加布里埃尔·福雷
加布里埃尔·福雷
1845年5月出生在法国西南部的帕米埃尔，1924年在巴黎去世
法国作曲家乔治·奥里克（Georges Auric 1899—1983年）曾说过：“加布里埃尔·福雷(Gabriel Faure) 给“美丽”的诠释，不仅包括了诚信，还有才智和激情… 他作品中的精巧严谨，乐思的简洁多彩，在我们焦虑的时刻，将长久地给我们指明前进的方向。”这样来评价加布里埃尔·福雷是相当独特的，他的确给我们留下了不朽的遗产。
在法国音乐中，福雷是跨越19世纪和20世纪的桥梁。他出生在浪漫主义时期，却是在爵士乐盛行的年代中去世的。他在巴黎音乐学院培养了包括莫里斯·拉威尔（Maurice Ravel）、乔治·埃涅斯库(Georges Enescu)和纳迪亚·布朗热(Nadia Boulanger)等很有潜力的学生。福雷外表看来有些保守，但他内心却富有革命精神，他在追求音乐的尽善尽美方面永远不是一位紧跟时尚的作曲家。他只完成了一部歌剧《佩内洛普》（Penelope），创作了少量的管弦乐作品。与他同时代的许多作曲家不同，他坚决抵制瓦格纳音乐的强力冲击。他保持着自己平静的创作之路，在精美歌曲的溪流中，在室内乐欢娱的花园里徜徉，他的《安魂曲》和许多钢琴作品尽管表现出惊人的反传统性，却也受到普遍欢迎，评论家Vladimir Jankelevitch 把他的优美旋律称作“甜蜜的溪流”。
由于福雷所受到的非传统的音乐教育背景，加上他对沙龙音乐的极端爱好，他显然不会得到巴黎音乐学院和罗马大奖的眷顾，所以当他担任巴黎音乐学院院长的时候，所有人都很吃惊。当他彻底改革学院的迂腐传统，为20世纪的法国音乐教育奠定基础的时候，他得到了各种各样的雅号，比如“罗伯斯皮尔”、“大天使”等等。
福雷1845年出生在帕米埃尔，他是乡村校长最小的儿子。九岁时，有人劝说他的父亲，把他送到尼德梅耶尔（Neidermeyer）学校学习，那是巴黎的一座培养教堂音乐家的学校，他在那里接受教育，将来可以谋到一份从事教堂音乐的工作。就是在那个地方，年轻的加布里埃尔遇到了他终生的朋友、导师和支持者：钢琴教师卡米尔· 圣-桑斯（Camille Saint-Saens）。
圣-桑斯曾是著名的钢琴神童，此时他刚开始在尼德梅耶尔学校任教，他出身名门，年轻时也非常喜欢那些反传统的作曲家，比如舒曼、李斯特和瓦格纳，而这些都是当时学生们的禁区。福雷逐渐地表现出对舒曼的永久热爱（他后来还准备编辑舒曼的钢琴音乐），这是他的艺术生涯受到圣-桑斯强烈影响的最开始。
事实上，福雷与外界所有的重要联系都是通过圣-桑斯的友谊得到的。这位老作曲家帮助福雷找到了他的第一份工作，在雷恩（Rennes,法国西北部的城市）任教堂管风琴师。1877年，他又帮助福雷担任了马德莱娜（Madeleine）教堂的唱诗班指挥，这是巴黎上流社会的教堂，圣-桑斯在此任管风琴师。大约是在1872年，他还把福雷介绍到次女高音歌唱家保莉娜·维亚尔多（Pauline Viardot）府上，这个追求时尚的小伙子不可救药地爱上了歌唱家的女儿马丽安（Marianne），以至于伤心欲绝。为了帮福雷恢复理智，圣-桑斯带他去魏玛观看圣-桑斯的歌剧《参孙与达丽拉》（Samson et Dalila）在国外的首演。其实这正是李斯特安排的。福雷与李斯特相识，也从李斯特早期创作的叙事曲中得到了有益的教诲。如果没有圣-桑斯的引荐，福雷不可能在巴黎的教堂中担任唱诗班指挥。
圣-桑斯对福雷的关爱或许具有两重的意义：一方面他有些同性恋的倾向，而福雷这个英俊迷人，有着一双黑眼睛，又像小猫一样优雅的男孩子，也像那些在19世纪巴黎社会五光十色的沙龙中游弋的音乐家们一样，疯狂地爱恋异性。另一方面，圣-桑斯也曾有过长期的“正常”生活。1878年，他眼睁睁地看着自己的孩子们在幼年夭折，一个死于意外事故，一个死于疾病。常常有人说，他是把福雷当成了儿子的替身。
1883年，福雷与马丽·弗雷米耶（Marie Fremiet）结婚，她是雕刻家埃马纽埃尔·弗雷米耶（Emmanuel Fremiet）的女儿。福雷从此就把自己大部分的收益用来支撑家庭的开销。他当时做了好几种工作，包括私人授课，任唱诗班指挥，还是音乐教育的巡视员。他从1896年起在音乐学院教授作曲，九年后被任命为院长。在暑假里，他总是千方百计地找时间从事作曲。也只有在这时，他才能够从巴黎的繁忙生活中解脱出来，常常是在瑞士，寻找到一个清静的湖边住所。
生活的重压，财政方面的窘迫，创作上的受挫以及不幸福的婚姻，所有这些的代价就是引发了作曲家严重的偏头痛和阵发性抑郁症。对福雷来说，作曲可能就是他逃避现实的生存状态。他在给他的小儿子，菲利普（Philippe）的信中写道：“想象中的作品就是为了试图阐明想要表达的最好的东西和一切超越现实的事物……对我来说，艺术，首先是音乐，就是为了尽可能地使我们得到升华。”
不幸接踵而来：1903年，福雷发现他开始丧失听力。这种疾病非常怪异，能够歪曲固定音高，低音区的音符听起来好像低了三度，而高音区的音符又好像高了三度。“我真被这种疾病打垮了，因为它击中了我最需要保持完整无损的那部分，”他在给妻子的信中写道，“真是岂有此理，至少太不公平了，我像贝多芬一样了……音乐中的有些乐句和单一的音色我差不多都听不到了！”在他生命的最后两年，福雷完全聋了。1922年6月在索邦为他举行的大型义演音乐会上，他坐在共和国总统的身边，接受了观众长久的狂热欢呼。而他的音乐，他却一个音符都听不到。
把福雷与贝多芬相比较，显然是完全不合时宜的。从20世纪初开始，福雷就有别于他同时代的作曲家，比如德彪西和勋伯格。他使用源自他始终热爱的带调式变化的主调音乐的和声技法，在乐思与织体结构的有机展开方面做了深入的钻研。
19世纪90年代是福雷的创作中期，也是他创作的鼎盛时期。在第六和第七首《夜曲》以及为魏尔兰（Verlaine）诗歌谱写的声乐套曲《美好的歌曲》（La bonne chanson）中，福雷使用了富有特色的和声语汇，作为通向他那充满浓郁情感和迷醉氛围的狂热的虚幻世界的通道。而在他晚期的作品中，他的音乐主题赤条条地毫无修饰，结构精炼，其绝对的清晰常被用来比作马蒂斯（Matisse）的线条，而不是莫奈（Monet）的“印象”。他在老年时还焕发出非凡的创作能力，这时期的佳作包括《钢琴三重奏》、《第二钢琴五重奏》、《大提琴第二奏鸣曲》和最后一部声乐套曲《虚幻的地平线》（L’horizon chimerique）。他的第13号《夜曲》创作于1921年圣-桑斯去世后的几个星期之内，最真切地表达了他的情感。
1920年，福雷从巴黎音乐学院退休，他终于可以自由地全身心地投身于创作中，他的创作力得以爆发。正如他的朋友们所言，他充满活力的精神令人惊奇。当文森特·丹第（Vincent d’Indy）看到福雷创作的《第二大提琴奏鸣曲》时，惊呼道：“你真幸运，可以像音乐一样永远年轻！”贯穿在福雷繁忙的艺术生涯中，无论是他的音乐创作，还是他把巴黎最优秀的演奏家招募到音乐学院任教，比如钢琴家阿尔夫雷德·科尔托（Alfred Cortot），他永远没有失去他敏锐的眼光和开阔的思维。还有就是三十多年如一日，善待与他相伴到死的钢琴家马格丽特·阿塞尔曼（Marguerite Hasselmans）。他的朋友们在他78岁生日的那天，欣赏他的《钢琴三重奏》的首演之后说：“如果他能活到一百岁，他会拥有多么高的声誉啊？”
然而，福雷的晚期作品却一直被认为是比较“艰深的”音乐。对诸如《第二小提琴奏鸣曲》、最后的几首《夜曲》和《弦乐四重奏》等作品而言，许多诠释都过于强调其平稳、内敛和对位法的复杂性，而全然忽视了音乐中的激情。的确，音乐中的情感或许只能在深层次上才能找到，但它们自然是存在着的。如果我们把《第二小提琴奏鸣曲》演奏得像《第一奏鸣曲》一样热情洋溢，或者把他的《弦乐四重奏》和《钢琴三重奏》演奏得活力十足，并能与充满爱意的《第一钢琴四重奏》形成对比，我们就会对福雷有一个比较全面的认识：一名作曲家，尽管他已经处于鼎盛时期并进入到了一个崭新的世界，但他永远都不会衰老。另一方面，对演奏福雷音乐的演奏者来说，最糟糕的事情莫过于给音乐强加上过分的自由速度和过多的情感处理（通常福雷的音乐在这些人手中很容易被糟踏）。他音乐中的热情与阳刚之气是与精致优雅紧密相连的，这就是它们比较难于演绎的原因所在。
从表面看起来，福雷是一位儒雅敏锐的作曲家，他拥有独立精神和勇于变革的意志。而在内心深处，他注定是位激进分子。传说，巴黎音乐学院的院长，安布鲁瓦兹·托马斯（Ambroise Thomas）曾威胁说，如果还聘请福雷任作曲教授，他就要辞职。因为福雷在敏感的作曲技法方面摈弃了传统的习惯方式，所以院长有充分的理由表现出他的强烈不满。福雷利用传统的音乐形式作为跳板，以此在曲式、和声、音色和织体结构方面进行独特的试验。他的音乐里蕴含着火山一样的激情，歌曲中清纯的旋律线条，以及早期钢琴作品中外在的华美表现，掩饰了其具有破坏性的性爱冲击。用虔诚而“纯洁”的情感来掩饰过分的放纵，这在当时是非常时尚的，但还没有人能够如此恰当地处理好这个问题。或许这就是为什么马塞尔·普鲁斯特（Marcel Proust）把福雷为钢琴创作的第三首《无词浪漫曲》（Romance sans paroles）描述成“在我的想象中，这可能是同性恋者强奸唱诗班男童时歌唱的音乐。”
在生活中，福雷也往往采取骑墙观望的态度。在德雷福斯事件（Dreyfus case）受到关注的时期，他还与作曲家、右翼分子文森特·丹第和犹太激进分子爱玛·巴尔达克（Emma Bardac）保持联系。他创作出音乐史上最伟大的《安魂曲》，却因为忽略了“审判日歌”（The Dies irae）的部分并宣扬富有同情心的观点而被说成是“死亡的摇篮曲”，引发了不小的论争。一般而言，福雷音乐中梦幻般的，又缺乏深刻思想的一面，对许多人具有欺骗性，人们很难认清音乐背后作曲家精致的创作技法和灵敏的睿智。
福雷在79岁去世的时候，已经成为法国音乐的大师级老人。由约翰·桑热·萨尔让（John Singer Sargent）完成的福雷的肖像画被挂在了巴黎音乐学院院长办公室的墙上。尽管他在那里进行的改革曾引发过强烈震撼，但他还是不可避免地被逐渐地看作是保守的过时人物。然而，那些他精心培养的学生却可以证明他的价值，因为福雷总是能够开发出每个学生独特的个性力量。拉威尔、埃涅斯库和夏尔·凯什兰（Charles Koechlin）等也都是怀着热爱和感激的心情评论他们“亲爱的大师”（cher maitre）如此感人而独特的音乐作品。让·罗歇-迪卡斯（Jean Roger-Ducasse）是福雷的得意门生，他说：“福雷总是非常谨慎地纵着手中的铅笔……他只需要变换一个音符或一个乐句的外形，或者改变一条旋律，就能够让枯燥的技巧练习，变成艺术作品。作为一名教师，他同时也是一位聪颖的作曲家，这已经是非常罕见了，但他从来不反对与自己相对立的观点。”这种对个性的积极鼓励，后来也反映在奥利维埃·梅西安（Olivier Messiaen）的教学当中。
通过自身的力量和思路宽广的教学，福雷不动声色地实现了音乐思维的革命，这为未来的音乐发展奠定了深厚的基础。尽管福雷音乐本身所蕴含的那难于表达的生动优美也足以令他赢得不朽的声名，但如果没有他的努力，一个世纪的法国音乐可能就不会成为现在的状态。
加布里埃尔·福雷生平大事记
1845年： 福雷于5月12日出生在法国西南部的帕米埃尔，他是家里六个孩子中最小的孩子。他在4岁前一直与一位保姆一起生活，直到他做教师的父亲被任命为Foix的校长，他才回到自己的家庭生活。
1853年： 路易·尼德梅耶尔接管了巴黎日渐衰竭的教堂音乐学校。他迅速使学校成为巴黎最重要的音乐教育机构。他创作的歌曲作品影响了许多擅长歌曲创作的作曲家，福雷就是其中之一。
1854年： 福雷在簧风琴的演奏方面表现出聪颖的天资。他进入尼德梅耶尔在巴黎主办的“宗教与古典音乐学校”学习，他在那里与他的钢琴教师卡米尔·圣-桑斯结识为终生的朋友。
1864年： 路易·巴斯德开创了加热杀菌法，也就是用适度的加热过程来杀死细菌。福雷的妻子马丽后来神经质地受到卫生学的困扰，曾有几年的时间把他们的孩子从学校带回家中教育。他们的小儿子菲利普后来成为一名生物学教授。
1866年： 福雷移居到布列塔尼地区，担任雷恩圣索菲尔教堂的管风琴师，他以教学来补贴微薄的收入。自1874年起，他代理圣-桑斯，成为巴黎的马德莱娜教堂的管风琴师。
1870年： 法国和普鲁士开战。福雷应招加入皇家轻步兵军团，后来还获得了十字勋章。
1877年： 福雷创作的歌曲《梦后》和他的《第一小提琴奏鸣曲》受到欢迎，他被任命为马德莱娜教堂的唱诗班指挥。他的未婚妻，著名歌唱家Pauline Viardot的女儿马丽安娜解除了他们的婚约，福雷十分沮丧。
1879年： 亨利·迪帕克创作了歌曲《罗莎蒙德的城堡》。迪帕克歌曲中强烈的情感表达，深刻地影响了福雷成熟期歌曲的创作。
1883年： 福雷与著名雕刻家的女儿马丽·弗雷米耶结婚。她生育了两个儿子，但后来她说自己是“家庭中无足轻重的人”。1888年，福雷长时间酝酿的《安魂曲》首次演出。
1886年： 圣-桑斯创作了他的《第三交响曲》（管风琴）。1868年，他把他的学生和终生朋友福雷给他的一首未完成的为《Tantum ergo》谱曲中的一个主题用在了他的《第二钢琴协奏曲》中。
1894年： 为了抵抗忧郁和越来越不幸的婚姻，福雷陷入与爱玛·巴尔达克（德彪西未来的第二位妻子）的爱恋中，他把声乐套曲《美好的歌曲》（作于1894年）题献给她。
1897年： 约翰·桑热·萨尔让为乔治·斯温顿夫人画了像。福雷以教授钢琴作为代价向夫人索取绘画。作为萨尔让的好朋友，他好几次作了画家的模特。
1905年： 自1896年起，福雷成为马德莱娜教堂的首席管风琴师。1905年，他接替迪布瓦，成为音乐学院的院长，他在那里实现了一些意义深远的改革。
1908年： 曾跟福雷学习作曲的纳迪亚·布朗热获得“罗马大奖”的第二名。她成为同代人中最有影响力的教师。
1912年： 马塞尔·普鲁斯特完成了他的小说《追忆似水年华》的第一部。书中虚构的作曲家Vinteuil创作的《小提琴奏鸣曲》或许就是模仿福雷的《第一小提琴奏鸣曲》来描述的。
1924年： 尽管受到耳聋和幻听的折磨，福雷还是完成了他几部最著名的钢琴、室内乐和声乐作品。他在75岁时从音乐学院退休，1924年在巴黎的家中去世。
福雷音乐的风格特征
影响
福雷早期所受到的影响，来自他的导师圣-桑斯音乐的亮丽和精细，以及古诺和比才音乐旋律的丰富多彩。而舒曼音乐中极宽广的情感表达和狂热的激情，对福雷来说，同样也很重要，另外还有门德尔松音乐的热情洋溢。在教堂音乐方面，单声部圣歌那富有魔力般的旋律线条在他的《安魂曲》中起到了至关重要的作用。福雷从瓦格纳身上学到的东西很少，但他在歌剧《佩内洛普》中运用了主导动机形式。
和声语汇
在福雷的和声语汇中，调式的变化占据了重要的部分。开始，它们只是用来表现丰富的音色和变化的情绪，后来，福雷的调式和声逐渐地形成了一定的机体，当他创作他的最后几部佳作时，他已经能够把它们分别地融合在主调音乐中。
丰富的织体结构
尽管福雷偏爱创作小型合奏作品，但他对钢琴的使用非常精巧，音乐的织体结构引人注目。在他的室内乐作品中，只有一部《弦乐四重奏》没有包含钢琴，这也是他最后的创作了。据说，福雷的两只手都一样灵巧，钢琴音乐的写作也常能反映出这一点。比如，他的旋律线条放在键盘的中心区域，而伴奏声部分别在高、低音区中进行。
创作旋律的天赋
福雷那富有想象力的音乐中常常会出现重叠的钢琴音型，这样的织体结构有助于流畅甜蜜的音乐旋律的完美体现。而在优美的音乐旋律中，法语的节奏感找到了最自然的表达形式。他的许多首《歌曲》，特别是为魏尔兰诗歌谱曲的作品代表了他的创作顶峰。
福雷音乐的CD唱片
船歌，夜曲 等
Kathryn Stott（钢琴）
Hyperion CDA 67064
第一和第二大提琴奏鸣曲 等
史蒂文·伊萨里斯（大提琴）
帕斯卡尔·德瓦永（钢琴）
RCA Red Seal 09026 68049 2
第一和第二小提琴奏鸣曲 等
Alban Beikircher （小提琴）
Roy Howat （钢琴）
Arte Nova 74321 92763 2
第一和第二钢琴四重奏；
第一和第二钢琴五重奏；
弦乐四重奏
Jean-Philippe Collard （钢琴）
Augustin Dumay （小提琴）
Bruno Pasquier （中提琴）
Frederic Lodeon （大提琴）
Parrenin 四重奏团
EMI 7 62548 2 (两张唱片)
歌曲 （全集）
Elly Ameling (女高音)
Gerard Souzay （男中音）
Dalton Baldwin （钢琴）
EMI 7 64079 2 (四张唱片)
安魂曲
维多利亚·德·洛斯·安赫莱斯 (女高音)
迪特里希·费舍尔-迪斯考（男中音）
伊丽莎白·布拉塞尔合唱团，
巴黎音乐学院乐团/
安德烈·克利唐
EMI 5 66894 2
有关福雷的书籍
加布利埃尔·福雷的音乐生活
Jean- Michel Nectoux 著
Roger Nichols 翻译
剑桥大学出版社 1991年出版
六十年的友谊-——
卡米尔·圣-桑斯与加布利埃尔·福雷的通信
Jean-Michel Nectoux 编辑
J Barrie Jones 翻译
Ashgate 出版社2004年出版
加布利埃尔·福雷
杰西卡·杜欣 著
Phaidon 出版社 2000年出版
世界著名作曲家---上cindy 发布于：2007-05-25 15:21
1：舒柏特 （Franz Seraph Peter Scht）
（1）名家介绍：
舒柏特 （1797-1828），奥地利作曲家，1797年1月31日生于维也纳。童年时代就接触音乐。舒柏特生活在古典主义和浪漫主义的交接时期。他的交响性风格继承的是古典主义的传统，但他的艺术歌曲和钢琴作品却完全是浪漫主义的。他绝妙的抒情性使李斯特称他为"前所未有的最富诗意的音乐家"。舒柏特在传统的室内乐中注入了自己的精神特性。它们也是维也纳古典主义的最后一批作品。而在"即兴曲"和"音乐瞬间"中，舒柏特使钢琴唱出了新的抒情风格。它们的随想性、自发性和意料不到的魅力都成了浪漫主义的要素。
（2）代表作品
舒柏特最广为流传的是他那由感而发的六百多首歌曲。 我们熟悉的还有著名的《舒伯特小夜曲》，优美的旋律，令人陶醉。
2：肖邦(Fredric Chopin)
（1）名家介绍：
肖邦(1810-1849)，波兰作曲家。肖邦在孩童时代就显示了音乐天才。十九岁时他写下了《f小调钢 琴协奏曲》，1831年，肖邦来到巴黎，与许多杰出的艺术家来往，如音乐家李斯特、柏辽兹，文学家雨 果、巴尔扎克、海涅，画家德拉克洛瓦。在与闻名于世的小说家乔治桑的交往中，肖邦步入创作最旺盛的时期。肖邦是浪漫主义时代最有独创性的艺术家之一，他的风格是独一无二的。在第一流的艺术家中，肖邦是唯一把他的创作生活集中于钢琴上的大师。他巧妙克服了钢琴不能演奏任何时间长度的持续音的主要局限。对于现代钢琴风格的形成，功不可漠。他第一次在音乐中突出斯拉夫民族因素，使斯拉夫民族因素归入了欧洲音乐的主流。他的作品旋律矫健勇猛；玛祖卡那骑士般的辉煌；圆舞曲充满甜蜜 的柔情。肖邦还写了幻想曲、谐谑曲、叙事曲、即兴曲、前奏曲、奏鸣曲。他抒发感情神秘莫测、令人销魂。
（2）代表作品：
《f小调钢琴协奏曲》、C小调练习曲《革命》等。
3：韦伯
（1）名家介绍：
韦伯（1786一1826）德国作曲家。出生于一个戏剧之家，对德国民间音乐、风俗也有很深的体验。这对他以后的音乐创作具有重要的意义。韦伯十岁学钢琴，以后又学作曲，十二岁开始写作歌剧音乐。1813年以后，他先后任布拉格剧院和德累斯顿交响乐团常任指挥，对这两个演出团的成名起了重要的作用。
（2）代表作品：
韦伯的代表作是歌剧《自由射手》即《魔弹射手》。它那浓郁的德国风格和浪漫气息，被认为是德国第一部漫主义歌剧。此外，他还写了歌剧《奥伯龙》，以及少序曲、协奏曲，奏鸣曲。其中，钢琴曲《邀舞》最为脍炙人口。
4：彼得·伊里奇·柴科夫斯基
（1）名家介绍：
彼得·伊里奇·柴科夫斯基（1840－1893）十九世纪伟大的俄罗斯作曲家、音乐教育家，被誉为伟大的俄罗斯音乐大师。他1840年5月7日出生于乌拉尔的伏特金斯克城一个充满音乐气氛的家庭。他自幼便已显示出非凡的音乐才能，1862年，柴科夫斯基进彼得堡音乐学院学习，踏上接受真正的专业音乐教育的决定性道路。1866年就任莫斯科音乐学院教授，历时十一年之久。他创作出各种各样的优秀作品。1877年开始，是柴科夫斯基的创作的极盛时期。柴科夫斯基是总结全欧洲音乐发展的整个时代的一位伟大的世界规模的俄罗斯人。他建立了自己宏大的交响音乐体系，成为交响音乐方面登峰造极的人物之一。 柴科夫斯基一生共写了七部交响曲，其中《g小调第一交响曲》是他的交响乐体裁的作，是一部真正的俄罗斯交响曲，其特征是着重于心理描写、充满爱国主义的抒情情调。这部交响曲也是人们理解他的交响乐作品的人门阶梯和"门径"。
（2）代表作品：
1866，他创作出最初的三部交响曲、交响诗《弗兰契斯卡·达·利米尼》、幻想序曲《罗米欧与朱丽叶》、舞剧《天鹅湖》以及《第一钢琴协奏曲》等。这是柴科夫斯基创作的第一个时期。柴科夫斯基的晚年是他创作的顶峰时期。1888－1889年他访问了德国、捷克、法国 和英国，与勃拉姆斯、格里格、德沃夏克、古诺、马斯涅等结下了友谊。 1877年开始，是柴科夫斯基的创作的极盛时期。他开始创作两部天才的作品--歌剧《叶甫根尼·奥涅金》和他的成名作《第四交响曲》。 柴科夫斯基的晚年是他创作的顶峰时期。在这期间，他除了创作《叶甫根尼·奥涅金》、《第四交响曲》外，还创作了《第五交响曲》、 《曼弗里德交响曲》，歌剧《黑桃皇后》、《约兰塔》，舞剧《睡舅人》、《胡桃夹子》；还 有《暴风雨》、《意大利随想曲》、《一八一二年序曲》、《D大调小提琴协奏曲》、大提琴 《洛可可主题变奏曲》以及各种器乐重奏、钢琴独奏、声乐浪漫曲等，几平涉及所有体裁。特别是他在1893年夏天写出的《第六（悲怆）交响曲》，是他的绝笔之作。
5：罗伯特·舒曼
（1）名家介绍：
罗伯特·舒曼（1810－1856）德国著名作曲家、音乐评论家。他出生于德国茨维考城，从小喜爱音乐和文学。舒曼生性感情敏感，并且有民主主义思想。1834年他创办了《新音乐杂志》,对改变当时陈腐的音乐空气，促进浪漫艺术的发展，起了重要的作用。他关心和支持尚未为人所知的音乐家，如：肖邦、柏辽兹、李斯特、勃拉姆斯、瓦格纳等。
（2）代表作品：
舒曼的代表作有：钢琴曲《蝴蝶》、《狂欢节》、《交响练习曲》、《幻想曲集》等 1840年写了138首歌曲，被称为"歌曲文萃"， 还写了四部交响曲，及《a小调钢琴协秦曲》、 《曼弗雷德序曲》等。
6：卓阿基诺·罗西尼
（1）名家介绍：
卓阿基诺·罗西尼〔1792－1868〕十九世纪上半叶意大利歌剧三杰之一，生于意大利贝萨洛。他十岁师从蒂塞学和声，后学习作歌剧。所作的《塞维尔的理发师》，集意大利喜剧的精华，它语言生动，形式自由、充满幻想的意大利喜歌剧的代表作。他的创作继承了意大利注重旋律及美声唱法的传统，音乐充满了炫技的装饰和幽默喜悦的精神，他并吸收了同时代作曲家贝多芬的手法，使用管弦乐来取代和丰富原来仅作音高提示的古钢琴伴奏。1829年罗西尼写了搁笔之作《威廉·退尔》，这部作品反映了民族自主的愿望，并对大歌剧体裁的形成起到了推进作用。
（2）代表作品：
罗西尼创作了近四十部歌剧，代表作有《塞维尔的理发师》、《威廉·退尔》、《灰姑娘》、《偷东西的喜鹊》以及正歌剧《奥赛罗》、《摩西》等。
7：里姆斯基－柯萨科夫
（1）名家介绍：
里姆斯基－柯萨科夫〔1844－1908〕俄国作曲家、音乐教育家。他被公认为是最好的"海的风景画"大师。但他首先是一位著名的俄罗斯作曲家，特别是俄罗斯歌剧艺术的巨匠。他出生于一个贵族家庭，从小受到家庭音乐气氛的熏陶，六岁开始学钢琴，十一岁尝试写作音乐。月首演他的《第一交响曲》获得成功。1871年正式成为专业音乐家。他从事教学工作三十年，学生都相当优秀，其中有：阿连斯基、阿萨菲耶夫、格拉祖诺夫、李亚多夫，伊波里托夫·伊凡诺夫、朱亚斯科夫斯基和普罗科菲耶夫等200多位著名音乐家。在他一生中最后的二十年间，他几乎没有采用过纯粹的交响音乐的形式来写作。他的交响音乐创作都具有标题性、叙事体和音画式的倾向，他的交响音乐作品的情节，同俄罗斯的壮士歌和传说、东方的民间故事以及人民生活的场面有着很密切的联系。他的交响音乐作品，具有强烈的民族特点和浓厚的东方色彩。他还著有《和声学实用教程》、《管弦乐配器法》以及传记《我的音乐生活》等。
（2）代表作品：
他的主要作品有：歌剧十五部，包括音乐剧、史诗歌剧、神话歌剧、抒情喜歌剧和神怪歌舞剧等体裁，其中最著名的有《普斯科夫姑娘》、《五月之夜》、《雪女郎》、《圣诞节前夜》、《萨特阔》、《沙皇的新娘》、《萨旦王的故事》等。他的最后一部歌剧《金鸡》是一部尖刻的讽刺作品。 他的交响音乐作品数量不多，但非常精彩：六十年代的作品主要有《第一交响曲》、交响组曲《安塔尔》和交响音画《萨特阔》等；八十年代的作品则有交响组曲《舍赫拉查达》、《西班牙随想曲》和《第三交响曲》等。
世界著名作曲家---中cindy 发布于：2007-05-25 15:24
8：普契尼
（1）名家介绍：
普契尼（1858－1924）意大利歌剧作家。生于意大利洛卡，毕业于米兰音乐学院，是十九世纪末至欧战前真实主义歌剧流派的代表人物之一。普契尼的音乐题材真实，感情鲜明，吸收话剧式的对话手法，注意不以歌唱阻碍剧情的展开。他除直接采用各国民歌外，先于现代派作家使用某些新的手法。
（2）代表作品：
其成名作是1393年发表的《曼侬·列斯科》，他的作品还有《蝴蝶夫人》、《托斯卡》、《艺术家的生涯》、《西部女郎》等十余部。在歌剧《图兰多》中他还采用了中国民歌《茉莉花》的旋律。
9：帕格尼尼（Paganini，Niccolo）
（1）名家介绍：
帕格尼尼（1782－1840）意大利小提琴家、作曲家。1782年10月27日生于热那亚。1928年后在欧洲各地旅行演出，以其高超的技巧，表情丰富的演奏，获得了很大的成功。他开拓了近代小提琴演奏技法，写有小提琴协奏曲2首；小提琴随想曲24首；小提琴变奏曲《威尼斯狂想曲》；小提琴短曲《女巫舞曲》等还作有吉他曲200首，以及各种室内乐曲。
（2）代表作品：
小提琴变奏曲《威尼斯狂想曲》；小提琴短曲《女巫舞曲》等
10：莫扎特（1756一1791）
（1）名家介绍：
莫扎特（1756一1791）著名的奥地利作曲家。他出身于萨尔斯堡的一个宫廷乐师家庭，从小即兴演奏和作曲就十分出色，被誉为"神童"。莫扎特的创作深受巴赫、海顿等人的影响，他的作品结构精致匀称，旋律欢快，风格明朗，乐观，配器注重音色效果，对后世的音乐创作产生了很大的影响。莫扎特是维也纳古典乐派成员之一。他的创作，是十八世纪欧洲音乐文化各方面成就的光辉总结。他为德国民族歌剧奠立了基础，创造出一种现实主义音乐剧的新体裁；他扩充并革新了器乐作品的内容，使交响曲和室内乐曲的形式格外严谨。莫扎特在创作上以其不倦的努力和探寻，把十八世纪的音乐艺术提到一个新的高度，并为后来的音乐的进一步发展准备了条件。
（2）代表作品：
他在短促的一生中共创作了歌剧二十二部，其中最著名的是《费加罗的婚礼》、《唐·横》、《魔笛》；交响曲四十九部，其中《第三十九》、《第四十》、《第四十一》交响曲最为著名。他还创作了奏曲、钢琴曲、室内乐重奏等多部作品。
11：莫杰斯特·彼得罗维奇·穆索尔斯基
（1）名家介绍：
莫杰斯特·彼得罗维奇·穆索尔斯基（1839－1881）俄罗斯著名的作曲家，他1839年3月21日生于普斯科夫省卡列沃镇。很早就显示出惊人的创作才能和丰富的想象力。穆索尔斯基为刨建俄罗斯古典音乐艺术作出了贡献。他的作品，表现了威严的悲剧、嘲笑的幽默、辛辣的讽刺、热情的喜悦、狂放的热情、雄壮的史诗气魄。作品具有深刻的人民性。1939年，苏联人民为了纪念这位杰出的作曲家，把乌克兰国立音乐院改名为穆索尔斯基音乐院。
（2）代表作品：
他创作的歌剧《鲍里斯·戈都诺夫》、《荒山之夜》、钢琴组曲《展览会上的图画》、歌曲《跳蚤之歌》等，是世界音乐宝库中的珍品。
12：雅各·路德维希·费里克斯·门德尔松·巴尔托迪
（1）名家介绍：
雅各·路德维希·费里克斯·门德尔松·巴尔托迪（1809－1847）德国著名作曲家。他1809年2月3日生于汉堡一个高雅的家庭。门德尔松从小学习钢琴和音乐理论，九岁时便以钢琴家身份在音乐会上演奏钢琴，十一岁开始尝试创作各种类型的音乐作品。由于他生活的环境，接触到文化知识界的卓越代表如海涅、黑格尔、斯文德、韦伯、莫舍列斯等人，他的精神和创作部成熟得很快。17岁时写了著名的《仲夏夜之梦序曲》。他的最杰出的事业是在1843年创办了德国第一所音乐学院--莱比锡音乐学院。门德尔松的作品，把浪漫主义的特点与古典主义的特点交织在一起，既带有古典主义作品的严谨逻辑性，又带有浪漫主义的幻想性格。作品风格素以精美、幽雅、华丽而著称，被誉为浪漫派作曲家中的抒情风景画大师。
（2）代表作品：
他的主要作品有：五部交响曲（以《第三（苏格兰）交响曲》、《第四（意大利）交响曲》最著名）、七部序曲（以《仲夏夜之梦 》、《芬格尔的洞窟》最为著名）、还有《e小调小提琴协奏曲》及大量的钢琴等器乐作品。他还独创了"无言歌"这种钢琴曲体裁。
13：马勒（Gustav Mahler ）
（1）名家介绍：
马勒（Gustav Mahler 1860－1911）作曲家、指挥家。1860年7月7日生于波希米亚卡里什特。6岁开始学习钢琴，15岁到维也纳进音乐专科学校，三年以后进维也纳音乐学院。1885年在莱比锡指挥门德尔松的《圣保罗》大获成功。37岁时他接受维也纳歌剧院握有绝对权力的指挥席位，遂成当代伟大指挥家之一。1899年发表他《第一交响曲》。此后在指挥之外，他创作不断。在维也纳十年（1897－1907）他满腔热情投人音乐事业，普及介绍莫扎特、贝多芬和格鲁克的作品，并使听众能欣赏瓦格纳的完整歌剧原作。马勒是卓越的维也纳交响乐大师行列中的最后一个，这些大师从海顿、莫扎特、贝多芬、舒伯特直到布鲁格纳和勃拉姆斯。
（2）代表作品：
他的代表作有九部交响曲，其中《第十交响曲》未能完成，后来经过编订已上演了。为纪念他的早夭女儿的《亡儿之歌》十分感人，还有《大地之歌》、《旅人之歌》以及清唱剧《悲叹之歌》等名作。
14：弗伦兹·李斯特
（1）名家介绍：
弗伦兹·李斯特 （1811一1886）天才的匈牙利作曲家、钢琴家、指挥家和音乐活动家。他生于匈牙利雷定，六岁起学钢琴，曾先后作为萨里埃里、车尔尼、雷哈、巴埃尔的弟子。受雨果、拉马丁、夏多布里昂等浪漫主义文艺家思想的影响，在音乐上他主张标题音乐。李斯特还受帕格尼尼的影响，创作了十九首《匈牙利狂想曲》和十首钢琴练习曲。他树立了与学院风气、市民习气相对立的新的浪漫主义原则，并支持阿尔贝尼斯、斯美塔那、柏辽兹、瓦格纳等作曲家的创作。李斯特所创作的十九首钢琴曲《匈牙利狂想曲》，在他的钢琴作品中占有特殊重要的地位，已列入世界古典钢琴曲的文献宝库。这些作品不但充分发挥了钢琴的音乐表现力，而且，为狂想曲这个音乐体裁创作树立了杰出的音乐典范。这些作品部是以匈牙利和匈牙利吉普赛人的民歌和民间舞曲为基础，进行艺术加工和发展而成的，因而都具有鲜明的民族色彩。这些乐曲结构精炼、乐思丰富活跃，音乐语言与音乐表现方法同匈牙利乡村舞蹈音乐和城市说唱音乐有密切联系，乐曲的形式虽然不时的变化，可是音乐形象始终鲜明而质朴，体现了自然美和艺术美的完美统一。
（2）代表作品：
李斯特所创作的十九首钢琴曲《匈牙利狂想曲》，首创了交响诗体裁，作有《塔索》、《前奏曲》、《匈牙利》等交响诗共十三部等。
15：约翰·施特劳斯
（1）名家介绍：
约翰·施特劳斯（1825－1899）奥地利作曲家。其父与其同名，被称为老约翰·施 特劳斯(1804-1849)，而他则被称为小约翰·施特劳斯。老约翰·斯特劳斯也是位作曲家，被誉为"圆舞曲之父"。小约翰·施特劳斯继承了先父和兰纳等前辈的传统。但"青出于蓝而胜于蓝"。他是一个多产作家，作品编号达到479号。由于小约翰·施特劳 斯一生中创作了大量脍炙人口的圆舞曲，因而被誉为"圆舞曲之王"。
（2）代表作品：
他是一个多产作家。其中圆舞曲 168首，波尔卡舞曲117首，卡得累舞曲73首，行曲43首，马祖卡舞曲和加洛普舞曲31 首和轻歌剧16部。
世界著名作曲家 ---下cindy 发布于：2007-05-25 15:31
16：塞扎·弗兰克
（1）名家介绍：
塞扎·弗兰克（1822－1890）法国作曲家、管风琴家。原籍比利时，1842年以后开始了演奏家的生涯，并从事作曲和教学工作。在教学中，他支持学生大胆新颖的创造，造就了一个完整的作曲学派，丹第、肖松、杜帕克等都是他的学生。他早期的作品不成功，很少流传。最后五年终于写出了他著名的《d小调交响曲》、《A大调小提琴奏鸣曲》、《D大调弦乐四重奏》等集中体现了他的创作特征：旋律气质不凡，表现力深刻，和声新颖，结构坚实协调。特别是"循环形式"的出色运用，可以说是他的独创。弗兰克的音乐作品往往是在沉思冥想中奔放出热情，反映出他对人生意义的思索和探求。但是他的作品在当时却不被人们所理解和重视。
（2）代表作品：
著名的《d小调交响曲》、《A大调小提琴奏鸣曲》、《D大调弦乐四重奏》等，
17：法雅（Manuel de Falla ）
（1）名家介绍：
法雅（ 1876－1946）西班牙作曲家。1876年11月23日生于加第斯。1899年毕业于马德里皇家音乐学院。1907年又入巴黎音乐学院，后定居阿根廷。他的作品具有浓厚的民族色彩。
（2）代表作品：
主要作品有舞剧《爱情魔法师》、《三角帽》。钢琴与乐队曲《西班牙庭园之夜》，以及歌曲集《西班牙民歌七首》等，其中以舞剧选曲《火祭舞》以及《西班牙舞曲第一首》最为知名。
18：比才
（1）名家介绍：
比才（1838－1875）法国作曲家。他出生于巴黎，四岁开始学钢琴，九岁人巴黎音乐学院， 1863年比才写成第一部歌剧《采珍珠者》，以后主要从事歌剧写作，作品有《卡门序曲》、《阿菜城姑娘》等。在他的作品中现实主义得到深化，社会底层的平民小人物成为作品的主角。在音乐中他把鲜明的民族色彩，富有表现力的描绘生活冲突的交响发展，以及法国的喜歌剧传统的表现手法熔于一炉，创造了十九世纪法国歌剧的最高成就。
（2）代表作品：
歌剧《卡门》取材于梅里美同名小说。音乐多用舞蹈歌曲及分节歌，具有强烈的戏剧性和西班牙风格。在创作艺术上登峰造极，是世界上上演率最高的剧目之一。
19：巴托克（Bartok Bela 1881－1945）
（1）名家介绍：
巴托克（Bartok Bela 1881－1945）匈牙利作曲家、钢琴家。1881年3月25日生于纳森米克罗斯。5岁学习钢琴，其创作植根于匈牙利民间音乐传统，部分作品有动力性很强的节奏。由于作品十分严谨，限于客观原因，生前未能受到应得之荣誉，死后由于出版与研究部给以，以及演奏会的介绍，始被世人重视，而被列为20世纪第一流作曲家之林。
（2）代表作品：
主要作品有歌剧《蓝胡子的城堡》，管弦乐《舞蹈组曲》、《雨幅画》、《弦乐器、打击乐与钢片琴的音乐》、《乐队协奏曲》，以及《小提琴协奏曲》、《中提琴协奏曲》、《钢琴协奏曲》、《两架钢琴与击乐器的奏鸣曲》、《钢琴奏鸣曲》、《弦乐四重奏》与《罗马尼亚民间舞曲》等。
20：约翰奈斯·勃拉姆斯（1833－1897）
（1）名家介绍：
约翰奈斯·勃拉姆斯（1833－1897）德国十九世纪后半叶最卓越的、古典乐派最后的一位作曲家。1833年5月7日勃拉姆斯生于汉堡。他没有进过音乐学校，但勤奋好学使他掌握着登峰造极的艺术技巧。他的作品兼有古典手法和浪漫精神，极少采用标题。交响曲作品中模仿贝多芬的气势宏大、笔法工细、情绪变化多端、时有牧歌气息的流露，而仍带有自己的特点。他重视奥地利民歌，曾作有九十余首改编曲。所作形式繁多的重奏曲，提高了室内乐的地位。此外，他还作有二百余首歌曲、四部交响曲、一批钢琴小品与主题变奏曲、协奏曲。勃拉姆斯的交响曲的构思之宏伟和规模之庞大，同他的先辈有很密切的联系：他的音乐戏剧性可说来自贝多芬，对民间歌曲、舞曲等体裁的兴趣显然效法于舒伯特，他个人热情的叙述音调，则使他更接近于舒曼。他继承贝多芬交响乐的传统，吸取了深刻的人道主义和热烈的爱国主义精神，着力表现时代的精神风貌和斗争生活，他的作品成为继贝多芬之后西欧交响音乐的杰出典范。勃拉姆斯的四部交响曲却各有其不同的思想内容，各自形成一部独特的音乐戏剧：《第一交响曲》象史诗那般宏伟，可以看到贝多芬"从黑暗到光明"的构思的强烈影响；《第二交响曲》是风俗舞蹈性的抒情诗；《第三交响曲》是一曲悲壮的颂歌，但它的戏剧性的终曲却令人神迷心醉；而《第四交响曲》的戏剧性发展则几乎达到古典悲剧的境界。
就其历史功绩而言，在德国音乐史中，人们时常把勃拉姆斯同巴赫与贝多芬相提并论，把他们比作三个主要支柱，即根据巴赫（Bach）、贝多芬（Beethoven）和勃位姆斯（Brahms）姓名的第一个字母总称为"三B"。
（2）代表作品：
著名的《D大凋小提琴协奏曲》、《a小调小提琴、大提琴双协奏曲》。 4部交响乐：《第一交响曲》、《第二交响曲》、《第三交响曲》、《第四交响曲》
21：巴赫
（1）名家介绍：
巴赫 （1685－1750）德国最伟大的古典作曲家之一，又是管风琴演奏家。他生于爱森那赫市一个音乐世家。他笃信宗教，又深受资产阶级启蒙思想的影响，这使他的宗教作品明显的突破了教会音乐的规范，具有丰富的世俗情感和大胆的革新精神。其创作以复调手法为主，构思严密，感情内在，富于哲理性和逻辑性。巴赫的作品对近代西洋音乐具有深远的影响，所以在西欧他有"音乐之父"和"不可超越的大师"的荣称。
（2）代表作品：
主要作品有：二百多部宗教及世俗"康塔塔"、若干部宗教《受难曲》、《弥撒曲》等，其中代表性的作品为大型声乐套曲《马太·受淮曲》、《约翰·受难曲》、《b小调弥撒曲》、《宗教改革运动康塔塔》、《农民康塔塔》、《咖啡康塔塔》；器乐作品《布朗登堡协奏曲》六首、《十二平均律钢琴曲集》两集、《d小调托卡塔与赋格》、《意大利协奏曲》、《赋格的艺术》一集、《音乐的奉献》一集、《无伴奏小提琴组曲与奏鸣曲》六首等。
22：贝多芬 （Ludwig van Beethoven ）
（1）名家介绍：
贝多芬 （1770-1827 ）师从海顿、申克、阿布雷兹贝格与萨里耶里等名师。由于一七九五年在维也纳举行第一次音乐会，弹奏自己写作的「第二号钢琴协奏曲」而闻名遐迩。他的「第一号交响曲」是后来才作的，同年他又出版了三首钢琴三重奏贝多芬也奠定演奏者与作曲家的双重声誉。此后五年，他又写作了第一号到第十一号钢琴奏鸣曲。以及第一号到第三号钢琴协奏曲。一七九九年贝多芬又完成了「第一号交响曲」。他凭著神奇的想像力，接连写作了震惊乐坛的名作。在这些作品中，弥漫着生命的欢愉与热情，而且表现了空前的自由意境，突破了连莫扎特都束缚的严格形式。贝多芬在声名如日中天之际患了耳聋的疾病。在此后，写了著名的十四号钢琴奏鸣曲「月光」。一八零二年贝多芬完成了第二号交响曲。一八零三年写出了雷霆万钧的第三号「英雄」交响曲。同年，贝多芬又写作了极出色的第九号小提琴奏鸣曲「克罗采」。一八零四年完成第二十一号钢琴奏鸣曲「华德斯坦」。隔年又接着完成第二十三号钢琴奏鸣曲「热情」与独一无二的歌剧「费黛里欧」。在这一连串作品中他表现出真正的功力，如「华德斯坦」与「热情」使世人如痴如醉。一八零六年他又作出「第四号钢琴协奏曲」和「D大调小提琴协奏曲」。一八零八年贝多芬同时发表了第五号交响曲「命运」与第六号交响曲「田园」。一八零九年完成第五钢琴协奏曲「」。这些全是永垂不朽的杰作。贝多芬的内心蕴藏著无穷的感情，细腻、超凡、和谐、十全十美。贝多芬有意将自己的意念放在曲子中。如第五号「命运」，一开始的主题动机就是命运之神用力敲门，第六号「田园」更可察觉出贝多芬有意对大自然的描绘第一乐章他即标明了「令人心旷神怡的乡间」字眼。贝多芬从一八零四年到一八一四年之间，肉体蒙受失聪的惨境，但他的创作丰富，历史价值史无前例。他写出了人类音乐宝藏中光芒万丈的珍品。他的「第七号交响曲」没有标题，华格纳认为这首曲子是舞蹈的象徵，尤其是热情奔放的终乐章。「第八号交响曲」是他九大交响曲中最明朗、最爽快的曲子，以达观而超然的态度浏览人生。贝多芬的第三段人生起自一八一五年。那时他已届壮年对人生有更透彻的领悟，此后写作的音乐，除了震古铄今的第九号交响曲「合唱」和「庄严弥撒曲」外，全是钢琴奏鸣曲和弦乐四重奏曲，这全是有内在的与深邃的精神意境。「第九号交响曲」的成功为他带来了一生最大的荣耀与欢欣。
（2）代表作品：
钢琴奏鸣曲「月光」。
交响乐：第三号交响曲《英雄》、第五号交响曲《命运》、第六号交响曲《田园》等
1：舒伯特
（Franz Seraph Peter Schubert） （1）名家介绍： 舒伯特 （1797-1828），奥地利作曲家，1797年1月31日生于维也纳。童年时代就接触音乐。舒柏特生活在古典主义和浪漫主义的交接时期。他的交响性风格继承的是古典主义的传统，但他的艺术歌曲和钢琴作品却完全是浪漫主义的。他绝妙的抒情性使李斯特称他为"前所未有的最富诗意的音乐家"。舒柏特在传统的室内乐中注入了自己的精神特性。它们也是维也纳古典主义的最后一批作品。而在"即兴曲"和"音乐瞬间"中，舒柏特使钢琴唱出了新的抒情风格。它们的随想性、自发性和意料不到的魅力都成了浪漫主义的要素。 （2）代表作品 舒伯特最广为流传的是他那由感而发的六百多首歌曲。 我们熟悉的还有著名的《舒伯特小夜曲》，优美的旋律，令人陶醉。
2：肖邦(Fredric Chopin)
（1）名家介绍： 肖邦(1810-1849)，波兰作曲家。肖邦在孩童时代就显示了音乐天才。十九岁时他写下了《f小调钢 琴协奏曲》，1831年，肖邦来到巴黎，与许多杰出的艺术家来往，如音乐家李斯特、柏辽兹，文学家雨 果、巴尔扎克、海涅，画家德拉克洛瓦。在与闻名于世的小说家乔治桑的交往中，肖邦步入创作最旺盛的时期。肖邦是浪漫主义时代最有独创性的艺术家之一，他的风格是独一无二的。在第一流的艺术家中，肖邦是唯一把他的创作生活集中于钢琴上的大师。他巧妙克服了钢琴不能演奏任何时间长度的持续音的主要局限。对于现代钢琴风格的形成，功不可漠。他第一次在音乐中突出斯拉夫民族因素，使斯拉夫民族因素归入了欧洲音乐的主流。他的作品旋律矫健勇猛；玛祖卡那骑士般的辉煌；圆舞曲充满甜蜜 的柔情。肖邦还写了幻想曲、谐谑曲、叙事曲、即兴曲、前奏曲、奏鸣曲。他抒发感情神秘莫测、令人销魂。 （2）代表作品： 《f小调钢琴协奏曲》、C小调练习曲《革命》等。
3：韦伯 (Weber，Carl Maria von)
（1）名家介绍： 韦伯（1786一1826）德国作曲家。出生于一个戏剧之家，对德国民间音乐、风俗也有很深的体验。这对他以后的音乐创作具有重要的意义。韦伯十岁学钢琴，以后又学作曲，十二岁开始写作歌剧音乐。1813年以后，他先后任布拉格剧院和德累斯顿交响乐团常任指挥，对这两个演出团的成名起了重要的作用。 （2）代表作品： 韦伯的代表作是歌剧《自由射手》即《魔弹射手》。它那浓郁的德国风格和浪漫气息，被认为是德国第一部漫主义歌剧。此外，他还写了歌剧《奥伯龙》，以及少序曲、协奏曲，奏鸣曲。其中，钢琴曲《邀舞》最为脍炙人口。
4：彼得·伊里奇·柴科夫斯基
(Peter Ilyich Tchaikovsky) （1）名家介绍： 彼得·伊里奇·柴科夫斯基（1840－1893）十九世纪伟大的俄罗斯作曲家、音乐教育家，被誉为伟大的俄罗斯音乐大师。他1840年5月7日出生于乌拉尔的伏特金斯克城一个充满音乐气氛的家庭。他自幼便已显示出非凡的音乐才能，1862年，柴科夫斯基进彼得堡音乐学院学习，踏上接受真正的专业音乐教育的决定性道路。1866年就任莫斯科音乐学院教授，历时十一年之久。他创作出各种各样的优秀作品。1877年开始，是柴科夫斯基的创作的极盛时期。柴科夫斯基是总结全欧洲音乐发展的整个时代的一位伟大的世界规模的俄罗斯人。他建立了自己宏大的交响音乐体系，成为交响音乐方面登峰造极的人物之一。 柴科夫斯基一生共写了七部交响曲，其中《g小调第一交响曲》是他的交响乐体裁的处女作，是一部真正的俄罗斯交响曲，其特征是着重于心理描写、充满爱国主义的抒情情调。这部交响曲也是人们理解他的交响乐作品的入门阶梯和"门径"。 （2）代表作品： 1866，他创作出最初的三部交响曲、交响诗《弗兰契斯卡·达·利米尼》、幻想序曲《罗米欧与朱丽叶》、舞剧《天鹅湖》以及《第一钢琴协奏曲》等。这是柴科夫斯基创作的第一个时期。柴科夫斯基的晚年是他创作的顶峰时期。1888－1889年他访问了德国、捷克、法国 和英国，与勃拉姆斯、格里格、德沃夏克、古诺、马斯涅等结下了友谊。 1877年开始，是柴科夫斯基的创作的极盛时期。他开始创作两部天才的作品--歌剧《叶甫根尼·奥涅金》和他的成名作《第四交响曲》。 柴科夫斯基的晚年是他创作的顶峰时期。在这期间，他除了创作《叶甫根尼·奥涅金》、《第四交响曲》外，还创作了《第五交响曲》、 《曼弗里德交响曲》，歌剧《黑桃皇后》、《约兰塔》，舞剧《睡美人》、《胡桃夹子》；还 有《暴风雨》、《意大利随想曲》、《一八一二年序曲》、《D大调小提琴协奏曲》、大提琴 《洛可可主题变奏曲》以及各种器乐重奏、钢琴独奏、声乐浪漫曲等，几平涉及所有体裁。特别是他在1893年夏天写出的《第六（悲怆）交响曲》，是他的绝笔之作。
5：罗伯特·舒曼
(Robert Schumann) （1）名家介绍： 罗伯特·舒曼（1810－1856）德国著名作曲家、音乐评论家。他出生于德国茨维考城，从小喜爱音乐和文学。舒曼生性感情敏感，并且有民主主义思想。1834年他创办了《新音乐杂志》,对改变当时陈腐的音乐空气，促进浪漫艺术的发展，起了重要的作用。他关心和支持尚未为人所知的音乐家，如：肖邦、柏辽兹、李斯特、勃拉姆斯、瓦格纳等。 （2）代表作品： 舒曼的代表作有：钢琴曲《蝴蝶》、《狂欢节》、《交响练习曲》、《幻想曲集》等 1840年写了138首歌曲，被称为"歌曲文萃"， 还写了四部交响曲，及《a小调钢琴协秦曲》、 《曼弗雷德序曲》等。
6：卓阿基诺·罗西尼
（1）名家介绍： 卓阿基诺·罗西尼〔1792－1868〕十九世纪上半叶意大利歌剧三杰之一，生于意大利贝萨洛。他十岁师从蒂塞学和声，后学习作歌剧。所作的《塞维尔的理发师》，集意大利喜剧的精华，它语言生动，形式自由、充满幻想的意大利喜歌剧的代表作。他的创作继承了意大利注重旋律及美声唱法的传统，音乐充满了炫技的装饰和幽默喜悦的精神，他并吸收了同时代作曲家贝多芬的手法，使用管弦乐来取代和丰富原来仅作音高提示的古钢琴伴奏。1829年罗西尼写了搁笔之作《威廉·退尔》，这部作品反映了民族自主的愿望，并对大歌剧体裁的形成起到了推进作用。 （2）代表作品： 罗西尼创作了近四十部歌剧，代表作有《塞维尔的理发师》、《威廉·退尔》、《灰姑娘》、《偷东西的喜鹊》以及正歌剧《奥赛罗》、《摩西》等。
7：里姆斯基－柯萨科夫
（1）名家介绍： 里姆斯基－柯萨科夫〔1844－1908〕俄国作曲家、音乐教育家。他被公认为是最好的"海的风景画"大师。但他首先是一位著名的俄罗斯作曲家，特别是俄罗斯歌剧艺术的巨匠。他出生于一个贵族家庭，从小受到家庭音乐气氛的熏陶，六岁开始学钢琴，十一岁尝试写作音乐。186512月首演他的《第一交响曲》获得成功。1871年正式成为专业音乐家。他从事教学工作三十年，学生都相当优秀，其中有：阿连斯基、阿萨菲耶夫、格拉祖诺夫、李亚多夫，伊波里托夫·伊凡诺夫、朱亚斯科夫斯基和普罗科菲耶夫等200多位著名音乐家。在他一生中最后的二十年间，他几乎没有采用过纯粹的交响音乐的形式来写作。他的交响音乐创作都具有标题性、叙事体和音画式的倾向，他的交响音乐作品的情节，同俄罗斯的壮士歌和传说、东方的民间故事以及人民生活的场面有着很密切的联系。他的交响音乐作品，具有强烈的民族特点和浓厚的东方色彩。他还著有《和声学实用教程》、《管弦乐配器法》以及传记《我的音乐生活》等。 （2）代表作品： 他的主要作品有：歌剧十五部，包括音乐剧、史诗歌剧、神话歌剧、抒情喜歌剧和神怪歌舞剧等体裁，其中最著名的有《普斯科夫姑娘》、《五月之夜》、《雪女郎》、《圣诞节前夜》、《萨特阔》、《沙皇的新娘》、《萨旦王的故事》等。他的最后一部歌剧《金鸡》是一部尖刻的讽刺作品。 他的交响音乐作品数量不多，但非常精彩：六十年代的作品主要有《第一交响曲》、交响组曲《安塔尔》和交响音画《萨特阔》等；八十年代的作品则有交响组曲《舍赫拉查达》、《西班牙随想曲》和《第三交响曲》等海 顿 -----约瑟夫．海顿 （1732一1809）奥地利著名作曲家，维也纳古典派奠墓者之一。他出身贫困，从小在很艰苦的条件下学习音乐，作曲主要靠自学，成年后长期任乐队队长，至九十年代初，成为当时首屈一指的音乐家。1791、1794年他曾两度赴英，备受欢迎。他主要从事主调音乐的创作，是他确立了"弦乐四重奏"和古典"交响曲"的结构形式，把交响曲固定为四个乐章形式，以完整的交响乐队编制进行配器，为近代交响乐的发展奠定了基础。他一生共创作了一百多部交响曲，其中较著名的交响曲有《告别》、《时钟》、《狩猎》、《惊愕》、《军队》、《伦敦》、《牛顿》等，故他被称作"交响乐之父"。他的音乐语言朴素、简洁、平易近人，感情明朗，乐观。作品不重深刻抒情和戏剧性刻画，而主要是以普通人的日常生活为题材，常用"说话原则"，进行世态风俗性的表现。他的主要作品还有弦乐四重奏《云雀》等七十六部，清唱剧《创世纪》、《四季》和一些歌剧、歌曲等。他在乐曲的发展中常用"主题活用的原则"，这直接启示看贝多芬"动机发展"的灵感
有关钢琴的相关的专业知识有很多，以下是我整理的一些资料，希望对你有帮助，祝你早日学业有成。
钢琴入门基础知识及弹奏方法
钢琴入门基础知识及弹奏方法
在音乐艺术中，钢琴具有其它乐器不可取代的地位。从1709 年，第一台钢琴的出现经过了
约三百年的历程，在这期间，钢琴发生了许多变化，其音色亮丽、动人，擅长演奏各种风格
的音乐，其演奏风格也日趋丰富和完善，现在，让我们一起来学习弹奏钢琴。
一、熟悉钢琴简谱：由上下两行简谱合并而成。
二、键盘与音符：牢记中央七个音符的位置。
三、手指符号：手指用汉字的一二三四五来标示。
四、钢琴弹奏时的坐姿和手的状态：
1：坐姿2：弹奏时手的状态
练习指法很关键，可以反复弹奏下面的乐曲来练习指法：
535353124325 535353124321 24432524325 535353124321
五、钢琴弹奏
1、钢琴的基本练法
（1） 钢琴的基本练法就是慢练。
慢练尤如"大镜"，把乐曲中的一切细节都扩大了。慢练的最大优点是来得及根据视觉，听觉
得到的反馈信息调整和修正缺点和毛病。慢练的方法之一是用节拍器。即使在作品练习成熟
之后，也不应忽视适当得慢速练习。
（2）有计划、有目的地学习：
冰冻三尺，非一日之寒。练钢琴需要的是持之以恒的态度。钢琴曲目繁多、演奏技法多样。
初学者应制定一个远期学习目标和近期学习计划， 从基础着手， 循序渐进地学习， 才能目的。
（3）以良好的心态学习钢琴：
学琴过程中， 可能会遇到情绪起伏不的情况。应调节情绪， 适当减轻学习难度， 充分激发学
琴兴趣、缓解学琴紧张感。
2、钢琴弹奏中自然重量的运用
关于自然重量的运用的要求是整只手臂的放松自如， 从肩部的舒展下垂， 到整个手臂的协调
下垂，通过放松灵活的手腕调节，然后由手指把手臂重量传入键盘。
（1）：认识体会到手臂的自然重量
以前倾上身的坐姿， 把两只手臂完全放松地垂下去。此时手臂好像是从肩部自然垂挂下来的
物体。在空气中随意摆动，晃动，而血都涌向了手掌，通向了指尖。体会到手臂的自然重量
后，我们就要把这个自然重量用到弹琴上去。接下来手指就要发挥它的功能和作用了。
（2）：手指要承受并支撑整只手臂的重量
手指的三个小关节微微凸起，尤其是处于手掌部位的指根关节（以下简称"掌关节"）必须要
作为一个力量的支持点。手臂的自然重量落下来， 要求每一个手指都能支撑住。我们用断奏
入门的方法练习： 先分别一个手指一个手指地在钢琴上站好， 结合手臂的自然重量。经过一
个阶段， 在每个手指都能自如地弹出饱满的声音后， 再渐渐进入连奏的练习。进一步我们就
可以调节重量的轻重
3、弹奏钢琴时身体的协调
身体的的协调牵涉到钢琴弹奏的基本坐姿和体位等方面，开始就要明确，随着程序的深化，
又要不断发展和更好地运用。
（1）保证身体协调的根本：
保证身体协调的根本是根据自己的身体条件进行调节正确合理的坐姿。随着程度的提高， 对
力度、速度、音乐情绪和色彩的变化提出了越来越多的要求， 所以身体的参与和调节也越来
越重要。
（2）坐姿的基本要求：
臀部要稳定而固定地坐在琴凳中部， 为了便于灵活用力， 不要坐满， 坐一半即可。而且为了
照顾到高低音， 要坐在钢琴中部， 不要随意挪动， 而两条腿放在踏板两旁， 在强奏时左腿可
后撤作为全身力量支点。这是坐姿的基本要求。
（3）身体的左右调节：
身体的左右调节主要依据音的高低。以音阶为例，弱低音区时，身体重心放到左腿方面去；
弹中音区时，身体重心两面摆平；弹到高音时，身体重心侧往右腿方面。
（4）身体的前后调节：
身体的前后调节可以根据音量的大小、力量的强弱来确定。
4、手指的能力与训练
（1）手指的能力：
手指的能力是指每个手指是否有独立活动的能力， 是否灵活和有力。表现在弹奏上则是清晰
度、均匀度和流畅度。
5、钢琴演奏中的促键：
（1）：指力触键
与前臂肌肉相连的肌腱将手指往下拉， 就完成了下键的动作。当肌腱松会时， 手指和琴键就
回复到原来的位置。
练习方法：让右手处于正常的弹奏姿势，手背和腕背几乎在同一水平面上，手指贴住键盘，
处于C 音到g 音的位置。手腕在抬高和放下的几次动作中始终放松，手指始终贴键，手指
稳固而略呈弯曲。
例一： 断奏： 每弹一个音符， 手指都迅速按下键， 并在发出声音的那一刻松开， 缩回到键上。
手腕始终保持平稳。
例二： 连奏： 如断奏一样， 每个音都要弹出保持住。手指所用的压力只需阻止琴键弹回即可。
再向下一个音进行时，前臂略向右转动。这样，当一个键松开时，另一个键正好发出声音。
（2）：手力触键：
手力触键的主要特点是手朝下动作。在各类触键方式中运用最广。手腕的向上弹起的倾向成
为手力触键的一个不可改变的标志。
练习方法：右手放在铺例一所示的键盘位置上。手腕放松，手指稳固。拇指举起离琴键约
1/4 寸高，手朝C 音的键上和键里用力， 使拇指击下琴键。这时手腕会立即向上拱起1 寸高，
然后立即放松， 回到原来的位置。只样就形成了断奏的效果。左右两手都可以用这个方式来
练习。在每个下键动作中都要强调手腕的向上运动。也可以用同样的方式来练习连奏， 但手
朝下面的一个音的方向稍微转动， 手腕每次向上拱起后， 应立即回到原先的位置。手腕放松
和手指稳定是触键中最难达到的要求。手指触键有广泛的用途， 如演奏各种音阶、琶音以及
其他复杂音型的快速乐段等。也常常用在弦及八度的弹奏中。
（3）：臂落触键
臂落触键是突然落下前臂或全臂，以使所要弹的那个键或那几个键在这个下落动作中被推
下。最终的姿势是如图B 所示的，手和手臂都从键盘上往下垂挂着。臂落触键可以弹出断
奏的效果，只要手指在声音发出后立即放松。臂落触键最好用于音的保持或连奏效果。
练习方法： 先抬高手腕以使指尖几乎贴住键盘。然后突然放松手臂。随着手臂的下落， 以便
听到所要弹的音。手指按住这个音， 手腕则低于键盘。然后再回到高手腕的姿势， 以便弹奏
下一个音， 在整个练习过程中， 手腕都是放松的。手力与臂落相结合的触键这两种触键的交
替运用在分句表现上极为重要。以带连线的两音音组为例， 先有臂落触键弹出第一个音， 奠
定一个基础， 再由手力触键按所要求的轻巧程度或断奏程度弹出第二个音。每一组的第一个
音用臂落触键（ D= 放低手腕）弹出，第二个音用手力触键（ U= 抬高手腕）弹。带连线的左
右手各自独立的音组可以通过独立使用这两种触键的方法来练习，对于带连线的轻巧的音
阶，可以臂落触键弹第一个音，让手腕逐渐抬高（手力触键）。当顺势弹完最后一个音时，
手腕便悬在半空中。各种音阶、左右手分开的练习。
注意：拇指总是用臂落触键。其余手指除了弹奏音阶的起始音（无论上行或下行），一律用
手力触键。两种触键的交替使用在八度连奏中应用教多， 在黑键上总是用手力触键， 而紧跟
在黑键后的白键则用臂落触键。
半音阶八度尤其能说明这几个原则：
（4）：全臂触键
6、音阶练习
音阶练习，对于初学钢琴者是重要的基本功训练。练习好音阶，需要注意几个方面：
（1） 练音阶的重要性：练习音阶很重要，一方面可以提高控制和运用手指的能力，二是
可以熟悉指法，巩固记忆；三是可以熟悉键盘位置，熟悉调试及其转换，提高演奏能力。
（2） 树立明确的目标：练音阶，首先解决的是一个" 立"字，解决五指不立和掌关节发紧，
只有苦练才能达到目标。二是学会一个"慢" 字。只有会慢练， 才能逐渐加强力度， 增加耐力，
并为以后的加速打下基础。
（3） 防止一个" 混"字：A大调，＃ f 小调， g 小调，C小调，这几套关系大小调，易混淆，
指法易错，只有经过反复训练，直练到准确无误为止。
（4）：采取分组练习法：将学过的音阶分为四组，每次练琴时先弹两组音阶，再弹乐曲，
而后再弹音阶，交 进行，每组慢练五次，快练一次，逐渐增加次数，来调动练琴的积极性。
7、怎样练好一首乐曲
在练习过程中，可分三阶段；视谱、分练、组合。
（1） 视谱阶段：
学习一首新曲子时，要养成先花1～2 分钟看看谱子，记住调号、拍子、节奏型等，然后再
并始用手弹的习惯。视谱能力强是学习进展快的主要因素之一。
（2）分练阶段：
能准确地视谱弹奏后，接着就要分句、分段、分手练习，有困难的地要抽出来反复练。要有
针对性地分句、分段或分手练。
（3）组合阶段：
第三阶段需要的是思维能力与表达能力。当音符，拍子、指法、分句等问题都解决后，就要
动脑筋注意音色与触键的选择，力度的层次，节奏的灵活性，音乐的结构等等。
8、弹奏钢琴时的表情处理：
（1） 声部程次：
钢琴和管风琴一样， 必须同时奏出几个声部并常常模拟整个乐队的效果。因此， 要使一首钢
琴乐曲在演奏处理上表现得当， 就应让各个声部在整体中形成一定的位置关系。因此演奏者
应善于随机运用各种触键的方式。
A：对位性音乐中的声部层次
这些声部的结合和对比方式应根据具体乐曲而定。凡是专门的主题性素材都应为主要声部。
以巴赫的三声部赋格中的片段为例。
此处低声部的主要主题最重要。而中声部的对题（ 2）和竞相出现的、闪现在高声部的短小
音型（ 3）应处于陪衬的地位。
B：和声性音乐中的声部层次
最简单的形式是由和弦支持的旋律或经过句。可分出三个不同的层次： 主旋律、低音进行以
及插入其中的和弦组成。通常在这三个层次之外还可以加上第四个与旋律部分有关的层次。
如肖邦《华丽圆舞曲》中的一个片段：
在此，高声部的持续A 音应当用全臂触键弹，低音用臂落触键弹，而流动的旋律和伴奏和
弦则用手力触键弹。
这种四个层次组成的整体， 在各类旋律及和声的组合中都回存在。以舒曼的《浪漫曲》为例，
此处旋律的二重奏是由双手的拇指用全臂触键奏出的。左右两手的伴奏音型通过指力或手力
触键，可以得到柔和的音色。而李斯特的《爱之梦》之三。其中四个声部的层次分明。演奏
时必须将四种触键全用上： 主旋律用全臂触键； 低音的对位旋律用臂落触键； 高音和弦用手
力触键；分解和弦用指力触键。
（2）：音乐中的脉动
A：节拍
音乐生命力首先在于不断重复的脉动， 又叫节拍。音乐的性格也是由演奏者所体现的音乐脉
动的重音、规整性和速度决定。节拍的组合形式最小单位是小节。其基本结构不外乎双拍子
或三拍子。应当严格地区分以小节线划分的小节单位和真正的乐句小节单位。前者的长度就
是两条小节线之间的距离； 后者的长度则是有规律地从某一点起到下一小节中相应的那一点
为止。以肖邦的《前奏曲》为例：这里每一个乐句小节在脉动的强度上都显然含有一"起"
一" 伏" ，因此节拍进行的顺序是：弱强弱、强弱强，等等。
B：重音
重音一般分为两大类：
a：力度型或强力型重音
演奏者只需要在所强调的那个音上弹得比后面的音重一些即可， 这类重音总用来表现生机勃
勃的音乐形象。如肖邦的《军队波罗乃兹》就要求在每一小节的第一拍上加一个强有力的力
度型重音。
b：延音型或时间型重音
演奏时可通过延长时值来突出某个音。凡是感情细腻的乐曲用此种重音。
(3) 乐句及其组合：
通常， 一个乐句小节只包含一种音型。而当这一音型与下一小节的音型相接时， 成为一完整
的动机。以肖邦的《前奏曲》为例，两种音型组成一个两小节的动机：
在一首比较复杂的乐曲中， 作曲家通常通过扩展乐句或缩减乐句的手法来打破绝对均衡的乐
句所造成的单调。以舒柏特的《奏鸣曲》第二乐章开始处为例：
这两个乐句都是不规则的乐句。因为每个乐句只有三小节半之长， 而不是通常的四小节。但
是第一乐句省略的仅仅是三个不重要的引子音， 而第二乐句却在音乐进行中过早地删去了一
拍半。
（4） 不规则的重音
使演奏富于变化的一个重要的手段是运用一个特殊重音来与小节中的规则重音相冲突。以莫
什科夫斯基的《玛祖卡》为例第一拍用延音重音， 构成全曲的基本节奏。而在第三拍上则加
上一个力度重音以形成强烈的对比。
A：不规则的节奏
假定规则的节奏是指强拍的时值与弱拍的时值同样长或更长些， 那么显然较长的音出现在弱
拍位置上，这种规律就被打破了。以沙尔温卡的波兰舞曲为例：
为了更加恰当地表现舞曲的特点， 在前两节中这个反常规的重音出现在第二拍上， 在后两小
节中出现在第三拍上。
在节奏强烈的音乐中， 这类长音通常需要用尖锐的重音奏出， 而在抒情的音乐中， 应微妙细
致地处理， 因为延音重音本身的时值就可以产生重音的效果。如舒柏特的《即兴曲》第一拍
的小节重音就比第二拍上较长的音显得格外重要。
B：切分音
长音如紧接在小节音后面出现， 可对这个重音起反射或加强的效果。如舒柏特的《主题与变
奏》
在节奏规整的乐段中，切分是打破音乐单调性的一个好方法。如舒曼的《奇想》
9、音乐感的培养
每个人的先天素质的确有很大差异， 但是通过后天的意识的培养， 勤学苦练， 就会做到有音
乐感的演奏。
（1）创造一个音乐的环境：学钢琴首先要有一个音乐的环境。必须多听，多感受，潜移默
化地接受了音乐的熏陶；逐步对音乐语言、形象、气氛、音色等，有了感性的认识。
（2）注重教材的熟悉和模仿：初学者还应着重对自己所学教材的熟悉和模仿。学生通过熟
悉、模仿，逐步到有自己的独立音乐见解。
10 、提高钢琴演奏的表现力
在各门艺术中， 没有什么比音乐更能直接打动人的内在情感。在人类生活中， 也没有什么比
音乐更能生动地表达人的心声。从某种意义上来说， 我们演奏一首钢琴曲， 不单单只为表现
出音符来， 更重要的是把这首乐曲演奏得有血有肉、有内容有意境， 让人们听了能受到感动
和振憾，产生一种共鸣。
要提高钢琴演奏中的音乐表达能力应注意以下几点：
（1）正确的读谱：
正确的读谱， 音符的正确、节奏的正确是不够的。还有许多重要的标记， 都直接影响对乐曲
的理解、表现对乐曲风格的处理。A 音乐术语：
包括乐曲情绪、表情、音乐的性质、速度等等。这些术语提示初学者，乐曲是欢快的或抒情
的、是快板还是行板或慢板，这直接关系到对整个作品的风格把握。
B 具体的力度标记：
在古典音乐中，一般从pp 到ff 之间就有p、mp、mf 、f 的六个不同层出现。而浪漫乐派及
后期作品从pppp 到ffff ，幅度更加宽。还有sf、sfz 或crese、dim 等等。这些具体的力度
标记，同样关系到了乐曲演奏中音乐的表现。
C 速度的不同变化：
如：放宽(Allargando) 、减慢渐弱(Calando) 、加快(Accelerando) 、逐渐加快(Stringendo)
等等。不同的速度变化直接影响乐曲的效果。
（2）音乐表现力的基本要素：
A 抓住音乐特性是表现音乐的关键：
音乐特性指音乐内容、情绪、形象意境等所决定的音乐的局部特性和总体风格。音乐特性是
音乐的实质， 是领会音乐把握音乐的基本要素。它决定我们用什么方式、什么手法、什么情
感去表现音乐。所以，我们讲表现音乐，首先要把握乐曲音乐特性。
B 分析作品的音乐性质：
音乐是通用的语言， 是可以融入人的情感而存入人心灵之中。在表现某部作品时， 首先要分
清乐曲的特性。可以凭直觉来体验，或是标题、标记来确认，或以分析作品来感觉。分析作
品音乐特性霸王是为通过把握不同音乐特征， 结合自身音乐感觉把作品生动地表现出来。同
时还要掌握一定演奏技巧。只有把音乐目标和技术手段完美结合起来， 我们才会有比较完美
的音乐表演。
11 、个人音乐修养的提高
提高个人修养是提高音乐表现力的前提。要提高音乐表现力， 通过提高个人音乐素养、文化
修养以使更好表达作品是非常重要的。
（1）了解中外文学作品：练习者应多读关于音乐史书籍，了解作品的时代以及特点，了解
作曲家生平、背景。
（2）了解中外文学作品：通过多读中外文学作品开拓思路，提高表达能力。
（3）多看绘画：艺术是相通的，通过多好的作品(绘画)，可以提高钢琴练习者的想象力。
（4）欣赏音乐作品：为开阔音乐视野，应多听音乐会、听音带，珍惜接触音乐的每一次机
会，让练习者提高个人综合素养，有利于提高作品演奏技巧，更好地表达音乐作品。
初学时学《约翰·汤普森》1,2,3,4,5 册并配合《孩子们的哈农》，《拜厄》，这是初学。下
一批就是《车尔尼钢琴练习曲》599,299,849,740 并配合《哈农》《巴赫》（《巴赫》有《巴
赫初级钢琴曲集》《巴赫二部创意曲集》《巴赫平均律钢琴曲集》）和《小奏鸣曲》《莫扎
特钢琴奏鸣曲集》《海顿钢琴奏鸣曲集》《贝多芬钢琴奏鸣曲集》，这是由初等到中等。更
高程度就需要《肖邦练习曲》等了。
钢琴入门基础知识
1、钢琴的基本练法
（1） 钢琴的基本练法就是慢练。
慢练尤如" 大镜"，把乐曲中的一切细节都扩大了。慢练的最大优点是来得及根据视觉，
听觉得到的反馈信息调整和修正缺点和毛病。慢练的方法之一是用节拍器。即使在作品练习
成熟之后，也不应忽视适当得慢速练习。
（2）有计划、有目的地学习：
冰冻三尺， 非一日之寒。练钢琴需要的是持之以恒的态度。钢琴曲目繁多、演奏技法多
样。初学者应制定一个远期学习目标和近期学习计划， 从基础着手， 循序渐进地学习， 才能
目的。
（3）以良好的心态学习钢琴：
学琴过程中， 可能会遇到情绪起伏不的情况。应调节情绪， 适当减轻学习难度， 充分激
发学琴兴趣、缓解学琴紧张感。
2、钢琴弹奏中自然重量的运用
关于自然重量的运用的要求是整只手臂的放松自如， 从肩部的舒展下垂， 到整个手臂的
协调下垂，通过放松灵活的手腕调节，然后由手指把手臂重量传入键盘。
（1）：认识体会到手臂的自然重量
以前倾上身的坐姿， 把两只手臂完全放松地垂下去。此时手臂好像是从肩部自然垂挂下
来的物体。在空气中随意摆动，晃动，而血都涌向了手掌，通向了指尖。体会到手臂的自然
重量后，我们就要把这个自然重量用到弹琴上去。接下来手指就要发挥它的功能和作用了。
（2）：手指要承受并支撑整只手臂的重量
手指的三个小关节微微凸起，尤其是处于手掌部位的指根关节（以下简称"掌关节"）必
须要作为一个力量的支持点。手臂的自然重量落下来， 要求每一个手指都能支撑住。我们用
44371 断奏入门的方法练习： 先分别一个手指一个手指地在钢琴上站好， 结合手臂的自然重
量。经过一个阶段， 在每个手指都能自如地弹出饱满的声音后， 再渐渐进入连奏的练习。进
一步我们就可以调节重量的轻重
3、弹奏钢琴时身体的协调
身体的的协调牵涉到钢琴弹奏的基本坐姿和体位等方面， 开始就要明确， 随着程序的深
化，又要不断发展和更好地运用。
（1）保证身体协调的根本：
保证身体协调的根本是根据自己的身体条件进行调节正确合理的坐姿。随着程度的提
高，对力度、速度、音乐情绪和色彩的变化提出了越来越多的要求， 所以身体的参与和调节
也越来越重要。
（2）坐姿的基本要求：
臀部要稳定而固定地坐在琴凳中部， 为了便于灵活用力， 不要坐满， 坐一半即可。而且
为了照顾到高低音， 要坐在钢琴中部， 不要随意挪动， 而两条腿放在踏板两旁， 在强奏时左
腿可后撤作为全身力量支点。这是坐姿的基本要求。
（3）身体的左右调节：
身体的左右调节主要依据音的高低。以音阶为例， 弱低音区时， 身体重心放到左腿方面
去；弹中音区时，身体重心两面摆平；弹到高音时，身体重心侧往右腿方面。
（4）身体的前后调节：
身体的前后调节可以根据音量的大小、力量的强弱来确定。
4、手指的能力与训练
（1）手指的能力：
手指的能力是指每个手指是否有独立活动的能力， 是否灵活和有力。表现在弹奏上则是
清晰度、均匀度和流畅度。
5、钢琴演奏中的促键：
（1）：指力触键
与前臂肌肉相连的肌腱将手指往下拉， 就完成了下键的动作。当肌腱松会时， 手指和琴
键就回复到原来的位置。
练习方法： 让右手处于正常的弹奏姿势， 手背和腕背几乎在同一水平面上， 手指贴住键
盘，处于C 音到g 音的位置。手腕在抬高和放下的几次动作中始终放松，手指始终贴键，
手指稳固而略呈弯曲。
例一：断奏：每弹一个音符，手指都迅速按下键，并在发出声音的那一刻松开，缩回
到键上。手腕始终保持平稳。
例二： 连奏： 如断奏一样， 每个音都要弹出保持住。手指所用的压力只需阻止琴键弹回
即可。再向下一个音进行时，前臂略向右转动。这样，当一个键松开时，另一个键正好发出
声音。
（2）：手力触键：
手力触键的主要特点是手朝下动作。在各类触键方式中运用最广。手腕的向上弹起的倾
向成为手力触键的一个不可改变的标志。
练习方法： 右手放在铺例一所示的键盘位置上。手腕放松， 手指稳固。拇指举起离琴键
约1/4 寸高，手朝C 音的键上和键里用力，使拇指击下琴键。这时手腕会立即向上拱起1
寸高， 然后立即放松， 回到原来的位置。只样就形成了断奏的效果。左右两手都可以用这个
方式来练习。在每个下键动作中都要强调手腕的向上运动。也可以用同样的方式来练习连奏，
但手朝下面的一个音的方向稍微转动， 手腕每次向上拱起后， 应立即回到原先的位置。手腕
放松和手指稳定是触键中最难达到的要求。手指触键有广泛的用途， 如演奏各种音阶、琶音
以及其他复杂音型的快速乐段等。也常常用在弦及八度的弹奏中。
（3）：臂落触键
臂落触键是突然落下前臂或全臂， 以使所要弹的那个键或那几个键在这个下落动作中被
推下。最终的姿势是如图B 所示的，手和手臂都从键盘上往下垂挂着。臂落触键可以弹出
断奏的效果，只要手指在声音发出后立即放松。臂落触键最好用于音的保持或连奏效果。
练习方法：先抬高手腕以使指尖几乎贴住键盘。然后突然放松手臂。随着手臂的下落，
以便听到所要弹的音。手指按住这个音， 手腕则低于键盘。然后再回到高手腕的姿势， 以便
弹奏下一个音， 在整个练习过程中， 手腕都是放松的。手力与臂落相结合的触键这两种走
势图触键的交替运用在分句表现上极为重要。以带连线的两音音组为例， 先有臂落触键弹出
第一个音， 奠定一个基础， 再由手力触键按所要求的轻巧程度或断奏程度弹出第二个音。每
一组的第一个音用臂落触键（D= 放低手腕） 弹出， 第二个音用手力触键（U=抬高手腕） 弹。
带连线的左右手各自独立的音组可以通过独立使用这两种触键的方法来练习， 对于带连线的
轻巧的音阶，可以臂落触键弹第一个音，让手腕逐渐抬高（手力触键）。当顺势弹完最后
一个音时，手腕便悬在半空中。各种音阶、左右手分开的练习。
注意：拇指总是用臂落触键。其余手指除了弹奏音阶的起始音（无论上行或下行），一
律用手力触键。两种触键的交替使用在八度连奏中应用教多， 在黑键上总是用手力触键， 而
紧跟在黑键后的白键则用臂落触键。
柴科夫斯基的创作深刻地反映了19世纪下半叶处在腐朽的沙皇专制制度下，俄国知识分子对光明的向往，对黑暗现实的苦闷压抑的感受。他善于在矛盾冲突中捕捉人物的思想感情，深入揭示人物的内心体验。他继承了格林卡以来俄国音乐发展的成就；又注意吸取西欧音乐文化发展的经验，重视向民间音乐学习，他把高度的专业创作技巧和俄罗斯民族音乐传统很好地结合起来，他把清晰而感人的旋律，强烈的戏剧性冲突和浓郁的民族风格富于独创性地有机地融合在他的作品中，为俄国音乐文化和世界音乐文化作出了宝贵的贡献。
欢迎分享，转载请注明来源：浪漫分享网
微信扫一扫
支付宝扫一扫
评论列表（0条）