外国有哪些著名的浪漫主义音乐家？

楼上误解！莫扎特无论如何不能算浪漫主义！

浪漫主义音乐

初期的浪漫主义音乐与其它姊妹艺术一样，也是发自欧洲“启蒙时代”的思想和法国大革命的自由民主思想，它比文学中的浪漫主义要晚数十年。贝多芬的晚期作品已成为初期的浪漫主义的先驱，其后的作曲家们皆可归为浪漫派。从时代上讲，十九世纪中叶是浪漫主义音乐的全盛时期。

在古典派作曲家贝多芬、罗西尼和韦伯的晚期作品中，已经明显流露出浪漫主义音乐的风格，正是他们开创了浪漫派的先河。1800年前后出生的作曲家们，形成了初期浪漫主义的中心。后来，浪漫主义音乐经过门德尔松、舒曼、肖邦和威尔第等人的进一步完善，在柴科夫斯基、李斯特和瓦格纳的时代达到了巅峰，这些作曲家、钢琴家构成了中期浪漫主义的中心。至于马勒、理查德•施特劳斯和拉赫玛尼诺夫等近代名家的作品，则归于晚期浪漫主义音乐。

浪漫乐派在音乐史上的地位不言而喻，这一时期不但盛产伟大的音乐家，而且音乐体裁空前广泛，出现了诸如无词歌、夜曲、艺术歌曲、叙事曲、交响诗等新颖、别致的形式，是人类艺术史上的一大“宝库”。

关于古典主义与浪漫主义音乐风格的比较

海顿,莫扎特,贝多芬,古典主义三杰,维也纳古典主义最杰出的代表人物,从十八世纪中叶开始,以他们为代表的古典主义音乐开始盛行随着工业革命和科学技术的发展及法国大革命的冲击，欧洲的社会发生了深刻变革。艺术已不再仅仅是贵族所欣赏的高雅艺术，新崛起的中产阶级也成了剧场和音乐厅的观众。因此，来自民间的喜歌剧和平易生动的器乐音乐大量涌现

这个时期被历史学家和美术学家推崇为“古典”，在音乐领域，古典的风格表现在艺术上崇尚理性，音乐语言朴素精练，以严谨和谐的形式表达淳朴真挚的感情。这一时期堪称欧洲音乐史上辉煌成就。同时也影响着世界各国音乐的发展。

而18世纪末、19世纪初的欧洲资产阶级民族和民主革命时期，以奥地利作曲家舒伯特的艺术歌曲和德国作曲家威伯的歌剧为标志开始形成浪漫主义形式，一直延续到19世纪20年代。

而以萧邦、舒曼、李斯特、瓦格纳、柴科夫斯基等为代表的浪漫主义音乐强调主观性，注重个人情感表达，偏重个性化的心理的刻画，感情热烈而奔放，形式上不受拘泥，各民族音乐家的作品充满了鲜明的民族风格。

古典主义和浪漫主义的时空的界限并不明显，他们曾经共存过一段时间。而想要找到一个可以明确划分两者的定义也不是很容易的，这些定义常常因为过于简单化而忽视了很多非常重要的因素。事实上古典主义像线条一样棱角鲜明，而浪漫主义却偏重于色彩和情感，并含有许多主观和空想的元素。这是音乐给我们的直观感受。

而我想，两种音乐间的区别更多的体现在非音乐的元素上。到浪漫主义时期，作曲家在社会上的地位已有改变，他们不再是一个城市，宫廷或教堂的雇员，古典主义时期的贝多芬也只是赢得了某种程度上的独立，因为不管那些富人们多么慷慨的让他自行其是，他的大多数收入仍维系于贵族的庇护。而现在，理论上讲作曲家完全是自己的主人，实际上也就是大众的仆人，所以他们可以毫无顾及的做出大众想听到的音乐。

古典主义像木刻一样，理智，清晰，充满了逻辑思维的感觉，而浪漫主义的音乐就像水彩和五颜六色的油画一样，充满了人的各种感情，喜欢古典主义的恢弘和大气，更喜欢浪漫主义的细腻与贴心。听莫扎特的《女人心》感受“笑声与眼泪的结合”，也喜欢听舒波特的《小夜曲》，那种精致和小巧让人惊叹不已。我喜欢音乐，喜欢各种类型的音乐，他们让我感受到生活中感受不到的激情和感动，音乐让我充实，让我学着感动，音乐是有情感的，他让人哭泣，让人欢笑，让渐渐走向非我的人重新走向自我。无论是古典主义，还是浪漫主义都无法脱离的基础。

1 西方音乐史小知识点

西方音乐史小知识点 1我想学习一些简单的西方古典音乐中的乐理知识,比如音调音色等b

说起古典音乐，我上了大学之后，毫不犹豫地报了西方音乐欣赏的选修课，没想到到了研究生又报了一次。

开始只知道贝多芬，莫扎特，柴可夫斯基三个人，后来通过选修课的学习，了解到了斯特劳斯，肖邦，维瓦尔蒂，布里顿，德沃夏克等伟大的音乐家。 我觉得古典音乐的欣赏不仅仅是对音乐本身的欣赏，更是对音乐所表达的内涵的鉴赏和探索，通过古典音乐的风格和特点可以了解到音乐家的内心世界和个人性格。

因此，没有深厚内涵的音乐家是不可能写的出伟大的作品的，最多只能成为优秀。我想这也是音乐家要的达到的目的吧，要把他对人生，对社会，对艺术的理解通过音乐的表现形式表达给听众。

当他们作曲是为了自己而不是为了迎合贵族和听众的时候，伟大的作品才会诞生，尽管可能在当时无人问津。正因为如此，我在听古典音乐的过程中，一定要先看这个曲目的背景和来历。

否则只是欣赏其旋律的话，可能会无所收获。 《莫扎特传》是令我感触最深的，不愧为奥斯卡的获奖影片。

这部**重点突出了莫扎特的天才和萨里埃里的嫉妒（**为了个性鲜明和矛盾的突出，丑化了萨里埃里）。莫扎特极具音乐天赋，当萨里埃里看见他的手稿的时候，萨里埃里惊呆了，莫扎特竟然没有一处修改，而每一处也无法修改，因为太完美了。

萨里埃里认为莫扎特不是在创作音乐，他所要做的仅仅是把自己脑中的乐符抄下来，同时也感叹为什么上帝不赐予自己这样的天赋。 而萨里埃里对莫扎特的嫉妒不仅仅是因为他的天赋，更多的是因为莫扎特的张狂和自信，还有他对传统的宫廷内部制度的藐视，因为他始终认为自己是世界上最好的作曲家，他不受任何人的束缚和控制。

还有就是莫扎特的《安魂曲》真是震撼灵魂的伟大的作品。 它把莫扎特去世前的那种心理状态淋漓尽致的表现了出来。

有无奈，有苦闷，有悲凉，那种复杂的心理状况让听者无不为之感到惋惜。难怪有人说世上怎会有如此悲伤的旋律！ 可以说贝多芬始终是一个与命运抗争的人。

由于他长得丑，几次被心爱的女人拒绝，这对他来说也是不小的打击，而他后期的失聪更说明他不是上帝的宠儿。 在这样的困难之下，他还能创造出第九交响曲这样的作品，则更加体现了贝多芬的伟大。

要知道，失去听力对一个作曲家来说意味着什么。这就好比厨师失去了味觉，画家失去了眼睛一样。

而正是这样的贝多芬创造了后人无法超越的交响乐的顶峰。所以贝多芬的音乐是不能不听的。

他的《田园》，《命运》《第九》都被我请进了电脑。 后来便是圆舞曲大师施特劳斯，他的《蓝色多瑙河》《维也纳的森林》《皇帝圆舞曲》和《春之声圆舞曲》可以说是经典中的经典，我也是在那个时候反复的听这些曲子。

同样是这个时候我听到了我认为最好的交响曲--德沃夏克的《新大陆》。 尤其是那气势磅礴的第四乐章，令我百听不厌。

总之，我对自己能够接触到古典音乐而感到庆幸，也感谢古典音乐给我带了快乐，希望更多的人也能与分享这些快乐。 你也喜欢古典音乐嘛？想和你叫个朋友！~。

2中外音乐史及美术史的知识点

这里有一点中西方发展历程，看能不能对你有点帮助！

中西美术史中“形神观”的分化与融合

绪论：千古冤家——“形”和“神”

“形似”和“神似”，一个是理性的对待对象；一个是感性的对待对象。在绘画领域是一个永恒的话题。在这种问题前，挚着是不行的。尺寸问题是避免迷失的关键；而辨证的分析是走出理论迷宫的不二法门。在本文中无意也无力对这一个千古的理论悬案作出一个评价，只是想将各类的观点理成一个脉络。形似（简称形），顾名思义就是在物象外形上肖似。但这一个含义在不同的环境下（中西、古今……）是不同的。在西欧古希腊和文艺复兴时期，形似的地位是关系着绘画的成败的。而在中国古代，形似的地位就微妙了一些。顾恺之是一个形神兼备的倡导。他的：“传神写照，正在阿睹中。”被后世千古引用。后来还被徐悲鸿列入“新六法”中。这一传统很顺利的保持到了宋代的画院里。可是当时正当文人画兴起，形似的待遇微妙的变化。在苏轼的倡导下，绘画讲究自我表现，追求意境、神似的风气，得到文人士大夫的普遍认同。文同、李公麟、王诜、赵令穰、米芾父子等沿波而起，躬行实践。神似成了绘画品位的代名词（这里的神似和顾恺之的神似已不同了。即物象的神和画面——作者的神的区别。）

所以，神似远不像形似那么简单。首先它不仅是对物象神韵的把握，在艺术作品中加入自己的感情，让艺术作品有自己的思想也是另一种神似。

怕话题越扯越大，便就此打住。进入上部。

上部：意味深长的历史轨迹

——古（近）代中西“形神观”的对比。

将中西美术史加以对比总是很有趣的事。探索其差异的原因更是意味深长的。

正如上所述，形似在不同的地域得到了不同的待遇。但是有一点中西双方是不约而同的。在中西美术上第一个绘画 都是人物画的 。

中国人物画经过了秦汉的发展，到了魏晋南北朝时期终于迎来了一个高峰。以顾、陆、张三绝，影响了整个中国人物画的发展。

顾恺之（346——407），字长康，小字虎头，江苏无锡人，义熙中为散骑常侍，博学有才气。他是一个早熟的画家。20多岁江宁瓦棺寺壁画，居然“光照一寺，施者填咽，俄而得百万钱”（张彦远《历代名画记》引《京师寺记》），从此画名大振。他的地位，在三绝中是最高的：“像人之美，张得其肉，陆得其骨，顾得其神，神妙无双，以顾为贵。”很清楚，在魏晋时期，中国绘画观念就已经深深奠定了“神”的表现重于“形”的表现。

看完了以顾恺之为代表的中国人物画第一个 。就看看西方的人物美术的第一个高峰——古希腊美术。雕塑 雕刻是希腊美术中最重要的部分，它集中地体现了希腊人对美的理想、非凡的艺术才华和对人体的精深研究。许多最优秀的雕刻作品因气势宏伟、形象完美和风格洗练而罕与伦比；千百年来无数画家、工艺家都曾受到它的启示和影响；它所独具的内在生命力和艺术魅力，至今仍放射着灿烂的光辉。

古希腊的雕塑经过了三个时期。

古风时期。

作为古风时期雕刻，通常是从前7世纪开始。这时的人像雕刻大都是直立的形象，总的来说，都未打破僵直的形态，造型手法也较生硬。直到前6世纪，雕刻的艺术技巧有了明显的进步，在人体和动态的表现上都更为自由而富有生气。

二、古典时期

从前 490年起开始了希腊艺术的古典时期。具有强健的体魄、昂扬的精神和典雅优美的造型，是古典时期雕刻的共同特色，这是希腊各城邦在战胜外族的侵和建设自己强盛国家的年代中，人们对英雄人物的理想的体现；同时也形成了与此相应的美的规范。

三、希腊化时期

希腊雕刻经过古典时期的发展高峰，到希腊化时期中心移向小亚细亚的西部和爱琴海的部分岛屿。这时期已很少建造宏伟的神殿，那种庄严崇高的气氛在雕刻作品中也渐趋淡薄，而世俗化的倾向则有所发展。然而在某些杰出作品中，仍然保持着古典时期大气磅飒飒的精神。但到了晚期（以〈拉奥孔〉为代表）雕塑已经失去了崇高的精神。

综观古希腊的雕塑艺术。虽然也强调人的精神和生气。但更明显的表现出了科学的精神。对人体比例的精准把握（以黄金分割律为代表）明显的将欧洲美术带上了写实主义的路子。同将上述中西双方的绘画代表作并列一起，即可以明显的看出这种差异。

3谁帮我介绍一下西方音乐史

16世纪末、17世纪初诞生于意大利的佛罗伦萨。由巴迪宫廷的卡梅拉塔会社（camerata，意为俱乐部或小集团）成员巴迪、温琴佐伽利莱伊以及佛罗伦萨学者梅在经过大量的对古希腊悲剧研究的基础之上诞生的。

西方音乐史教学的具体内容主要包括三方面：

第一，西方音乐的历史发展与沿革。如西方音乐内容与形式的演变史，西方音乐理论及各种音乐体裁的起源和发展过程；主要作曲家、演奏家的艺术生涯、作品风格特征及其影响；

第二，西方社会政治、经济、文化的历史对西方音乐发展的影响，从音乐这一独特视角反映西方文明的历史进程及其人文精神的特征。

第三，音乐的表现手法与音乐审美方法。如音乐欣赏的基本知识，音乐的构成要素及各种理论、流派等，

4大家帮忙介绍下关于音乐的知识

古典主义音乐Classical Music，中文翻译为“古典音乐”。

有人认为"古典"给人的感觉有古董、古板的味道，故改称“经典音乐”。也有人根据牛津英文辞典里对古典的定义：to be in traditional and serious style，而称之为“严肃音乐”。

浪漫主义音乐是古典主义音乐的延续和发展，是欧洲音乐史上的一种音乐风格或着一个时代。浪漫主义风格音乐注重情感和内容的表达，打破古典主义音乐时期的种种形式上的束缚。

巴洛克音乐 巴洛克（Baroque）一词本义是指一种形状不规则的珍珠，在当时具有贬义，当时人们认为它的华丽、炫耀的风格是对文艺复兴风格的贬低，但现在，人们已经公认，巴洛克是欧洲一种伟大的艺术风格。 乡村音乐 这个名字是20世纪20年代在美国出现的，它的源流很广。

那时歌曲的内容，除了表现劳动生活之外，厌恶孤寂的流浪生活，向往温暖、安宁的家园，歌唱甜蜜的爱情以及失恋的痛苦等都有。 爵士音乐 爵士乐由民歌发展而来，有多种源头，不易仔细考证。

19世纪期间音乐是美国南部种植园黑人奴隶们表达自我生活和情感的重要手段。从19世纪末开始，爵士乐以英美传统音乐为基础，混合了布鲁斯、拉格泰姆及其它音乐类型，是一种“混血”的产物。

摇滚 从最纯粹的形式来讲，所谓摇滚，就是三 加强硬持续的鼓点加上口的旋律。摇滚不仅是一种音乐形态，实际上它是一种“人生的态度和哲学“，也正因为如此，摇滚乐才有别于一般流行音乐（Pop Music）。

真正的摇滚文化至少可以提炼出这样一个缩微的全貌：嬉皮文化、艺术摇滚、朋克乐、先锋音乐、重金属等。 重金属音乐（HEAVY METAL），简单来说，就是用稍微超常的力度来演奏摇滚乐。

吉他，作为这种音乐的主要元素，在演奏时比通常响一点，更具复仇感。 朋克音乐 朋克PUNK， 是兴起於1970年代的一种反摇滚的音乐力量。

PUNK在中国大陆译作"朋克"； 在台湾译作"庞克"， 香港则叫作"崩"。 在西方， PUNK在字典是解（俚语）小流氓、废物、 、娈童、低劣的等意思 （虽然现在它的意思有了一定的改变）。

灵魂音乐。灵魂乐是南方福音和中西部的节奏蓝调的融合，礼拜乐的复兴被带入节奏蓝调的 Boogie-Woogie 世界之中。

从这种肥沃的基础开始，灵魂音乐诞生了。灵魂音乐的特点是坚实的节奏部分配以明确的世俗动感及宗教音乐。

吉它常常让位于 Hammond B-3 风琴，同时采用一些管乐。然而几乎所有灵魂音乐都以热情、高扬的嗓音作为标志，偶尔也加一些即兴表现。

R&B的全名是 Rhythm & Blues，一般译作"节奏布鲁斯"。广义上， R&B可视为“黑人的流行音乐”，它源于黑人的Blues音乐，是现今西行流行来和摇滚来的基础，Billboard杂志曾介定 R&B为所有黑人音乐，除了 Jazz和Blues之外，都可列作 R&B，可见 R&B的范围是多么的广泛。

近年黑人音乐圈大为盛行的 Hip Hop和 Rap都源于 R&B，并且同时保存着不少 R&B成分。 HOUSE是于八十年代沿自 DISCO发展出来的跳舞音乐。

这是芝加哥的DJ玩出的音乐，他们将德国电子乐团Kraftwerk的一张唱片和电子鼓（Drum Machine）规律的节奏 及黑人蓝调歌声混音在一起，House就产生啦~一般翻译为"浩室"舞曲，为电子舞曲最基本的型式，4/4拍的节奏， 一拍一个鼓声，配上简单的旋律，常有高亢的女声歌唱 DISCO流行后，一些DJ将它改变，有心将DISCO变得较为不商业化， BASS和鼓变得更深沈，很多时变成了纯音乐作品，即使有歌唱部分也多数是由跳 歌手唱的简短句子，往往没有明确歌词。 Britpop（英伦摇滚） 虽有个“ Pop"字，但其实是 Rock的一种，源于九十年代英伦，中文可译为“英式摇滚”，这是英伦乐坛对美国 Grunge潮的一个回应，主要是以乐队形式出现。

不过， Britpop风格其实十分广泛，如 Oasis是结他摇滚乐队， Blur则Pop很多，而Pulp则接近Glam Rook及跳舞风格，不过他们都被列作 Britpop。 Trip-Hop（神游舞曲） Trip-Hop是英伦/欧洲跳舞音乐的一种，它的名字来源是“ Trip+ Hip Hop"= Trip-Hop"，因为它发源自英国的Bristol，因此最早时称作"Bristol Hip-Hop"。

Gangsta Rap （匪帮说唱） 是 Rap的一种，以 Rap的内容多与都市罪案有关，充满暴力、 感受，这是反映现实的一种音乐路向。 Gangsta Rap于八十年代末期在美国兴起，音乐Rap中的强悍尖锐派，在美国大受欢迎，唱片销路甚高。

Synth Pop中的 " Synth"，即 Synthesizer，顾名思义， Synth Pop就是“由 Sythesizrs炮制出来的流行乐”，当然除 Synthesizers外还会用上其它电子乐器如电脑及鼓机等等。 Synth Pop于八十年代初期开始流行，至八十年代中开始沉寂，当年在香港也曾掀起过一阵热潮。

Synth Pop的特点是科技感强，有时会颇冰冷，歌曲多是“三分钟流行曲” （3-minutes Pop），很多时 Synth Pop乐手会作入时打扮。 ORCHESTRA就是管弦乐团，它分成四部分： 1弦乐，包括小提琴、大提琴等， 2铜管乐 3木管乐和 4敲击乐四组。

弦乐组每种乐器有多人演奏 （竖琴除外 ），四组演奏者由一人统筹兼领导，他就是乐团的指挥。 CHAMBER POP （室内乐） 是指典。

5应聘小学音乐教师怎么样复习笔试,专业基础知识,主要是西方音乐

我去年刚拿的高中的教师资格证，专业理论这一块基本上没怎么复习，因为这个东西没法复习，靠的是平时的积累，你说的西音史跟中音史的比重不算太大，只在选择题里面出现，最主要的还是最后的大题，教案的写作。

说回去，为什么我说没法复习？你把往年的真题看一遍你就会发现这种基础知识可考的点太多，根本没有反复考察的东西，一些最基本的诸如“黄河大合唱的词曲作者是谁”之类的常识根本不会考，所以我的建议是把重点放在大题，音乐史的知识买本资料浏览一遍就好。

比如说今年有个题目我印象很深刻，叫“弦乐四重奏《风。雅。颂》的作者是谁”，选项里面有谭盾、郭文景之类的中国当代作曲家，你说这类题目怎么复习？所以这些主要靠积累，背的作用的确不大，投资跟回报并不成正比。

6西方音乐发展史

一、古希腊罗马音乐 因为留下来的乐谱资料都少得可怜，所以我们对这一时期的音乐知道得很少。

古希腊的音乐的起源是同神的崇拜和神话传说联系在一起的。“Music”一词源于“muse”，在古希腊神话中缪斯（Muse）是掌管艺术的女神。

著名的神阿波罗、雅典娜、狄俄尼索斯等都是艺术之神，传说音乐就是由他们所创造的。古希腊音乐在宗教活动中的运用极为普遍，也发挥着重要的作用。

古希腊的乐器主要有里拉琴（Lyre）和阿夫洛斯管（Aulos），它们传说是由不同的神发明和拥有的，因此常常与不同的神崇拜相联系。里拉琴是一种弦乐器，多用于独唱伴奏，史诗弹唱，常与阿波罗崇拜联系，是祭祀阿波罗仪式中的主要乐器。

阿夫洛斯管是一种管乐器，常用在崇拜酒神狄俄尼索斯的仪式中。在西方现代文化观念中，里拉琴和崇拜阿波罗的音乐与阿夫洛斯和崇拜酒神的音乐，已成为相互对立性格的两大类音乐的象征。

前者是平静而节制的日神风格，后者是放纵、浪漫的酒神风格。常常与诗歌、舞蹈、戏剧结合在一起，唱歌时有时有乐器伴奏。

二、中世纪音乐 大约从公元5世纪开始到14世纪，是西方音乐历史上的最漫长的中世纪时期。中世纪的音乐主要是基督教宗教音乐，世俗的民间音乐不被重视。

教会的权力高于国家和其它社会集团，一切社会意识形态，包括各种艺术以及哲学在内的各方面都要为教会服务。这时期广泛传播的是教堂礼拜歌唱的圣咏、赞美诗。

“新艺术”的概念来自法国主教、诗人、音乐家菲利普·维特里的一篇论文。

这一概念很快就被广泛使用，说明当时出现了一种新的音乐潮流，与13世纪旧的“古艺术”不同。“新艺术”的主要特征是音乐创作空前世俗化，作曲家把宗教复调音乐与世俗音乐语汇相结合，探索音乐形式创造的各种新的可能。

采用更小音符时值的记谱方式，节奏记谱系统化。新艺术最重要的代表人物是马肖（Guillaume de Machaut,1300-1377），意大利的代表人物是兰迪尼（Francesco Landini,1325-1397）。

西方文明史上的“中世纪”时期曾经一度被视为蒙昧黑暗的时代，但我们今天常倾向于以一种更客观的态度来评判这段历史。从音乐的角度看，教会对音乐的影响虽有其消极的一面，但也有积极的一面。

教会对于音乐的重视，对于教仪音乐的统一作出的努力，对音乐发展投入的大量人力物力，都促进了中世纪欧洲音乐的发展，也使音乐资料能较为完好地保存下来。复调音乐和管风琴的产生为后来的专业音乐发展奠定了坚实的基础。

三、文艺复兴时期的音乐 文艺复兴（Renaissance）一词是法文，原意为“再生”。这个时期在西方历史上大约从1300年持续到1650年。

这个词反映了这时期的思想家们对中世纪的怀疑否定和对古代文化的崇尚，他们对于复兴古希腊和罗马的文化遗产产生了兴趣。但这种复兴，并不是单纯地原样再现，乃是通过复兴古代的精髓，建设一种新的文化、新的传统，而且其成就很快超越了古希腊、罗马影响的范畴。

在这场运动中，“人文主义”是其最有影响力的思想潮流，也是这场变革的核心。人文主义者主张以人为本，鼓励人们张扬人性，挣脱神性的桎梏，强调人是社会的主宰而并非是神。

他们颂扬人类对生活的热爱以及人类的智慧，相信人的力量能战胜一切。文艺复兴时期一般是指大约从1430年至1600年前后这一时期，在音乐领域的变革是在继文学、绘画等领域之后。

文艺复兴时期的音乐一方面已经具有明显的世俗化的倾向，一方面又仍然与宗教保持着密切的联系。 1、尼德兰乐派。

尼德兰乐派是指15、16世纪一批出自低地国家的音乐家，大致在法国北部、比利时和荷兰等欧洲北方地区。 2、16世纪的世俗音乐。

16世纪西欧的音乐出现了一些新的倾向。各国兴起了一批具有民族风格的音乐，这些音乐主要以声乐体裁为主，主要有意大利的牧歌（madrigal）、法国的尚松、德国利德（Lied）、西班牙的田园歌和浪漫曲、英国的牧歌和琉特琴歌曲等。

3、宗教改革的音乐与世俗音乐的发展相应，16世纪的宗教改革也为教会音乐带来了深刻的变化。 四、巴洛克时期的音乐 巴洛克时期通常是指从1600年到1750年之间这150年的范围。

“巴洛克（Baroque）”一词来自葡萄牙语，原意为形状不规则的珍珠，原来是用于建筑、美术领域的术语，后逐渐用于艺术和音乐领域 1、歌剧的诞生 歌剧是一种用音乐来表现的戏剧，它的前身可以追溯到古希腊时代的悲剧、中世纪的教仪剧、神秘剧等。 2、器乐的发展 巴洛克时期的器乐上升到了一个新的突出地位，形成了这一时期声乐、器乐、歌剧三足鼎立的局面，器乐第一次与声乐处在了平等的地位。

巴洛克时期最重要的特征之一是大量使用“通奏低音”，这是一种不同于文艺复兴是亲的复调织体的主调和声织体，基本上由旋律加和声伴奏构成。有一个独立的低音声部持续在整个作品中，上方有一个华丽和富于装饰的高声部，中间声部并不写出，由演奏者即席演奏。

巴洛克时期大小调体系和功能音乐逐渐建立；记谱法也不断完善；“情感论”理论形成，相信音乐的主要目的是唤起人们的情感。他们用一种类型化的音乐来表达歌词的情感，如高音表示光明。

7西方音乐史的发展,分为那几个时期,以前个个时期的代表作

16世纪末、17世纪初诞生于意大利的佛罗伦萨。由巴迪宫廷的卡梅拉塔会社（camerata，意为俱乐部或小集团）成员巴迪、温琴佐伽利莱伊以及佛罗伦萨学者梅在经过大量的对古希腊悲剧研究的基础之上诞生的。 西方音乐史教学的具体内容主要包括三方面： 第一，西方音乐的历史发展与沿革。如西方音乐内容与形式的演变史，西方音乐理论及各种音乐体裁的起源和发展过程；主要作曲家、演奏家的艺术生涯、作品风格特征及其影响； 第二，西方社会政治、经济、文化的历史对西方音乐发展的影响，从音乐这一独特视角反映西方文明的历史进程及其人文精神的特征。 第三，音乐的表现手法与音乐审美方法。如音乐欣赏的基本知识，音乐的构成要素及各种理论、流派等， 而发展经历的时期入下：西方音乐历史及音乐体裁的发展主要经历了以下几个阶段：

一、西方音乐的起源可以追溯到古代的美索不达米亚平原。起源时期的音乐，主要用于神庙祭祀、节日庆典，带有明显的宗教色彩。苏美尔人、埃及人、希伯来人和古希腊人推动了音乐的发展。

二、中世纪的前期和盛期

这一时期主要是单音音乐时期，大致从公元600~1300年。

三、“新艺术”时期

公元1300~1450年，是中世纪向文艺复兴过渡的阶段。

四、文艺复兴时期

1450~1600年，文艺复兴的中心在意大利，但音乐中心却在法国的勃艮第地区和佛兰德。这一时期德国、英格兰音乐的兴起，罗马教堂音乐的改革和威尼斯乐派的活跃使这个时期的音乐成就不逊于其他的艺术。

五、巴洛克时期

1600~1750年，从蒙泰威尔弟开始，到巴赫和亨德尔结束。巴洛克时代在西方音乐史乃至整个艺术史上都是一个十分重要的时代。巴洛克音乐气度高贵、情调感人，内容比文艺复兴时期更丰富 、更具戏剧性。欧洲音乐的许多重要体裁都在这一阶段初步形成，如歌剧、组曲、奏鸣曲、协奏曲、清唱 剧、康塔塔（大型声乐套曲）等都已具备了经典形式。音乐巨人巴赫、亨德尔则把巴洛克音乐推向了 。

六、古典主义时期

以恢复希腊、罗马的古典风格为目的，主要放眼于追求客观美的古典主义音乐，在维也纳形成了气候，海顿、莫扎特、贝多芬三位音乐家的杰出之作让音乐史为之一振。这一时期成为器乐的 黄金时代，钢琴曲、小提琴协奏曲的创作层出不穷，奏鸣曲式的确立被认为是这一时期成就的代表。

七、浪漫主义时期

浪漫主义乐派是人类艺术史上的一大“宝库”。这一时期不但盛产伟大的音乐家，而且音乐体裁空前广泛，出现了诸如无词歌、夜曲、艺术歌曲、叙事曲、交响诗等新颖、别致的形式。这 种更注重音乐内容的音乐流派，使一些非音乐因素成为音乐的主宰。浪漫主义音乐经过门德尔松、舒曼、肖邦和威尔弟等人的完善，在柴可夫斯基、李斯特和瓦格纳的时代达到了巅峰。

八、新音乐

这是20世纪音乐的统称。和其他艺术一样，音乐开始出现多种流派百花齐放的局面。音乐创作的保守与创新两派在音乐文化发达的德国、俄国、英国、美国等地相互竞争，这在一定程度上促进了音乐的繁荣。但在50年代后，随着电子音乐和计算机等的高新技术的出现，音乐家们都希望在音乐新一代的音乐语言、节奏的发展上找到共同点，重塑作曲家角色及音乐艺术的本质。

西方古典主义音乐与西方浪漫主义音乐有何区别？, 怎样认识与理解西方古典主义音乐与浪漫主义的异同

浪漫主义音乐与古典主义音乐所不同的是，它承袭古典乐派作曲家的传统，在此基础上也有了新的探索。如强调音乐要与诗歌、戏剧、绘画等音乐以外的其他艺术相结合，提倡一种综合艺术；提倡标题音乐；强调个人主观感觉的表现，作品常常带有自传的色彩；作品富于幻想性，描写大自然的作品很多，因为大自然很平静，没有矛盾，是理想的境界；重视戏剧，研究民族、民间的音乐文学，从中吸取营养，作品具有民族特色。在艺术形式和表现手法上，是继承古典乐派，但内容上却有很大的差异，夸张的手法也使用的特别多。在音乐形式上，它突破了古典音乐均衡完整的形式结构的限制，有更大的自由性。单乐章题材的器乐曲繁多，主要是器乐小品，如即兴曲、夜曲、练习曲、叙事曲、幻想曲、前奏曲、无词曲以及各种舞曲——玛祖卡、圆舞曲、波尔卡等。在众多的器乐小品中，钢琴小品居多。声乐的作品中出现了大量的艺术歌曲，并将诸多的声乐小品串联起来形成套曲，如舒伯特《美丽的磨坊女》、《冬之旅》等，就是浪漫主义音乐派创新的艺术题材。和声是表现浪漫主义色彩的重要工具，不谐和音的扩大和自由使用，7和弦和9和弦以及半音法和转调在乐曲里的经常出现，扩大了和声范围及表现功，增强了和声的色彩。作曲家创立了多乐章的标题交想曲和单乐章的标题交响诗，这是浪漫主义音乐的重要的形式。

一般来说，古典音乐是具有规则性本质的音乐，具有平衡，明晰的特点，注重形式的美感，被认为具有持久的价值，而不仅仅是在一个特定的时代流行。

古典音乐(classical music)本来是专指德奥1750-1830年间以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的音乐，即所谓“维也纳古典乐派的音乐”(有不确切的翻译为”维也纳古典主义音乐”的)。这就是狭义的古典音乐。

从这个狭义的古典音乐概念出发，我们可以向前追溯到巴赫，亨德尔乃至更早的天主教基督教宗教音乐，向后延伸到浪漫主义，民族乐派，以及20世纪西方的现代音乐。这些都是广义的古典音乐。界定古典音乐，也就是基于这个传统的，无论是继承和发扬这个传统，还是试图以创新来突破这个传统的音乐创作尝试，都可以归入古典音乐之内。而在这个传统外独立发展的音乐，虽然有借鉴和影响古典音乐创作的，但是一般也不归入古典音乐之内，比如爵士乐，摇滚乐，以及东方一些民族的音乐。

古典音乐作为音乐中类别的称呼，是相对于轻音乐，通俗音乐等门类而存在，它本身并没有严格明确的解释或者定义。在轻音乐范围里，有时也采用“古典”的概念来指某些经过时间检验，被人们奉为楷模的轻音乐作品，如古典轻歌剧、古典爵士乐等，这里的classical，理解为“古代+经典”，似乎更为合适一些。

浪漫主义主要用于描述1830到1850年间的文学创作，以及1830到1900年间的音乐创作。

浪漫主义音乐比起之前的维也纳古典乐派的音乐，更注重感情和形象的表现，相对来说看轻形式和结构方面的考虑。浪漫主义音乐往往富于想象力，相当多的浪漫主义音乐受到非现实的文学作品的影响，而有着相当大的标题音乐成分。浪漫主义的因素，则包含在从古至今的音乐创作当中，而不仅仅局限于某一个时代，因为音乐创作本身，就是想象力的一种表现，而浪漫主义恰恰是想象力的最佳体现。

西方古典主义音乐与西方浪漫主义音乐的区别

浪漫乐派

音乐流派之一。发韧于18世纪后半叶， 注重人的本能和感觉。贝多芬为先驱， 韦伯、舒伯特为其代表，柏辽兹、门德尔松、舒曼、肖邦、李斯特、瓦格纳将其推向高峰。浪漫乐派音乐从体裁到形式都对古曲乐派音乐进行了革新创造，发展了传统的交响乐形式，丰富了歌剧创作，创造了单乐章的标题交响乐、交响诗等各类器乐曲形式，推出了抒情的艺术歌曲及声乐套曲，涌现了许多演奏名家，推动了演奏技巧的发展。这一乐派的兴起形成了欧洲音乐史上音乐创作及表演最辉煌的时代，对近代欧洲音乐的发展产生了巨大影响。

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古典乐派

对西方音乐历史起到重要意义的维也纳古典乐派在音乐风格上则与巴洛克时期有了本质上的不同，即便是刚刚入门的听众也能够听出这两个不同时期作品在许多方面的不同。巴洛克音乐崇尚的是一种光彩照人的强烈，而古典主义音乐则崇尚稳重守制、逻辑均衡，虽然显得过于循规蹈矩，但却不乏美感。欣赏这个时期的作品，听众所享受到的是一种和谐、优雅却又平衡、统一的优美。

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古典主义与浪漫主义音乐

“古典主义”是一个相当不明确的词，它有几种不同而又相关的含义。一种不很恰当的用法是将它指流行音乐以外的音乐，包括所有种类的严肃音乐，不管它是何时创作的以及为什么目的而写的。而此处所指的是大约1750年开始至1827年贝多芬逝世为止这一时期的音乐。

所谓“古典的”，准确地说，原是指古希腊和古罗马的“经典的古代”，那是西方文明两个伟大的时期。多少个世纪过去了，人们回顾往昔，而且企图借鉴那个时代的文化精华。由于优秀的古代文化的影响，人们常将“古典”一词视为有杰出的、卓越的含义。不论什么，如果说是“古典的”，那就意味着它是此类中的佼佼者。正因为这样，使得古典时期的音乐风格迥异于其他时期。实际上这一时期的作曲家在考虑音乐结构时都遵循这一基本概念：一种调性间平衡的概念，给予听众明确的感觉这音乐如何进行；还有段落之间的平衡，听众在聆听一首乐曲时可以准确地知道紧接着出现的内容。作曲家的创造性只是对这个作曲系统和轮廓稍加变化，而不是机敏地或富有进取精神地创作出乐曲来使听众着迷或惊奇。也可以说在音乐创作上不存在所谓“古典时期”，仅有“古典风格”。按照这种风格，海顿、莫扎特和贝多芬写出了他们的名作。如果说这是杰出的典范，有一定的道理。但是这种风格并非仅仅出现于他们三人的作品中，这个时期的其他作曲家的创根基本上也是这种风格，也是按照这种传统。

特别是在十八世纪后期，音乐会的活动迅速发展。杰出的演奏家从一个城市到一个城市举行巡回演出，而作曲家作曲手法亦日益更新，要求乐曲有更为逻辑和清晰的形式，以吸引听众的注意力和兴趣。适应这一时代形势的要求，新一代的作曲家从此兴起，其中的三巨头是海顿，莫扎特和贝多芬。这就是所谓维也纳古典乐派。

海顿、莫扎特、贝多芬三人都在十八世纪八十年代到十九世纪二十年代在维也纳活动，他们之间互有影响。他们都是运用奏鸣曲形式的大师，写出了奏鸣曲、交响曲、四重奏这类体裁的不朽佳作；他们也都致力于主题的展开以及利用调性的配置来给抽象的形式注入细致微妙的表情。这些大作曲家的器乐曲给了当时以及整个十九世纪以巨大影响。除了贝多芬后期的作品显得较为艰深外，这三人的作品都既深刻而又通俗易懂，这也促进了这一时期开始的音乐从此走向世界。

以“交响乐之父”海顿、“音乐天才”莫扎特和“乐圣”贝多芬为代表的维也纳古典乐派，在音乐史上竖立了一座不朽的丰碑。这一乐派的主要特征是反映人类普遍的思想要求，他们追求美的观念、强调风格的高雅，给予人们乐观向上的进取精神。

浪漫主义音乐

初期的浪漫主义音乐与其它姊妹艺术一样，也是发自欧洲“启蒙时代”的思想和法国大革命的自由民主思想，它比文学中的浪漫主义要晚数十年。贝多芬的晚期作品已成为初期的浪漫主义的先驱，其后的作曲家们皆可归为浪漫派。从时代上讲，十九世纪中叶是浪漫主义音乐的全盛时期。

在古典派作曲家贝多芬、罗西尼和韦伯的晚期作品中，已经明显流露出浪漫主义音乐的风格，正是他们开创了浪漫派的先河。1800年前后出生的作曲家们，形成了初期浪漫主义的中心。后来，浪漫主义音乐经过门德尔松、舒曼、肖邦和威尔第等人的进一步完善，在柴科夫斯基、李斯特和瓦格纳的时代达到了巅峰，这些作曲家、钢琴家构成了中期浪漫主义的中心。至于 、理查德•施特劳斯和拉赫玛尼诺夫等近代名家的作品，则归于晚期浪漫主义音乐。

浪漫乐派在音乐史上的地位不言而喻，这一时期不但盛产伟大的音乐家，而且音乐体裁空前广泛，出现了诸如无词歌、夜曲、艺术歌曲、叙事曲、交响诗等新颖、别致的形式，是人类艺术史上的一大“宝库”。

关于古典主义与浪漫主义音乐风格的比较

海顿,莫扎特,贝多芬,古典主义三杰,维也纳古典主义最杰出的代表人物,从十八世纪中叶开始,以他们为代表的古典主义音乐开始盛行随着工业革命和科学技术的发展及法国大革命的冲击，欧洲的社会发生了深刻变革。艺术已不再仅仅是贵族所欣赏的高雅艺术，新崛起的中产阶级也成了剧场和音乐厅的观众。因此，来自民间的喜歌剧和平易生动的器乐音乐大量涌现

这个时期被历史学家和美术学家推崇为“古典”，在音乐领域，古典的风格表现在艺术上崇尚理性，音乐语言朴素精练，以严谨和谐的形式表达淳朴真挚的感情。这一时期堪称欧洲音乐史上辉煌成就。同时也影响着世界各国音乐的发展。

而18世纪末、19世纪初的欧洲资产阶级民族和民主革命时期，以奥地利作曲家舒伯特的艺术歌曲和德国作曲家威伯的歌剧为标志开始形成浪漫主义形式，一直延续到19世纪20年代。

而以萧邦、舒曼、李斯特、瓦格纳、柴科夫斯基等为代表的浪漫主义音乐强调主观性，注重个人情感表达，偏重个性化的心理的刻画，感情热烈而奔放，形式上不受拘泥，各民族音乐家的作品充满了鲜明的民族风格。

古典主义和浪漫主义的时空的界限并不明显，他们曾经共存过一段时间。而想要找到一个可以明确划分两者的定义也不是很容易的，这些定义常常因为过于简单化而忽视了很多非常重要的因素。事实上古典主义像线条一样棱角鲜明，而浪漫主义却偏重于色彩和情感，并含有许多主观和空想的元素。这是音乐给我们的直观感受。

而我想，两种音乐间的区别更多的体现在非音乐的元素上。到浪漫主义时期，作曲家在社会上的地位已有改变，他们不再是一个城市，宫廷或教堂的雇员，古典主义时期的贝多芬也只是赢得了某种程度上的独立，因为不管那些富人们多么慷慨的让他自行其是，他的大多数收入仍维系于贵族的庇护。而现在，理论上讲作曲家完全是自己的主人，实际上也就是大众的仆人，所以他们可以毫无顾及的做出大众想听到的音乐。

古典主义像木刻一样，理智，清晰，充满了逻辑思维的感觉，而浪漫主义的音乐就像水彩和五颜六色的油画一样，充满了人的各种感情，喜欢古典主义的恢弘和大气，更喜欢浪漫主义的细腻与贴心。听莫扎特的《女人心》感受“笑声与眼泪的结合”，也喜欢听舒波特的《小夜曲》，那种精致和小巧让人惊叹不已。我喜欢音乐，喜欢各种型别的音乐，他们让我感受到生活中感受不到的 和感动，音乐让我充实，让我学着感动，音乐是有情感的，他让人哭泣，让人欢笑，让渐渐走向非我的人重新走向自我。无论是古典主义，还是浪漫主义都无法脱离的基础。

围绕西方古典主义音乐三杰谈谈你对西方古典音乐的理解

你的古典三杰是莫扎特，海顿和贝多芬吗？这是一篇大文章了。很难在简单问题描述清楚。

西方古典主义音乐的代表人物是？

贝多芬就是西方古典主义音乐的代表人物。

贝多芬常被称为疯狂的音乐天才，不仅在音乐领域，也成为了有史以来最伟大的创作艺术家。

他是一个革命作曲者，打破规则，伸展音乐形式，释放情感，继续改变音乐世界。据说他自己把音乐从古典时代拉到浪漫时代。许多作曲家在贝多芬去世多年之后害怕演出，这就是他创作的影响。

贝多芬的音乐更令人惊异，因为他几乎完全耳聋时后还写了那么多的音乐。在第九交响乐的首演结束时，这位作曲家不得不转过身观看他听不到的欢呼声。他一生中最后10年的作品被认为是有史以来最伟大的作品。

古典主义和浪漫主义音乐的特征

古典主义音乐沉重而不失热情，庄重而不失狂放

浪漫主义音乐轻松悠扬，不太讲究严格的音乐理论，形式自由，感情丰富，细腻流畅

关于西方古典主义。

经典 鼎盛 现实

古典主义，浪漫主义经典音乐

古典时期：

海顿：升f小调第45交响曲“告别”，G大调第94交响曲“惊愕”，d小调第101交响曲“时钟”，C大调弦乐四重奏“皇帝”，C大调第一大提琴协奏曲，D大调第二大提琴协奏曲，创世纪

莫扎特：G大调弦乐小夜曲，g小调第40交响曲，C大调第41交响曲“朱庇特”，五部小提琴协奏曲，A大调单簧管协奏曲，安魂曲，费加罗的婚礼，魔笛，唐璜

贝多芬：降E大调第3交响曲“英雄”，c小调第5交响曲“命运”，F大调第6交响曲“田园”，A大调第7交响曲，d小调第9交响曲“合唱”，降E大调第5钢琴协奏曲“皇帝”，D大调小提琴协奏曲，C大调三重协奏曲，升c小调第14钢琴奏鸣曲“月光”，c小调第8钢琴奏鸣曲“悲怆”，f小调第23钢琴奏鸣曲“热情”

罗西尼：威廉退尔序曲，塞维利亚的理发师序曲

勃拉姆斯：c小调第一交响曲，D大调小提琴协奏曲，匈牙利舞曲集（包括升f小调第五号匈牙利舞曲）

浪漫主义时期：

韦伯：自由射手，邀舞

舒伯特：b小调第8交响曲“未完成”，A大调钢琴五重奏“鳟鱼”，d小调弦乐四重奏“死神与少女”，小夜曲，野玫瑰，圣母颂，f小调音乐的瞬间

柏辽兹：幻想交响曲，拉科齐进行曲

老约翰施特劳斯：拉德斯基进行曲

门德尔松：仲夏夜之梦序曲，e小调小提琴协奏曲，春之歌，威尼斯船歌，乘着歌声的翅膀，仲夏夜之梦组曲（包括婚礼进行曲）

肖邦：升c小调幻想即兴曲，无数玛祖卡、小夜曲等等钢琴曲

舒曼：梦幻曲

李斯特：降E大调第一钢琴协奏曲，降A大调爱之梦，升g小调“钟”

瓦格纳：尼伯龙根的指环，罗恩格林（包括婚礼进行曲）

威尔第：阿依达，茶花女，奥赛罗，弄臣，游吟诗人，法尔斯塔夫

古诺：圣母颂，教皇进行曲（梵蒂冈国歌）

奥芬巴赫：地狱中的奥菲欧（包括康康舞曲）

小约翰施特劳斯：蓝色多瑙河圆舞曲，维也纳森林的故事圆舞曲，艺术家的生涯圆舞曲，南国玫瑰圆舞曲，皇帝圆舞曲，春之声圆舞曲，维也纳的气质圆舞曲，闲聊波尔卡，电闪雷鸣波尔卡，拨弦波尔卡，蝙蝠序曲

比才：卡门，阿莱城的姑娘

柴可夫斯基：b小调第六交响曲“悲怆”，降b小调第一钢琴协奏曲，D大调小提琴协奏曲，1812序曲，罗密欧与朱丽叶幻想序曲，天鹅湖，胡桃夹子，睡美人

很多小品没有录入（比如莫扎特的小步舞曲、贝多芬的小步舞曲等等），主要列举大作品

　　陶喆 《太美丽》

　　试听http://wwwyymp3com/Album/4553htm

　　语 种： 国语

　　风格流派： POP

　　发行公司： 百代唱片

　　发行时间： 2006年8月4日

　　专辑介绍：

　　睽违一年半 陶吉吉将在8/4和全亚洲所有歌迷分享他的 太美丽改编50年代的经典老歌 首波抒情主打‘忘不了’ 陶喆要和大家一起懂得“珍惜”！

　　不同于上张专辑太平盛世中对外在世界的观察和省思，这张全新创作专辑－太美丽，则是回归陶喆的内心世界，在记忆的最深层，寻找最纯挚又动人的赤子之梦，也因此，陶喆特地将新专辑取名为：太美丽，主要就是因为他想和大家分享”珍惜生命中曾经拥有过的美好感觉〃的精神与概念，尤其是在现在这么讲求快速的时代中，当时间不停地往前飞逝，大家往往都是到最后一刻才会惊觉生命中有许多美好的事物来不及细细地去欣赏品味，所以陶喆才想用他最擅长的音乐去捕捉这些令人不舍却又稍纵即逝的美妙时刻，向大家诉说他对于时间与记忆、自由与爱情的无限遐思，正式展开陶喆的“心浪漫时代”！

　　“这张太美丽新专辑是一张比较柔和且温煦的专辑，或许不像前两张专辑那样尖锐而充满争议性，但我觉得它依然是一张概念清楚的专辑，真实反映了我这段时间的心情。以往的歌词与主题偏重在现实的陈述，这次则是运用更多天马行空的创意，抒发出更为浓烈的浪漫与感伤情怀。在做这张专辑的过程中，五发觉到在这些浪漫与感伤的身后，潜藏着我体内的恐惧，我尤其害怕时间、记忆与心中宝贵感受的消失，换个角度来看，这样的恐惧其实是一种感激与珍惜。也许随着我们年岁的渐增，我们会对过往的事物愈发着迷，而不像勇往直前的年轻生命，不怕失去，不畏消逝。”陶喆在自己专属的官方网站中对于这张全新创作专辑太美丽做了这样的介绍。

　　专辑曲目：

　　01陶喆 - 太美丽广播电台

　　02陶喆 - 忘不了

　　03陶喆 - 太美丽

　　04陶喆 - 追

　　05陶喆 - 那一瞬间

　　06陶喆 - Walk On

　　07陶喆 - 自导自演的悲剧

　　08陶喆 - 祝你幸福

　　09陶喆 - 似曾相识

　　10陶喆 - 今天你要嫁给我

　　11陶喆 - 每一面都美

　　12陶喆 - 不爱

　　13陶喆 - Olia

浪漫主义时期的作曲家及音乐

勃拉姆斯

约翰奈斯·勃拉姆斯，德国作曲家。

勃拉姆斯是德国音乐史上最后一个有重大影响的古典作曲家，被视为19

世纪浪漫主义音乐时期的“复古”者。他是创作与演奏并重的作曲家。但他没有进过音乐学校，靠他自己的勤奋好学、他的卓越才能和对自己所献身的事业重要性和必要性的觉悟。他的成熟的作品证明了他掌握着登峰造极的艺术技巧和才华。他的作品兼有古典手法和浪漫精神，极少采用标题，交响作品中模仿贝多芬的气势宏大，然而笔法工细，情绪变化多端，时有牧歌气息的流露，仍带有自己特点。

勃拉姆斯的音乐既反映出他德国北部故乡的朴实无华，又反映出维也纳的妩媚动人。在他的最大型作品《德意志安魂曲》中表现出了这两个方面。他出自对人类善良的信念和对德国人民的爱，紧紧依靠德国古典音乐大师——自巴赫、莫扎特、贝多芬到舒伯特和舒曼的传统，创作出足以同十九世纪末德国音乐中开始出现的一些颓废现象相对抗的包罗万象的作品来。这正是他创作的主要历史功绩所在。在德国音乐中，人们常把勃拉姆斯同巴赫、贝多芬姓名的第一个字母总称为“三B”原因概在于此。 勃拉姆斯继承贝多芬交响乐的传统，以深刻的人道主义和热烈的爱国主义精神出发，着力表现时代精神风貌和斗争生活，作品成为贝多芬之后西欧交响音乐的杰出典范。难怪人们把他的《第一交响曲》誉为“贝多芬第十交响曲”。勃拉姆斯自己也曾记叙说：“在我背后不断地听到巨人（指贝多芬）的脚步声。”勃拉姆斯写作交响曲并不追求色彩和光辉的表现，但他的乐队表现却格外精致而富有表情。在继承古典乐派交响乐的结构形式的同时，勃拉姆斯又赋予作品浪漫主义的色彩和气质。作品结构严谨，情思蕴藉，规模庞大。他还将德国古典作曲家严密的复调技术和动机发展手法运用到交响曲的创作中。重要作品还有《D大调小提琴协奏曲》，《匈牙利舞曲》第五、第六，管弦乐《学院典礼序曲》及乐作品《摇篮曲》等优秀曲目。

代表作： C小调第一号交响曲；

其他管弦乐作品：降B大调第二号钢琴协奏曲；D大调小提琴协奏曲； 声乐作品：

《德意志安魂曲》

《德意志安魂曲》：与前人的安魂曲作品相比。无论在内容或在音乐上，勃拉姆斯的《德意志安魂曲》都开创一个全新的意境，更富于人性。这一作品是勃拉姆斯最伟大的声乐作品，标志着他的音乐创作达到了一个顶峰，也使他在整个欧洲赢得了极高的声誉。《德意志安魂曲》把合唱、独唱与管弦乐完美的结合在了一起，其创作灵感来源于亨德尔的复调音乐传统。

乔治·比才——法国的自然主义者：法国作曲家

代表作：管弦乐作品：阿莱城姑娘，组曲第一号，组曲第二号

歌剧： 《卡门》

《卡门》 ：歌剧的序曲为A大调，四二拍子，回旋曲式。整部序曲建立在具有尖锐对比的形象之上，以华丽、紧凑、引人入胜的音乐来表现这部歌剧的主要内容。序曲中集中了歌剧内最主要的一些旋律，而且使用明暗对比的效果将歌剧的内容充分地表现了出来 （片段1、片段2），主题选自歌剧最后一幕中斗牛士上场时的音乐。 本剧的序曲是音乐会上经常单独演奏的曲目。

第一幕中换班的士兵到来时，一群孩子在前面模仿着士兵的步伐开路。孩子们在轻快的2/4拍子,d小调上,唱着笛鼓进行曲《我们和士兵在一起》（片段3）。在这一幕塑造了吉卜赛姑娘卡门热情、奔放、富于魅力的形象。主人公卡门的著名咏叹调《爱情像一只自由的小鸟》是十分深入人心的旋律，行板、d小调转F大调、2/4拍子,充分表现出卡门豪爽、奔放而富有神秘魅力的形象（片段4和片段5）。 卡门被逮捕后，龙骑兵中尉苏尼哈亲自审问她，可她却漫不经心地哼起了一支小调（片段6），此曲形象地表现出卡门放荡不羁的性格。还是这一幕中，卡门在引诱唐·豪塞时，又唱出另一个著名的咏叹调，为快板、3/8 拍子，是一首西班牙舞蹈节奏的迷人曲子,旋律热情而又有几分野气 （片段7）， 进一步刻画了卡门性格中的直率和泼辣。

第一幕与第二幕之间的间奏曲也十分有名， 选自第二幕中 唐·豪塞的咏叹调《阿尔卡拉龙骑兵》,大管以中庸的快板奏出洒脱而富活力的主旋律（片段8）。

第二幕中还有一段吉普赛风格的音乐， 表现的是两个吉普赛女郎在酒店跳舞时纵情欢乐的场面（片段9），跳跃性的节奏和隐约的人声烘托出酒店里喧闹的气氛。

第二幕与第三幕之间的间奏曲是一段轻柔、优美的旋律,长笛与竖琴交相辉映，饱含脉脉的温情（片段10）。

第三幕中著名的 《斗牛士之歌》，是埃斯卡米里奥为感谢欢迎和崇拜他的民众而唱的一首歌曲。这首节奏有力、声音雄壮的凯旋进行曲，成功地塑造了这位百战百胜的勇敢斗牛士的高大形象（片段11）。

第四幕的结尾，正象柴科夫斯基所说的那样： “当我看这最后一场时，总是不能止住泪水，一方面是观众看见斗牛士时的狂呼，另一方面却是两个主人公最终死亡的可怕悲剧结尾，这两个人不幸的命运使他们历尽辛酸之后还是走向了不可避免的结局。” 剧中还有一段脍炙人口的西班牙风格舞曲“阿拉贡”， 也是音乐会上经常单独演出的曲目（片段12）。

威尔第——意大利歌剧的辉煌（歌剧之王） 居塞比·威尔第是意大利杰出的歌剧作曲家，他一生创作了27部歌剧，其中一些已被列入世界著名歌剧之列，在世界各国上演。他被誉为歌剧之王。

代表作：歌剧：阿伊达（Aida)，弄臣(Rigoletto) 《茶花女》(La Traviata)

游吟诗人(Il travatore) 法斯塔夫

其他声乐作品：安魂弥撒（Requiem Mass)

《茶花女》 ：

《茶花女》是威尔第的「通俗三部曲」的最后一部（其余两部是《弄臣》及《游唱诗人》），它所获意大利人的欢迎也是不亚于《游唱诗人》。

这是根据1852年法国的作家小仲马而写成。这部歌剧充满着优美的咏叹调，其出现密度之高，使得和比才的《卡门》一样，成为美歌集一般，即使不太明白剧情，但绝对不会感到有「冷场」，所以，它也是很好的欣赏入门的歌剧．

威尔第的三幕歌剧《茶花女》于1853年在威尼斯进行首演，虽然由于各种社会原因而遭到失败，但它很快就得到了全世界的赞誉，被认为是一部具有出色艺术效果的巨著，并由此成为各国歌剧院中最受欢迎的作品之一。难怪《茶花女》的原作者小仲马要说："五十年后， 也许谁也记不起我的小说《茶花女》了，但威尔第却使它成为不朽。" 《茶花女》的意大利名称为Traviata，原意为"一个堕落的女人"（或"失足者"），一般均译作"茶花女"。歌剧描写了十九世纪上半叶巴黎社交场上一个具有多重性格的人物--薇奥列塔。她名噪一时，才华出众，过着骄奢*逸的妓女生活，却并没有追求名利的世俗作风，是一个受迫害的妇女形象。虽然她赢得了阿尔弗雷德·阿芒的爱情，但她为了挽回一个所谓"体面家庭"的"荣誉"，决然放弃了自己的爱情，使自己成为上流社会的牺牲品。

剧情：薇奥莱塔原是周旋于巴黎上流社会的名妓，为青年阿尔弗莱德真挚的爱情所感，毅然抛弃纸醉金迷的生活，来到巴黎近郊与阿尔弗莱德共同酿造爱情的蜜。但是，阿尔弗莱德的父亲乔治欧激烈反对，强要她承诺与他的儿子断绝来往。为了顾全阿尔弗莱德的家庭和幸福，她决心牺牲自己的爱情，忍受着内心的极大痛苦，重返风月场。阿尔弗莱德误以为她变了心，盛怒之下，在公开场合羞辱了她。薇奥莱塔信守对乔治欧的诺言，未向自己的情人道破真情，但患有肺病的身体承受不了这一致命打击，就此卧床不起。不久，乔治欧良心发现，把全部真情对儿子言明。但当阿尔弗莱德回到薇奥莱塔身边，她已经奄奄一息了，疾病和不公正的社会夺去了她的爱情和生命。 音乐以细微的心理描写、诚挚优美的歌调和感人肺腑的悲剧力量，集中体现了中期威尔第歌剧创作的基本特点。序曲采用第二幕中的爱情主题和下行的悲怆动机，对全剧作了提纲挈领的概括。第一幕的《饮酒歌》，是以单二部曲式为基础的分节歌，轻快的舞曲节奏，明朗的大调色彩，以及贯穿全曲的大六度跳进的动机，表现阿尔弗莱德借酒抒发他对真诚爱情的渴望和赞美，洋溢着青春的活力。薇奥莱塔的咏叹调，则表现女主人公复杂微妙的心理矛盾。前半部分表现她初次感受到爱情时内心的波动，音调诚挚、直率；后半部分表现她对爱情的大胆追述和渴望，大跳的音调反映了她内心抑制不住的喜悦。终场的二重唱，是一个感人的音乐场面，第一段中近乎口语式的急切语调，是这一对久经磨难的情人终又重逢时狂喜而激动心情的描写；第二段的分节歌洋溢着浪漫曲的抒情气质，抒发他们对爱情和幸福的向往。但后来，与阿尔弗莱德热情奔放的旋律交织一起的微奥莱塔声部中，出现了半音滑行的痛苦呻吟的音调，并逐渐发展扩大，最后占据了主导地位。威尔第应用这种对比手法，刻划了垂死的薇奥莱塔对爱情至死不渝的追求，揭示了歌剧深刻的悲剧主题，具有震撼人心的戏剧力量。

《奥赛罗》：

达到威尔第一生创作的高峰，成为真正的音乐喜剧。《奥赛罗》是继《阿依达》所作的结构突破， 而且充分发挥管弦乐队在歌剧中的作用，没有通常的曲线直接开始于风暴场景

帕格尼尼（1782~1840）：意大利小提琴家、作曲家。

曲目：1二十四首无伴奏小提琴随想曲。2第一、二号小提琴协奏曲。3摩西幻想曲。4《心中类乱》主题变奏曲。 5小提琴与吉他的奏鸣曲

普契尼（1858~1924）： 意大利歌剧作曲家。

推荐曲目：1歌剧《波西米亚人 》。2歌剧《托斯卡 》。3歌剧《蝴蝶夫人 》。4歌剧《曼侬蕾丝考》。5歌剧《西方少女》。6歌剧《杜兰朵 》。7歌剧《强尼史基基》。

小约翰·史特劳斯（1825~1899）： 奥国作曲家。

推荐曲目：1圆舞曲：《蓝色多瑙河》、《南国玫块》、《维也纳森林的故事》、《醇酒、女人与歌》、《艺术家的生涯》、《皇帝》、《一千零一夜》。2波卡舞曲：《拨奏》、《雷鸣与闪电》、《闲聊》、《狩猎》、《爆炸》。3《蝙蝠》序曲、《喜普赛男爵》序曲、《威尼斯之夜》序曲。4轻歌剧《蝙蝠》。

通常我们讲到斯特劳斯都是说斯特劳斯家族，其成员有，老约翰-斯特劳斯，代表作《拉德斯基进行曲》，小约翰-斯特劳斯，爱德华-斯特劳斯和约瑟夫-斯特劳斯。

德彪西（1862~1918）： 法国作曲家。

推荐曲目：1钢琴作品：《贝加马斯克》组曲（包括著名的《月光 》）、《版画》（三曲）、《映象》（二卷，各三曲）、《儿童天地》（六曲，包含著名的《黑娃娃的步态舞》）、《前奏曲》（二卷，共二十四曲）、《梦》、《二首华丽曲》、《欢乐岛》、《为钢琴》。2管弦乐曲：《海》、《牧神的午后前奏曲》、《三首夜曲》、《神圣舞曲与世俗舞曲》、（竖琴与管弦乐）。3室内乐；《G小调弦乐四重奏》、《小提琴奏鸣曲》、《大提琴奏鸣曲》、《长笛、中提琴与竖琴奏鸣曲》。

瓦格纳 威尔第和比才的比较

把他们三个并在一起是因为他们都在歌剧方面有着很大的成就，其次他们各自代表着一种派别。

在音乐界，风格并不是大一统的，浪漫主义中还分早期浪漫主义，民族浪漫主义，民族浪漫主义中还分意大利浪漫主义，法兰西浪漫主义。。。。。而这三只，正好代表着德国歌剧，意大利歌剧和法兰西歌剧三种风格。

瓦格纳在作品创作中非常重视器乐伴奏的效果，这正是德意志民族特色 威尔第则突出人声演唱的地位，具有意大利民族特色 比才强调语言节奏的作用，体现了法兰西民族特色 当然，要弄清这三种风格光是几句话是无法理顺的，大家可以节选三只代表歌剧中的经典片段（瓦格纳《罗恩格林》第三幕前奏曲，威尔第《茶花女》饮酒歌，比才《卡门》爱情

瓦格纳试图通过重视管弦乐团的发展将和声的活动充分变现出来进而把她转化成多种多样的戏剧效果（长喘一口气，缩句，就是说用管弦乐团的演奏表现和声活动从而体现戏剧效果）。威尔第则直接用人声来表达情感，所以他的作品通常都是热情洋溢（虽然他基本上都是写悲剧）。而比才则是将演奏和歌唱融合，用一种明快的节奏来体现戏剧效果（话说LZ在听《爱情是一只自由鸟》的时候总是有种翩翩起舞的冲动，掩面。。。）

总结成一句话，威尔第的写实风格，瓦格纳的交响戏剧，比才的抒情色彩并不是三者独立的，它们相互影响，相互交融。

瓦格纳与勃拉姆斯

倘若把具有强烈表情效果的浪漫主义音乐分成相互对立的两派，那么一派是强调表情的广度，该派代表人物有柏辽兹，李斯特，瓦格纳，我们称之为瓦格纳派。 另一派则强调的是表情的深度，代表人物有德国早期浪漫主义大师（舒曼，门德尔松。。。）以及勃拉姆斯，我们称之为勃拉姆斯派。

对于表情的广度和表情的深度，我们可以简单的用亨德尔和巴赫的区别来帮助理解。 事实上，上面所讲到的各音乐家之间的风格的差异只是为了更好的了解而做出的对比，并没有把他们放在对立的两面，而这两只却引起了音乐爱好者甚至于媒体的旷日持久的争论，真正做到了在拔高自己的同时，不忘狠狠地踩对方两脚。

吉米亨德里克斯(Jimihendrix)出生于美国华盛顿州西雅图，是全球公认的摇滚史上最伟大的电吉他演奏家。同时，他也是一位非常著名的歌手和作曲家。他有美洲印第安人的血统。20世纪60年代，他创造了自己独特的风格。因为他独创的风格而名声大噪，影响深远，使得吉他有了更好的发展，影响了一代人对吉他的追求。

主要作品有《Axis：BoldAsLove》《ElectricLadyland》。1967年参加伍德斯托克音乐节，成为世界级巨星。吉米死在了他的欧洲之旅中。

DaveMastej的经历可以说是相当悲惨的。他曾经被踢出过录音室，但他对音乐非常执着。后来，他创造了自己的打击金属技能，是最好的电吉他演奏家之一。由于他自己的努力和创新，她的技巧异常高超，他创作了一首具有自己独特演唱风格的作品，使他在世界上产生了广泛的影响。

埃里克帕特里克克莱普顿是一位非常优秀的布鲁斯吉他手。他有很高的演奏和歌唱技巧。他不仅演奏得很出色，而且歌唱得很巧妙。他的每一次吉他演奏都可以说是相当完美。三次被《滚石》杂志列入“摇滚名人堂”，被《滚石》杂志评为世界十大吉他演奏家之一。

史蒂夫雷沃恩主要是一名电吉他手。他在当时是一位非常杰出和有影响力的吉他手。他还在20世纪80年代开创了一种风格。虽然他的音乐生涯很短，但他独自赢得了六个格莱美奖，以及无数其他奖项。

吉米佩吉(Jimmypage)在全球吉他街和摇滚乐坛都很有名气，他的乐队齐柏林飞船的成功可以说与他密不可分。更何况他精通重金属、蓝调摇滚、摇滚、民谣摇滚等各种流派的定义。而且有非常独到的见解。他的编曲也是非常厉害的技巧，对音乐的理解和掌握也达到了非常高的水平。

索尔哈德森(Saulhudson)是一个当你听到他演奏或伴奏时会被深深打动的人。他高超的吉他蓝调演奏风格也让他和大多数吉他手一样优秀。他演奏了很多著名的作品，可以说是非常好，非常精湛。当然，这些作品都离不开她的表演。他的表演手法是上一层楼就做出作品，很多明星都会找他来伴奏，可见他的实力。

乔斯特里尼出生于1957年。据了解，他从14岁起就在纽约的家乡出名了。在他成为著名的吉他手之前，他也提到了足球。同时，许多著名的音乐家都是他的弟子。

布莱恩卡罗尔是一个非常独特的电吉他演奏家。他的金属、放克、布鲁斯等风格都自成体系，相当前卫。据统计，到目前为止他已经发行了108张专辑，所以他是一个有才华的人。

如果喜欢蓝调音乐的朋友对查克贝里有所了解，他所展现的蓝调音乐是惊人的，他对吉他摇滚乐的贡献也不小。他的演奏技巧高超，声音特别甜。许多人模仿他，但没有人超过他。

约翰弗罗斯特(JohnFrost)是一个前摇滚乐队，即红辣椒乐队的首席吉他手，他也是一个非常有才华的编曲家，这一点从他的《DaniCalifornia》中可以看出。他的吉他有一种很特别的风格，就是闭上眼睛就知道会是他在弹的那把。况且人家不仅吉他弹的好，编曲能力也很强。

JoeSatrianiJoeStrini作为KirkHammett和SteveVai的师傅，JoeSatriani的名声远没有他徒弟的显赫。但是他的很多吉他独奏专辑还是应验了一句老话：姜还是老的辣。与他的两个徒弟相比，JoeSatriani的演奏风格快而不激烈，在慢板作品的处理上别出心裁。JoeSatriani的音乐带有浓重的宗教痕迹。《BigBadMoon》(坏月亮)中阴柔的吉他弹奏配合他低沉的嗓音，营造出一种诡异的氛围。“吉他巫师”这个名字名副其实。1994年，JoeSatriani宣布将接替另一位资深吉他手RichieBlackmore，加入DEEPPURPLE乐队，但至今没有任何动作。我不知道他的到来能否重振该乐队昔日的辉煌。作品：《SURFINGWITHTHEALIEN》(《和异形冲浪》)、《TIMEMACHINE》(《时光机器》)史蒂夫瓦伊(SteveVai)，JoeSatriani的老师，13岁加入摇滚乐队，以音乐为终身事业，历经弗兰克扎帕(弗兰克扎帕)、大卫李罗斯(大卫李罗斯)、白蛇(白蛇)史蒂夫瓦伊，身经百战，达到了“琴与人合一”的境界。他最大的特点就是将手中电吉他的功效发挥到极致。1990年发行的专辑《PASSIONANDWARFARE》(《战争与激情》)被评为当年最佳吉他演奏专辑，是每一个钢琴学习者必备的“教材”。作品：《PASSIONANDWARFARE》(《战争与激情》)、《ALIENLOVESECRET》(《神秘异种》)史蒂夫瓦伊(SteveVai)，JoeSatriani的老师，13岁加入摇滚乐队，以音乐为终身事业，历经弗兰克扎帕(弗兰克扎帕)、大卫李罗斯(大卫李罗斯)、白蛇(白蛇)史蒂夫瓦伊，身经百战，达到了“琴与人合一”的境界。他最大的特点就是将手中电吉他的功效发挥到极致。1990年发行的专辑《PASSIONANDWARFARE》(《战争与激情》)被评为当年最佳吉他演奏专辑，是每一个钢琴学习者必备的“教材”。代表作品：《PASSIONANDWARFARE》(《战争与激情》

）、《ALIENLOVESECRET》（《神秘异种》）SteveVai史蒂威·范恩师出JoeSatriani、13岁就加入摇滚乐队以音乐作为终身事业的SteveVai，经过FrankZappa（弗兰克·扎帕）、DavidLeeRoth（大卫·李·罗斯）、WHITESNAKE（白蛇）等多个乐队的锻炼，技术已无可指摘。身经百战的SteveVai已臻“琴人合一”的境界，他的最大特点是把手中电吉他的功效发挥至极致。1990年推出的专辑《PASSIONANDWARFARE》（《战争与激情》）被评为当年最佳吉他演奏专辑，是每个学琴人必备的“教材”。代表作品：《PASSIONANDWARFARE》（《战争与激情》）、《ALIENLOVESECRET》（《神秘异种》）EddieVanHalen艾迪·范·海伦这位出生于1957年1月26日的荷兰籍美国人，是VANHALEN（范·海伦）乐队的主音吉他手，也是无数“重金属”乐迷心中的偶像，其深厚的功底和不断创新的精神堪称新一代吉他手的楷模。上世纪70年代末首创快速点弦指法，影响深远。首张同名专辑《VANHALENI》是“重金属”历史上最重要专辑之一，随后的《5150》、《OU812》也大获成功，不过Eddie在其中的吉他表现大为减少，而是将更多心思放在键盘演奏上，这或许与吉他手兼主唱SammyHager（山米·海格）的加入有关。进入90年代EddieVanHalen仍孜孜不倦，活跃在摇滚乐坛。你若不信，听一听他在**原声专辑《Twister》（《龙卷风》）中《HumenBeing》（人类）和《RespectTheWind》（向风致敬）中的表现，就知道什么是“大师水准”了代表作品：《VANHALENI》（《范·海伦一》）、《VANHALENII》（《范·海伦二》）EricJohnson艾立克·约翰逊与其他重金属吉他手相比，EricJohnson的音乐似乎稍显轻柔舒缓，富于理智而缺乏激情，这或许与他乐队实践较少有关。Eric功底扎实，技术娴熟但不过分炫耀，吉他演奏富于变化，细节之处个人化的表现更加令人着迷。与众不同的EricJohnson同时也是一名享有盛名的“布鲁斯”吉他手，他在木琴上的造诣与电琴上的成就同样出色，是名副其实的“全能吉他手”。代表作品：《TONES》（《音色》）、《AHVIAMUSICOM》)$tcKirkHammett柯克·汉密特METALLICA（金属）乐队现在已成为“重金属”音乐的代名词，他们的每一张专辑都堪称经典。作为METALLICA乐队的主音吉他手，KirkHammett一直生活在主唱JamesHetfield（詹姆斯·海特菲尔德）和鼓手LarsUlrich（拉斯·尤尔里奇）的阴影中，但是无人可以抹杀他在乐队中的重要作用。不信听一听《One》（唯一）中的GuitarSolo,那旋律绝对是可以让你“三月不知肉味”。进入90年代，KirkHammett逐渐参与乐队歌曲的创作。这一变化连同乐队形象、风格的转变，意味METALLICA逐渐融入主流。代表作品：《ANDJUSTICEFORALL》（《对一切都公正》）、《METALLICA》（《金属》）DaveMustaine戴维·马斯坦如果说以上九位吉他手是名至实归的话，那么最后一位的选择就有些为难。因为每支重金属乐队都至少拥有一位不错的吉他手，WINGER（飞翼）乐队的RobBeach（罗勃·毕兹）、POISON（毒药）乐队的RichieKotzen（里齐·克特森）、TESTAMENT（旧约）乐队的AlexSkolnick（亚历克斯·斯科尔尼克）都在各自的乐队中表现出色，备受赞誉。但是最后我选择了MEGADETH（麦加帝斯）乐队的DaveMustaine。离开METALLICA后，他组建MEGADETH，决心与METALLICA分庭抗礼。作为“SpeedMetal”（速度金属）的代表人物，他仿佛有无穷的力量，用手中的电吉他营造出风雨不透的“速度世界”，听MEGADETH的音乐，你将体会到什么是透不过气的感觉。代表作品：《PEACESELLBUTWHOISBUYING》（《出卖和平，但是谁买？》）、《RUSTINPEACE》（《腐朽和平》）NunoBettencourt努诺·贝特恩考特还记得EXTREME（极端）乐队的黑白MTV作品《MoreThanWords》（无需言语）中NunoBettencourt怀抱一把木吉他的精确切音的表演吗？无论是他清秀的面庞，忧郁的气质，还是精湛的琴技，谦逊的品格，NunoBettencourt都有理由成为乐评家和歌迷的宠儿。在乐队1989年的处女作中他就有不俗表现，随后的两张专辑展示了NunoBettencourt的雄心：创造出一种融合Blues（布鲁斯）、Funk（疯克）、ArtRock（艺术摇滚）、重金属的摇滚乐。作为新生代吉他手最杰出的代表，娴熟的技巧和无尽的创意足以令他叱咤乐坛，立于不败之地。EXTREME解散后，人们对单飞的Nuno寄予更高的期望。代表作品：《PORNOGRAFFITTI》（《春宫图》）、《IIISIDESTOEVERYSTORY》（《故事的三方面》）)Slash斯莱史如果说AxlRose（阿克索尔·罗斯）是乐队GUNSROSES（枪炮与玫瑰）一半的话，那么Slash就是另一半。AxlRose狂野不羁的演唱配合Slash轰鸣的吉他交织出一种美妙的噪音效果：狂野而充满生气，激进而富于侵略性。吉他在他手中就像一把枪，准确而又犀利。看过《NovemberRain》（十一月的雨）MTV的朋友一定会对Slash在教堂前的那段吉他So鄄lo留下深刻的印象。由于和AxlRose在创作方向上的分歧，Slash已离开GUNSN’ROSES独立发展，推出个人专辑《It’s5O’ClockSomewhere》(《某地5点钟》)。代表作品：《APPETITEFORDESTRUCTION》（《毁灭的欲望》）、《USEYOURILLUSIONIII》（《运用你的幻觉一、二》PaulGilbert保罗·吉尔伯特（大先生）虽然只出版了4张录音室唱片，但已拥有大批的乐迷。《ToBeWithYou》（和你一起）成为“金属柔情”最好体现，这其中主音吉他手PaulGilbert功不可没。头两张专辑充分展示了他深厚的布鲁斯功底，在随后的作品中，Paul逐渐提高频率，加快拨弦速度，已取代YngwieMalmsteen成为“重金属”乐坛弹奏速度最快的吉他手。顺便提及，PaulGilbert在《NothingButLove》（只有爱）中尝试用吉他演绎出小提琴、钢琴，甚至更多的音色，充分表现出他惊人的想象力和高超的琴技。代表作品：《》（《大先生》）、《BUMPAHEAD》《向前冲》YngwieMalmsteen英格威·马尔莫斯汀这位瑞典人曾是欧美乐坛弹奏速度最快和古典韵味最浓的吉他手，全世界崇拜他的乐迷不计其数，特别是在日本，有“吉他之神”的美称。翻开YngwieMalmsteen的唱片文案，值得他感谢的音乐大师只有JimiHendrix（吉米·亨德里克斯）和Paganini（帕格尼尼）。1992年的精选专辑《THEYNGWIEMALMSTEENCOLLECTION》（《英格威·马尔莫斯汀选集》）值得每一名吉他手反复聆听。近年来随着新生代吉他手的崛起，YngwieMalmsteen已渐渐沉寂，但是他的实力仍不容忽视，或许下一次出击就会给你带来意想不到的惊喜。代表作品：《FIREANDICE》（《火与冰》）、《TRILOGY》（《三部曲》）

1唐朝老五（本名：刘义军）河北廊坊人1982年开始学吉他，1985年不顾家人反对，上北京求教，刻苦学琴，平均每天练琴8小时以上1992年《SPIN》杂志评为“中国最伟大的吉他手”，不只因为他的技艺出神入化，更因为他的吉他声中充满创意与感情。在80年代末，老五的大名在国内的音乐圈就已经叫得很响，当时有一句话可以佐证：“北有老五，南有捞仔”。这两人均是行家公认的南北两大吉他高手，其技艺之高超颇有点“神龙见首不见尾”的味道。后来老五成为“唐朝乐队”的一员，担纲主音吉他手随后在1992年唐朝乐队的首张专辑发表后，身后追随者甚众。他的吉他飘零、游荡、华丽、大气，咏叹着岁月的脉脉流痕，颇有一代大师风范。代表作有：《梦回唐朝》《演义》《再度归来》等2：捞仔（本名：吴立群）1986年在广州歌厅担任吉它手1991年在广州海印电子城开琴行1998年在广州五羊新城成立“捞仔录音室”再此之前他是杭州歌舞团的一名古典吉它手。捞仔高中毕业正式学习吉他。在广州期间日子过得颠沛流离。尽管这样，捞仔也从来没想放弃过吉它弹奏技术的研习，一段时间后，捞仔的演奏水平有了很大的提高。捞仔说：“我觉得技术仍然占很高的要求，音乐元素应更加多元化。现在是一个融合的年代，各种音乐的界限已经模糊。做音乐要有一些新的手段。我的音乐取向，没有固定的模式，把以前所学的做一个融合，吉他已经变成我的音乐的一部分。”正因为有着这样的音乐理念，他把各种的音乐元素，摇滚、电子、朋克、蓝调全部融合在一起。他的吉他柔细而清亮,其中著名的唱片《阿姐鼓》里的所有吉他部分就是捞仔演奏的。现在捞仔已经转型，主要在唱片制作和编曲，现在是著名的音乐制人曾被誉为“华南第1吉他手”代表作有：《里奥爵士》等专缉，深受广大吉他爱好者的喜爱3：李彤（黑豹主音吉他）相信大家一定都听过《黑豹》的歌，知道《黑豹》的朋友也一定都知道李彤。李彤北京人，北京摇滚圈中心人物。黑豹多数作品都出自他之手，中学时代开始学习吉它，每日刻苦练琴。他带有感情色彩的吉他弹奏方式及独特的味道、个性，另每一位乐迷为之陶醉。1987年参加黑豹担任主音吉他1991年首先在香港、台湾发表了初次问世的专辑《黑豹》[Don’lBreakMyHearl],[无地自容]等曲目，成为华人青年热唱的名曲。同时黑豹乐队也成为华人在世界上专辑销量最多的摇滚乐队。1992年12月在中国大陆正式发行了首张专辑《黑豹》。创下了150万盒的发行记录。1993年在全国三十个大小城市的巡演，受到了数以百万计听众的倾慕。在中国大陆燃起“摇滚之火”。随后在94年推出《光芒只神》96年推出《无事无非》销量都创下佳记。1999年在北京奥林匹克中心体育场大型演唱会现场版《狂飚=激情》李彤激情的演奏，更是另无数乐迷为之疯狂！！其中还被邀请去过香港，日本演出。均受到一致好评，是一位闻名中外的吉它手。代表作有：《无地自容》《黑豹II－－光芒之神》《无事无非》等4：黄贯中阿Paul（beyond乐队主音吉他）香港人1985年加入BEYOND乐队，担任主音吉他手，之前主要以重金属为主要风格。加入BEYOND乐队后，多翻受BEYOND黄家驹指导之后，学习了各种音乐风格的学习。86台湾与87阿拉伯演唱会的金属SOLO更是另众多吉他手感到汗颜！他在音乐中已经将摇滚乐的所有元素捕捉一空!他对香港及世界的背悯情怀会让每一个有心人感动得流泪99年之后，黄贯中的吉他SOLO作曲和技术更为成熟和合理，03年并荣货了美国吉他Ovation公司的形象代言人，成为了香港第一流的吉他好手。曾多次到海外演出,均受到一致好评!顺便说一下`大家注意了没有黄贯中好像没用过吉它上的把手`需要用把手提的音``他用手中拨片就搞的定厉害`代表作有：《金属狂人》《困兽斗》《海阔天空》等5：歇斯（本名：杨长勇）可能有些乐迷对歇斯并不是很熟悉。但在圈内歇斯可是一位人所皆知的吉他高手，曾创建：双手点弦：被人们称为六指琴魔。被誉为：中国第一速度。1990，组建以硬式摇滚为主的’黄种人’乐队，并成为中国早期摇滚乐对代表；1996年，开始录制首张专辑《我不会忘记最初》；同年，为《再见张炬》纪念专辑录制《生日与祭日的问候》单曲；1999年，与美国吉他手-JEFFKOLLMAN切磋技艺；1999年11月，与旅美艺术家刘索拉及其乐队在中国戏曲学院进行音乐交流；2000年6月，与美国吉他手（原乐队）-PAULGIRBERT在“朋友“酒吧进行了音乐交流。2000年12月与京文[嚎叫唱片]签下个人吉他音乐作品专辑约，并于当月开始录音制作工作。2001年2月底：国内第一张纯正吉他音乐的唱片[2065-舞指如歌]正式发行。得到大家一直好评。还曾多次被海外吉他大师邀请演出。6：郭怡广（唐朝前任吉他手。现春秋乐队吉他手）籍贯：河南1966年出生于美国纽约州，自幼酷爱音乐，曾学习钢琴，大提琴和小提琴，16岁开始练习吉它1984年就读于BERKELEY（加州）大学，曾自组乐队FREEFALL（自由落体），并在SANFRANSSCO（旧金山）的很多大学及酒吧演出1988年他背着吉它只身一人来到中国寻求他的摇滚音乐梦，与丁武和张炬共同创立，是的主要创始人之一。曾因故回到美国，在美国他也没有放弃他的理想，担任起了吉他教育工作。1996年放弃了美国的生活和工作，返回中国，正式加入1997年赴广州参加庆香港回归演出。在2001年加入担任吉他手他琴风复杂而细致，给我们带来了“前卫金属“的概念西方音乐的外衣和中华五千年文明是他的设计元素。随后,在他的带领下走出了一个光芒万丈的,由无数乐韵组成的乐之精灵!7：张勇大陆第一位摇滚吉他大师，有着丰富的海内外演出经验。80年代后期参与众多专辑的制作与录音，也是中国第一代音乐制作人之一。代表作有：吉他专辑《吉他世间》，《吉他大王》为众多吉他爱好者收藏。8讴歌(全名：郑讴歌)（面孔乐队主音吉他，现译乐队主音吉他）讴歌少时习琴，张炬是他的启蒙老师，还曾受过丁武，老五的指导，还曾和老五等人一同与保罗·吉尔伯特切磋琴技。1989年组建乐队，乐队原名为“失去控制”后改为“面孔”。乐队成立时成员平均年龄不满18岁1990年开始，在北京的各种PARTY中露面并引起人们关注，同时亦被认为中国最西化的乐队。曾以重金属为主要风格。也是中国著名的吉他手之一。代表作有：《欢乐颂》《梦》等9：亮子（本名：李延亮）（超载乐队主音吉他）籍贯：河南洛阳李延亮中国年轻一代的优秀吉他手，曾受过讴歌和老五的指导。他是一位擅于“追逐灵感”的音乐人，父亲曾是一名鼓手，从小培养了他勇于表达自己的感受，自由自在质朴而率真的特质。高中毕业后，他成了一名文艺兵，六年的军旅生活使其音乐语言在实距中不断地成熟起来。他坚韧地走着，走向他更广阔的世界。93年他毅然弃官不做，只身到北京加入了高旗领导的“超载”乐队。他在老狼、潘劲东、倮倮、许巍、骅梓等人的专辑中都留下了精彩独特的吉它声。曾与赵卫一同担任过乐队评选的评委。还曾被邀请参加的吉他讲座。代表作有：《火星滑雪场》《千亿个太阳》《剑气长江》等10：赵卫（轮回乐队主音吉他）赵卫生于南京，1994年毕业于中央音乐学院管弦系毕业后在中国人民解放军总政军乐团担任黑管演奏。一次很偶然的机会，在日本看到摇滚演唱会，从此酷爱上摇滚乐，不能自拨。曾受到老五的指导，终日琴不离手，陶醉于梦的彼岸。由于精勇各类音乐风格且技艺非凡，故求艺者络绎不绝，堪称中国第一琴师。随后加入轮回，。他们将民族、古典、流行、摇滚进行了全面的融合与尝试，并一往摇滚歌曲内容多用的反抗情绪，而反以一种温暖、深情、充满东方意味的力量示人。第一张专集在没有任何宣传的情况下，两个月内，销量就突破20万张。现在和担任吉他讲座代表作有：等最后还要提到一位他虽然不参与排名，但他在中国大陆摇滚圈内绝对占有重要的地位。如果把BEYOND比喻成香港乐队的领头羊话，那他当然也不能比喻成大陆乐队的领头羊，^o^大陆的领头羊是人家是崔健嘛。呵呵~~~不过他为国内第一代摇滚事业所做出的贡献也绝对不能被人们忽视！！丁武北京人曾组建，担任吉他兼主唱。后又率领：藏天朔，王笛，王勇，孙国庆，秦齐（不是齐秦哦，也曾在担任过主唱。第一张专集里的就是他演唱的），李季，严纲，李力。组建最后组建在唐朝担任主唱节奏吉他兼团长。他是北京，乃至中国大陆摇滚圈内的中心人物。也是北京摇滚乐圈最具传奇色彩的人物。他独特的嗓音无时不流露出浪漫主义、理想主义、唯美主义的诗人气质，时而更象醉酒诗人的狂草，信手拈来，肆意而为但又表意精确，追求着对“太阳”的膜拜中，和对“月亮”的赞美中。再加坎坷的生活与敏感的特质，使他全身上下散发不可抗拒的魅力。