古典芭蕾和浪漫芭蕾的区别?

古典芭蕾和浪漫芭蕾的区别?,第1张

在舞蹈史上,浪漫芭蕾与“古典芭蕾”是两个互有联系又互相区别的概念。严格说来,它们是两个不同的时期:前者指十九世纪初萌芽,三十~五十年代达到高潮的舞剧发展阶段(主要在法国);后者是指十九世纪下半叶,特别是最后二十五年这一舞剧发展时期(主要在俄国)。其次,在浪漫主义舞剧中,刻画非人间的世界、揭示理想与现实生活矛盾的主题占绝大多数,但抒情性仍然是必须强调的侧面;同样,描写民间传说题材,在“古典芭蕾”中,却逐渐形成了气势宏伟的“大型舞剧”这一舞剧样式。以彼季帕为首的编导们创造了复杂的舞蹈结构,独舞和群舞动作的相互配合、图形和节奏的各种变化构成了多种多样的造型主题。正是由于交响音乐家参加创作,舞剧才终于从单一的浪漫芭蕾的“舞蹈戏剧结构”真正“进化”成了“音乐舞蹈戏剧结构”。

一、“开”

指的是芭蕾舞者,均需要从肩、胸、胯、膝、踝五大关节部位,左右对称的向外打开,或向两侧打开,尤其是两脚应该向外打开180度。它的艺术特征主要表现在:延伸身体线条、扩大表现空间、增强运动的灵活、保持身体的平衡、提高艺术性、炫耀贵族的气派。

芭蕾作为一种概念性和抽象性为审美特征的表演艺术,许多动作的运动方向都是与舞台平行的,而向两侧打“开”双脚则能更有效的扩大体重在运动中与地面接触并达到平衡的面积。一旦他们肢体原有的线条得到了充分的延长,动作范围得到了空前的扩展,表现力也就自然会变得格外丰富。

二、 “绷

 指的是芭蕾舞者,均需将肢体各个部位“绷”起来,尤其是腿脚上的膝关节和踝关节,以及脊椎和颈椎诸关节。才能在观众的视觉中有效地延长肢体原有的线条,产生形体美和肌肉美的审美感觉。

三、“直”

指的是芭蕾舞者,均需要使背部像门板似的向上挺直,达到健美挺秀的艺术境界。“直”不仅仅是体现在身体的直立,还体现在动态之中的身体保持的直立状态,垂直性是芭蕾舞许多整套动作技巧的主调。

四、“立”

指的是芭蕾舞者,均需要使头颈、躯干和四肢作为一个整体,在静态的舞蹈时要表现傲然挺立、气宇轩昂的稳重状态,而在动态舞蹈时既要稳重流畅,又要在停止时挥洒有力,稳重如山。

扩展资料:

一、风格流派

自意大利文艺复兴以来,芭蕾舞的风格就一直在发展。早期,古典芭蕾舞主要是因为地域起源的不同而产生变化的,例如俄罗斯派、法国派及意大利派。后期的变化则分别包含了古典芭蕾舞及非传统技术及舞姿,如当代芭蕾舞及新古典主义芭蕾舞。

最为人熟悉及最常演出的风格则是浪漫芭蕾,它是一种以女舞蹈员及脚尖技术为中心的古典风格,以流畅及准确的舞姿见称,时常用来象征女舞蹈员穿着短白色芭蕾舞裙的形象。

二、浪漫芭蕾

浪漫芭蕾指十九世纪早至中期出现的芭蕾舞风格,该时期的舞剧以强调强烈的情感的主题为中心,作为一种美学经验。那些舞剧的剧情围绕女性的灵魂形态,如仙子和鬼等俘虏到了世俗男子的心。人们普遍认为1827年的舞剧《仙女》和1870年的舞剧《柯碧莉亚》分别是浪漫时期的开始和终结。

三、古典芭蕾

古典芭蕾是基于传统芭蕾技术及词汇之上的。有不少古典芭蕾的风格和它们起源的地方息息相关,如俄罗斯派、法国派及意大利派。而有些古典芭蕾的风格是和特定的培训方式有关的,并会以它们的创建者来命名,如以意大利舞者恩利可切凯蒂命名的切凯蒂法及以俄罗斯女舞者阿格丽皮娜瓦嘉诺娃命名的瓦嘉诺娃法。

四、新古典主义芭蕾

新古典主义芭蕾使用了古典芭蕾舞的技术和词汇,但在使用抽象概念时和古典芭蕾不同。它没有具体的情节、戏服和情景,使用的音乐素材广泛,常使用新古典主义音乐,如斯特拉文斯基及魏本的作品。由于正式规格和叙事式情节不再是必须的,新古典主义芭蕾在空间运用、编舞设计结构上也有更多可能性。

《从珀蒂珀到巴兰钦》的作者蒂姆绍尔认为,乔治巴兰钦在1928年所创作的《阿波罗》是第一部新古典主义芭蕾舞剧。它回应了谢尔盖·佳吉列夫抽象的舞剧,象征了形式的回归。巴兰钦往后和现代舞编舞家玛莎·葛兰姆共事,增加了对现代舞技巧与概念的认识,并把现代舞者如保罗泰勒等带进了他的纽约市芭蕾舞团。

泰勒更在1959年出演了巴兰钦所创作的《序曲》。

除了巴兰钦,还有不少人对这个风格的发展作出了重大的贡献。如弗雷德里克·阿什顿在1946年创作的《交响乐之舞》就是他重大的一部作品,舞者穿着白色短上衣上演该剧,并配以非常少的抽象舞台设计及情节。

这部和作曲家法朗克作品同名的舞蹈作品,是对以纯粹的舞蹈对该乐曲所作的诠译,并加入了阿什顿的典型风格。

与此同时,现代芭蕾舞也从新古典主义芭蕾舞中分支了出来,先行的革新者包括了泰特利葛兰、罗伯特·乔佛里及阿匹诺杰拉德。

虽然现代芭蕾舞和新古典主义芭蕾舞难以分辨,现代芭蕾舞编舞家相比起芭蕾的雅致而言,更着重体育运动的元素。它对表现舞者的体形更为大胆,配以更强烈的主题、气氛和音乐。如乔佛里在1967年创作的《亚斯塔蒂》,就起用了摇滚音乐及具性意味的编舞。

五、当代芭蕾

当代芭蕾容许任何风格对使用芭蕾舞技巧的作品作出影响。只要有明显的古典芭蕾舞基础,它就能糅合不同层面的美学,包括现代、爵士、通俗或道德等形式。正因如此,它为创新的尝试、探索提供了空间。

当代芭蕾和当代舞的分别在于,演出当代芭蕾必须先接受芭蕾舞训练。同样,它和新古典主义芭蕾舞及现代芭蕾难以区分,如萨普在1973年为杰弗瑞芭蕾舞团创作的作品《平分双门轿跑车》。

剧中萨普安排一名穿着白衣的芭蕾舞者向她介绍芭蕾舞动作词汇的同时,穿着便服的舞者穿着足尖鞋、袜子或球鞋表演不同风格的舞蹈,并配以摇滚乐团海滩男孩的音乐。

在八十年代,威廉・弗西斯以一系列的作品为当代芭蕾作出了重大的创新改革,包括了1987年的《多少悬在半空中》。这部作品展示出强劲的体育运动色彩,并使用了电子音乐。弗西斯把古典芭蕾舞词汇加以夸饰,并把舞蹈动作的幅度加快、加大及增加不同的移动方位。

许多当代芭蕾的概念都是来自二十世纪现代舞的意念和创新的,包括躺坐在地板上的动作及腿部的向内转。当代芭蕾不时以赤脚表演,亦可能包含戏剧、哑剧及伴奏,其中伴奏大多是管弦乐,也有少量以声乐为主。

纽约市芭蕾舞团的创团总监乔治巴兰钦对新古典主义芭蕾作出了前瞻性的发展,因此常被视为当代芭蕾的先锋。另一位当代芭蕾的编舞家萨普,则于1976年为美国芭蕾舞剧团创作了《危急关头》,并在1986年为自己的舞团创作了《In The Upper Room》。

这两部作品都因为结合了特别的现代舞舞姿、足尖鞋及在古典芭蕾舞流派受到训练的舞者而被评为创新。

现在仍然有不少当代芭蕾舞团及编舞家,例如阿隆佐·金和他创立的芭蕾舞团、马修·伯恩和他创立的New Adventures芭蕾舞团、Complexions当代芭蕾舞团、杜瓦托和他创立的西班牙国家现代舞团、威廉·弗西斯和佛赛舞团、以及荷兰舞蹈剧场的基利安。

传统上表演古典芭蕾舞的剧团也会定期上演当代作品,如马林斯基芭蕾舞团和巴黎歌剧院芭蕾舞团。

“芭蕾舞”这个词汇逐渐进化至能够包含任何一种和它相关的形式。舞者需要同时能够演绎古典、新古典主义、现代和当代作品。他们要优雅庄严地演绎古典作品,自由抒情地演绎新古典主义作品,并时而保守时而奔放地演绎现当代作品。

芭蕾舞的发展延伸广阔,有时和其他舞蹈的界别会变得模糊,但会保留一定的芭蕾舞技巧元素。

这篇关于少儿芭蕾知识:芭蕾舞的衣着分类,是 特地为大家整理的,希望对大家有所帮助!

古典式芭蕾舞衣

 裙子的长度,不超过膝盖,是短式的,不过袖子有无袖的,长袖的,灯笼袖等

 1、纯白色古典芭蕾舞衣

 例如"天鹅湖"中的白天鹅

 2、 全 黑 或 鲜 红

 前者例如"天鹅湖"中的黑天鹅

 3、灯笼袖配背心

 例如"柯贝莉亚"第二幕中史瓦妮达所扮演的娃娃—柯贝莉亚

 4、长袖配背心,以亮珠刺绣装饰之

 5、上下色彩不同的芭蕾舞衣

 浪漫派芭蕾舞衣

 它的裙子几乎到脚踝附近,成吊钟型,有无袖的,灯笼袖的颜色有白色的,淡色的,淡紫色等。

 1、灯笼袖的浪漫派芭蕾舞衣

 例如"四人舞""玫瑰花精"。

 2、扮妖精时,在手臂上或肩上加薄纱的衣饰 例如"吉赛尔"第二幕,"仙女"舞剧

 3、村姑式舞衣

 背心加灯笼袖,腹部上面配上可爱的图案,例如"吉赛尔"第一幕,"柯贝莉亚"第一幕,"风流女儿"舞剧。

“浪漫芭蕾”也称为()。

A“白裙芭蕾”

B“空中芭蕾”

C“童话芭蕾”

D“优雅芭蕾”

正确答案:“白裙芭蕾”

十二星座芭蕾舞鞋和裙子

十二星座芭蕾舞鞋和裙子,星座美眉们都有自己喜爱的舞鞋及舞裙,这是属于每个她们的梦,不同的舞裙也能体现不同的气质,下面我们来看看,十二星座喜欢哪些漂亮的舞裙吧!十二星座芭蕾舞鞋和裙子。

十二星座芭蕾舞鞋和裙子1

白羊座

白羊座爱自由,善于冒险,是个不折不扣的好奇宝宝。单纯直接的她们对朋友绝对忠诚,热情似火的羊儿们喜欢的芭蕾舞裙自然也要够热情!

《唐吉柯德》火红色的芭蕾舞裙就是羊羊的专属舞裙啦!

这种早期芭蕾舞裙有紧贴的上衣身,下接过膝的钟形褶裙,裙部以数层薄纱裁制,便于演员展现大跳等舞姿,被称为浪漫主义芭蕾舞裙。

金牛座

都知道金牛座比较保守,能够面对现实。但有时候也会多愁善感,害怕失去。低调务实的性格让牛牛们在选择芭蕾舞裙上也会选择比较传统、低调优雅的类型。

《睡美人》中奥罗拉这套粉色的裙子是牛牛们的最爱了!

1880年,芭蕾舞裙缩短,露大腿,其裙部由6层以上的丝绸绉褶构成,上连在相应尺寸的背心上,被称为芭蕾短裙(tutu),成为芭蕾舞标准裙。

双子座

喜欢变化的双子座,天生爱自由不受拘束。充满理性却又好动,敢爱敢恨的性格让双子像一颗闪闪发亮的绿宝石,很难不被感染并且喜欢上。

《珠宝》里绿宝石的裙子也许更适合双子的性格哦!

这件舞裙是高定时装设计师ChristianLacroix为巴黎歌剧院芭蕾舞团专门设计。被誉为“巴黎征服者”的Lacroix,极尽奢华浪漫,色彩绚丽浓郁,彷佛每一件衣服都是一场盛大的戏剧。看一场高定在舞台上翩翩起舞还真有种奢华的感觉!

巨蟹座

巨蟹座对吃的很专一,妥妥的小吃货一枚呢~爱幻想又浪漫体贴的巨蟹宝宝,最适合羽毛样式芭蕾舞裙,给人一种轻盈的感觉。

巨蟹宝宝的专属芭蕾舞裙就是《睡美人》当中紫丁香仙女穿的那套惊艳的舞裙啦!

《睡美人》紫丁香仙女的tutu裙,一条美出天际的裙子,裙摆由渐变的幻紫色花瓣组成,每片花瓣上还藏着一颗像晨露一样的珍珠。

处女座

比较爱挑剔的处女座天生就是个完美主义者,沉着冷静,喜欢高级美,可以说是“淑女”的代言人。所以,处女座宝宝喜欢的芭蕾舞裙自然也要完美无瑕!

《天鹅湖》中白天鹅这身经典的芭蕾舞裙是处女座们的心头好!

说起芭蕾舞,人们第一时间就会想到柴可夫斯基的《天鹅湖》,其中的古典tutu裙,也最为大家熟悉。

在《天鹅湖》第二幕中,公主奥杰塔和天鹅们穿着的就是白色的classicaltutu。

狮子座

霸道且温柔的狮子座,有着双重性格。天生有领导风范,走在人群中一眼就可以被识别出来,很有王者气息。

狮子座的专属舞裙很霸气有没有?宫廷复古风,华丽丽的'皇家既视感!

天秤座

自律又有耐心的天秤座,是天生的乐观派,心大爱笑,就像一朵向阳盛开的向日葵。

《舞姬》当中的甘扎蒂公主这款明**的芭蕾舞裙其实更适合乐观积极的天秤宝宝们呢。

天蝎座

外表神秘、内心柔软的天蝎座,其实是缺乏安全感,容易受伤。所以蝎子们会选择用看起来“神秘邪恶”的外表来武装自己,假装坚强。

不用多说,没有比《天鹅湖》黑天鹅的芭蕾舞裙更适合蝎子们的了~

魔王的女儿奥吉莉娅穿着的是黑色的classicaltutu,黑白色的对比也凸显出奥杰塔的纯洁和奥吉莉娅的邪恶。

射手座

射手座的女生热情善良而又充满理性思维,最主要的是平易近人。喜欢走运动路线的她们,看起来健康又带有一丝性感和魅惑。

《舞姬》中女主健康又带有异域神秘色彩的芭蕾舞裙会是射手女孩儿们的最爱!

摩羯座

外表冷漠,内心火热,心思敏捷的摩羯座最大智若愚。冷静沉着的性格让摩羯们一直充当着我们身边那个温柔大方的暖心**姐角色。

《仙泉》这款干净大方的芭蕾舞裙是摩羯座的专属,看上去很仙呢!

水瓶座

被称做“外星人”的瓶子大胆前卫,有自己的一套时尚见解。水瓶看起来高冷不容易相处,实际上却是最心地善良、单纯的宝宝了。

如果非要选一款水瓶座的专属芭蕾舞裙,我推荐《仙女》这件唯美又仙气的白纱裙,比较符合水瓶座空灵的气质。

《仙女》首演时第一次采用足尖鞋和长长的白纱裙,开启了浪漫主义芭蕾的新时期,因为《仙女》白色轻盈的舞裙,所以浪漫主义芭蕾也被成为“白色芭蕾”。

这件舞裙上半身为露颈的紧身胸衣短而夸张的泡泡袖,胸前佩戴一朵小花,下半身的裙子像一朵倒置的、半盛开的花朵,长度到脚踝以上,膝盖以下,背上装点着白纱制成的小翅膀,整件舞衣用多层纯白的绸布与薄纱重叠制成,质地柔软,飘逸,成为芭蕾浪漫时期的典型舞裙。

十二星座芭蕾舞鞋和裙子2

1、白羊座

白羊座的专属芭蕾舞裙是一款白纱的舞裙。白羊座的人是一个对待自己相当严格的人,自信独立的气质在他们的身上能够展现出来,同时也是一个勇敢,有谋略,天生就是勇者。

2、金牛座

金牛座的专属芭蕾舞裙是一款白色的气质裙。金牛座的人不善于创新,不爱变通,这是一个执念很重,在理财上有着自己独特的见解的人,是一个天生敏感型的人。

3、双子座

双子座的专属芭蕾舞裙是一款孔雀裙。双子座的人想法比较多,这是一个眼高手低的人,比较恃才傲物,时常会让身边的人觉得非常的不愉快的感觉。

4、巨蟹座

巨蟹座的专属芭蕾舞裙是一款吊带蓬蓬裙。巨蟹座的没什么主见,他们不善于表达自己的内心想法,是一个总是把自己的心里话藏着心里的人,比较恋旧。

5、狮子座

狮子座的专属芭蕾舞裙是一款泡泡袖裙。狮子座的人他们观察力很强烈,是一个善于去发现的人,他们喜欢在人群中突出,为人热情大方。

6、处女座

处女座的专属芭蕾舞裙是一款粉色吊带裙。知性的处女座,这是一个做事不慌不忙,不急不躁的人,做事懒散,没有规划性,没有什么主观意识。

7、天秤座

天秤座的专属芭蕾舞裙是一款长纱裙。天秤座的人温和儒雅,这儿是一个优雅的人,他们在外表上还是很注重的,不喜欢让自己邋邋遢遢的感觉。

8、天蝎座

天蝎座的专属芭蕾舞裙是一款大长摆裙。天蝎座的人比较小心眼,倘若你惹怒了她们,这个星座的人会很记仇,会把这件事情放在心里,再合适的时间,给你一击,还是很狠的人。

9、射手座

射手座的专属芭蕾舞裙是一款红色的仙女裙。射手座的人重情义,这是一个有着敏锐直觉的人,同时,射手座的人她们待人十分友善,身边的朋友很多。

10、摩羯座

摩羯座的专属芭蕾舞裙是一款黑色半身裙。摩羯座的人表面很冷淡,但是内心很火热的人,热情的她们,愿意去帮助别人,喜欢帮助别人后的那种自豪感。

11、水瓶座

水瓶座的专属芭蕾舞裙是一款双层的飘逸感的裙子。水瓶座的人性格比较矛盾,时好时坏的,有着很强的戒备心,不会随意的与人推心置腹的交谈,他们害怕自己被别人了解透彻。

12、双鱼座

双鱼座的专属芭蕾舞裙是一款天鹅湖裙。双鱼座的人内心单纯,对人没有过多的防备心,也正是因为她们的单纯,让她们遭受到伤害,认人不清。

 学习芭蕾不仅是一种艺术,能养成孩子轻盈优雅的艺术气质。下面是我为您收集整理的 芭蕾舞 的风格流派简介,想了解的可以看看哦!

 戏剧芭蕾:

 戏剧芭蕾是表现一些情节的舞蹈。它的代表作舞剧《巴赫奇萨拉伊水泉》是成功的范例。《巴赫奇萨拉伊水泉》,我们也可以称它为《泪泉》,是根据普希金的长诗改编的。中央芭蕾舞团在前不久,在10月12号刚刚公演过这部舞剧。

 四幕舞剧《巴赫奇萨拉伊水泉》最早的作曲是阿萨菲耶夫,编剧是扎哈洛夫,是在列宁格勒的舞剧院上演的。这部作品是作曲家、舞台台本和编舞家合作的结晶。舞剧主要表现的就是普希金原作的主题,反映一颗野蛮的心灵通过崇高的爱情而再生。特别值得推崇的是第三幕中的玛丽亚、扎列玛和吉烈伊,也就是能相王三个人的情节舞,这是当时非常典型的一个三人舞。对玛丽亚角色的

 创造,成为乌兰诺娃在芭蕾史上的一个里程碑。她曾经说过,在演完《泪泉》之后,我不得不重新审视自己的旧作,接触了伟大的普希金的作品之后,我现在不能再像从前那样单纯地跳舞了,我永远要将一颗活生生的心灵,放进舞剧舞台上出现的人物形象,这就是乌兰诺娃享誉世界的主要原因。因为芭蕾不仅是看胳膊腿,主要是看她对音乐的理解和对人物的理解。

 在20世纪20年代舞蹈界纷纷向话剧界学习,当时话剧界的代表是以艺术剧院斯坦尼斯拉夫斯基体系为主的。斯坦尼斯拉夫斯基曾经说过,一个演员只有当他具有丰富的表现力、美丽的外形,把思想和情感融合起来,并提高到极度兴奋的时候,才能深深地感动观众。

 浪漫主义芭蕾:

 18、19世纪之交,在欧洲和北美兴起一股新的文艺思潮,就是浪漫主义运动,芭蕾是当时浪漫主义的一部分。浪漫主义的芭蕾舞剧变得更富有诗意,能够更直接、更深刻地调动观众的感情。这种诗意更浓的舞蹈风格之所以能够蓬勃

 地发展,很大程度上归功于舞蹈技术,特别是取决于女演员能立起脚尖了。

 据舞蹈史专家们考证,在芭蕾史上,女演员穿脚尖鞋最早产生于1822到1825年。意大利的演员玛丽·塔里奥尼是第一个运用脚尖舞闻名世界的芭蕾大师。玛丽·塔里奥尼的从事芭蕾舞的父亲,根据她的体形和能力,为她编排了一个舞剧,这个舞剧我们芭蕾舞团曾经上演过,叫《仙女》,这是两幕的一个舞剧。塔里奥尼在这个舞剧中,运用了脚尖舞成功地塑造了好像飞起来的仙女的形象。后来的人争相效仿,脚尖舞从此成为女芭蕾舞演员表演不可缺少的一部分。

 同时被称誉的还有塔里奥尼的舞裙。这是条充满浪漫主义风格的舞裙,外边是用绸子,里面是用很多层薄纱做成的,它的样子像一口吊钟。这种质地使得她跳起舞来显得非常的柔软,特别飘逸,整个服装的上身是要显露她的细腰,紧身的胸衣露出了她的脖子,袖子短而宽,露出了她的两臂,裙子长过膝盖,但要露小腿。除了胸前佩戴着一朵小花外,衣服上没有过多的装饰,后背装点着用糠的白纱做的两个小翅膀。这些舞蹈服沿用至今,它象征着一个飞翔的仙女,成为浪漫主义芭蕾的象征。欧洲人把这类作品,通通称为mite芭蕾,就是白色的芭蕾,把它看作一种特殊风格的舞蹈。

 在同一个时期,另一个代表作就是《吉赛尔》。我团有时候到外地演出,很多人以为《吉赛尔》是吉普赛的故事。实际上它是18世纪浪漫主义时期的一部非常有名的代表作。在西欧芭蕾史上它起了非常重要的作用。该剧的第一幕表现的是吉赛尔发疯的过程,第二幕是表现维丽斯女鬼的舞蹈,分别是当时的情节芭蕾和交响芭蕾的交融。《吉赛尔》中有一个动作,手交叉在胸前,据洛普霍夫分析,这个舞姿来自古老的异教葬礼。当时,人们把死者的双手交叉地安排在胸前,于是舞蹈家们就把这样的一个姿势,很容易地安排在一个幽灵的身上了。所以,在我们的芭蕾哑剧动作里面,这就表示一个死者的样子。

 芭蕾舞剧《吉赛尔》代表着浪漫主立芭蕾鼎盛时期的最高成就。吉赛尔这个角色被作为考验女舞蹈家演技是否成熟的试金石,要演好这个角色,必须有非常高的表演水平。在第一幕中吉赛尔是一个纯情的农村少女,乔装打扮的伯爵阿尔伯特到农村来狞猎,把她迷恋住了,她非常爱阿尔伯特,但是当她得知受骗之后,她发疯而死。在第二幕里,吉赛尔仍然怀念着阿尔伯特,这时的她是一个柔情缠绵、不忘旧情的冤魂。这样塔里奥尼和扮演吉赛尔的格里奇以其高超的演技,成为了当时芭蕾的真正女皇。这两部舞剧都是18世纪的代表作。

 俄罗斯芭蕾:

 下面我比较着重地介绍一下俄罗斯芭蕾。众所周知,俄罗斯芭蕾现在在世界上仍然占据着顶尖的位置。那么17世纪下半叶芭蕾是怎么传到俄罗斯的呢当时俄罗斯的使臣到西欧,见到了这种席间芭蕾的形式,特别欣赏,就把它引到了俄国。由于芭蕾没有台词,只有音乐、舞蹈和哑剧,通俗易懂,所以很快就传播开了。到了彼得大帝执政的时候,俄国贵族已经完全掌握了这种欧洲贵族的舞蹈。

 法国芭蕾舞蹈学校成立之后的25年,也就是1738年的时候,俄国成立了第一所舞蹈学校一一瓦冈诺娃舞蹈学校,这所学校现在仍然在圣彼得堡。我们中央芭蕾舞团的原苏联专家便全部来自这所学校。这所学校为全世界的芭蕾舞团培养了无数的明星,乌兰诺娃就是从那儿出来的。在促进芭蕾发展这方面,应该说俄国起了非常大的作用。

 除了本民族的 编导 之外,19世纪的中下叶还有一批法国人应聘到俄国来工作,这些人对俄罗斯的芭蕾起到了不可磨灭的作用。几年前,法国巴黎歌剧院芭蕾舞团在人民大会堂演《吉赛尔》的时候,我曾经上台问过他们,得知他们的

 布景、绘画全部来自于俄国,由此可以看到俄国和法国在芭蕾事业中是如何在联手做着贡献的。那么谁比较有名呢我下面就特别介绍一下彼季帕。

 玛丽乌斯·伊凡诺维基·彼季帕是所有来俄国工作的外国人中,对俄国芭蕾贡献最大的一位。我讲一个笑话,今年6

 月份在美国杰克逊的国际芭蕾舞比赛中,每天晚上的规定项目,都要报"编导彼季帕"。有一天因为要比赛现代舞了,

 所以当时主持人非常幽默地说,今晚我们再也昕不到彼季帕的名字了。由此可见彼季帕在芭蕾舞史上的重要地位。彼季帕担任了圣彼得堡马林斯基剧院的舞蹈总编导。他排了舞剧《堂·吉词德》,作曲是明库斯。他用塞万提斯的文学原著,保存了《堂·吉词德》的外壳作为古典遗产,把主要有价值的东西都编成了一种浓郁的西班牙风格的舞蹈。其中第四幕里男女主角的婚礼双人舞,到现在在国际比赛中都得到了保留。

 明库斯的音乐采用的是一组西班牙的民间旋律,以及华尔兹、波尔卡等,这使他的音乐显得流畅,而且适合舞蹈,旋律特别丰富。在1877年,彼季帕又排出了另一部力作《舞姬》,也是明库斯作曲。这部舞剧取材于印度古代寺庙中舞姬的生活,和当时巴黎歌剧院上演的《沙恭达罗》基本上异曲同工。在这部作品中彼季帕又充分显示了他的编舞才能,特别是所编的古典双人舞和群舞更为突出。群舞是在第四幕"影子王国"中,32个演员要在舞台上表演出整齐划一的舞蹈动作,彼季帕的编导使这个群舞十分完美。

 在介绍了以上人物之后,我想介绍一下柴可夫斯基和他的三部芭蕾舞剧。中国的观众对柴可夫斯基非常地了解,那么柴可夫斯基的三大芭蕾作品是什么呢一个是《天鹅湖》,一个是《睡美人》,一个是《胡桃夹子》。柴可夫斯基最早的一部舞剧是《天鹅湖》,他的第一次音乐创作是在1876年。由于当时一个奥地利编导在编这个舞剧的时候,非常不理解柴可夫斯基的音乐,也不理解他的这种民族风格的实质,所以在1877年首次公演的时候惨遭失败。这伤透了作曲家的心,他表示再也不为舞蹈作曲了,所以这部天才的舞蹈音乐长期得不到应有的重视。直到这部音乐诞生18年之后,也就是1894年作曲家逝世一年之后,俄罗斯的马林斯基剧院才决定排它的第二幕,作为纪念作曲家逝世一周年的作品。没想到,这次演出大获成功,这个编导就是在俄罗斯享有盛名的伊凡诺夫。伊凡诺夫对于柴可夫斯基的音乐有着相当的理解,而且对他的交响性和音乐都做了很好的处理。当然了,当时的观众,就是说事隔18年之后的观众对柴可夫斯基的音乐又有更深刻的理解了。

 伊凡诺夫在剧中用了一个典型的天鹅的动作即手的动作,把《天鹅湖》第二幕的表演动作固定下来了。一年之后,也就是在1895年1月15日,《天鹅湖》全剧正式公演了。当时的编导有两个人,一个是伊凡诺夫,一个是彼季帕。伊凡诺夫和彼季帕的编导风格不同,两个人一个编一、三幕,一个编二、四幕,把两个编导的不同的风格都表现出来了。他们的这些巨作,使得俄罗斯的芭蕾从继承了浪漫主义的传统之后,又成了通向20世纪未来舞蹈的桥梁。

 我再讲一下《睡美人》。《睡美人》是当时马林斯基剧院的院长为再现路易十四法国宫廷的风采而写的一个剧本。他还亲自为该剧设计了服装。1888年5月,院长致函柴可夫斯基说,我根据佩罗的童话,构思了这样一个《睡美人》的台本,希望舞台调度是路易十四风格的,在这里音乐想像大有作为,如果您觉得合适,为什么不着手写音乐呢最后一幕应该有穿耽子的公猫、拇指小孩、灰姑娘等等。正是童话的诗意吸引了柴可夫斯基。1889年7月25日,柴可夫斯基在致梅克夫人的信中写到,"情节是这么地富有诗意,音乐是这么地崇高,我迷恋他们的创作,写得饶有趣味,并且满怀热情,这一切都是写好作品的前提"。而且,柴可夫斯基在致出版家尤根松的信中指出,"要知道,舞剧同样也是交响乐啊"。我为什么引用这句话呢就是说欣赏舞剧的过程,实际上也是欣赏交响乐的一个非常好的机会。

 《天鹅湖》、《睡美人》和《胡桃夹子》奠定了俄罗斯芭蕾的基础。到了20世纪初,另外两个俄国人成就了芭蕾的命运,并且影响了全世界的芭蕾。他们就是福金和谢尔盖·巴甫洛维奇·佳吉列夫。

 佳吉列夫是一个深通绘画、音乐、戏剧的具有管理才能的艺术活动家,但是他并不会跳芭蕾舞。他凭借着自己的文化修养、交际手段和与上层的关系,开始组织了俄国的演出季,带领了一批俄罗斯的艺术家到国外演出。他在法国巴黎的沙特蕾剧院彩排,吸引了巴黎上流社会的精英。当时参加盛会的有雕塑家罗丹、作曲家拉维尔和圣·桑、舞蹈家邓肯。直到1929年佳吉列夫去世后,他所得到的评论都是有关俄罗斯的演出季的盛况,他对全世界的芭蕾艺术产生了不可低估的影响。此后,大批的美术家、作曲家和他的舞蹈团合作,青年时期的毕加索为他们设计过服装,德彪西、拉维尔为他们作过曲。当时他们团里的一个演员,也同时兼任编导的乔治·巴兰钦后来成为美国芭蕾舞的创始人之一。

 当时他们团里还有一个著名的演员,就是尼金斯基。著名的法国雕塑大师罗丹说,尼金斯基是能在舞蹈中表现人类心灵的不多的几个人之一。佳吉列夫用高薪雇佣了尼金斯基,让福金为他专门编排了一些舞剧和舞蹈,在演出季中倍受欢迎。尼金斯基的代表作是《玫瑰花的精灵》和他用斯特拉文斯基《春之祭》的音乐编的芭蕾,在20世纪中叶的芭蕾艺术中闯出了一条新路。同时,尼金斯基极大地丰富了俄罗斯男子的舞蹈,到现在为止俄罗斯男芭蕾演员的技巧在世界上也是首屈一指的。

 欧美芭蕾:

 从19世纪末叶起,西欧各国的芭蕾舞剧普遍地衰落,成为歌剧的附属品。舞蹈团编制一般都缩小,新作很少,而且都是神幻的或者元聊的消遣品。

 20世纪初,佳吉列夫芭蕾舞团俄罗斯演出季在巴黎、伦敦、纽约、罗马等地巡回演出之后,激发了欧美各国有识之士的热情,推动他们致力于本国芭蕾的复兴。与此同时,现代派的舞蹈也成为一支足以和古典芭蕾争奇斗艳的新军。两方面的艺术家相互补充、相互学习,因此,现代芭蕾也可以称为摩登芭蕾。这个新舞种应运而生,并且逐渐占领了欧美大部分剧场的舞台。他们的创作原则、审美理想和训练体系往往给古典芭蕾界人士有益的启迪,从而各自推出了自己的力作。正因为如此,20世纪的芭蕾舞台出现了繁花似锦、百花争艳的局面。

 几个大的芭蕾强国是英、美、法、德等。代表英国芭蕾水平的是英国皇家芭蕾舞团,其代表人物是大家熟悉的玛戈·芳婷女士,还有著名的编舞家阿代顿、肯尼斯·麦克米伦先生。英国芭蕾舞的起源要归功于三个舞蹈家:一位是热奈,一位是德·瓦鲁娃女士,一位是兰伯特女士。最早来到中国演出的就是兰伯特芭蕾舞团。著名舞蹈家玛戈·芳婷是出生在上海的英国侨民,她一生创造了很多很多非常美好的角色和芭蕾人物。而麦克米伦先生的代表作则是根据小说改编的大型芭蕾舞剧,如《曼侬》和《梅亚林》,对国际芭蕾界乃至中国都产生了相当大的影响。

 美国有大小不一的非常多的芭蕾舞团,但是最有影响的一个是美国纽约市立芭蕾舞团,另一个是美国大剧院。纽约市立芭蕾舞团,我想在这里特别提一下,因为它是由企业家、舞蹈家和音乐家组成的。提到美国纽约市立芭蕾舞团,最早可以谈到这么一个人,就是林肯·科尔斯坦,他是美国芭蕾的杰出组织者,他和我刚才谈到的美籍俄裔的乔治·巴兰钦一起创办了美国芭蕾舞学校,并创办了美国纽约市立芭蕾舞团。而科尔斯坦实际上一直是纽约芭蕾舞团的团长,在剧目政策、办团方向和引进编导、表演人才上起了决定性的作用,同时他还是一个很好的评论家。

 正如乔治·巴兰钦本人说的,因为他是在俄国接受的训练,俄国训练芭蕾舞演员特别强调他们对音乐的理解,他们都会弹钢琴。乔治·巴兰钦在美国发展他的芭蕾舞的时候,就很重视和音乐家的结合,直接表现就是和斯特拉文斯基的关系非常的密切,他所强调的是通过人体形象的美来表现音乐。因此,从他以后形成了交响芭蕾这样一个风格,在现代主义和后现代主义时期都取得了独树一帜的辉煌成就。

 而美国大剧院主要的贡献,是造就了罗宾斯、安东尼·图德等杰出人材。安东尼·图德是当代美国编舞大师之一,他是心理芭蕾学派的奠基人,他本人并没有学过芭蕾,但是他可以编很多舞,他的代表作叫《紫丁香花园》。

 再一个芭蕾强国就是法国。法国巴黎歌剧院的创始人是里法尔。在这里,我们想提一下离开俄罗斯到法国和英国的一代芭蕾大师鲁道尔夫·纽里耶夫。由于当时苏联的情况,有三个著名的芭蕾艺术家出走到西方,一个是纽里耶夫,一个是玛卡罗娃(女),一个是巴瑞什尼柯夫--可能很多人都看过**《白夜》、《转折点》,就是巴瑞什尼柯夫演的。随着他们三个人到西方去,西方芭蕾得以重振,而且西方芭蕾开始和俄罗斯芭蕾交融,把他们的优点都结合在一起了。

 这里提到的鲁道尔夫·纽里耶夫,在1985年曾经到中央芭蕾舞团来,给我们排练了《堂·吉词德》的全剧。当时正是中央芭蕾舞团的鼎盛时期,当时的主要演员,现在已经成了剧团的芭蕾大师。

 谈到欧洲的舞蹈,我要特别介绍一下德国。德国有两个著名的芭蕾舞团,一个是汉堡芭蕾舞团,一个是斯图加特芭蕾舞团。其实,德国17世纪就有过效仿法兰西和意大利的芭蕾演出,这曾经是王公贵族的一种消遣,大部分都邀请外国的演员参加。到了18世纪中叶,德国进行了芭蕾舞的改革,情节芭蕾走上了舞台。20世纪,德国芭蕾受到了邓肯、拉班等现代派风格的影响,就明显具有了现代主义的特色。

 在联邦德国,斯图加特和汉堡成为两个芭蕾的中心。大家在北京看到的有根据俄罗斯著名的诗体小说改编的舞剧《奥涅金》,还有根据莎士比亚的作品改编的《驯悍记》,其编舞者,都是约翰·克兰科。克兰科是一位才华横溢的导演,可是他在46岁时就因病去世了。但是,他留给后人的情节芭蕾和戏剧芭蕾及通过小说改编的芭蕾,给人们留下了非常深刻的印象。我们芭蕾舞团的《林黛玉》、《祝福》等中国的芭蕾,也是受了斯图加特这些舞剧的影响。

 中国芭蕾:

 下面我就非常简单地介绍一下中国的芭蕾。

 20世纪20年代一些外国侨民在上海、哈尔滨、天津等城市,开始教授芭蕾艺术,都是私人的家教。后来,中央芭蕾舞团的艺术指导戴爱莲女士到英国学芭蕾,回到中国后,把芭蕾舞带到中国。但是当时中国人刚刚解放,接受不了芭蕾,当时所说的"大腿舞满台跑,工农兵受不了",就是这样来的。

 但是在党中央和政府的支持下,1954年北京舞蹈学校成立了。我是1955年的学生,我清清楚楚地记得,当时我们的校舍是在东大桥自家庄。当时舞蹈学校只有一个简单的校舍,对面一边是师范大学,另一边就是火葬场当然现在再去东大桥白家庄,就俨然是一幅不同的景象了。

 最初,在那样艰苦的环境中,我们邀请了一批苏联的教师执教。当时他们不但为我们培养学生、编制教程、辅导教师,而且培养了一批编导。到了1957年,北京舞蹈学校上演了第一部芭蕾舞剧一一《关不住的女儿》,也称《无益的谨慎》。接着1958年我们在学生时期就首演,了《天鹅湖》。

 北京舞蹈学校成立至今仅有50多年,到了1959年成立了我们中央芭蕾舞团的前身一一北京舞蹈学校实验芭蕾舞团,在短短的几年里,我们就积累了一大批的节目。

 1963年底,周总理在北京召集的一个座谈会上提出了音乐、舞蹈方面的三化问题,即革命化、民族化、群众化。林默涵同志具体谈到芭蕾现代戏应该怎么搞、选什么故事、什么样的题材。一开始有人提到《达吉和她的父亲》、《红岩》等。李承祥提出了将《红色娘子军》改编成芭蕾舞剧,原因之一是它主要表现的是女兵,而芭蕾正是以女子为主的,之二是几个主要人物特点很鲜明,之三是海南有民族特点,非常有色彩。蒋祖慧也认为这是浪漫主义和现实主义相结合的好题材。

 1964年2月,创作组一行人到海南岛边体验生活边写剧本。当时芭蕾舞团根本不知道动刀动枪是什么样子,排练后请部队的同志来看,他们给予了肯定,但是也提到我们像娘子不像军,所以后来我们全体到山西大同军营去体验生活,这种创作方法是世界芭蕾史上绝无仅有的。深入生活回来,再排练就大不相同了:端枪动作特别整齐:向右看齐的动作,在下部队时就用上了,当时女演员十分调皮,连长一喊向右看齐她们一下子就立起了脚尖,连长说比他们还整齐;刺杀操舞也是来源于当时的完整的刺杀操,刺杀舞结束时女兵大声地喊:杀!由此可见,《红色娘子军》的诞生,离不开生活与实践,这也正是这部伟大作品的永恒魅力之所在!

 中国芭蕾只花了短短的四十几年时间,就走完了许多国家几百年的历程。特别是在改革开放的今天,它所取得的成绩更加令世人瞩目。

 我相信,中国芭蕾一定会有更加灿烂美好的明天。

  事实上,古典芭蕾尚有浪漫派与古典派的区分。前者专指十九世纪的舞剧,如《天鹅湖》。后者为十七、十八世纪的舞剧《吉赛尔》。两者较明显的差别在于舞者所穿的舞衣之不同,古典派的舞衣为纱质的短裙,称为classical tutu,舞鞋质地较软;而浪漫派的舞裙长及膝与踝之间,称为romantic tutu,舞鞋为硬式,便于舞者跐立。

除此之外,古典芭蕾依动作又可分为快舞与慢舞。快舞孕育于意大利,特色是跳跃与旋转,专指男舞者与女舞者随著迅速的音乐踊舞的舞蹈,所有活泼迅速而华丽的舞蹈均属之。慢舞孕育于法国,是法国舞蹈的特征,舞者以缓慢的动作,或以单脚支立平衡身体,构成优雅曲线之舞步与舞姿等均称为慢舞,这种舞蹈充满了纤细的美感。

在古典芭蕾舞剧中,通常以慢舞来表现男女的情爱场面,如天鹅湖中的第二幕公主与王子的双人慢舞。慢舞基本上是属于女性的舞蹈,而男舞者只是支扶女舞者的陪衬而已,对于女舞者来说,无非是一个呈现其舞艺与优美曲线的大好机会,而此时表现身体的平衡更显得格外重要。

如今快舞与慢舞虽以交互使用,但仍可视其强调的程度,来分辨意大利派的华丽与法国的浪漫气质。

传统的芭蕾舞技巧是一个严格的体系。最基本的审美特征是对外开、伸展、绷直的追求,包括脚的五种基本位置,三种基本舞姿,腿的伸展、射击、打开、屈伸、抬腿、踢腿、和划圆圈等动作,还有各种舞姿的跳跃、旋转和转身,各种舞步和连接动作。将其按特定的结构手法编排、组合,就能创造出富有感染力的舞蹈艺术形象。

在从整体看待古典芭蕾的时候,着重突出一下其中的浪漫主义芭蕾。

18、19世纪之交,在欧洲和北美兴起一股新的文艺思潮,就是浪漫主义运动,芭蕾是当时浪漫主义的一部分。浪漫主义的芭蕾舞剧变得更富有诗意,能够更直接、更深刻地调动观众的感情。这种诗意更浓的舞蹈风格之所以能够蓬勃地发展,很大程度上归功于舞蹈技术,特别是取决于女演员能立起脚尖了。

据舞蹈史专家们考证,在芭蕾,女演员穿脚尖鞋最早产生于1822到1825年。意大利的演员玛丽·塔里奥尼是第一个运用脚尖舞闻名世界的芭蕾大师。玛丽·塔里奥尼的从事芭蕾舞的父亲,根据她的体形和能力,为她编排了一个舞剧,这个舞剧我们芭蕾舞团曾经上演过,叫《仙女》,这是两幕的一个舞剧。塔里奥尼在这个舞剧中,运用了脚尖舞成功地塑造了好像飞起来的仙女的形象。后来的人争相效仿,脚尖舞从此成为女芭蕾舞演员表演不可缺少的一部分。

同时被称誉的还有塔里奥尼的舞裙。这是条充满浪漫主义风格的舞裙,外边是用绸子,里面是用很多层薄纱做成的,它的样子像一口吊钟。这种质地使得她跳起舞来显得非常的柔软,特别飘逸,整个服装的上身是要显露她的细腰,紧身的胸衣露出了她的脖子,袖子短而宽,露出了她的两臂,裙子长过膝盖,但要露小腿。除了胸前佩戴着一朵小花外,衣服上没有过多的装饰,后背装点着用糠的白纱做的两个小翅膀。这些舞蹈服沿用至今,它象征着一个飞翔的仙女,成为浪漫主义芭蕾的象征。欧洲人把这类作品,通通称为mite芭蕾,就是白色的芭蕾,把它看作一种特殊风格的舞蹈。

在同一个时期,另一个代表作就是《吉赛尔》。很多人以为《吉赛尔》是吉普赛的故事。实际上它是18世纪浪漫主义时期的一部非常有名的代表作。在西欧芭蕾它起了非常重要的作用。该剧的第一幕表现的是吉赛尔发疯的过程,第二幕是表现维丽斯女鬼的舞蹈,分别是当时的情节芭蕾和交响芭蕾的交融。《吉赛尔》中有一个动作,手交叉在胸前,据洛普霍夫分析,这个舞姿来自古老的异教葬礼。当时,人们把死者的双手交叉地安排在胸前,于是舞蹈家们就把这样的一个姿势,很容易地安排在一个幽灵的身上了。所以,在后来的芭蕾哑剧动作里面,这就表示一个死者的样子。

芭蕾舞剧《吉赛尔》代表着浪漫主立芭蕾鼎盛时期的成就。吉赛尔这个角色被作为考验女舞蹈家演技是否成熟的试金石,要演好这个角色,必须有非常高的表演水平。在第一幕中吉赛尔是一个纯情的农村少女,乔装打扮的伯爵阿尔伯特到农村来狞猎,把她迷恋住了,她非常爱阿尔伯特,但是当她得知受骗之后,她发疯而死。在第二幕里,吉赛尔仍然怀念着阿尔伯特,这时的她是一个柔情缠绵、不忘旧情的冤魂。这样塔里奥尼和扮演吉赛尔的格里奇以其高超的演技,成为了当时芭蕾的真正女皇。这两部舞剧都是18世纪的代表作。

"浪漫芭蕾"有哪些代表作

浪漫主义文艺思潮发端于18世纪末和19世纪初的法国巴黎。浪漫芭蕾是芭蕾历史上的黄金时代,题材上表现的大多是仙凡之恋(如:仙女与农夫、村姑与伯爵、海盗与少女、木偶娃娃与乡村小伙子、牧羊人与仙女等等),顺应了当时法国汹涌澎湃的大革命潮流。

浪漫主义芭蕾的代表作品有《仙女》(1832)、《多瑙河denver》(1836)、《幻想曲》(1839)、《吉赛尔》(1841)、《艾丝美拉达》(1844)、《四人舞》(1845)、《海峡》(1856)、《葛佩莉亚》(1870)和《西尔维娅》(1876)等,不仅内容题材充满了浪漫情调,且结构严谨,表情细腻,动作舒展,具有典型浪漫主义艺术特征。其中,《仙女》和《吉赛尔》是浪漫主义芭蕾的双壁。

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