雕塑的简介

西方中世纪和文艺复兴时期油画多有于取材古希腊神话(及其发展--古罗马神话)的，而在西方雕塑发展史上，古希腊雕塑代表着一种美学高度。希腊艺术家确立规范和原则，对后世西方艺术创作产生了深远影响，文艺复兴时期和新古典主义的雕塑艺术就以其为标杆。古希腊的艺术家确定了最美的人体的原则。公元前4世纪的希腊古艺术家波利克里托斯是第一个“规范”了“美”的艺术家，他从纯数学理论角度，计算出一个做为人类身材范本的男士应该具有的身材比例。他是“黄金分割律”的鼻祖。并且，评判他人、修炼自己的身材仪容也成为古希腊人的习惯。“苏格拉底一贯认为：凡是身材不佳、仪容不整的人都是没有公共精神、不积极参与公共事务的人。在苏格拉底的眼里，公民身材肥硕问题属于公共事务的范畴，而肥胖也是政治问题。”尼采就曾说过，要在“身体上做一个古希腊人”。有意思的是，如果不是马其顿亚历山大大帝东侵印度，将雕塑艺术带到恒河流域，恐怕流传到东方各国的佛教也就不会有后来繁荣不已的造像艺术(云冈，龙门，莫高窟，巴米扬大佛)，甚至在佛教、道教(借鉴了佛教的传教形式)的寺庙里也不会供奉着偶像。因为，古印度的宗教传统里是不崇尚偶像崇拜的。坦胸露乳的佛像，恐怕也只能来源于古希腊的文明吧！

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西方

人类的历史非常漫长，美术史上最初发现的遗物，大约在纪元前二万年，亦即人类开始用自己的手发明取火的时代．火的发明乃是人类历史上的大事，当时的人类以狩猎来维持生命，过著经常寻求住处与猎物的游牧生活，人们就把以狩猎为生的原始时代称为旧石器时代．那时，已有初期美术萌芽，从贝壳类的器物与装饰品上可以看出来，并已用尖锐的利器，如尖石等，在兽骨上雕刻简单的花纹．推测此时虽已有火，但尚未用泥土来烘烧土器．被视为最初的雕刻也发现了，但在技术上是幼稚的，只不过将大概的姿态表现出来而已，型式上圆雕与浮雕皆有，这些雕刻，在宗教上必定具有某种程度的意义．

新石器时代的人类即为原始农耕民族，从狩猎、游牧到择地而居栽种谷物，饲养家畜，这又是一个大的转变．人类不必和以前一样，过著和野生动物搏斗，紧张不安的生活，而有充分的余暇来制作更精致的器物．此时最大的特色，是人类已开始用火来制作土器，作为日常生活器物，并施以简单的色彩，或画些装饰性的纹饰，大多以线条为主，象徵性倾向极强．跨过以上的原始时代，铜、金、锡陆续被人发现，进而把锡和铜混合成为青铜，於是人类渐渐制造各式各样的工具，文化愈来愈发达，而发展至青铜时代．由狩猎、游牧至畜牧、农耕，使人类在美术世界中，已渐渐开出灿烂夺目的花朵．

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国外雕塑艺术简史

摘自：[中华艺术网] 时间：[2005-4-5] 编辑：[zhysw] 查看：[180] 次

西方古代时期的雕塑在很长的一段时间里主要是为图腾、魔法和宗教服务。

在美洲，墨西哥的普勃洛州的特华坎河谷是伟大的中美洲文化的诞生地。而后在墨西哥湾地区出现了当时最先进的古典前期文化，即奥尔麦克文化。它被喻为墨西哥文明的前身。公元前300年左右玛雅文化开始出现并发展，它继承了中美洲文化传统，发展了大型雕塑，如神庙等。14世纪上半叶，墨西哥土著阿兹台克人统治了墨西哥河谷，建立了君主专制王国，形成了阿兹台克文化。16世纪时，西班牙人征服了阿兹台克王朝，接着向南方掠夺并统治了印加文化的发源地——秘鲁。

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宗教对雕塑发展的影响

摘自：[中华艺术网] 时间：[2005-4-5] 编辑：[zhysw] 查看：[210] 次

西方把这一时期称为中世纪时期（也叫中间时期），它所包括的范围是从古典时期结束起，直到文艺复兴之前。这一漫长的日子被基督教统治着，所以形成了基督教美术。这一时期的雕塑，摒弃了关于自然比例的种种古典法则，而去寻求一种更适合基督教题材的、形式多样的、比例被拉长了的形象。这种用抽象法式来处理的雕塑，使作品每个部分都充满了生机。这种形式的雕塑，反映了雕塑家力求把身体和灵魂结合在一起的愿望，而这种美术风格上的创新竟成为13世纪伟大的哥特式雕塑的先躯。

与此相同，东方也产生了一种宗教——佛教。佛教诞生在印度，佛教的诞生也带动了佛教艺术特别是佛教雕塑的发展。就佛教雕塑而言，印度人在这方面的成就是显而易见的。印度人对视觉艺术的探索基本上是三维的。在印度，雕塑、建筑甚至绘画均能以被触觉感知的三维立体的观念来表现。他们制作雕塑不是有意模仿对象，而是创造出经概括的形体，这些雕塑有一种厚实的分量感，从而达到了一种对质感、三维空间，以及纪念碑气势的表现。

两汉后佛教传入中国，后又传入日本等地。

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19—20世纪的雕塑艺术

摘自：[中华艺术网] 时间：[2005-4-5] 编辑：[zhysw] 查看：[170] 次

19世纪，在欧洲的许多城市广场和公共建筑上安置了一大批显示出卓越技艺的纪念碑和纪念性雕塑。法国著名雕塑家让·巴普希斯特·卡尔普以强烈的浪漫主义精神创作了《舞蹈》。整个作品充满了生气，节奏流畅优美。弗朗索瓦·吕德的《凯旋门》浮雕充满了激情和民族自豪感。梅达尔村·罗索把印象派绘画理论用于雕塑，从而把绘画和雕塑融合在一起。他的作品表现了在色光的照耀下雕塑最闪动最精彩的部分，而让其它部分减弱，表现了丰富的光影和人物性格变化。

谈到19世纪的雕塑，不能不提到罗丹。罗丹的艺术天才和独特个性，使他的作品从墨守成规中走了出来。作为一位天才雕塑家，罗丹的秘诀在于善于用雕像的动态和姿势表达内心的情感和内涵，并注入了令人无法忘怀的现实主义和人文主义思想。布尔德尔虽是罗丹的学生，并深受其影响，但也创作出了大量的折衷于古典传统与罗丹作品艺术的雕塑。他强调作品结构的建筑性，并带有一种变形的装饰味。马约尔是一位风格迥异的雕塑家，他把一切细节全部抛开，只去表现人体丰满的体积和单纯从容的姿势，使作品既有古典时期的和谐感又有近代艺术的自然美

20世纪是一个色彩缤纷的时代，各种思潮和流派不断产生并流行，并波及整个世界，如立体派、表现派、未来派、超现实主义、流行主义、抽象构成和照象写实等等，不管这些流派的形式和主张有何不同，他们都是决裂于传统艺术的新形式。

20世纪雕塑的两大主流之一是康丁斯坦·布朗库西（1876～1957）。

布朗库西对现代雕塑的贡献是多方面的。他最重要的贡献是创始了一种具有普遍意义的象征物，这种象征物的雕塑形式简洁、强调形体的基本属性（见第11页图1-18）。由于现代生活的急剧变化和快节奏，以及杂乱无章的事物，人们要求在心理上接纳一种单纯的、简洁的艺术形式。

另一种是立体派的雕塑，创立人是毕加索，但代表人物是乌克兰出生的亚历山大·阿基本科（1887～1964），他的作品特点是把坚实的平面与挖空的开放的体积对比形成一种独特的节奏和动感，并用凹陷的结构取代原本坚实的甚至凸出的结构使空间流动起来，并探索了正负空间的转换。立体派的代表还有蕾蒙、杜桑·维隆、昂利·洛郎斯、雅克·李普契兹。

在立体派雕塑家创作的同时，意大利雕塑家们也创造了一种不同的风格——“未来派”，恩墙托·波菊尼宣称：“绝对地和彻底地放弃有限的线条和封闭的雕塑。”“让我们把人体打开，把环境关闭到人体里面去。”

在这两大主流之外较著名的流派还有构成派。构成派雕塑家瑙姆、加博、安·培布索奈（1886～1962）在创作中，用一种新的方式把物体所占有的空间进行了新的塑造，他们提出用空间、时间来取代量感，也通过构成雕塑寻求一种建筑新型的表现形式，对建筑作出了重要的贡献并采用和探讨了新型材料，从而把雕塑要素与建筑要素完美地结合在一起。

总之，现代雕塑流派纷呈，花样百出。所谓“现成品”构成组装雕塑、“软”雕塑、乔治·西格尔的波普艺术等等，令人眼花缭乱，但他们的统一特征是用传统材料与现代合成材料的运用（如金属线、钢、布、纸等等），再加上种种新技法，采用声、光、色、电、速度等等手段，创造出一个充满活力的天地，为有才能的艺术家提供了一个使人兴奋的机会，去创造一个光明和令人鼓舞的未来。

著名雕塑家

弗里德利·奥古斯特·巴特勒迪

济安·贝尼尼

Rossella Cosentino

黄土水

朱铭

安东尼·卡诺瓦

让-巴蒂斯·卡尔波

马克斯·克林格尔

奥古斯特·罗丹

弗朗索瓦·吕德

阿里斯蒂德·马约尔

米开朗基罗·波纳罗蒂

亨利·摩尔

乔治·绵尼 (George Minne)

蒲添生

巴特尔·托瓦尔森

让-安东尼·乌敦

吴炫三

王侠军

杨英风

部分简介

弗雷德里克·奥古斯特·巴特勒迪（Frédéric Auguste Bartholdi，1834年4月2日－1904年10月4日），法国雕塑家，美国纽约著名的自由女神像的作者。

巴特勒迪出生于法国阿尔萨斯，在巴黎学习建筑和绘画，自由女神像是因为美国摆脱英国独立而由英国的宿敌法国送给美国的。巴特勒迪塑造自由女神像时据说是依照自己母亲的面容。由设计埃菲尔铁塔的法国建筑师爱菲尔设计内部支撑铁架和整个支撑结构。巴特勒迪为了安置女神像，亲自到美国选择地点。由美国人集资建造塔座。整个铜像分成350块，装了214个包装箱用船运到美国。原型树立在巴黎塞纳河畔正对着爱菲尔铁塔。

他的其他作品包括在阿尔萨斯和瑞士边界的贝尔福山上为纪念普法战争胜利而雕刻的巨大的“贝尔福的狮子”；由斯特拉斯堡送给瑞士巴塞尔的雕像“瑞士援助斯特拉斯堡”，感谢在普法战争中来自瑞士的援助；在华盛顿的巴特勒迪公园中的巴特勒迪喷泉；在纽约联合广场的拉法叶雕像；波士顿教堂的“四个吹号天使像”；以及法国里昂的巴特勒迪喷泉。

巴特勒迪在巴黎死于肺结核，下葬于蒙马特公墓。

济安·劳伦佐·贝尼尼（Gian Lorenzo Bernini；又名Giovanni Lorenzo Bernini）（1598年12月7日-1680年11月28日）意大利雕塑家，建筑家，画家。早期杰出的巴洛克艺术家。贝尼尼主要的成就在雕塑和建筑设计，另外，他也是画家，绘图师，舞台设计师，烟花制造者和葬礼设计师。

贝尼尼出生于那不勒斯的佛罗伦萨家庭，后跟随父亲彼得·贝尼尼（著名矫饰主义雕塑家）来到罗马。他早期的作品的灵感来自罗马帝国时期被运到罗马的希腊神话的雕塑。在这些作品中，有以羊奶哺育宙斯的仙女阿马尔塞（Amalthea）（完成于1609年，现存于罗马博尔盖塞画廊（Galleria Borghese），以及一些寓言神话的半身像，如“堕落的灵魂”（Damned Soul）和“受祝福的灵魂”（Blessed Soul）（完成于1619年，现存于罗马西班牙广场）。在1620年代，贝尼尼的雕塑逐步成熟，代表作是“保罗五世教皇”（1620年）、“被劫持的普洛舍宾娜”（1621年-1622年）、“大卫”（1623年）、“阿波罗与黛芙妮”（1622年至1625年）、以及广为人知的胜利之后圣母堂中的雕塑“圣女大德兰的狂喜”（1645年-1652年）。

贝尼尼在大卫像的雕塑过程中，对其赋予了感情，与米开朗基罗的同名作品不同，前者的作品是动感的，而后者似乎是准备采取行动的姿态。其扭曲的躯干和紧皱的双眉充分体现了文艺复兴时代积淀下的巴洛克艺术特点。米开朗基罗表现了大卫的英雄本质，而贝尼尼抓住了大卫的英雄气质的瞬间。这座作品是贝尼尼的主要资助人鲍格才枢机主教在其25岁的时候委托雕刻的。

贝尼尼的其他雕塑作品还有鲍格才枢机主教[1](1632年，鲍格才美术馆）和路易十四的雕像（1665年，现存凡尔赛宫）。

贝尼尼的第一个建筑作品是位于梵蒂冈圣彼得教堂祭坛上方的铜质华盖（建于1624年-1633年）[2]， 另外，他还建造了罗马圣毕比亚那教堂（Santa Bibiana）的正面（1624年-1626年）。1629年，在祭坛华盖完工前，教皇乌尔班八世聘请贝尼尼负责整个圣彼得教堂的建造。他也负责建造位于教堂内的乌尔班八世[3]和后来亚历山大七世[4]两位教皇的墓穴。位于圣彼得教堂半圆形殿中的圣彼得主座（1657年-1666年）[5]也是贝尼尼的一大杰作。

除了他最著名的作品--圣彼得教堂前的广场和柱廊外，贝尼尼还在罗马设计了许多著名的建筑，如巴贝里尼宫(Palazzo Barberini，1630年始建），蒙地卡罗皇宫（Palazzo Ludovisi，1650年)，基奇宫（Palazzo Chigi，1664年）等。1665年，在贝尼尼的名望达到顶峰的时候，他前往巴黎旅行，希望能为法国皇帝路易十四设计卢浮宫的东部前门，但遭到拒绝。最后这部分建筑由克劳德·佩劳予以完成，具有更多的古典色彩。

另外，贝尼尼也设计了许多著名的教堂，尽管圣彼得教堂并非出自他手（见卡罗·马德尔诺）。位于罗马的一座小型巴洛克教堂充分体现了贝尼尼的建筑风格。他不仅负责设计奎琳岗圣安德鲁教堂的建筑（Sant'Andrea al Quirinal），也雕刻了祭坛上圣徒安德鲁的巨大塑像。在罗马附近的乡村，贝尼尼也为教皇的避暑夏宫冈道尔夫堡设计了教堂。

贝尼尼设计的第一个喷水池是海王子喷水池(1640年），而最著名的作品是位于纳沃纳广场的四河喷泉（1648年-1651年）[6]，该喷泉将世界上四大河：尼罗河、恒河、多瑙河和拉布拉他河，以拟人化的有力雕刻呈现出其特色，并利用椰子树和动物来表示各地的风景。该喷泉还有一段趣事：贝尼尼的对手波若米尼设计的圣埃格尼斯教堂正对着喷泉。据说贝尼尼曾嘲讽该教堂岌岌可危，所以面对教堂的拉布拉他河雕像的手是上举的。

1644年，贝尼尼的资助人乌尔班八世教皇的去世使得贝尼尼的对手们集中起来，对贝尼尼的职业生涯造成了打击。但是依诺森十世教皇继续邀请贝尼尼完成圣彼得教堂的作品，并且委托他设计四河喷泉。在依诺森十世去世的时候，贝尼尼已经成为罗马艺术的领袖人物。贝尼尼于1680年在罗马去世。

贝尼尼的作品在丹·布朗的小说《天使与魔鬼》被誉为科学的标志物和圣殿。

黄土水生于台北市艋舺，1907年，因父亲去世投靠大稻埕三哥处。因黄土水三哥为木匠，受其影响，对雕刻产生兴趣。1917年于师范学校毕业后，受师长推荐前往东京美术学校雕塑科留学，是第一位东京美术学校台籍生。1920年，再入该校研究科。除此，他并先后学艺于日本知名雕塑家高村光云与朝仓文夫。

1920年，他的《蕃童》雕塑作品入选日本帝展，为台人第一。之后并有《释迦牟尼像》、《水牛群像》、《甘露水》（帝展）、《摆姿态的女人》（帝展）、《郊外》（帝展）等知名作品。1930年他因腹膜炎病逝于东京池袋寓所，年仅35。

黄土水的作品于1980年代后期台湾本土化之后，大受欢迎。其作品常视为台湾雕塑界的逸品。

知名作品

山童吹笛（1918）

石膏像，入选1920年第二届帝国美术院展览会，为台湾艺术家首次入选日本最高权威美术展之例。原作下落不明。

甘露水（1919）

大理石雕像，入选1921年第三届帝国美术院展览会。原藏于台湾省议会，之后下落不明。

女孩胸像（1920）

大理石雕像，黄土水致赠母校大稻埕公学校（现台北市立太平国民小学）典藏。

摆姿势的女人（1922）

入选1922年第四届帝国美术院展览会。原作下落不明。

帝雉、华鹿（1922）

献日本宫内省（现宫内厅）典藏。

郊外（1924）

入选1924年第五届帝国美术院展览会。原作下落不明。

南国的风情（1927）

入选第一届东京圣德太子美术奉赞展览。原作下落不明。

释迦出山（1927）

受台北龙山寺委托制作。原作木雕像毁于1945年台北大空袭中，后由幸存之石膏原模进行翻铸，分别典藏于台湾省立美术馆（现国立台湾美术馆）、台北市立美术馆、高雄市立美术馆、国立历史博物馆、艋舺龙山寺、台南开元寺、黄土水家属。1997年，北美馆又再度翻铸五座，被外界质疑馆方是否翻制过多。

久迩宫邦彦亲王夫妇像（1928）

献久迩宫典藏。

水牛群像（1930）

石膏浮雕，黄土水生平最后的大作，亦为最为知名之经典作。原作嵌于台北中山堂后厅壁上，并存三件原模复制作，藏于台湾省立美术馆（现国立台湾美术馆，玻璃纤维制）、台北市立美术馆（青铜制）、高雄市立美术馆（青铜制）。

朱铭（1938年－），台湾雕刻家，苗栗县通霄镇人，天主教辅仁大学名誉博士。早期以乡土主题，如“牛”、“牧童”等雕刻出名，近期则以融合了中国哲学如“太极”等的现代雕刻闻名。本名为朱川泰、童年时小名“九二”。朱铭出生于苗栗县的大家族，是家中最小的孩子，上有五位哥哥和五位姐姐。

1953年他在父亲的带领下，到通霄镇上的妈祖庙、向雕刻师傅李金川拜师。

1955年出师，隔年北上到基隆佛具店工作。然而一直到1966年间，经济状况一直不佳。 1968年，他毛遂自荐，带着自己刻的“慈母像”、“玩沙的女孩”，拜雕塑大师杨英风为师后，并改名朱铭，才较为好转。同年，移居台北县板桥镇（今板桥市）江子翠一带定居。

1978年，朱铭在日本东京中央美术馆展出，作品“单鞭下势”被日本雕刻之森美术馆收藏。

1980年，他独自一人到美国纽约市学习，是他打开国际视野的一个转折点，这一年后，他所创作的“人间”系列作品，成为他生涯中最受赞誉的经典代表。然而隔年在台湾国立历史博物馆发生窃案，朱铭的雕刻作品“老太婆”被偷走。

1989年，他与建筑师贝聿铭合作，在香港中银大厦前使用青铜为材质，创作“和谐共处”的太极系列作品，次年揭幕。位于大楼入口大门的左侧。

1999年，朱铭在台北县金山乡西势湖成立“朱铭美术馆”，占地有11甲，收藏许多现代雕塑作品。

2000年，花了几十年规划成立的“朱铭美术馆”，获得日本东京创新大奖（Tokyo Creation Award）海外奖。

目前在南投县仁爱乡清境农场一带定居。

朱铭的铜雕“门”亦是香港中文大学的地标，位于本部大学图书馆门外的烽火台。“门”由司徒惠博士赠予香港中文大学，是朱铭“太极系列”的一员。

他的作品《忒修斯杀死米诺陶》大获成功，这件作品的简约和自然的表现手法形成今后他的风格。

他的另一件作品是教皇克莱孟十四世的纪念碑，用了四年时间完成，这件作品使他跻身于当时最著名的艺术家行列之中。

他又用了五年时间，完成了教皇克雷芒十三世的纪念碑，从此后他的名声大振，接受了一系列的定单，创作了《爱神邱比特和普塞克》，俄罗斯沙皇曾邀请他去圣彼得堡，被他拒绝了，他说：“意大利是我的国家，是艺术的原生地，我不能离开她，我是在这里长大的，如果我的才能用于其他土地，必须是能对意大利有利，难道还能舍弃她而为其他国家服务吗？”但仍然有许多他的作品被俄罗斯收藏。

卡诺瓦，从1795年到1797年，他创作了一系列著名的作品。1798年，由于法国军队入侵，他返回家乡，只创作了一些绘画作品，一年后返回罗马，但健康状况已经不如以前，他到德国旅行一段时间，回来后身体有好转，立刻又投入工作。

1815年，教皇命令他去巴黎监督收回拿破伦掠去的艺术品，秋季，他访问了伦敦，1816年初，他回到罗马，被任命为罗马主要艺术学院圣卢克学院的院长，教皇亲自指定将他的名字以大写金字刻匾，并被给予伊斯恰侯爵的爵位，年薪3000克朗。

收藏卡诺瓦心脏的纪念碑他又完成了一系列宗教作品，包括教皇庇护六世雕像、《玛尔斯和维纳斯》、《圣母哀悼耶稣》、《圣约翰》和《抹大拉的马利亚》等。1822年5月，他访问那不勒斯，去视察正在作成腊模的菲迪南七世像，健康状况进一步恶化，回到罗马后有所缓和，年底，在返回家乡的路上，于威尼斯逝世，享年65岁。他的遗体被安葬在家乡的寺庙中，他的心脏被藏放在他曾经为提香设计的大理石金字塔形墓中。

让-巴蒂斯·卡尔波（Jean-Baptiste Carpeaux，1827年5月11日－1875年10月12日）是法国浪漫主义时期的雕塑家和画家。

他出生于巴黎南郊的库伯瓦，早年追随法国雕塑家吕德学习雕塑。1854年获得去罗马的奖学金，在罗马学习直到1861年，学习巴洛克的风格比较成熟。1861年他为玛德琳公主制作了一个半身雕像，得到了拿破仑三世的赏识，接受几个委任，为巴黎歌剧院装饰，1869年他创作的群像《舞蹈》放在歌剧院门前右面，受到许多卫道者的非议。

他的最后一件作品是放在朱里安广场的《地球四极》喷泉，由象征亚洲、欧洲、北美和非洲的四个人像托起地球，完成主要题材后即去世，后来由其他雕塑家继承完成，增加了8匹奔马和海龟、海豚等。

马克斯·克林格尔 （德语：Max Klinger，1857年2月18日－1920年7月5日）是德国象征主义画家和雕塑家。

克林格尔出生与莱比锡，在卡尔斯鲁厄学习，他最欣赏戈雅和门采尔的蚀刻版画，所以自学成为一名出色的蚀刻版画家。

他最著名的作品是一个系列蚀刻版画《关于寻找一个手套的释义》，是源自他在一个溜冰场寻找手套的梦境，他图解了弗洛伊德对于恋物的研究结果，其中“手套”成为他追求浪漫理想的象征。

克林格尔在欧洲各个艺术中心到处旅行，直到1893年返回莱比锡，从1897年后，他主要致力于雕塑，他的贝多芬雕像成为1902年维也纳分离派艺术家展览中的主要作品。他对基里科以及其他一些艺术家影响很大，他是19世纪象征主义和20世纪超现实主义运动之间乘前启后的重要代表人物。第22369号小行星是以他的名字命名的。

奥古斯特·罗丹（Auguste Rodin，1840年11月12日－1917年11月17日），全名为“弗朗索瓦-奥古斯特-雷诺·罗丹”（François-Auguste-René Rodin），出生于巴黎穷人家庭，是20世纪世界闻名的雕塑家。

他早期作品为现实主义风格，1876年他的作品“青铜时代”展出引起激烈的反应，有人甚至断言这是用真实人体翻制的。后来他的作品发展出自己的风格，强调光影的作用，尤其他的作品穿着睡衣、披头散发的“巴尔扎克像”引起极大的骚动，直到他去世多年后的1939年才在巴黎市区立起来。他的巨型浮雕“地狱之门”从1880年开始制作，直到去世也没有完成。地狱门以但丁的《神曲》为主题，罗丹之所以以其为主题或许是因为罗丹的悲观刚好与此章节中对人类在地域受苦难折磨的景象描写相通，互映之下而产生这件伟大的雕塑作品。1884年应加来市的委托，制作了雕像“加来义民”，纪念在英法百年战争期间，为了防止英军屠城，而将自己作为人质交给英王爱德华三世的六位加来市民。1913年在英国国会公园复制了同样一座。

在1900年巴黎世界博览会上，罗丹展出了150件作品，1916年罗丹将全部作品捐赠给法国政府，以换取政府为他提供住房和工作室，为此政府建造了“罗丹博物馆”。法国政府享有对罗丹作品复制的专有权。 1917年罗丹去世。

除雕塑外，罗丹还创作了许多插图、铜板画和素描，他还写过几部著作，主要著作有《艺术论》，主要雕塑作品有“沉思者”，“维克多·雨果像”，“阿根廷总统萨米恩托像”等。

罗丹生前和他的学生，同为雕塑家的卡蜜儿·克劳黛同居，克劳黛为他生了两个孩子，但罗丹拒绝承担抚养义务。有的历史学家认为是克劳黛为罗丹提供了大量的构思，有的罗丹作品甚至是出于克劳黛之手。

弗朗索瓦·吕德（François Rude，1784年1月4日－1855年11月3日），法国雕塑家。吕德出生于法国中东部的第戎，年轻时和父亲一起为人修造炉灶，1809年从第戎的艺术学校毕业到巴黎深造，1812年获去罗马的奖学金。波旁王朝复辟后，他去布鲁塞尔接受工作，在那里和拿破仑女儿的朋友索菲·弗伦艾结婚，又回到巴黎工作。

《马赛曲》1833年，他由于其作品《和海龟玩耍的那不勒斯渔童》获得荣誉军团十字章，并得到为正在设计的凯旋门装饰的委任，其中的《马赛曲》（也叫“1792年志愿军出征”）成为吕德的不朽作品。

此外他重要的作品还有《拿破仑像》、《圣女贞德像》、《赫柏和裘比特的鹰》、《爱神的胜利》等。

吕德最重要的学生是卡尔波，他曾经根据自己的理解又创作了一个“那不勒斯渔童”。

马约尔出生于法国西南部 东比利牛斯省边境沿海的班雨勒镇，1881年前往巴黎学习艺术，1885年进入美术学校，师从于卡巴内尔和杰洛姆学习，他早期的绘画明显受到夏凡纳和高更的影响。

高更鼓励他从事装饰艺术，他参与了织花挂毯的设计，1893年，他在班雨勒镇开办了一个织花挂毯厂，在法国造成很大的影响。1895年开始，他创造了一些小泥塑，开始从事雕塑并放弃了设计织花挂毯工作。

他在83岁高龄在家乡班雨勒镇，因在雷雨天发生车祸而逝世。在巴黎有收藏他作品的一个博物馆，他的故居也已经开辟成一个博物馆。

作品

他重要的作品包括1912年为塞尚设计的纪念碑，以及一系列纪念第一次世界大战的纪念碑。他的雕塑作品大部分是以女人人体作为主题的，稳重、成熟并有古典主义艺术的痕迹，是古典主义和现代摩尔的抽象雕塑之间乘前启后的过渡时期最重要的雕塑家。

米开朗基罗（Michelangelo，1475年3月6日－1564年2月18日），全名 Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni，又译“米开兰基罗”、“米高安哲罗”，1475年生于佛罗伦斯加柏里斯镇，雕塑家、建筑师、画家和诗人。他与列奥纳多·达芬奇和拉斐尔并称“文艺复兴三杰”，以人物“健美”著称，即使女性的身体也描画的肌肉健壮。他的雕刻作品“大卫像”举世闻名，梅第奇墓前的“昼”、“夜”、“晨”、“昏”四座雕像构思新奇，此外著名的雕塑作品还有“摩西像”、“大奴隶”等。他最著名的绘画作品是梵蒂冈西斯廷礼拜堂的《创世纪》天顶画和壁画《最后的审判》。他还设计和初步建造了罗马圣伯多禄大殿，设计建造了教皇尤利乌斯二世的陵墓。米开朗基罗脾气暴躁，不合群，和达·芬奇与拉斐尔都合不来，经常和他的恩主顶撞，但他一生追求艺术的完美，坚持自己的艺术思路。他于1564年在罗马去世，他的风格影响了几乎三个世纪的艺术家。

米开朗基罗出生于1475年3月6日，在卡布里斯，靠近艾瑞洲，托斯卡尼。他们家族有几世代在佛罗伦斯是小规模的银行，但他的父亲 Lodovico di Leonardo Buonarroti di Simoni 并没有成功的经营下去，而后便任职临时政职。在米开郎基罗初生之时，他为卡布里斯小镇的司法管理员和奎奇市的行政长官。米开朗基罗的母亲为 Francesca di Neri del Miniato di Siena。而他的父亲据说是伯爵夫人 Mathilde of Canossa 的后裔，这个传言大概是假的，但米开朗基罗对此深信不疑。而在米开朗基罗出生的几个月后，全家人搬回到佛罗伦斯，他也在这被养育长大。过了一些年岁，在他久病以及母亲过逝之后，他搬与一位石匠和他的全家人一起住，在一个名为Settignano的镇上。在那里他父亲拥有一座大理石的露天采矿场以及一座小农场。

米开朗基罗曾有一次对艺术家传记写作者乔尔乔·瓦萨里说道：“如果我有着一些优点，那是因为我出生在你的国家阿雷佐奇妙的气氛下，和我的奶妈一起，并学会了熟练的运用槌子和凿子将我所描绘的图刻下。”当米开朗基罗还年少的时候，他的父亲将他送到在佛罗伦斯的人道主义者 Francesco da Urbino 身边学习文法。这位年轻的艺术家，很显然地表现出对上学的无趣，而宁愿去教堂临摹绘画并且寻找画家同伴。后来米开朗基罗在画家 Domenico Ghirlandaio 和雕刻家 Bertoldo di Giovanni 的门下学习，他的父亲极力说服 Ghirlandaio 付钱给还是14岁的米开朗基罗，在当时是非常稀少的。而到了1489年，佛罗伦斯的统治者叫 Ghirlandaio 推荐他两位最佳的学生，Ghirlandaio 便介绍了米开朗基罗和 Francesco Granacci。在1490至1492年间米开朗基罗去他父亲的学校，并受到许多前人的影响，型塑和拓展了他在艺术上的构想。跟着在那年纪他那柏拉图式的观点，同时他也开始感受到性别的差异。在这时期米开朗基罗认识了几位文学巨擘，像是米兰多拉、Angelo Poliziano 和 Marsilio Ficino。米开朗基罗完成了大卫像和骑士的斗争，后者是借由Poliziano所建议的题材发挥，并受到佛罗伦斯市长洛伦佐·德·梅第奇的委任。

亨利·斯宾赛·摩尔 OM CH, (Henry Spencer Moore，1898年7月30日－1986年8月31日)，英国雕塑家。摩尔以他的大型铸铜雕塑和大理石雕塑而闻名。受到英国艺术圈的推崇，他的创作为英国在现代主义艺术中占据了一席之地。

带空洞、斜倚的人物造型是最典型的摩尔的雕塑样式。这种造型被认为是他受到1925年在巴黎看到的一个名叫"Chac Mool"的托尔特克-玛雅雕塑的启发发展而来的。摩尔早期作品上的空洞通常采用比较传统的形式，如弯曲的手臂状与主体相连。后来，逐渐演变成为主体躯干上的空洞，因此造成主体凹凸或弯曲的外形。同时期的芭芭拉·赫普沃斯的作品也发展了类似的风格, 她最初也是受到摩尔作品的影响。

由于承接了众多的大尺寸委托创作，摩尔在晚年相当富有。不过，摩尔仍保持简朴的生活。他的大部分财富都由亨利·摩尔基金会继承，用于支持艺术教育和推广。

摩尔以创作大型抽象雕塑而著名，这些公共艺术作品遍布世界各地。人体形象，特别是“母与子”或“斜倚的人形”是摩尔的创作中最常见的主题。除去在1950年代中短期地采用过家庭群组形象，他作品的主题大多是女性形象。摩尔作品的最大特点是通常都包含孔洞或主体被穿透。而其起伏的曲线外形，被很多人认为是摩尔受到他的出生地约克郡起伏的山丘地形的启发。

摩尔的侄女曾经问他为什么他作品的名称都很简单，摩尔的回答是：

所有艺术都应该有神秘感并需要观众的参与。如果给雕塑或绘画以显白的名称，那么神秘感就无从谈起了，观众的注意就会轻易的移开，而不会费力捉摸作品的内涵。人们都觉得他/她在观看，其实并没有真正地观看。

摩尔的早期作品通常是直接雕凿的手法创作的[1]。1930年代，摩尔逐渐转向现代主义风格。他与其他几位居住在Hampstead的雕塑家交流频繁，风格上彼此互相影响。 在创作过程中，摩尔通常会作大量的草图。这些草图大多留存下来，为研究摩尔创作的演变提供了直接的资料。1940年代，摩尔更多的使用模型法进行创作，先用粘土或石膏造型，再用脱蜡法浇铸铜雕。

二战以后，摩尔的铜雕都是受委托创作、作为公共艺术品的大型作品。因此，他基本上放弃了直接雕凿的创作手法，而改用模型，并雇用了几名助手。

在他位于Much Hadham的家中，摩尔收集了大量形状各异的自然物体：头骨，漂流木，卵石，贝壳等等。摩尔在这些物体中寻找对于自然形体的灵感。对于大型作品，他通常会在最终制模浇铸前，制作半尺寸的试验模型。有时，会制作全尺寸的石膏模型，以便对外形作最后的改进和添加表面印痕。

1946年3月，摩尔和埃芮娜的女儿出生了。他们以摩尔母亲的名字给她起名 － 玛丽，而摩尔的母亲在此前两年去世。母亲的去世和女儿的降生使摩尔更关注家庭的概念，这反映在他创作了不少“母与子”题材的作品。 同年，摩尔在纽约的现代艺术博物馆举办回顾展。1948年，他获得威尼斯双年展的国际雕塑奖，并成为1951年不列颠展〔Festival of Britain〕和1955年“Documenta 1”的主题艺术家。

“家庭群像”（1950年）铜, 位于英国Stevenage的Barclay学校，是摩尔二战后的第一件大尺寸委托创作。战争末期，摩尔应亨利莫里斯的要求，为他的乡村学院创作了雕塑“家庭群像”，后因资金问题雕塑并没有实施。但1950年，这一作品在Stevenage的Barclay学校建成，成为摩尔的第一座大尺寸公共雕塑。

1950年代中，摩尔收到越来越多的创作委托，其中包括1957年为巴黎联合国教科文组织办公楼的作品。由于公共艺术作品的增加，摩尔雕塑作品的尺寸也随之增长。他开始雇用助手帮助他的工作，其中包括Anthony Caro，Richard Wentworth。

固定展览场所

世界各地的众多艺术博物馆都收藏有摩尔的雕塑和绘画作品。藏品较多的博物馆有：Nelson-Atkins Museum of Art, 美国最多的大型铜雕收藏。

亨利·摩尔基金会, [2], Perry Green, Much Hadham, Hertfordshire, 英国

亨利·摩尔学院, 英国利兹

泰德艺廊, 英国伦敦

安大略美术馆, 加拿大多伦多

Yorkshire Sculpture Park, 英国利兹附近

Albright-Knox Art Gallery, 美国纽约州布法罗

Sainsbury Centre for Visual Arts, 和东安格里亚大学校区内, 英格兰诺福克郡诺里奇市

Wakefield City Art Gallery, 英国

Paço imperial, 巴西里约热内卢

正如16世纪画家云集的枫丹白露王宫，17世纪的凡尔赛宫荟集了法国最优秀的雕塑家。它的花园以精美华丽著称于世，集中体现了路易十四时代严谨高贵的官方艺术风格。比比皆是、令人目不暇接的圆雕、浮雕使其更加精美丰富，成为欧洲艺术的一颗明珠。这些雕塑均取材于古代神话，却从生活中汲取优美形象、姿态，使神人性化，因而活泼生动，真切感人。

吉拉尔东（Fraugois Girardon 1628—1715）是勒布会在凡尔赛宫最主要的合作者，他为花园留下的宏伟作品最好地体现了该时代的法国古典风格。他以10年之功完成的群雕《仙女们服侍阿波罗》优雅典丽，闲逸而不失稳重。巨大的浮雕《仙女们的沐浴》清丽而富有肉感，构图安排表现出过人的天分。他在近景上表现浴后在水边小憩的仙女们，突出人体的优美。她们正在微笑地观看着中景上正在击水、打闹的一群女伴。两位闪躲着向远景遁去的女孩回转身来，随时准备重新加入“战斗”。动与静、远与近的关系安排得恰到好处，并使柔美的人体充满生命的欢愉。

凡尔赛宫的另一位雕塑大师库瓦兹沃（Antoin Coysevox1640—1720）参加了大理石宫院、长廊、战争厅的设计、装饰工作，并为花园制作了《加隆河》和《多尔多汉河》，以娴熟技巧为古典风格注人了强劲雄健的表现力。现存杜勒利公园的《墨丘里》让旅行神手握缓绳，悠闲自得地斜卧在一匹飞驰的骏马身上，马的双翅和波浪一般的鬃尾造成强烈的动感和装饰趣味，反映出艺术家非凡的想像力。

吉拉尔东和库瓦兹沃都是为同代人塑像的高手，前者为旺多姆广场所作的《路易十四骑马像》（缩小件藏卢浮宫）和后者为卡姆瓦莱公馆（现为巴黎市博物馆）所作的《路易十四立像》都是最令“太阳王”得意之作，以规范的形态表现庄重无比的神情。库瓦兹沃在为大孔德公爵和勃民第公爵夫人塑像时，以强烈肯定的手法使形体的感染力得以充分发挥，令人物神采飞扬，宛然若生。

库瓦兹沃的得意弟子古斯都兄弟（Nicolas Coustou，1658—1733和Guillaum Coustou 1677—1746）继承了老师准确坚实的特点，同时通过人物与动物的巧妙组合而使法国雕刻大放光采。尼古拉·古斯都的《萨奥纳河》和吉奥姆·古斯都的《罗纳河》匠心独运地让河神躺卧在狮身之上，使人体和兽毛的质感相得益彰。他们为凡尔赛宫、马尔里宫作了大量雕塑，其中两尊《马尔里骏马》巨雕现在矗立在协和广场上。那前蹄腾起，昂首嘶鸣的八尺飞龙和紧抓辔头，与烈马相搏的英俊青年造就了对比强烈、气氛紧张的艺术效果，堪称法国雕刻中最激动人心之作。

17世纪法国最伟大的雕塑家却是那位未曾奔赴凡尔赛的普热（Pierre Puget 1622—1694），这似乎出人意外，却又在情理之中。这位性格刚强可比米开朗基罗的艺术大师，在21岁时便以绘画驰名意大利，31岁回到马赛之后，又立即以土伦城市政厅的女像柱一鸣惊人。他远离路易十四王宫所在的凡尔赛，却因此得以保持和尽情发挥其粗犷奔放、坚劲雄奇的特点。他送到凡尔赛去的组雕《克洛多纳的米隆》和《帕尔修斯与安德罗梅达》以其搏斗、挣扎的激烈表达，与严正、逸雅的官方风格大相径庭。这种格格不入既是手法上的，更是审美趣味上的。他所作的浮雕《亚历山大与狄奥根》、群雕《帕西》、圆雕《休息的高卢力士》、《祈祷的夏尔·勃洛美》都使我们看到，在他的凿下从无平静的线条和雅致的装饰美，一切都在剧烈的冲击之中，那凸起的肌肉、扭曲的身体、冲撞在一起的线和面令人不禁想到鲁本斯的油画。普热手法丰富夸张、构思时的激情与幻想都远远地超越了古典主义的美学范畴，而成为浪漫主义的先驱。

雕塑家彼加尔（Pigalle 1714—1785）在保持宏大气魄的同时，突破了法国传统的典雅稳重，塑造出动作和表情都较为强烈的形象。《绑鞋带的墨丘里》有着即将腾空而去的轻盈迅捷。《萨克森元帅墓》则表现出豪迈的英雄主义。艺术家着意拉长人物的身躯，让气吞山河的统帅步伐稳健、神情安详地走向归宿，同时一位以王后般美丽的形象出现的妇女正在哀求死神不要打开墓门。

法尔科内（Faloonet，1716—1791）是罗可可风格在雕塑上的绝妙代表，他灵巧、轻快地为轻佻、享乐的艺术提供纤秀、娇媚的典型。他的作品《音乐》、《冬》得到蓬巴杜夫人的喜爱，使他成为雕塑工厂的负责人。在他的凿下，坚硬的石头变作冰肌玉肤的仙女、浴女，柔润的、小而尖的手足是其作品的重要标志。法尔科内似乎还觉得使用大理石材料终不能尽圆润之美，于是，她们便由他领导的塞维尔瓷器车间来制作，并在装饰君王宫室时派上了最好的用场。

活跃在18世纪末的3位法国雕塑家是帕儒（Pajou，1730—1809），克洛迪欧（Clodion，1738—1814）和乌东（Houdon，1741—1828）。帕儒继续着法尔科内的风格，卢浮宫所藏的《普赛克》将与爱神丘比特结合的少女那神魂震荡之态尽数写出，让秀美与激情达到奇妙的平衡。克洛迪欧则喜爱使用迅速便捷的材料，富有肉感、奔放不羁的女人体是他最擅长的领域。在以大型作品为新古典主义的发展作出巨大贡献的同时，他还为了该时代的装饰需要，制作了大量陶土小雕塑。那些带着小桑陀尔击鼓起舞的林妖和小爱神嬉戏的女酒神都是他驰骋遐思的极好场所。年轻时得到彼加尔指导的乌东是使石像具有精神和生命的大师，他塑的狄安娜是那样无拘无束地跳着，神韵悠然地沐浴着阳光。狄德罗、卢梭、米拉波、伏尔泰、华盛顿、弗兰克林也都经他手而神采飞扬。其中，《伏尔泰坐像》尤享盛誉。伟大思想家的双手神经质地按着椅把，身躯微微前倾，智慧而狡狯的目光似乎要穿透面前的一切，在不可数计的18世纪雕像中，以它作为法国的代表，无疑是当之无愧的。

法国浪漫主义雕塑家吕德(Rude，1784-1855)是一个煅冶作坊主的儿子，少年时代他一边在父亲的煅冶工房里劳动，一边在家乡提乔的美术学校里学习雕刻。铁工劳动的热烈情绪融入了吕德后来的雕刻作品当中。23岁时吕德来到巴黎著名雕刻家皮埃尔•卡特里埃的工作室学习。之后他先后两次获得了罗马奖，但因资金短缺而未能到意大利去留学。吕德在帝国时期，出于对拿破仑的崇拜，曾在拿破仑身边工作过一段时间，波旁王朝复辟后，他为了自身安全到比利时躲避了一段时间。 经过12年的流亡，吕德回到法国，他在 1830-1831年的沙龙中展出了石膏像《拿波里少年渔童》，引起很大反响，两年后他完成了这件作品的大理石像。这件作品题材新颖，富有独创性，是吕德最初的浪漫主义作品。

西方雕塑的传统发端于古希腊和古罗马文化，但古希腊雕塑却又曾被古埃及雕塑深深的影响过，所以让我们先来回顾一下古埃及的雕塑。大约在公元前4000年左右，埃及的雕塑突然兴盛起来，并且形成了人类雕塑史上的第一个全盛时期。占埃及雕塑有着准确的造型、风格化的语言和相当内在而神秘的精神风貌。在古王朝时期出现了大量纪念碑似的雕塑，有的甚至是可以令全人类为之骄傲的杰作，最有代表性的是吉萨的狮身人面像，它有20米高50多米长，仅面孔就高达5米，它和临近的金字塔一起构成了建筑之谜。它在造型上服从于“正面律”程式，似乎是一个狮身人面，带着国王的头巾，与某位法老的肖像比较接近，它是当时埃及雕塑具有祭祀和宗教功能的反映。它和别的法老肖像一样在形式上给予人的印象是：庄严、雄伟、浑厚、稳固、犹如不可动摇的大山

无论是狮身人面像、法老的肖像、或是别的古埃及雕塑，它们都是恒古不变的遵循着“正面律”的程式，透过它们，我们可以感受到古埃及雕塑的审美理想是追求“永恒”。而古希腊雕塑的审美理想则是追求“真实的美”。希腊雕塑家创造了越来越凭艺术家灵性和天赋使雕塑作品达到新颖活泼的形式，并一点一点的从平面趋向小的起伏。尽善尽美的境界。于是给我们留下了《掷铁饼者》、《米洛的维纳斯》等写实性雕塑的千古典范。古希腊雕塑的发展大致可分为三个阶段：古风时期、古典时期、希腊化时期。在“古风时期”希腊雕刻处于“摸索”阶段，它借用埃及雕塑的“正面律”法则来制作人像，形成了“古风”程式，这一时期的雕像形体大都比较古措、僵直，雕像的重心总是落在双足之间。到了一批制作于公元前五世纪的青年裸体立像被发现时，人们看到旧的程式被突破了，人体的重心落在了一只脚上，整个人体因而放松，显得自然、真实。于是这一批青年裸体立像的出现标志着希腊雕塑进入“古典时期”。 “古典时期”即希腊雕刻的全盛时期，这时的希腊雕塑在追求“真实的完美”，追求客观真实之美的境界已经到了登峰造极的程度。在文化史上通常把从从亚历山大远征远征开始到埃及托勒密王朝臣服于罗马帝国的历史阶段称为“希腊化时期”。“希腊化时期”的题材相当丰富，出现的地区也十分广泛，从某种意义上讲形成了一种文化的扩张，其影响覆盖了整个欧洲，并且成为了整个西方艺术的奠基，其崇尚客观真实之美的文化便是西方文明讲究思辩性、讲究客观之真的最初体现。希腊雕塑创造了一种美的综合，对于人体本身也充满了赞美，这些我们可以从这一时期的许多裸体雕塑上得以体会。反过来说崇尚裸体的风俗也给厂写实雕塑语言的发挥以淋漓尽致的机会。

在希腊被罗马帝国征服以后，西方的文化艺术中心由希腊转移到了意大利早期的城市，罗马人虽然征服了希腊的国土，但在文化上它却是一个被征服者。罗马人大量的复制和学习希腊的雕塑，今天所遗留下来的一些古希腊雕塑都是罗马时期的摹制品。罗马雕塑沿袭了希腊雕塑追求“真实之美”的传统，但比希腊时期的雕塑更加的世俗化，在罗马时期许多军事家或政治家都要求雕塑家为他们塑造肖像，甚至罗马人还经常性的用雕塑来留存死者的形象。这客观的在写实的道路是又迈出了坚实的步伐。罗马雕塑的成就主要是表现在肖像雕塑和纪念碑雕塑上，这些肖像雕塑不仅形似，同时还十分的讲究表现人物的性格特征。比较著名的有《奥古斯都全身像》和《卡拉卡拉像》。此时在纪念性雕塑上以宏伟和庄严取代厂过去的优美典雅。

随着公元五世纪西罗马帝国的灭亡，开始了被后人称之为黑暗的中世纪，它在15世纪的意大利文艺复兴的黎明前结束。中世纪的到来标志着西方进入了基督教时代。这一时期宗教对雕塑产生的很深的影响，墓督教的禁欲主义思想影响了雕塑家创作灵感。当时的雕塑作品大多是带有浓厚的禁欲主义色彩，艺术中所体现的宗教精神倾向在中世纪达到丁顶点。在墓督教精神的哺育之下，哥特式艺术取得了辉煌的成就，哥特式艺术成为完全为上帝歌颂光荣的文明信仰的反映。早期的杰山典范有巴黎圣母院和沙特尔大教堂。也许正是由于中世纪雕塑长期受到桎梏和压抑才会产生十五世纪出现的之艺复兴的非凡的爆发力。

从十四世纪起，在意大利，由于人对自身价值的重新肯定和对世界的发现导致了文艺复兴运动的发生。在这一时期，艺术家们将人作为了自己美学象征和追求的对象。在十五到十六世纪的上半叶这种思想得到发展与传播，从而彻底的改变了欧洲的面貌。许多雕塑大师在这时相继涌现。比如多那太罗、米开朗基罗、博隆那等，文艺复兴的雕塑以共完美

的技巧、宏伟的气魄和深刻的思想标志着欧洲雕塑史上继希腊罗马以后的第二个高峰，米开朗基罗则是文艺复兴时期最重要的雕塑家。他的一身创作了无数艺术精品构成了这一时期的最经典的范式。十九世纪伟大的雕塑家罗丹曾经总结说“菲底亚斯的雕像由四个面构成，而米开朗墓罗的雕像则由两个面构成。”米开朗基罗作品的形体构成变化不是轻微的而是激烈而扭曲的。在创作中米开朗基罗强调遣“应该用眼睛而不是手去测量，因为手只会制作，而眼睛才会判断。”米开朗基罗的作品中流露出强烈的人文主义色彩，特别是他后期的作品运用强烈对比的造型来宣泄内心悲愤的倾向越来越明显。1520年左右到十六世纪末出现了风格主义，该时代艺术家们缺乏个性，缺乏创造性，一味的创作出一套完整的雕塑范式，摹仿前人的样式，使它成为了文艺复兴这一辉煌时代的后继衰落阶段。此后罗马出现了巴洛克风格的艺术，巴洛克艺术盛行于十六世纪末和十七世纪的欧洲。它通过绘画、建筑构成了一种潮流，推进了欧洲的文明。这时最为重要的雕塑家是贝尼尼，他以几乎可以乱真的写实技巧被称为“巴洛克时期的米开朗基罗”。贝尼尼的作品在表达激情或宗教狂热时所使用的人体语言更加的复杂，这种“体积”的扭动，夸张的表情，起伏的形体和流畅的线条，使作为华丽的宫廷雕塑以其戏剧性的效果和纪念碑的气势，焕发出强烈的艺术魅力。比较文艺复兴时期的雕塑巴洛克时期的雕塑少了些庄严、肃穆和正襟危坐的感觉，它广泛的进入人们的生活，更加的世俗化。在十七世纪同时与巴洛克平行发展的还有法国的古典主义雕塑。这种风格追求严谨、宏伟的和谐及平直的线条，它正好与巴洛克以曲线为主的形式相反。

十八世纪，在法国宫廷中最先出现罗可可美术。这种艺术形式在1720年至1760年间得到了充分的发展。它是从巴洛克背景中自然演变出来的，并自觉脱离了巴洛克风格，罗可可风格的雕塑在气势上不象巴洛克时期的那样有力，它追求纤细柔弱的艺术效果。罗可可雕塑家的代表人物有法尔孔奈、克洛狄翁等。在十八世纪中叶新古典主义艺术在罗马兴起，并且迅速扩大到欧洲的其他地方。该运动寻求以绝对美的理沦为美学理想，来抨击罗可可的肉欲倾向及形式繁琐。新古典主义雕刻流行于1790年至1840年其代表人物有意大利的卡诺瓦、丹麦的托尔瓦德逊、法国的乌东等。其中乌东在肖像雕塑方面有着很深的造诣，他的著名的作品有《伏尔泰像》。

十九世纪，巴黎取代了罗马成为了欧洲的文化艺术的中心。随着资本主义的繁荣，雕塑艺术的发展也开始多样化，出现了许多流派和主义，除了上一世纪就有的新古典主义外还先后交叉出现了浪漫主义、写实主义。

十八世纪，浪漫主义出现在欧洲，到十九世纪五十年代左右渐渐衰落。浪漫主义运动宣告丁人与个性先于一切的地位，它以强烈的感觉和想象回答了冷酷的理性王国，表现了对新古典主义的反叛。它标志着艺术与往昔一切想法的彻底决裂。浪漫主义雕塑的代表人物是吕德，他是巴黎凯旋门著名的《马赛曲》雕塑的作者，他以象征的手法使雕塑在表现为正义而战的人民时激情涌动。还有大卫�6�1安格尔斯和巴地斯特�6�1卡尔波也是浪漫主义的代表人物。

十九世纪五十年代前后，法国的现实主义运动诞生，现实主义是以反对美术院中将艺术置于一些僵死的原则之下为目的，该运动试图使艺术重新接近于日常生活，在现实中寻找灵感去达到艺术理想。现实主义雕塑家中以罗丹的成就为最高。在西方的雕塑史上他被视为继米开朗基罗之后的又—巨匠，同时他还在雕塑史上充当厂一个承前启后的角色，是他给辉煌的占典雕塑拉上了帷幕，是他叩响现代雕塑的大门。从罗丹开始，自古希腊流传下来的这种以尊重客观真实之美为基础的艺术形式墓本—卜达到顶峰，此后的西方艺术家转而追求的是作品所表达的心灵的真实。我们看到罗丹的人体之所以感动我们的不再是它怎样的逼真，而是透过坚硬的雕塑有一股生命力在向外膨胀，而是那些仿佛颤动的形体激起了我们灵魂的悸动。罗丹的创作和艺术思想对于后世的雕塑有着深远的影响。他的代表作有《思想者》、《吻》、《巴尔扎克像》等。