雕塑的简介

西方中世纪和文艺复兴时期油画多有于取材古希腊神话(及其发展--古罗马神话)的，而在西方雕塑发展史上，古希腊雕塑代表着一种美学高度。希腊艺术家确立规范和原则，对后世西方艺术创作产生了深远影响，文艺复兴时期和新古典主义的雕塑艺术就以其为标杆。古希腊的艺术家确定了最美的人体的原则。公元前4世纪的希腊古艺术家波利克里托斯是第一个“规范”了“美”的艺术家，他从纯数学理论角度，计算出一个做为人类身材范本的男士应该具有的身材比例。他是“黄金分割律”的鼻祖。并且，评判他人、修炼自己的身材仪容也成为古希腊人的习惯。“苏格拉底一贯认为：凡是身材不佳、仪容不整的人都是没有公共精神、不积极参与公共事务的人。在苏格拉底的眼里，公民身材肥硕问题属于公共事务的范畴，而肥胖也是政治问题。”尼采就曾说过，要在“身体上做一个古希腊人”。有意思的是，如果不是马其顿亚历山大大帝东侵印度，将雕塑艺术带到恒河流域，恐怕流传到东方各国的佛教也就不会有后来繁荣不已的造像艺术(云冈，龙门，莫高窟，巴米扬大佛)，甚至在佛教、道教(借鉴了佛教的传教形式)的寺庙里也不会供奉着偶像。因为，古印度的宗教传统里是不崇尚偶像崇拜的。坦胸露乳的佛像，恐怕也只能来源于古希腊的文明吧！

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西方

人类的历史非常漫长，美术史上最初发现的遗物，大约在纪元前二万年，亦即人类开始用自己的手发明取火的时代．火的发明乃是人类历史上的大事，当时的人类以狩猎来维持生命，过著经常寻求住处与猎物的游牧生活，人们就把以狩猎为生的原始时代称为旧石器时代．那时，已有初期美术萌芽，从贝壳类的器物与装饰品上可以看出来，并已用尖锐的利器，如尖石等，在兽骨上雕刻简单的花纹．推测此时虽已有火，但尚未用泥土来烘烧土器．被视为最初的雕刻也发现了，但在技术上是幼稚的，只不过将大概的姿态表现出来而已，型式上圆雕与浮雕皆有，这些雕刻，在宗教上必定具有某种程度的意义．

新石器时代的人类即为原始农耕民族，从狩猎、游牧到择地而居栽种谷物，饲养家畜，这又是一个大的转变．人类不必和以前一样，过著和野生动物搏斗，紧张不安的生活，而有充分的余暇来制作更精致的器物．此时最大的特色，是人类已开始用火来制作土器，作为日常生活器物，并施以简单的色彩，或画些装饰性的纹饰，大多以线条为主，象徵性倾向极强．跨过以上的原始时代，铜、金、锡陆续被人发现，进而把锡和铜混合成为青铜，於是人类渐渐制造各式各样的工具，文化愈来愈发达，而发展至青铜时代．由狩猎、游牧至畜牧、农耕，使人类在美术世界中，已渐渐开出灿烂夺目的花朵．

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国外雕塑艺术简史

摘自：[中华艺术网] 时间：[2005-4-5] 编辑：[zhysw] 查看：[180] 次

西方古代时期的雕塑在很长的一段时间里主要是为图腾、魔法和宗教服务。

在美洲，墨西哥的普勃洛州的特华坎河谷是伟大的中美洲文化的诞生地。而后在墨西哥湾地区出现了当时最先进的古典前期文化，即奥尔麦克文化。它被喻为墨西哥文明的前身。公元前300年左右玛雅文化开始出现并发展，它继承了中美洲文化传统，发展了大型雕塑，如神庙等。14世纪上半叶，墨西哥土著阿兹台克人统治了墨西哥河谷，建立了君主专制王国，形成了阿兹台克文化。16世纪时，西班牙人征服了阿兹台克王朝，接着向南方掠夺并统治了印加文化的发源地——秘鲁。

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宗教对雕塑发展的影响

摘自：[中华艺术网] 时间：[2005-4-5] 编辑：[zhysw] 查看：[210] 次

西方把这一时期称为中世纪时期（也叫中间时期），它所包括的范围是从古典时期结束起，直到文艺复兴之前。这一漫长的日子被基督教统治着，所以形成了基督教美术。这一时期的雕塑，摒弃了关于自然比例的种种古典法则，而去寻求一种更适合基督教题材的、形式多样的、比例被拉长了的形象。这种用抽象法式来处理的雕塑，使作品每个部分都充满了生机。这种形式的雕塑，反映了雕塑家力求把身体和灵魂结合在一起的愿望，而这种美术风格上的创新竟成为13世纪伟大的哥特式雕塑的先躯。

与此相同，东方也产生了一种宗教——佛教。佛教诞生在印度，佛教的诞生也带动了佛教艺术特别是佛教雕塑的发展。就佛教雕塑而言，印度人在这方面的成就是显而易见的。印度人对视觉艺术的探索基本上是三维的。在印度，雕塑、建筑甚至绘画均能以被触觉感知的三维立体的观念来表现。他们制作雕塑不是有意模仿对象，而是创造出经概括的形体，这些雕塑有一种厚实的分量感，从而达到了一种对质感、三维空间，以及纪念碑气势的表现。

两汉后佛教传入中国，后又传入日本等地。

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19—20世纪的雕塑艺术

摘自：[中华艺术网] 时间：[2005-4-5] 编辑：[zhysw] 查看：[170] 次

19世纪，在欧洲的许多城市广场和公共建筑上安置了一大批显示出卓越技艺的纪念碑和纪念性雕塑。法国著名雕塑家让·巴普希斯特·卡尔普以强烈的浪漫主义精神创作了《舞蹈》。整个作品充满了生气，节奏流畅优美。弗朗索瓦·吕德的《凯旋门》浮雕充满了激情和民族自豪感。梅达尔村·罗索把印象派绘画理论用于雕塑，从而把绘画和雕塑融合在一起。他的作品表现了在色光的照耀下雕塑最闪动最精彩的部分，而让其它部分减弱，表现了丰富的光影和人物性格变化。

谈到19世纪的雕塑，不能不提到罗丹。罗丹的艺术天才和独特个性，使他的作品从墨守成规中走了出来。作为一位天才雕塑家，罗丹的秘诀在于善于用雕像的动态和姿势表达内心的情感和内涵，并注入了令人无法忘怀的现实主义和人文主义思想。布尔德尔虽是罗丹的学生，并深受其影响，但也创作出了大量的折衷于古典传统与罗丹作品艺术的雕塑。他强调作品结构的建筑性，并带有一种变形的装饰味。马约尔是一位风格迥异的雕塑家，他把一切细节全部抛开，只去表现人体丰满的体积和单纯从容的姿势，使作品既有古典时期的和谐感又有近代艺术的自然美

20世纪是一个色彩缤纷的时代，各种思潮和流派不断产生并流行，并波及整个世界，如立体派、表现派、未来派、超现实主义、流行主义、抽象构成和照象写实等等，不管这些流派的形式和主张有何不同，他们都是决裂于传统艺术的新形式。

20世纪雕塑的两大主流之一是康丁斯坦·布朗库西（1876～1957）。

布朗库西对现代雕塑的贡献是多方面的。他最重要的贡献是创始了一种具有普遍意义的象征物，这种象征物的雕塑形式简洁、强调形体的基本属性（见第11页图1-18）。由于现代生活的急剧变化和快节奏，以及杂乱无章的事物，人们要求在心理上接纳一种单纯的、简洁的艺术形式。

另一种是立体派的雕塑，创立人是毕加索，但代表人物是乌克兰出生的亚历山大·阿基本科（1887～1964），他的作品特点是把坚实的平面与挖空的开放的体积对比形成一种独特的节奏和动感，并用凹陷的结构取代原本坚实的甚至凸出的结构使空间流动起来，并探索了正负空间的转换。立体派的代表还有蕾蒙、杜桑·维隆、昂利·洛郎斯、雅克·李普契兹。

在立体派雕塑家创作的同时，意大利雕塑家们也创造了一种不同的风格——“未来派”，恩墙托·波菊尼宣称：“绝对地和彻底地放弃有限的线条和封闭的雕塑。”“让我们把人体打开，把环境关闭到人体里面去。”

在这两大主流之外较著名的流派还有构成派。构成派雕塑家瑙姆、加博、安·培布索奈（1886～1962）在创作中，用一种新的方式把物体所占有的空间进行了新的塑造，他们提出用空间、时间来取代量感，也通过构成雕塑寻求一种建筑新型的表现形式，对建筑作出了重要的贡献并采用和探讨了新型材料，从而把雕塑要素与建筑要素完美地结合在一起。

总之，现代雕塑流派纷呈，花样百出。所谓“现成品”构成组装雕塑、“软”雕塑、乔治·西格尔的波普艺术等等，令人眼花缭乱，但他们的统一特征是用传统材料与现代合成材料的运用（如金属线、钢、布、纸等等），再加上种种新技法，采用声、光、色、电、速度等等手段，创造出一个充满活力的天地，为有才能的艺术家提供了一个使人兴奋的机会，去创造一个光明和令人鼓舞的未来。

古希腊雕塑中的好几项都位列世界十大雕塑中，如： （作者：米隆）

米隆的《掷铁饼者》 高约152 厘米，罗马国立博物馆、梵蒂冈博物馆、特尔梅博物馆均有收藏，原作为青铜，米隆作于约公元前450 年。原作已佚，现为复制品。雕像选取运动员投掷铁饼过程中的瞬间动作，这正是铁饼出手前一系列瞬间万变动作中的暂时恒定状态，运动员右手握铁饼摆到最高点，全身重心落在右脚上，左脚趾反贴地面，膝部弯曲成钝角，整个形体有产生一种紧张的爆发力和弹力的感觉。形体造型是紧张的，然而在整体结构处理上，以及头部的表情上，却给人以沉着平稳的印象，这正是古典主义风格所追求的。 （作者：菲狄亚斯）

雅典娜为雅典城的守护神，也是代表智慧的女神。原作为巴底农神庙大殿的主像，全身高达13米，用银白色大理石雕成，局部镶嵌着象牙与黄金，可惜已在拜占庭帝国时代被毁坏。这里介绍的是大理石小型摹制品。在这件女神雕像中，她头戴战盔，身着希腊式连衣长裙，护胸和甲胄上装饰有蛇形饰边和人头像；她裸露双臂，透过薄衣裙可隐见丰艳健美而有力量的身体；衣裙褶纹和饰物造成横竖线条的疏密变化美；她的手势动作可能是执长矛和托物，整个形象富有女性的温柔和充满生命，更多的是人性，绝少神性，这表明希腊化时期艺术已走向世俗化。 （帕特农神庙正面山墙上的浮雕，大理石，高112厘米，公元前449年—前400年，现藏伦敦不列颠博物馆）

这是希腊古典时期著名的雕刻杰作之一。旧称“命运三女神”。它原是帕特农神庙正面山墙上右角末端的高浮雕。题材来自希腊神话。现存的这三个女神的雕像，头部和四肢都已失去，但那健美的身躯，恬静而潇洒的姿态，仍给人以极其优美的形象。尤其是三女神的衣服的处理，希腊式薄衫穿在三女神的身上，纤细而又繁复的湿衣褶，随着人体的结构而起伏，女性人体的优美轮廓，生动地展现出来。使得这些雕像不像是由冰冷的大理石雕凿而成，而是有血有肉活生生的人。 西方雕塑的传统发端于古希腊和古罗马文化，但古希腊雕塑却又曾被古埃及雕塑深深的影响过，所以让我们先来回顾一下古埃及的雕塑。大约在公元前4000年左右，埃及的雕塑突然兴盛起来，并且形成了人类雕塑史上的第一个全盛时期。古埃及雕塑有着准确的造型、风格化的语言和相当内在而神秘的精神风貌。在古王朝时期出现了大量纪念碑似的雕塑，有的甚至是可以令全人类为之骄傲的杰作，最有代表性的是吉萨的狮身人面像，它有20米高50多米长，仅面孔就高达5米，它和临近的金字塔一起构成了建筑之谜。它在造型上服从于“正面律”程式，似乎是一个狮身人面，带着国王的头巾，与某位法老的肖像比较接近，它是当时埃及雕塑具有祭祀和宗教功能的反映。它和别的法老肖像一样在形式上给予人的印象是：庄严、雄伟、浑厚、稳固、犹如不可动摇的大山

无论是狮身人面像、法老的肖像、或是别的古埃及雕塑，它们都是恒古不变的遵循着“正面律”的程式，透过它们，我们可以感受到古埃及雕塑的审美理想是追求“永恒”。而古希腊雕塑的审美理想则是追求“真实的美”。希腊雕塑家创造了越来越凭艺术家灵性和天赋使雕塑作品达到新颖活泼的形式，并一点一点的从平面趋向小的起伏。尽善尽美的境界。于是给我们留下了《掷铁饼者》、《米洛的维纳斯》等写实性雕塑的千古典范。古希腊雕塑的发展大致可分为三个阶段：古风时期、古典时期、希腊化时期。在“古风时期”希腊雕刻处于“摸索”阶段，它借用埃及雕塑的“正面律”法则来制作人像，形成了“古风”程式，这一时期的雕像形体大都比较古措、僵直，雕像的重心总是落在双足之间。到了一批制作于公元前五世纪的青年裸体立像被发现时，人们看到旧的程式被突破了，人体的重心落在了一只脚上，整个人体因而放松，显得自然、真实。于是这一批青年裸体立像的出现标志着希腊雕塑进入“古典时期”。 “古典时期”即希腊雕刻的全盛时期，这时的希腊雕塑在追求“真实的完美”，追求客观真实之美的境界已经到了登峰造极的程度。在文化史上通常把从从亚历山大远征远征开始到埃及托勒密王朝臣服于罗马帝国的历史阶段称为“希腊化时期”。“希腊化时期”的题材相当丰富，出现的地区也十分广泛，从某种意义上讲形成了一种文化的扩张，其影响覆盖了整个欧洲，并且成为了整个西方艺术的奠基，其崇尚客观真实之美的文化便是西方文明讲究思辩性、讲究客观之真的最初体现。希腊雕塑创造了一种美的综合，对于人体本身也充满了赞美，这些我们可以从这一时期的许多裸体雕塑上得以体会。反过来说崇尚裸体的风俗也给厂写实雕塑语言的发挥以淋漓尽致的机会。

在希腊被罗马帝国征服以后，西方的文化艺术中心由希腊转移到了意大利早期的城市，罗马人虽然征服了希腊的国土，但在文化上它却是一个被征服者。罗马人大量的复制和学习希腊的雕塑，今天所遗留下来的一些古希腊雕塑都是罗马时期的摹制品。罗马雕塑沿袭了希腊雕塑追求“真实之美”的传统，但比希腊时期的雕塑更加的世俗化，在罗马时期许多军事家或政治家都要求雕塑家为他们塑造肖像，甚至罗马人还经常性的用雕塑来留存死者的形象。这客观的在写实的道路是又迈出了坚实的步伐。罗马雕塑的成就主要是表现在肖像雕塑和纪念碑雕塑上，这些肖像雕塑不仅形似，同时还十分的讲究表现人物的性格特征。比较著名的有《奥古斯都全身像》和《卡拉卡拉像》。此时在纪念性雕塑上以宏伟和庄严取代厂过去的优美典雅。

随着公元五世纪西罗马帝国的灭亡，开始了被后人称之为黑暗的中世纪，它在15世纪的意大利文艺复兴的黎明前结束。中世纪的到来标志着西方进入了基督教时代。这一时期宗教对雕塑产生的很深的影响，墓督教的禁欲主义思想影响了雕塑家创作灵感。当时的雕塑作品大多是带有浓厚的禁欲主义色彩，艺术中所体现的宗教精神倾向在中世纪达到丁顶点。在墓督教精神的哺育之下，哥特式艺术取得了辉煌的成就，哥特式艺术成为完全为上帝歌颂光荣的文明信仰的反映。早期的杰山典范有巴黎圣母院和沙特尔大教堂。也许正是由于中世纪雕塑长期受到桎梏和压抑才会产生十五世纪出现的之艺复兴的非凡的爆发力。 从十四世纪起，在意大利，由于人对自身价值的重新肯定和对世界的发现导致了文艺复兴运动的发生。在这一时期，艺术家们将人作为了自己美学象征和追求的对象。在十五到十六世纪的上半叶这种思想得到发展与传播，从而彻底的改变了欧洲的面貌。许多雕塑大师在这时相继涌现。比如多那太罗、米开朗基罗、博隆那等，文艺复兴的雕塑以共完美 的技巧、宏伟的气魄和深刻的思想标志着欧洲雕塑史上继希腊罗马以后的第二个高峰，米开朗基罗则是文艺复兴时期最重要的雕塑家。他的一身创作了无数艺术精品构成了这一时期的最经典的范式。十九世纪伟大的雕塑家罗丹曾经总结说“菲底亚斯的雕像由四个面构成，而米开朗墓罗的雕像则由两个面构成。”米开朗基罗作品的形体构成变化不是轻微的而是激烈而扭曲的。在创作中米开朗基罗强调遣“应该用眼睛而不是手去测量，因为手只会制作，而眼睛才会判断。”米开朗基罗的作品中流露出强烈的人文主义色彩，特别是他后期的作品运用强烈对比的造型来宣泄内心悲愤的倾向越来越明显。1520年左右到十六世纪末出现了风格主义，该时代艺术家们缺乏个性，缺乏创造性，一味的创作出一套完整的雕塑范式，摹仿前人的样式，使它成为了文艺复兴这一辉煌时代的后继衰落阶段。此后罗马出现了巴洛克风格的艺术，巴洛克艺术盛行于十六世纪末和十七世纪的欧洲。它通过绘画、建筑构成了一种潮流，推进了欧洲的文明。这时最为重要的雕塑家是贝尼尼，他以几乎可以乱真的写实技巧被称为“巴洛克时期的米开朗基罗”。贝尼尼的作品在表达激情或宗教狂热时所使用的人体语言更加的复杂，这种“体积”的扭动，夸张的表情，起伏的形体和流畅的线条，使作为华丽的宫廷雕塑以其戏剧性的效果和纪念碑的气势，焕发出强烈的艺术魅力。比较文艺复兴时期的雕塑巴洛克时期的雕塑少了些庄严、肃穆和正襟危坐的感觉，它广泛的进入人们的生活，更加的世俗化。在十七世纪同时与巴洛克平行发展的还有法国的古典主义雕塑。这种风格追求严谨、宏伟的和谐及平直的线条，它正好与巴洛克以曲线为主的形式相反。

十八世纪，在法国宫廷中最先出现罗可可美术。这种艺术形式在1720年至1760年间得到了充分的发展。它是从巴洛克背景中自然演变出来的，并自觉脱离了巴洛克风格，罗可可风格的雕塑在气势上不象巴洛克时期的那样有力，它追求纤细柔弱的艺术效果。罗可可雕塑家的代表人物有法尔孔奈、克洛狄翁等。在十八世纪中叶新古典主义艺术在罗马兴起，并且迅速扩大到欧洲的其他地方。该运动寻求以绝对美的理沦为美学理想，来抨击罗可可的肉欲倾向及形式繁琐。新古典主义雕刻流行于1790年至1840年其代表人物有意大利的卡诺瓦、丹麦的托尔瓦德逊、法国的乌东等。其中乌东在肖像雕塑方面有着很深的造诣，他的著名的作品有《伏尔泰像》。

十九世纪，巴黎取代了罗马成为了欧洲的文化艺术的中心。随着资本主义的繁荣，雕塑艺术的发展也开始多样化，出现了许多流派和主义，除了上一世纪就有的新古典主义外还先后交叉出现了浪漫主义、写实主义。

十八世纪，浪漫主义出现在欧洲，到十九世纪五十年代左右渐渐衰落。浪漫主义运动宣告丁人与个性先于一切的地位，它以强烈的感觉和想象回答了冷酷的理性王国，表现了对新古典主义的反叛。它标志着艺术与往昔一切想法的彻底决裂。浪漫主义雕塑的代表人物是吕德，他是巴黎凯旋门著名的《马赛曲》雕塑的作者，他以象征的手法使雕塑在表现为正义而战的人民时激情涌动。还有大卫·安格尔斯和巴地斯特·卡尔波也是浪漫主义的代表人物。

十九世纪五十年代前后，法国的现实主义运动诞生，现实主义是以反对美术院中将艺术置于一些僵死的原则之下为目的，该运动试图使艺术重新接近于日常生活，在现实中寻找灵感去达到艺术理想。现实主义雕塑家中以罗丹的成就为最高。在西方的雕塑史上他被视为继米开朗基罗之后的又—巨匠，同时他还在雕塑史上充当厂一个承前启后的角色，是他给辉煌的占典雕塑拉上了帷幕，是他叩响现代雕塑的大门。从罗丹开始，自古希腊流传下来的这种以尊重客观真实之美为基础的艺术形式墓本—卜达到顶峰，此后的西方艺术家转而追求的是作品所表达的心灵的真实。我们看到罗丹的人体之所以感动我们的不再是它怎样的逼真，而是透过坚硬的雕塑有一股生命力在向外膨胀，而是那些仿佛颤动的形体激起了我们灵魂的悸动。罗丹的创作和艺术思想对于后世的雕塑有着深远的影响。他的代表作有《思想者》、《吻》、《巴尔扎克像》等。

古代希腊人体艺术的形成、发展与其社会历史、民族特点、自然环境有着密切的关系。城邦国家的奴隶主民主政体为文化艺术的发展提供了有利的条件；城邦国家要求公民具有健壮的体格和完美的灵魂，成为古代希腊理想美的典范；希腊神话是希腊艺术的土壤，它包含着人类对自然奥秘的理性思索、孕育着历史和哲学观念的萌芽。希腊的艺术家正是在这种环境下创造出古代世界最杰出的人体艺术，给人类文化宝库留下了最珍贵的遗产。

当我们欣赏西方人体艺术的时候，就会发现古代希腊文化对欧洲艺术的影响，那就是一种对于我们自身的认可、赞赏和爱。古代希腊艺术的黄金时代遗留给我们的人体艺术，作为美的典范，是其他任何时代、任何社会、任何民族都无法企及的。古代希腊的人体雕像不仅形式完美，而且能充分表达出艺术家的思想感情。如:《克尼多斯的阿芙罗底德》、《米洛斯岛的阿芙罗底德》、《拉奥孔》等。它们的作者运用人体作为艺术语言，传达出人类自身的精神力量，肯定了人的生命的价值，表现了健全的灵魂与健美的体魄的和谐统一，歌颂了人的智慧和力量，显示了人的高贵和自尊。关于这一点，俄国作家屠格涅夫就曾在他的小说里写到:《米洛斯岛的阿芙罗底德》比法国大革命的《人权宣言》更不容质疑。意思是指在保卫“人性的尊严”的方面，前者也许更有力量。

那么我们不禁要问:为什么早在两千多年前，还处在原始氏族社会刚刚转向奴隶社会阶段的古希腊城邦国家，却已经能够创造出这样一系列优美动人的雕像；而且，从古代希腊人体艺术作品中，人们也会发现，古希腊人体艺术的题材，除了主要来自希腊神话中的人物，就是表现运动员的形象，而古希腊的雕像又往往采取裸体的形式。为什么会形成这些情况呢？

新华网伦敦6月15日电 英国研究人员最近使用一种新技术，首次成功鉴定出来自希腊帕特农神庙的雕塑上已消失的原有彩绘。与近来因新发掘而颇受关注的中国秦始皇兵马俑原有彩绘一样，希腊彩虹女神伊丽丝的雕像原本也“穿着五彩衣裳”。

据英国《自然》杂志网站15日报道，现存于大英博物馆的许多来自帕特农神庙的雕塑呈朴素的大理石原色，尽管有专家认为它们原本是彩色的，但几个世纪来一直没有找到确凿证据。

大英博物馆的研究人员维里开发出一种新技术，用发光二极管以红光照射雕塑表面，然后检测雕塑发出的近红外辐射，可以鉴定出雕塑的某些部位表面曾涂过一种古代常用的颜料“埃及蓝”。如现已朴实无华的彩虹女神伊丽丝雕像，其腰带部位原本是蓝色的。

研究人员说，这是首次获得能证明这些雕塑原本为彩绘的决定性证据。

著名的古希腊帕特农神庙建于距今约2500年前，其众多雕塑代表了人类艺术史上的一个巅峰，这些雕塑后来在历史长河中因各种原因失去了原有的彩绘。

19世纪初，英国外交官埃尔金将帕特农神庙的大量雕塑运到伦敦，目前保存在大英博物馆。希腊政府一直呼吁英国予以归还，但至今没有结果。

经过了文艺复兴时期雕塑的恢宏之后，这一时期的雕塑风格趋向沉静自然，风格受巴罗克与洛可可艺术的影响最多。具有这一风格特点的重要雕刻家有贝尔尼尼、法尔康涅等。后期出现了新古典主义雕塑，成就最为卓著的是卡诺瓦。另一个对雕塑艺术发展有着推动作用的雕刻家是乌东，他创作的众多的肖像雕塑丰富了这一领域的艺术表现手法，具有开拓意义。

《牧神被孩子嬉戏》，贝尔尼尼的这组群雕是他早期的代表作品之一。内容表现牧神被孩子们嬉戏取乐的场面，运动与喧闹是这件作品的中心。牧神的身躯向后仰，两只胳膊一前一后，几乎构成一条直线。整个作品以一个树干作为依靠点，树干上满是果实，树下躺着两只猎狗。这组雕塑构图生动活泼，到处充满着动感。

这组雕塑人物造型没有文艺复兴时期的恢宏气势与力感，取而代之的是轻快与流动，体现了巴洛克艺术的风格。

《浴女》，法尔康涅代表了18世纪法国洛可可雕塑的最高成就，这件作品是他的代表作。作者表现了浴女脱下衣裙，双足即将踏入水中的瞬间动态，运用现实主义的创作手法塑造了一个美丽、典雅、纯洁的女子形象。人物体形丰满迷人，线条柔和流畅，造型简洁朴素，动态和谐自然。

《浴女》优美舒展的体态特征与现实主义的塑造风格，明显地继承了洛可可艺术的特点，同时融合了古典主义的简洁风范。

《富兰克林肖像》为乌东所作，体现了乌东追求刻画人物心理的特点：在极为有限的胸像范围内，力求概括出人物一生的经历和其所处时代的特征。雕塑家对富兰克林进行的严谨的形体塑造，使其形象显得庄重安然，蕴涵着宏大的气度，整个塑像的形体处理得极其概括、凝练。作者用现实主义的手法，形象逼真地刻画对象，为肖像雕塑的发展写下了不朽的一页。富兰克林是一位富有个性的美国社会活动家、作家和科学家。《富兰克林肖像》概括出了其一生的经历和时代特征。

《爱神之吻唤醒灵神》是卡诺瓦的代表作之一，也是奠定他新古典主义雕塑风格的作品。这尊尺寸不大的塑像被雕刻得极为精细，充分地显示了作者的高超技艺。作品中爱神的双翼极薄，有一米多长，却无一点断裂损坏。作品不仅表面极其光洁，而且形式感也很强，充满了浪漫的色彩。雕塑中表现的爱神之吻没有肉欲，不带激情，在平静的气氛中用精神唤醒了心灵之神。雕像显示了艺术家对形式美的追求。

《马尔利的马》是法国雕塑家库斯图的作品。雕塑家着力塑造那匹性情暴烈、气势雄壮而又难以驾驭的马。它昂首腾蹄，颇有不可阻挡的冲击势头。马旁是一位驯马骑手，他企图驯服这匹烈马。马与人在形体和力度上形成对比，传达了一种不可征服的精神。在雕刻技巧上，雕塑家明显继承了巴洛克的艺术手法。

阿波罗与达芙妮

意大利贝尔尼尼达芙妮(月桂女神)是位非常貌美的女神，当年曾与宙斯的大儿子阿波罗互相爱慕。终于，有一天阿波罗终于按耐不住自己对月桂女神的爱恋，对她展开了追求。

阿波罗与达芙妮贝尔尼尼

可是因为阿波罗自己是太阳神，身体聚集了大量的热能，使得月桂难以忍受，一旦靠近就有灼伤皮肤的危险。所以每次阿波罗追月桂，她就会躲。就这样，一追一躲，可这样毕竟不是办法，终于月桂无法忍受了，她大喊救命。她的父亲因不忍女儿遭受如此痛苦，就将大地劈裂了一条大缝。月桂纵身一跳，化成了一棵大树从裂缝中长出。自此，这棵树就叫做月桂树。而阿波罗并不知道缘由，认为月桂宁可变成大树也不愿和他在一起。直到有一天，他突然意识到原来是因为自己太热了才使得月桂化作一棵大树。阿波罗发誓要永远为月桂留下一片遮蔽，传说那就是我们现在知道的太阳黑子，在太阳神心中留下的永远的遮蔽，他为月桂留下的遮蔽……

希腊神话所述的阿波罗与达芙妮的爱情追逐，是非常吸引人的故事，不少艺术家喜欢在创作中运用这个题材。其中最有名的是乔凡尼·洛伦茨·贝尔尼尼所刻的雕像。

1623年贝尔尼尼为罗马红衣主教斯皮奥涅波尔盖兹的花园装饰了4组群像雕刻，《阿波罗与达芙妮》是其中的一组。现收藏于意大利罗马的博格斯美术馆。

雕像表现了阿波罗的手触到达芙妮身体时的一瞬间。两人都处在乘风奔跑的运动中，身体轻盈、优美。达芙妮的身体已开始变成月桂树，行走如飞的腿幻化为树干植入大地，飘动的头发和伸展的手指缝中长出了树叶，即使是她最柔软的双乳也覆盖上了一层薄薄的树皮。但达芙妮的整个身体仍呈现凌空欲飞的姿态，手臂与身体形成了优美的S形。她侧着头，目光由惊恐变为麻木，具有使人怜悯的感觉。阿波罗眼睁睁地看着达芙妮变成了月桂树，神情由惊讶转为悲伤，却无力挽回。他的一只手仍然放在达芙妮的身体上，另一只手则向斜下方伸展，同达芙妮的手臂形成一条直线，使整个雕像有一种动荡的感觉，充满了表现力。

贝尔尼尼的这件作品是摹仿希腊后期的雕塑风格而创作的，戏剧性的情节使雕像深入人心。整个作品的姿态更是无懈可击，无论从哪个角度看，两个人物都如同舞蹈般优美。这件作品是贝尔尼尼为当时最有权势的一位红衣主教所做的，问世后立即轰动了整个罗马，所有见过它的人无不为之而感动。

乔凡尼·洛伦茨·贝尔尼尼，意大利的雕刻家兼建筑师，是17世纪最伟大的艺术大师。他生于1598年，在82岁生日的几天后去世。他是那一列杰出的、具有多方面才能的艺术家中的最后一人。正是由于这些人的努力，才使得意大利在长达3个世纪的时间里一直成为西方世界之光。

作为意大利巴洛克美术的首席，贝尔尼尼可谓是多才多艺。他能文善画，颇具文艺复兴时期的遗风。对于贝尔尼尼，当时人们曾经这样写道：“上演了一出大众戏，其中布景是他画的，雕像是他雕的，机械是他发明的，音乐是他谱曲的，喜剧的剧本是他写的，就连剧院也是他建造的。”他给予他那个时代的影响在历史上是无人能与之匹敌的。

贝尔尼尼生于拿波里，父亲也是一位雕塑家，1605年举家迁至罗马。据说，他在8岁时就作了一个小孩头像，这件事使他父亲大吃一惊。至17岁时已能独立地给大主教萨道尼作一件很不错的胸像了。后来又结识了显赫一时的红衣主教斯皮奥涅·波尔盖兹。在贝尔尼尼初出茅庐的时候，波尔盖兹为了装饰自己的花园，曾向他订购了一系列作品。通过制作这些作品，贝尔尼尼可谓初露锋芒，展示了自己的天才，获得了出人意外的成功，赢得了极大的声誉。他在1619年（也有人认为是在1623年）作的《大卫》就是其中之一。

贝尔尼尼塑造的人物总是处于激烈的运动中。大理石在他手中好像已失去了重量，人物的衣服总是随风轻轻飘起，给人以一种轻快、活泼和不安的感觉。贝尔尼尼刻画的人体的数量上不亚于米开朗琪罗，而他更善于表现戏剧性的情节和人体在激烈的运动之中。从其作品中，我们还能看到古典主义传统对他的影响，特别是希腊化时期的风格，在他的作品中得到了很明显的反映。当组雕《阿波罗和达芙妮》完成后，贝尔尼尼赢得了整个罗马的赞美，连一些宗教界的高级人士都为之感动，其中包括不久后成为教皇的乌尔班八世，他也对贝尔尼尼大加赏识。后来，贝尔尼尼进入教廷，受教皇之托，为圣彼得大教堂制作了豪华的青铜华盖，这是雕刻与建筑紧密结合的作品。这件雕刻的十分生动的作品，充分显示出贝尔尼尼一心为宗教服务的思想，也显示出巴洛克艺术的综合性、豪华性、装饰性、戏剧性等特点。其圣彼得大教堂前广场柱廊的创造，气势宏大，富于动感，与米开朗琪罗的大教堂圆顶相呼应，使这处景观成为罗马最壮丽的景观。祭坛雕塑《圣德列萨祭坛》的成功，标志着贝尔尼尼雕塑的顶峰的到来。在这件作品中，贝尔尼尼体现出人文主义的思想。它反映了人的尊严、理想和对美好生活的追求，这也是贝尔尼尼创作中的积极成分，也是与一般的巴洛克艺术不同的地方。

贝尔尼尼的肖像雕塑大致可分为两类，一类是奉教皇、国王之命所作的肖像雕塑。这类作品多华丽有余、个性不足，往往缺乏人物内心的刻画；第二类是他为自己的朋友和家人所作的肖像雕塑。在制作朋友和家人肖像时，他有更大的自由，所以表现得更为生动些。晚期，1665年他曾被法王路易十四邀请到法国参加设计卢浮宫的东正面。但这时贝尔尼尼的雕塑越来越显示出一些程式化倾向，而人文主义色彩淡薄了，现实主义的因素也减少了，更多的是宗教神秘色彩。虽然在创作技巧上达到了炉火纯青的地步，然而不少作品已缺乏生气和创新。

贝尔尼尼不但是著名的雕塑家、建筑师，而且还是一位出色的画家。关于这一点很少有人提起，其实他一生所作的100多幅作品中，有不少是优秀之作。另外，他还画了一些漫画作品，贝尔尼尼也是17世纪著名的漫画家。贝尔尼尼本质上是一位充满信仰的人。他没有写过一篇文章来阐明自己的主张，但贝尔尼尼是独一无二的。一些艺术家会同样地充满热情，另一些艺术家则一样富有创造力，但在整个艺术史上可能不会再出现一位为信仰而战的更伟大的战士了。

贝尔尼尼的喷泉是他对罗马市最显著的贡献。他的第一个喷泉是在西班牙广场的《破船》，与华盖同样把雕刻和建筑融合在一起。《特里同》是罗马式喷泉的大变样，传统的几何形式广场喷泉的重叠水池看起来栩栩如生。4条弯形鱼举起一个巨大的贝壳，海神站在贝壳上由一个海螺壳号角向上方喷水。

但是贝尔尼尼早期的建筑设计并不是全部都成功的。1637年他开始建造圣彼得大教堂正面上方的钟楼。但是到了1646年，当钟楼的重量开始使建筑物产生裂痕时，就必须把它们拆掉，贝尔尼尼一时失宠。

贝尔尼尼最出色的公共纪念性创作是在17世纪40年代中期至60年代完成的。罗马那沃纳广场的《四河喷泉》是在一大块空心岩石上方竖立一个古代埃及的方尖碑，岩石顶上有4个大理石像，象征着17世纪的世界四大江河，即欧洲的多瑙河、非洲的尼罗河、亚洲的恒河和美洲的拉布拉他河。方尖塔顶端有教宗的盾形纹章和衔棕栏枝的鸽子(教宗英诺森十世的家徽)，这把意义表示得很清楚：罗马教廷已经恢复而且生气勃勃，它以上帝的名义统治全世界。尽管具有明显的象征意义，贝尔尼尼的喷泉仍是他最出色的永久性作品。

贝尔尼尼所作的舞台设计现有少量存世，在这方面也表现出他那善于综合的想象力。贝尔尼尼的剧场的实质与其艺术的实质相同。他打破陈规旧套，与观众建立直接且往往出人意外的接触。他以在演出时使用真火闻名，有一次他甚至用大水淹没舞台，至少在一瞬间使得观众成为参加演出的热情演员。

贝尔尼尼的成熟艺术中最最杰出的范例是罗马维多利亚圣母堂的柯尔纳罗小礼拜堂，他从艺术生涯最初就开始不断摸索前进，至此臻于大成。小礼拜堂由枢机主教柯尔纳罗委托建造，在小教堂的一个不深的耳堂中。正中心为《圣特雷萨的沉迷》，描绘西班牙加尔默罗会伟大改革家阿维拉的圣特雷萨的一次神秘体验。特雷萨梦见一位天使用上帝之爱的火红的箭穿入她的心。贝尔尼尼是根据特雷萨本人叙述的情况进行艺术创作的。雕像的姿态是这位沉迷的圣徒正晕倒在太虚幻境之中，前遮一直垂纱幔，置放于祭坛上方的一个壁龛内，用空中光线照明。这一作品把建筑艺术和装饰艺术的许多因素结合在一起而且有条不紊、层次分明。在左右两边类似歌剧院包厢的空间内可以看到柯尔纳罗家族的许多成员，他们或是交谈，或是读书，或是祈祷，都是精神饱满的样子。柯尔纳罗小礼拜堂百分之百地体现了贝尔尼尼的立体图画的理想。圣特雷萨和天使的形象是用白色大理石雕刻的，但是观看者识别不出它们究竟是立体雕刻还是仅仅是深浮雕。天然的日光构成这一雕刻作品的组成部分，它从隐藏的光源照射两个形象的上方和背后，金光闪闪。《圣特雷萨的沉迷》不是传统意义上的雕刻，而是一幅有组织的风景画。它由雕刻、绘画和光线构成，还包括宗教剧中的崇拜者。

贝尔尼尼最伟大的建筑艺术成就是圣彼得大教堂前环绕广场的柱廊。巨大空间的主要功能是在复活节和其他特殊场合容纳前来聆听教宗祝福的群众。贝尔尼尼设计的是一个巨大的椭圆形图案，而连接教堂处则为一梯形前庭。他用这种形式比喻教堂是母亲，两臂作环抱状。为了满足可以自由出入的场地需要，设计各自独立的列柱是一种石破天惊的解决办法。广场引导游人走向教堂，并弥补圣彼得大教堂正面过宽的缺点。贝尔尼尼的椭圆形广场正中为1586年被西克斯图斯五世移至教堂前面的梵蒂冈方尖碑。贝尔尼尼把过去马代尔诺建造的一个喷泉移入广场的长轴，为了配景完美，在对面新加了一个一模一样的。这一设计与贝尔尼尼所设计的奎里纳尔丘圣安德烈亚广场形象相似，而意义与功能却不相同，但两个椭圆形图案同样令人心旷神怡。

贝尔尼尼最华丽的宗教装饰是1657—1666年完成的圣彼得宝座亦即教宗座椅，在中世纪木制教宗宝座(座椅)上加青铜镀金面。贝尔尼尼的任务不仅是给椅子装饰外表，而且是在圣彼得大教堂的后堂中为参诣该大教堂开创一个有意义的目标。宝座的外观是由4位鼎鼎大名人物的青铜像做支承，即早期基督教神学家圣安布罗斯、圣亚大纳西、圣约翰·克里索斯托和圣奥古斯丁。上方有云端天使们的金色光轮和绘在椭圆形窗户上的圣神散发的光线。圣神显现所靠的天然照明变成上帝的慈悲通过教堂源源不断流遍整个世界的可见的象征。座椅的创作时间与广场大致相同，这两件作品的明显不同显示出贝尔尼尼的多才多艺，实在惊人。两件作品均是为齐吉家族出身的教宗亚历山大七世(1655—1667年在位)创制的。

圣特丽莎的狂喜

意大利贝尔尼尼乔凡尼·洛伦茨·贝尔尼尼是意大利雕塑家、建筑家，巴洛克艺术的主要代表人物之一，也可以说是巴洛克艺术的创始者。他作品的特点就是巴洛克艺术的特点，体现在教堂中是把建筑、雕塑、绘画结合成一个整体，注重作品的形式感，特别是在雕塑中注重绘画的成分，善于运用细腻的手法和夸张的构图，表现人物瞬间激烈的行动与精神状态，使作品具有了较强的戏剧感。《圣特丽莎的狂喜》是巴洛克艺术的完美典范。雕像表现的是圣特丽莎在幻觉中看见一个天使向她掷来一枝金矛射中她的心，她的肉体和精神都因此而陶醉。雕像优雅动人，充满戏剧性的感情和动作，令人联想起米开朗琪罗和古代的雕像。贝尔尼尼还是一位多产的艺术家，他用一件件杰作把罗马点缀成了一座巴洛克式唯美的城市。漫步罗马街头，这些作品随处可见。他是伟大的建筑家，罗马圣彼得广场的地面规划，便是他在建筑上的最伟大的成就之一。由此可见他的创作受到当时的教廷和社会很大程度的喜爱。

伏尔泰坐像法国乌东

伏尔泰坐像

伏尔泰是法国启蒙思想家、文学家、哲学家。伏尔泰是18世纪法国资产阶级启蒙运动的旗手，被誉为法兰西思想之王、法兰西最优秀的诗人、“欧洲的良心”。伏尔泰不仅在哲学上有卓越成就，也以捍卫公民自由，特别是信仰自由和司法公正而闻名。尽管在他所处的时代审查制度十分严厉，伏尔泰仍然公开支持社会改革。他的论说以讽刺见长，常常抨击基督教会的教条和当时的法国教育制度。雨果曾评价说：“伏尔泰的名字所代表的不是一个人，而是整整一个时代。”他提倡卢梭所倡导的“天赋人权”，认为人生来就是自由和平等的，一切人都具有追求生存、追求幸福的权利，这种权利是天赋予的，不能被剥夺，这就是天赋人权思想。

这是古典主义雕塑的杰出代表。老人怡然安静地坐在安乐椅上，身披古罗马式长袍，双手按在扶手上，微微侧过头，仿佛正认真地倾听人们的谈话。瘦弱衰老的身躯隐约可辨，但袍服从上直贯而下将之遮掩，粗大的褶痕分外显眼。这使整个雕塑具有纪念碑式的效果，处理的巧妙令人叹服。伏尔泰的面部描写尤其细腻微妙，蕴含了极其丰富的内容。他的力量不是外显的，而是内在的，那是大智者在面临一切问题时所具有的平静的态度，居高临下、游刃有余的从容，嬉笑怒骂、幽默风趣的机智。尤其是那一双眼睛，是按真人的模样制作的，虹膜部分完全凹进去，凹部的阴影被黑点填满。这晶莹透明、似乎含有水分、闪耀着灼灼光亮的眼睛，充满了自信与力量。“乌东可以说是第一个知道怎样刻画眼睛的雕塑家”，他的一个朋友评价说。

在西方美术史上屈指可数的雕刻大师中，乌东占有重要的一席之地。他生活在法国启蒙运动时代，他是法国古典主义向现实主义过渡时期具有承前启后作用的划时代的雕刻大师。

让·安托万·乌东出生于凡尔赛一个看门人的家庭。他7岁那年，父亲看管的院子成为专门培养出国优等生的美术学校，因此小乌东自幼就接触到法国一些著名的美术家。天赋和艺术熏陶使乌东少年时便具有相当的艺术才能，15岁就进入了巴黎皇家美术学院。20岁时他以浮雕《西巴女王向所罗门王献礼》荣获大奖而被选送到罗马法兰西皇家美术学院深造。乌东27岁时在罗马学成回到巴黎，他意识到年轻艺术家要得到社会的承认，就必须争取参加两年一届的国家沙龙展。正是在这些展出中，他受到评论家狄德罗的赏识，狄德罗将他推荐给俄国女皇叶卡德琳娜二世，让他为女皇作雕像。

乌东1769年所作的《睡神》于1771年在沙龙上展出。由于这件作品的成功，他被晋升为皇家学院院士。这尊同真人等身的全裸男性雕像，使人们联想到罗马巴洛克的空间安排和米开朗琪罗的雄强风格。乌东35岁时又塑造了一件惊世之作《戴安娜》。这件作品还没有展出就已经引起轰动。该像为女性裸体，异常丰满、圆浑、光洁、洗练而优美，表情含蓄，充满生气。女神一脚着地，全身重量落在脚尖上，给人以轻快纤巧的美感。她手持弓箭的两手和全身的协调动作，特别是昂起的头部与前进方向的机警回顾，使雕像具有很强的运动感，这是极为成功之处。在作品中，乌东将传统的古典主义同罗可可式的曲线美巧妙地融合在一起。《睡神》和《戴安娜》这两件作品，是乌东理想化的古典主义风格的总结。

狄德罗的朋友、作家格里姆曾指出，乌东可以说是知道怎样刻画人的眼睛的第一位雕刻家。乌东塑造、刻画眼睛的手法和技巧是多种多样的，以绝妙的点睛术深刻地开启人们心灵的奥秘。经他点化过的人物肖像，或英武而睿智，或温柔而含蓄，无不给人以晶莹、透明的丰富感觉。在乌东荣获皇家学院院士的第二年，也就是他37岁这一年，是他创作上最丰盛的一年，杰出的肖像雕刻《伏尔泰》、《莫里哀》、《卢梭》、《富兰克林》等均产生在这一年。其中以《伏尔泰》与《莫里哀》最为成功，它们都体现出鲜明的时代特征和个性特征。乌东能够创造出这么多具有鲜明个性特征和思想深度的时代先进人物的杰出肖像，是同他的社会理想和进步美学观念分不开的。他曾说：“如此困难的雕刻艺术的最独到的特点之一，即是能够在保持其特征的全部真实性的情况下，把那些为祖国赢得了光荣、创造了幸福的人们雕造成几乎是不朽的形象。这种思想在长期艺术劳动中不断地跟随并鼓舞着我。”这正是乌东的伟大之处。乌东62岁时被授予皇家学院首席雕刻家和绘画、雕刻建筑学院教授的称号。他直接影响了吕德、卡尔波和罗丹，他们也都是他热烈的崇拜者。