品。浪漫主义追求非凡的趣味和异国情调，特别是东方的情调。由于浪漫主义反对工业化生产，也就无法解决工业条件下的设计问题，并且对后来反对机械化的英国工艺美术运动产生了深远影响。

18世纪的设计师们在处理产品的功能与设计的关系上是暧昧的。他们一方面对产品的坚固性和实用性很关心，另一方面又对装饰有浓厚的兴趣。这既是为了用装饰来体现设计者和生产者的水平，以提高产品的身价，也是为了满足当时人们对于装饰的要求。由于流行趣味的影响，不少产品，特别是家用产品都必须附加一定的装饰才有市场。如果产品是为达官显贵制作的，或以贵重材料制作的，装饰就更加华丽。这一时期的家庭中很少有机具，当然这些机具是今天已完全淘汰了的东西，例如没有一个现代家庭认为纺车会是一件必需品。18世纪中叶的标准纺车是木材制成的，非常结实。其形式经过很长时间演化才确定下来。腿上和轮辐上有车花，反映了制作者对于装饰的爱好。图3-10所示是稍后一段时间制作的一架纺车，设计雅致，线条简洁，用桃花心木镶以椴木制成。但它只是一件客厅的摆设，因为当时机器已经完全代替了纺车。图3-11所示是同一时期用青龙木制成的手摇胡椒磨，它很坚固实用。之所以选用珍贵的木料，既是因为它非同寻常的坚固性，也是为了它漂亮的质地。这种坚固性使得胡椒不至于把磨子损耗得太厉害。装饰这件漂亮玩意儿的精致手工艺，是制作者内心感情的体现，也就是珍贵的木材以及胡椒两者都应以某种方式得到称颂。

18世纪是一个追求理性的时代，设计师们生产了多种多样的仪器用于不同的目的，其中一些还是相当复杂的。他们有时难以克制对于装饰的激情，特别是这件仪器是为某一显赫人物订做的时候更是如此。例如，为英王乔治三世（Geoge III，1738—1820）制作的极为奢华的银质显微镜（图3-12）就通身饰以超常复杂的人物和花草。显然，在这种情况下，装饰的特征影响了仪器的使用效率。这种对于装饰的爱好一直延续到19世纪末。

在许多方面，18世纪影响英国设计的因素与欧洲大陆有所不同。这是一个设计图集兴盛的时代，许多主要的艺术家为形形色色的物品提供了设计。但是，主要的差别在于欧洲大陆的绝对王权从未在英国建立起来，商业自由的经济价值观和私有财产进一步发展，并受到议会保护。这说明了为什么大多数与这一阶段设计和产品密切相关的有名人物并不是艺术家或设计师，而是诸如切普代尔（Thomas Chippendale，1718—1799）、魏德伍德（Josiah Wedgwood，1730—1795）和保尔顿（Matthew Bowlton，1728—1809）这样的企业家和发明家，他们率先在艺术与工业之间架起了桥梁。值得提出的是，在工业革命之初，尽管在机械化和新的商业组织形式上发生了变化，但产品的种类，特别是日常生活用品的类型并无显著变化，仍然是家具、陶瓷和小五金一类的产品。

浪漫主义时期的划分与古典主义的关系文艺复兴。倾向不同：浪漫主义文学崇尚自我，具有强烈的个人主义倾向，表达了强烈的个人主义愿望。而古典主义拥护王权，有鲜明的政治倾向。崇尚不同：浪漫主义强调感情的抒发，偏重理想的追求，有很强的主观性。而古典主义文学崇尚理性和法则，反对个人感情的自由表达。手法不同：浪漫主义善用夸张的手法，追求强烈的艺术效果；而古典主义则模仿古代。文学不同：浪漫主义重视民族传统和民间文学，尤其是中世纪的民间文学，而古典主义则排斥民间文学，推崇古希腊罗马文学，追求典雅崇高的艺术风格。产生时间不同：古典主义最早产生在十七世纪的三四十年代，盛行于六七十年代，先后流行了两百年；浪漫主义产生于18世纪末到19世纪初的资产阶级革命和民族解放运动高涨的年代。