那西索·叶佩斯是谁

那西索·叶佩斯

那西索·叶佩斯是西班牙著名吉他演奏家、音乐家。有"吉他旗手"的美称。耶佩斯是当今最受欢迎的演奏家之一，他擅长演奏近现代的西班牙作品，其乐曲处理造型性强，演奏技巧高超而洗练。耶佩斯也是优秀的教育家，许多青年的吉他演奏家得到过他的指导，另外，他还改编整理了许多古代乐谱，丰富了吉他演奏曲目。

中文名：那西索·叶佩斯

外文名：NarcisoYepes

国籍：西班牙

出生日期：1927

逝世日期：1997

职业：吉它演奏家

毕业院校：巴伦西亚市音乐学院

主要成就：擅长演奏西班牙近现代作品

代表作品：《爱的罗曼斯》

个人经历

那西索·叶佩斯（NarcisoYepes，1927-1997），西班牙吉它演奏家。四岁学吉它。十二岁入巴伦西亚市音乐学院，二十岁赴马德里，在西班牙国立管弦乐团协奏下演奏罗德里戈《阿兰胡埃斯协奏曲》，引起很大反响。后以独奏家身份从事演出活动，并在巴黎求教于作曲家、小提琴家艾奈斯库和钢琴家基赛金，1952年为法国影片《被禁止的游戏》配乐，其中《爱的罗曼斯》流传很广。擅长演奏西班牙近现代作品。其演奏技巧高超而洗练，乐曲处理富有层次。《爱的罗曼斯》乐曲优美动听，淳朴的旋律与清澈的分解和旋完全融为一体，似叮咚作响的清泉，给人以美的享受。

生平故事

掌声轰然，矮小的耶佩斯带着微笑出场，油亮的头顶，深度近视眼镜，右手抱着巨大的十弦吉他，左手拎着脚踏板，缓步走向舞台中央。

纳西索耶佩斯（NarcisoYepes），一九二七年十一月十四日生于西班牙东南部穆西亚省的洛卡。父母务农，四个小孩，叶佩斯是老幺，家族里没有人学过音乐。

4岁

叶佩斯第一次看到吉他，是在一次庆典活动上看到有人弹这样优美无比的乐器，从此深深地被吸引住。四岁的时候，父亲发现他居然拿着手杖当吉他弹，就买了一把玩具吉他给他玩。谁知道叶佩斯竟然爱不释手，每天有模有样的弹，活象个小演奏家，真的有兴趣。父亲马上买了一把真正的吉他送给他，并且找了镇上唯一的吉他老师巴拉（PARA）来指导他。

学了不久，老师就对父亲说：“你这个小孩在吉他上的才华是无与伦比的，他是块宝玉，将来一定会很有成就。”叶佩斯在得到老师的肯定之后，更加努力的练习。

7岁

七岁那年，他们全家到海边度假，这是叶佩斯有生以来第一次见到大海，被大海一望无际的辽阔及宏伟深深吸引，在他小小的心灵里立下了宏愿，要成为一位伟大的吉他演奏家，象海一样迎向世界每一个角落。

叶佩斯很快将巴拉的琴艺完全吸收，他一心向往更高的成就，在家人的鼓励及支持下，十岁时顺利的进入瓦伦西亚（VALENCIA）音乐学院。瓦伦西亚不但是西班牙东部的音乐重镇，素有吉他故乡之称，柳贝特（MLLOBET）、罗沙（GARCIADELAROSA）、巴拉圭尔（MBALAGUER）等当时的吉他大师都在此地活动，教授吉他。

学吉他不应只在吉他上努力

耶佩斯在瓦伦西亚音乐院跟过马可（MARCO）、罗沙、巴拉圭尔学习，他们都是有西班牙现代吉他之父之称的泰雷嘉（FTARREGA）的弟子，所以耶佩斯的琴艺可以说是直承西班牙的正统。除了吉他，他也向巴劳（MPALAU）学习做曲、葛利葛诺（GRIGNON）学习指挥及阿善西（VASENCIO）学习钢琴。

在瓦伦西亚音乐院学习三你年中耶佩斯在乐器及音乐理论上都打下了很稳固的基楚，其中对他影响最大的要算是钢琴家，作曲家阿善西欧了。阿善西欧虽然很肯定耶佩斯在吉他上努力的能力，但他认为只在吉他上努力是不够的，钢琴，小提琴的技巧也可以帮助吉他的演奏。同时阿善西欧还认为耶佩斯在技巧，音色，音乐上的诠释上都有待加强，因此推荐他到马德里皇家音乐院与当时的吉他主任教授马沙（Maza）学习。

13岁

一九四零年叶佩斯拜在吉他大师马沙门下的同时，罗德里戈题献给马沙的著名吉他协奏曲《阿兰胡埃斯》(Aranjuez)在马德里首演。这场吉他史上非常重要的音乐会，不但让耶佩斯对吉他有了更深入的了解，同时也提升了他对马沙的崇敬，因此更加努力不懈。

耶佩斯在马德里待了六年，十九岁时又回到瓦伦西亚音乐学院继续求学。一九四七年在瓦伦西亚他生平第一场独奏会，受到热烈的好评，而更重要的是，当时西班牙国家交响乐园的指挥阿亨达(Argenta)也在场，对耶佩斯非常激赏，进而邀请他合作演出《阿兰胡埃斯》。这对当时毫无名气的耶佩斯来说，是意外也是重要的收获。耶佩斯为了这场影响演奏生涯极巨的音乐会，抛去一切杂务回到故乡做准备。他为了做好每一个细节，特地找了一个废弃的仓库，用废弃的工具桌搭了一个舞台，在屋顶上吊一盏灯充当舞台灯光，再把扫把锄头圆锹工具排在舞台的前方当作观众，每天练习出场入场，象听众答礼的姿势，有时还找家人来充当指挥和听众，模拟各种演奏时可能发生的状况。

叶佩斯=阿兰胡埃斯

20岁

叶佩斯在阿亨达指挥西班牙国家交响乐团的伴奏下，《阿兰胡埃斯》的演出非常成功，奠定他在首善之都乐坛的声名，那时不过20岁。因这次演出的成功，叶佩斯又与西班牙国家交响乐团签下了巡回欧洲各国演奏《阿兰胡埃斯》的合约，从此跃上国际舞台。也因为巡回演奏的成功使他得到了更多机会与其他国家交响乐团合作演出：如瑞士，法国，德国，维也纳，意大利等。其中与意大利广播交响乐团的演出最为重要，因为这场音乐会全程由意大利广播电台对全欧洲做实况转播，不但使罗德里戈的《阿兰胡埃斯》吉他协奏曲广为人知，叶佩斯的声名也自然更为响亮，说《阿兰胡埃斯》因叶佩斯而声名大噪或叶佩斯因《阿兰胡埃斯》而红都行，反正当时他们是最佳的组合。

正当在叶佩斯的名声响遍全欧洲的时候，他自己却认为音乐的知识还不够，于是他在23岁时，又毅然决然地进入巴黎音乐学院学习钢琴，小提琴，作曲。这段时间他为了生活，就在巴黎的小酒馆咖啡厅里表演赚取生活费，大师的成功不是偶然的，为了能得到更高的成就，没有被一时的成功冲昏头，宁可在小酒馆弹琴赚钱求学。也因为这样，而邀请他为**《被禁止的游戏》做配乐的工作。叶佩斯以西班牙民遥改编在吉他曲，做为这部**的主题曲，这首曲子也就是后来成为家喻户晓最有名的吉他曲《爱的罗曼史》。随着**的上映，这首曲子风靡了整个世界，为了这首曲子而开始学习吉他的不知有多少人。接着叶佩斯又为另外一部法国**《金色眼睛的女朗》配乐，他采用《阿兰胡埃斯》第二乐音做为主题，画面加上叶佩斯美妙的演奏，更让人对《阿兰胡埃斯》印象深刻。

28岁

一九五五年，叶佩斯录制了他的第一张唱片《阿兰胡埃斯》，这也是这首协奏曲的世界首次录音发行。从此叶佩斯受到世界各地的邀请，演奏会的档期必须排到好几年后，他也成为继塞戈维亚之后最有名气的吉他演奏家。56年收邀请前往美国巡回演出，57年前往南美，首站是南美音乐中心阿根廷首都布宜诺斯埃利斯的哥伦布音乐厅，这是继塞戈维亚后第二位到此演奏的吉他家，可见叶佩斯当时受欢迎的程度。

33岁

一九六零年，叶佩斯更远渡重洋来到演奏的日本，叶佩斯受到日本人喜爱的程度甚至超越了他的前辈塞戈维亚，他一生到日本演奏达16次之多，而且影响日本许多年轻吉他学生前往西班牙学习，日本能在吉他上的水平超越其他亚洲国家，叶佩斯功不可没。一九六三年叶佩斯第二次受邀到日本时，曾前往长崎医院演奏，慰问被原子弹炸伤的伤员，并且在广岛和平纪念公园落成时，在纪念碑前献花。当时日本《朝日新闻》特别报道，叶佩斯毫不犹豫的在阳光直射下演奏《爱的罗曼斯》，以慰亡魂，实在是和平的天使。而他所演奏的曲子，也正告世人战争，原子弹是被禁止的游戏，人类需要的是和平共存！

代表作品

爱的罗曼斯

耶佩斯与《爱的罗曼斯》

1952年，耶佩斯名声渐起，此时法国影片《被禁忌的游戏》的导演邀请耶佩斯为这部**配乐（而且这部**只用一把吉他为整部影片配乐）。耶佩斯便根据西班牙的一只传统民谣的旋律改编而成《爱的罗曼斯》吉他曲。随着**的上映，这只曲子开始广为流传，并成为了许多著名吉他演奏家的保留曲目。

浪漫曲（Romance）是体裁名称，在西班牙文艺史上专指简单明了的叙事性分节歌曲，常用来表现民族英雄故事或富有戏剧性的爱情故事。在十八、十九世纪的法国，则是指动人的抒情歌曲。十九世纪以后，也兼指歌唱纯朴爱情的叙事性歌曲。乐曲优美纯朴的旋律与清澈的分解和弦完全溶和成一体，给人以极深的印象。《爱的罗曼斯》甚至成为古典吉他的代名词。

《爱的罗曼斯》有多种版本，一种是用完整再现开头乐段的单三部曲式构成；另一种是带有前奏、间奏部的。两种都采用中庸的快板速度。

十弦吉他

大师的另一个伟大作品：十弦吉他

一九六零年，耶佩斯与吉他制作家拉米列斯三世（JoseRamirezⅢ）合作完成十弦吉他的开发，从此十弦吉他成为耶佩斯的象征。自古拨拉弦乐器的弦数就一直在改变，十弦吉他并不是新的发明，不过耶佩斯为了适应现代吉他的演奏而发展十弦吉他是有他的道理的：1、加大吉他的音域成为四个完整的八度；2、可以不需改编地弹奏古代为鲁特琴或比维拉琴所写地作品；3、可以完整的弹出四部和声的进行；4、不熟悉吉他的作曲家也容易为吉他谱曲，不要担心音域或指法的问题。

弦数增加，共鸣箱加大，泛音也自然增多，十弦吉他被人认为“大而无当”，甚至“十弦怪物”的原因也在此，对这个缺点，耶佩斯也有他的解决之道，他将增加的四弦分别调为低音Do、#La、#Sol、#Fa，以避免过多的泛音。弹十弦吉他当然会增加许多技巧上的困难，为了驯服这个怪物，耶佩斯也发展出一些独特的技巧。。。

个人唱片

西海情歌二胡教学与指法：

西海情歌是一首十分优美的曲子，它以浪漫、空灵的旋律表达一种关于爱情的感受。《西海情歌》的二胡曲谱主要分为六段：第一段：A1 A2 B1 B2 C1 C2 D1 D2 E1 F2 F1 F2 G1G2；第二段：A3 A4 B3 B4 C3 C4 D3 D4第三段：E3 B4 F3 F4 G3 G4 A5第四段：B5 C5 D5 E5 F5 G5 A6

第五段：B6 C6 D6 E6 F6 G6第六段：A7 B7 C7 D7 E7 F7G7；每一段的谱子都是以上述形式重复，不同的是每段的旋律有所不同，整首曲子的旋律和节奏也有所变化，体现出了作曲者对浪漫、空灵的爱情情怀。

练琴的过程：基本练习：你所学的练习曲和一些弓法，指法、技巧等，这一切都属于基本功，都是技术中的筋骨，把这些练好了，很多技术问题就可以迎刃而解了。所以这些每天必须练习。

视谱、背谱。看谱拉琴一定要拉对。有了正确的第一印象，就会减少以后的错误。看曲谱时，不能急于求成，要慢，要心细，要看清调号、拍号，注意弓法和指法的正确。根据老师的调整和更改，你要在曲谱上止标上记号。随着你对曲子的不断熟悉，才能加速，并注意加入情感来练习。

背诵前先认真仔细地视谱，才能为背谱打下基础。随着不断地练习和提高，你要掌握背诵曲谱的窍门，有些是小节相同，还有小节反复，头尾相同……总之，不管你用什么方法，早背谱就可以早从视奏的束缚中解脱出来，就可以把注意力放在指法和弓法、强弱等情感节奏上了。

慢练 慢练是拉好曲子的成功之母。如果你一遍遍地拼命去练，你认为好，其实这种练习事倍功半，既浪费时间，又达不到效果。慢练就是检查、修理，要弄清哪些地方有障碍、阻挠，是音准节奏问题，还是弓法、换把或两手配合上的问题。

只有找出问题的所在，再来一遍一遍地慢练，一点点地加速，这样练习才有效果。慢练不是某一时，某一天的事，而是经常反复地去做。在慢练的过程中，一不定期要专注。有些人也慢练了，效果却不理想，为什么呢主要是不专注，认为慢练相对简单，思想也就随之松懈，注意力分散，这样不仅达不到效果，反而养成了不良习惯。

1、一对一指法：一对一指法是练习钢琴的最基本也是最简单的指法，可以黑白键一对一，也可以单纯的黑键或白键一对一。

2、穿指法：穿指法顾名思义就是一根手指穿过一个甚至多根手指的方法，一般常用的穿指法是一指穿过第二、第三指，例如C大调的弹奏时就会用到穿指法。

3、越指法：越指法是用来弹奏更低音时，双手跨度比较大时弹奏，第二或第三、第四指从一指上方穿过，这里要注意只能是其他手指从一指穿过，不能第四指穿过第三指或者第二指这样是不规范的。

4、扩指法：扩指法是指弹的音节大于手指之间的跨度时，我们就要用到扩指法。扩指法任何两个手指都可以完成，没有固定的要求和规范。

钢琴的专业知识非常之多，为能祝你学业有成，我准备了以下相关知道，希望能帮助到你。

钢琴入门基础知识及弹奏方法

钢琴入门基础知识及弹奏方法

在音乐艺术中，钢琴具有其它乐器不可取代的地位。从1709 年，第一台钢琴的出现经过了

约三百年的历程，在这期间，钢琴发生了许多变化，其音色亮丽、动人，擅长演奏各种风格

的音乐，其演奏风格也日趋丰富和完善，现在，让我们一起来学习弹奏钢琴。

一、熟悉钢琴简谱：由上下两行简谱合并而成。

二、键盘与音符：牢记中央七个音符的位置。

三、手指符号：手指用汉字的一二三四五来标示。

四、钢琴弹奏时的坐姿和手的状态：

1：坐姿2：弹奏时手的状态

练习指法很关键，可以反复弹奏下面的乐曲来练习指法：

535353124325 535353124321 24432524325 535353124321

五、钢琴弹奏

1、钢琴的基本练法

（1） 钢琴的基本练法就是慢练。

慢练尤如"大镜"，把乐曲中的一切细节都扩大了。慢练的最大优点是来得及根据视觉，听觉

得到的反馈信息调整和修正缺点和毛病。慢练的方法之一是用节拍器。即使在作品练习成熟

之后，也不应忽视适当得慢速练习。

（2）有计划、有目的地学习：

冰冻三尺，非一日之寒。练钢琴需要的是持之以恒的态度。钢琴曲目繁多、演奏技法多样。

初学者应制定一个远期学习目标和近期学习计划， 从基础着手， 循序渐进地学习， 才能目的。

（3）以良好的心态学习钢琴：

学琴过程中， 可能会遇到情绪起伏不的情况。应调节情绪， 适当减轻学习难度， 充分激发学

琴兴趣、缓解学琴紧张感。

2、钢琴弹奏中自然重量的运用

关于自然重量的运用的要求是整只手臂的放松自如， 从肩部的舒展下垂， 到整个手臂的协调

下垂，通过放松灵活的手腕调节，然后由手指把手臂重量传入键盘。

（1）：认识体会到手臂的自然重量

以前倾上身的坐姿， 把两只手臂完全放松地垂下去。此时手臂好像是从肩部自然垂挂下来的

物体。在空气中随意摆动，晃动，而血都涌向了手掌，通向了指尖。体会到手臂的自然重量

后，我们就要把这个自然重量用到弹琴上去。接下来手指就要发挥它的功能和作用了。

（2）：手指要承受并支撑整只手臂的重量

手指的三个小关节微微凸起，尤其是处于手掌部位的指根关节（以下简称"掌关节"）必须要

作为一个力量的支持点。手臂的自然重量落下来， 要求每一个手指都能支撑住。我们用断奏

入门的方法练习： 先分别一个手指一个手指地在钢琴上站好， 结合手臂的自然重量。经过一

个阶段， 在每个手指都能自如地弹出饱满的声音后， 再渐渐进入连奏的练习。进一步我们就

可以调节重量的轻重

3、弹奏钢琴时身体的协调

身体的的协调牵涉到钢琴弹奏的基本坐姿和体位等方面，开始就要明确，随着程序的深化，

又要不断发展和更好地运用。

（1）保证身体协调的根本：

保证身体协调的根本是根据自己的身体条件进行调节正确合理的坐姿。随着程度的提高， 对

力度、速度、音乐情绪和色彩的变化提出了越来越多的要求， 所以身体的参与和调节也越来

越重要。

（2）坐姿的基本要求：

臀部要稳定而固定地坐在琴凳中部， 为了便于灵活用力， 不要坐满， 坐一半即可。而且为了

照顾到高低音， 要坐在钢琴中部， 不要随意挪动， 而两条腿放在踏板两旁， 在强奏时左腿可

后撤作为全身力量支点。这是坐姿的基本要求。

（3）身体的左右调节：

身体的左右调节主要依据音的高低。以音阶为例，弱低音区时，身体重心放到左腿方面去；

弹中音区时，身体重心两面摆平；弹到高音时，身体重心侧往右腿方面。

（4）身体的前后调节：

身体的前后调节可以根据音量的大小、力量的强弱来确定。

4、手指的能力与训练

（1）手指的能力：

手指的能力是指每个手指是否有独立活动的能力， 是否灵活和有力。表现在弹奏上则是清晰

度、均匀度和流畅度。

5、钢琴演奏中的促键：

（1）：指力触键

与前臂肌肉相连的肌腱将手指往下拉， 就完成了下键的动作。当肌腱松会时， 手指和琴键就

回复到原来的位置。

练习方法：让右手处于正常的弹奏姿势，手背和腕背几乎在同一水平面上，手指贴住键盘，

处于C 音到g 音的位置。手腕在抬高和放下的几次动作中始终放松，手指始终贴键，手指

稳固而略呈弯曲。

例一： 断奏： 每弹一个音符， 手指都迅速按下键， 并在发出声音的那一刻松开， 缩回到键上。

手腕始终保持平稳。

例二： 连奏： 如断奏一样， 每个音都要弹出保持住。手指所用的压力只需阻止琴键弹回即可。

再向下一个音进行时，前臂略向右转动。这样，当一个键松开时，另一个键正好发出声音。

（2）：手力触键：

手力触键的主要特点是手朝下动作。在各类触键方式中运用最广。手腕的向上弹起的倾向成

为手力触键的一个不可改变的标志。

练习方法：右手放在铺例一所示的键盘位置上。手腕放松，手指稳固。拇指举起离琴键约

1/4 寸高，手朝C 音的键上和键里用力， 使拇指击下琴键。这时手腕会立即向上拱起1 寸高，

然后立即放松， 回到原来的位置。只样就形成了断奏的效果。左右两手都可以用这个方式来

练习。在每个下键动作中都要强调手腕的向上运动。也可以用同样的方式来练习连奏， 但手

朝下面的一个音的方向稍微转动， 手腕每次向上拱起后， 应立即回到原先的位置。手腕放松

和手指稳定是触键中最难达到的要求。手指触键有广泛的用途， 如演奏各种音阶、琶音以及

其他复杂音型的快速乐段等。也常常用在弦及八度的弹奏中。

（3）：臂落触键

臂落触键是突然落下前臂或全臂，以使所要弹的那个键或那几个键在这个下落动作中被推

下。最终的姿势是如图B 所示的，手和手臂都从键盘上往下垂挂着。臂落触键可以弹出断

奏的效果，只要手指在声音发出后立即放松。臂落触键最好用于音的保持或连奏效果。

练习方法： 先抬高手腕以使指尖几乎贴住键盘。然后突然放松手臂。随着手臂的下落， 以便

听到所要弹的音。手指按住这个音， 手腕则低于键盘。然后再回到高手腕的姿势， 以便弹奏

下一个音， 在整个练习过程中， 手腕都是放松的。手力与臂落相结合的触键这两种触键的交

替运用在分句表现上极为重要。以带连线的两音音组为例， 先有臂落触键弹出第一个音， 奠

定一个基础， 再由手力触键按所要求的轻巧程度或断奏程度弹出第二个音。每一组的第一个

音用臂落触键（ D= 放低手腕）弹出，第二个音用手力触键（ U= 抬高手腕）弹。带连线的左

右手各自独立的音组可以通过独立使用这两种触键的方法来练习，对于带连线的轻巧的音

阶，可以臂落触键弹第一个音，让手腕逐渐抬高（手力触键）。当顺势弹完最后一个音时，

手腕便悬在半空中。各种音阶、左右手分开的练习。

注意：拇指总是用臂落触键。其余手指除了弹奏音阶的起始音（无论上行或下行），一律用

手力触键。两种触键的交替使用在八度连奏中应用教多， 在黑键上总是用手力触键， 而紧跟

在黑键后的白键则用臂落触键。

半音阶八度尤其能说明这几个原则：

（4）：全臂触键

6、音阶练习

音阶练习，对于初学钢琴者是重要的基本功训练。练习好音阶，需要注意几个方面：

（1） 练音阶的重要性：练习音阶很重要，一方面可以提高控制和运用手指的能力，二是

可以熟悉指法，巩固记忆；三是可以熟悉键盘位置，熟悉调试及其转换，提高演奏能力。

（2） 树立明确的目标：练音阶，首先解决的是一个" 立"字，解决五指不立和掌关节发紧，

只有苦练才能达到目标。二是学会一个"慢" 字。只有会慢练， 才能逐渐加强力度， 增加耐力，

并为以后的加速打下基础。

（3） 防止一个" 混"字：A大调，＃ f 小调， g 小调，C小调，这几套关系大小调，易混淆，

指法易错，只有经过反复训练，直练到准确无误为止。

（4）：采取分组练习法：将学过的音阶分为四组，每次练琴时先弹两组音阶，再弹乐曲，

而后再弹音阶，交 进行，每组慢练五次，快练一次，逐渐增加次数，来调动练琴的积极性。

7、怎样练好一首乐曲

在练习过程中，可分三阶段；视谱、分练、组合。

（1） 视谱阶段：

学习一首新曲子时，要养成先花1～2 分钟看看谱子，记住调号、拍子、节奏型等，然后再

并始用手弹的习惯。视谱能力强是学习进展快的主要因素之一。

（2）分练阶段：

能准确地视谱弹奏后，接着就要分句、分段、分手练习，有困难的地要抽出来反复练。要有

针对性地分句、分段或分手练。

（3）组合阶段：

第三阶段需要的是思维能力与表达能力。当音符，拍子、指法、分句等问题都解决后，就要

动脑筋注意音色与触键的选择，力度的层次，节奏的灵活性，音乐的结构等等。

8、弹奏钢琴时的表情处理：

（1） 声部程次：

钢琴和管风琴一样， 必须同时奏出几个声部并常常模拟整个乐队的效果。因此， 要使一首钢

琴乐曲在演奏处理上表现得当， 就应让各个声部在整体中形成一定的位置关系。因此演奏者

应善于随机运用各种触键的方式。

A：对位性音乐中的声部层次

这些声部的结合和对比方式应根据具体乐曲而定。凡是专门的主题性素材都应为主要声部。

以巴赫的三声部赋格中的片段为例。

此处低声部的主要主题最重要。而中声部的对题（ 2）和竞相出现的、闪现在高声部的短小

音型（ 3）应处于陪衬的地位。

B：和声性音乐中的声部层次

最简单的形式是由和弦支持的旋律或经过句。可分出三个不同的层次： 主旋律、低音进行以

及插入其中的和弦组成。通常在这三个层次之外还可以加上第四个与旋律部分有关的层次。

如肖邦《华丽圆舞曲》中的一个片段：

在此，高声部的持续A 音应当用全臂触键弹，低音用臂落触键弹，而流动的旋律和伴奏和

弦则用手力触键弹。

这种四个层次组成的整体， 在各类旋律及和声的组合中都回存在。以舒曼的《浪漫曲》为例，

此处旋律的二重奏是由双手的拇指用全臂触键奏出的。左右两手的伴奏音型通过指力或手力

触键，可以得到柔和的音色。而李斯特的《爱之梦》之三。其中四个声部的层次分明。演奏

时必须将四种触键全用上： 主旋律用全臂触键； 低音的对位旋律用臂落触键； 高音和弦用手

力触键；分解和弦用指力触键。

（2）：音乐中的脉动

A：节拍

音乐生命力首先在于不断重复的脉动， 又叫节拍。音乐的性格也是由演奏者所体现的音乐脉

动的重音、规整性和速度决定。节拍的组合形式最小单位是小节。其基本结构不外乎双拍子

或三拍子。应当严格地区分以小节线划分的小节单位和真正的乐句小节单位。前者的长度就

是两条小节线之间的距离； 后者的长度则是有规律地从某一点起到下一小节中相应的那一点

为止。以肖邦的《前奏曲》为例：这里每一个乐句小节在脉动的强度上都显然含有一"起"

一" 伏" ，因此节拍进行的顺序是：弱强弱、强弱强，等等。

B：重音

重音一般分为两大类：

a：力度型或强力型重音

演奏者只需要在所强调的那个音上弹得比后面的音重一些即可， 这类重音总用来表现生机勃

勃的音乐形象。如肖邦的《军队波罗乃兹》就要求在每一小节的第一拍上加一个强有力的力

度型重音。

b：延音型或时间型重音

演奏时可通过延长时值来突出某个音。凡是感情细腻的乐曲用此种重音。

(3) 乐句及其组合：

通常， 一个乐句小节只包含一种音型。而当这一音型与下一小节的音型相接时， 成为一完整

的动机。以肖邦的《前奏曲》为例，两种音型组成一个两小节的动机：

在一首比较复杂的乐曲中， 作曲家通常通过扩展乐句或缩减乐句的手法来打破绝对均衡的乐

句所造成的单调。以舒柏特的《奏鸣曲》第二乐章开始处为例：

这两个乐句都是不规则的乐句。因为每个乐句只有三小节半之长， 而不是通常的四小节。但

是第一乐句省略的仅仅是三个不重要的引子音， 而第二乐句却在音乐进行中过早地删去了一

拍半。

（4） 不规则的重音

使演奏富于变化的一个重要的手段是运用一个特殊重音来与小节中的规则重音相冲突。以莫

什科夫斯基的《玛祖卡》为例第一拍用延音重音， 构成全曲的基本节奏。而在第三拍上则加

上一个力度重音以形成强烈的对比。

A：不规则的节奏

假定规则的节奏是指强拍的时值与弱拍的时值同样长或更长些， 那么显然较长的音出现在弱

拍位置上，这种规律就被打破了。以沙尔温卡的波兰舞曲为例：

为了更加恰当地表现舞曲的特点， 在前两节中这个反常规的重音出现在第二拍上， 在后两小

节中出现在第三拍上。

在节奏强烈的音乐中， 这类长音通常需要用尖锐的重音奏出， 而在抒情的音乐中， 应微妙细

致地处理， 因为延音重音本身的时值就可以产生重音的效果。如舒柏特的《即兴曲》第一拍

的小节重音就比第二拍上较长的音显得格外重要。

B：切分音

长音如紧接在小节音后面出现， 可对这个重音起反射或加强的效果。如舒柏特的《主题与变

奏》

在节奏规整的乐段中，切分是打破音乐单调性的一个好方法。如舒曼的《奇想》

9、音乐感的培养

每个人的先天素质的确有很大差异， 但是通过后天的意识的培养， 勤学苦练， 就会做到有音

乐感的演奏。

（1）创造一个音乐的环境：学钢琴首先要有一个音乐的环境。必须多听，多感受，潜移默

化地接受了音乐的熏陶；逐步对音乐语言、形象、气氛、音色等，有了感性的认识。

（2）注重教材的熟悉和模仿：初学者还应着重对自己所学教材的熟悉和模仿。学生通过熟

悉、模仿，逐步到有自己的独立音乐见解。

10 、提高钢琴演奏的表现力

在各门艺术中， 没有什么比音乐更能直接打动人的内在情感。在人类生活中， 也没有什么比

音乐更能生动地表达人的心声。从某种意义上来说， 我们演奏一首钢琴曲， 不单单只为表现

出音符来， 更重要的是把这首乐曲演奏得有血有肉、有内容有意境， 让人们听了能受到感动

和振憾，产生一种共鸣。

要提高钢琴演奏中的音乐表达能力应注意以下几点：

（1）正确的读谱：

正确的读谱， 音符的正确、节奏的正确是不够的。还有许多重要的标记， 都直接影响对乐曲

的理解、表现对乐曲风格的处理。A 音乐术语：

包括乐曲情绪、表情、音乐的性质、速度等等。这些术语提示初学者，乐曲是欢快的或抒情

的、是快板还是行板或慢板，这直接关系到对整个作品的风格把握。

B 具体的力度标记：

在古典音乐中，一般从pp 到ff 之间就有p、mp、mf 、f 的六个不同层出现。而浪漫乐派及

后期作品从pppp 到ffff ，幅度更加宽。还有sf、sfz 或crese、dim 等等。这些具体的力度

标记，同样关系到了乐曲演奏中音乐的表现。

C 速度的不同变化：

如：放宽(Allargando) 、减慢渐弱(Calando) 、加快(Accelerando) 、逐渐加快(Stringendo)

等等。不同的速度变化直接影响乐曲的效果。

（2）音乐表现力的基本要素：

A 抓住音乐特性是表现音乐的关键：

音乐特性指音乐内容、情绪、形象意境等所决定的音乐的局部特性和总体风格。音乐特性是

音乐的实质， 是领会音乐把握音乐的基本要素。它决定我们用什么方式、什么手法、什么情

感去表现音乐。所以，我们讲表现音乐，首先要把握乐曲音乐特性。

B 分析作品的音乐性质：

音乐是通用的语言， 是可以融入人的情感而存入人心灵之中。在表现某部作品时， 首先要分

清乐曲的特性。可以凭直觉来体验，或是标题、标记来确认，或以分析作品来感觉。分析作

品音乐特性霸王是为通过把握不同音乐特征， 结合自身音乐感觉把作品生动地表现出来。同

时还要掌握一定演奏技巧。只有把音乐目标和技术手段完美结合起来， 我们才会有比较完美

的音乐表演。

11 、个人音乐修养的提高

提高个人修养是提高音乐表现力的前提。要提高音乐表现力， 通过提高个人音乐素养、文化

修养以使更好表达作品是非常重要的。

（1）了解中外文学作品：练习者应多读关于音乐史书籍，了解作品的时代以及特点，了解

作曲家生平、背景。

（2）了解中外文学作品：通过多读中外文学作品开拓思路，提高表达能力。

（3）多看绘画：艺术是相通的，通过多好的作品(绘画)，可以提高钢琴练习者的想象力。

（4）欣赏音乐作品：为开阔音乐视野，应多听音乐会、听音带，珍惜接触音乐的每一次机

会，让练习者提高个人综合素养，有利于提高作品演奏技巧，更好地表达音乐作品。

初学时学《约翰·汤普森》1,2,3,4,5 册并配合《孩子们的哈农》，《拜厄》，这是初学。下

一批就是《车尔尼钢琴练习曲》599,299,849,740 并配合《哈农》《巴赫》（《巴赫》有《巴

赫初级钢琴曲集》《巴赫二部创意曲集》《巴赫平均律钢琴曲集》）和《小奏鸣曲》《莫扎

特钢琴奏鸣曲集》《海顿钢琴奏鸣曲集》《贝多芬钢琴奏鸣曲集》，这是由初等到中等。更

高程度就需要《肖邦练习曲》等了。

钢琴入门基础知识

1、钢琴的基本练法

（1） 钢琴的基本练法就是慢练。

慢练尤如" 大镜"，把乐曲中的一切细节都扩大了。慢练的最大优点是来得及根据视觉，

听觉得到的反馈信息调整和修正缺点和毛病。慢练的方法之一是用节拍器。即使在作品练习

成熟之后，也不应忽视适当得慢速练习。

（2）有计划、有目的地学习：

冰冻三尺， 非一日之寒。练钢琴需要的是持之以恒的态度。钢琴曲目繁多、演奏技法多

样。初学者应制定一个远期学习目标和近期学习计划， 从基础着手， 循序渐进地学习， 才能

目的。

（3）以良好的心态学习钢琴：

学琴过程中， 可能会遇到情绪起伏不的情况。应调节情绪， 适当减轻学习难度， 充分激

发学琴兴趣、缓解学琴紧张感。

2、钢琴弹奏中自然重量的运用

关于自然重量的运用的要求是整只手臂的放松自如， 从肩部的舒展下垂， 到整个手臂的

协调下垂，通过放松灵活的手腕调节，然后由手指把手臂重量传入键盘。

（1）：认识体会到手臂的自然重量

以前倾上身的坐姿， 把两只手臂完全放松地垂下去。此时手臂好像是从肩部自然垂挂下

来的物体。在空气中随意摆动，晃动，而血都涌向了手掌，通向了指尖。体会到手臂的自然

重量后，我们就要把这个自然重量用到弹琴上去。接下来手指就要发挥它的功能和作用了。

（2）：手指要承受并支撑整只手臂的重量

手指的三个小关节微微凸起，尤其是处于手掌部位的指根关节（以下简称"掌关节"）必

须要作为一个力量的支持点。手臂的自然重量落下来， 要求每一个手指都能支撑住。我们用

44371 断奏入门的方法练习： 先分别一个手指一个手指地在钢琴上站好， 结合手臂的自然重

量。经过一个阶段， 在每个手指都能自如地弹出饱满的声音后， 再渐渐进入连奏的练习。进

一步我们就可以调节重量的轻重

3、弹奏钢琴时身体的协调

身体的的协调牵涉到钢琴弹奏的基本坐姿和体位等方面， 开始就要明确， 随着程序的深

化，又要不断发展和更好地运用。

（1）保证身体协调的根本：

保证身体协调的根本是根据自己的身体条件进行调节正确合理的坐姿。随着程度的提

高，对力度、速度、音乐情绪和色彩的变化提出了越来越多的要求， 所以身体的参与和调节

也越来越重要。

（2）坐姿的基本要求：

臀部要稳定而固定地坐在琴凳中部， 为了便于灵活用力， 不要坐满， 坐一半即可。而且

为了照顾到高低音， 要坐在钢琴中部， 不要随意挪动， 而两条腿放在踏板两旁， 在强奏时左

腿可后撤作为全身力量支点。这是坐姿的基本要求。

（3）身体的左右调节：

身体的左右调节主要依据音的高低。以音阶为例， 弱低音区时， 身体重心放到左腿方面

去；弹中音区时，身体重心两面摆平；弹到高音时，身体重心侧往右腿方面。

（4）身体的前后调节：

身体的前后调节可以根据音量的大小、力量的强弱来确定。

4、手指的能力与训练

（1）手指的能力：

手指的能力是指每个手指是否有独立活动的能力， 是否灵活和有力。表现在弹奏上则是

清晰度、均匀度和流畅度。

5、钢琴演奏中的促键：

（1）：指力触键

与前臂肌肉相连的肌腱将手指往下拉， 就完成了下键的动作。当肌腱松会时， 手指和琴

键就回复到原来的位置。

练习方法： 让右手处于正常的弹奏姿势， 手背和腕背几乎在同一水平面上， 手指贴住键

盘，处于C 音到g 音的位置。手腕在抬高和放下的几次动作中始终放松，手指始终贴键，

手指稳固而略呈弯曲。

例一：断奏：每弹一个音符，手指都迅速按下键，并在发出声音的那一刻松开，缩回

到键上。手腕始终保持平稳。

例二： 连奏： 如断奏一样， 每个音都要弹出保持住。手指所用的压力只需阻止琴键弹回

即可。再向下一个音进行时，前臂略向右转动。这样，当一个键松开时，另一个键正好发出

声音。

（2）：手力触键：

手力触键的主要特点是手朝下动作。在各类触键方式中运用最广。手腕的向上弹起的倾

向成为手力触键的一个不可改变的标志。

练习方法： 右手放在铺例一所示的键盘位置上。手腕放松， 手指稳固。拇指举起离琴键

约1/4 寸高，手朝C 音的键上和键里用力，使拇指击下琴键。这时手腕会立即向上拱起1

寸高， 然后立即放松， 回到原来的位置。只样就形成了断奏的效果。左右两手都可以用这个

方式来练习。在每个下键动作中都要强调手腕的向上运动。也可以用同样的方式来练习连奏，

但手朝下面的一个音的方向稍微转动， 手腕每次向上拱起后， 应立即回到原先的位置。手腕

放松和手指稳定是触键中最难达到的要求。手指触键有广泛的用途， 如演奏各种音阶、琶音

以及其他复杂音型的快速乐段等。也常常用在弦及八度的弹奏中。

（3）：臂落触键

臂落触键是突然落下前臂或全臂， 以使所要弹的那个键或那几个键在这个下落动作中被

推下。最终的姿势是如图B 所示的，手和手臂都从键盘上往下垂挂着。臂落触键可以弹出

断奏的效果，只要手指在声音发出后立即放松。臂落触键最好用于音的保持或连奏效果。

练习方法：先抬高手腕以使指尖几乎贴住键盘。然后突然放松手臂。随着手臂的下落，

以便听到所要弹的音。手指按住这个音， 手腕则低于键盘。然后再回到高手腕的姿势， 以便

弹奏下一个音， 在整个练习过程中， 手腕都是放松的。手力与臂落相结合的触键这两种走

势图触键的交替运用在分句表现上极为重要。以带连线的两音音组为例， 先有臂落触键弹出

第一个音， 奠定一个基础， 再由手力触键按所要求的轻巧程度或断奏程度弹出第二个音。每

一组的第一个音用臂落触键（D= 放低手腕） 弹出， 第二个音用手力触键（U=抬高手腕） 弹。

带连线的左右手各自独立的音组可以通过独立使用这两种触键的方法来练习， 对于带连线的

轻巧的音阶，可以臂落触键弹第一个音，让手腕逐渐抬高（手力触键）。当顺势弹完最后

一个音时，手腕便悬在半空中。各种音阶、左右手分开的练习。

注意：拇指总是用臂落触键。其余手指除了弹奏音阶的起始音（无论上行或下行），一

律用手力触键。两种触键的交替使用在八度连奏中应用教多， 在黑键上总是用手力触键， 而

紧跟在黑键后的白键则用臂落触键。

钢琴，机械装置有：键盘，击弦机，琴槌，制音器，琴弦和踏板。现代钢琴的键盘达七个八度，最高音为A，也有再加一个小三度的，最高音为C（88键）。钢琴的结构组成：由琴弦列、音板、支架、键盘系统（包括黑白琴键和击弦音棰）、踏板机械和外壳共六大部分组成。琴弦列：高、中音琴弦由钢丝制成，低音琴弦由钢丝加上紧铜缠丝制成。音板：木质结构。木材要求质地柔软、有弹性、易传导振动。支架：包括铸铁支架和木支架两部分。

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1、左手按弦的两个基本要求

左手各指的记号。在古典吉他中左手拇指不用来按弦。关于拇指与左臂的技术要领和要求我们在第三讲中已经有了详细的讲解。下面我们谈谈左手各指正确按弦的两个最基本的要求。

⑴立起来：是指从手臂、手腕、手背到各指形成一个圆弧后，手指的末关节要尽量以垂直于指板的方向立起来用指尖顶端向下按弦。只要具有基本物理常识的人都很容易理解只有垂直于面板用力时，按弦的力量才有可能最小，最省力。如果末关节不能垂直按弦，不但会用力较大，左手容易疲劳和紧张，还常会把琴弦推向或拉向旁边导致音准偏差。一般来说2、3指很容易做到立起来，1、4指不容易立得很好。而且1、4指由于生理关系常会向内收拢使立起来更加困难，但是也要尽量立起来按弦以高标准要求自己。久而久之会逐渐改善直至完全立起来，请大家勤加练习。人的生理机能的可塑性是很大的，几乎任何一个训练有素的吉他演奏家和吉他手都能各指立得很好。从这些小的细节上也常能看出一个人所受训练和教育的规范及严格程度。

⑵到位：吉他是一件发音技术要求很高的乐器，同时吉他也很容易出现杂音。除了右手技术不正确常会导致音量微弱，音色单薄和大量杂音以外，左手按弦位置不正确也常会产生大量杂音，使本来充满魅力，惹人喜爱的吉他变成令人生厌，噪杂不堪的“噪音乐器”。左手按弦到位是指每一次按弦时都应尽量靠近品柱，但又不要使手指挨到品柱甚至按到品柱上，这样右手才能以最小的力量获得最好的声音。左手按弦不到位往往有两种情形，①手指按到品格正中或更靠上，手指按弦离音品太远会导致琴弦振动时打品或蹭品的杂音；②手指按弦离品柱太近，或按到品柱上，这时即使右手拨弦技术再好，声音也会发闷甚至发不出声来。这两种情形都应尽量避免，在初学阶段就应提高要求，养成严格和精确的按弦习惯。

2、左手手指按弦与离弦的技术要领

除了注意左手的到位与立起来之外，还应注意左手按弦时与离弦时的方向应该与琴弦垂直，这样才能避免在左手频繁按、离弦时蹭出大量杂音，尤其是当演奏低音三根缠弦时更要注意垂直起落，这在二十世纪的现代吉他技术中是十分重要的。

在按弦和离弦时，手指应该垂直起落，就如同垂直起落飞机一样，垂直按下或离开琴弦后才能进行横向或纵向的移动。需要明确的是：手指下按和松开琴弦应该明确地和手指移动动作分开，这是两种截然不同的左手技术动作。

3、左手动作的大小和力量对左手技术的影响

左手动作幅度的大小和左手按弦力度的大小对左手技术有很大的影响。

左手按弦所用的力度因吉他不同而有变化，除了一些如弦太高，指板变形的不合格吉他之外，一般来说按弦所需要的力量都是很小的。按弦所用的力量大小应使琴弦不致于虚按产生杂音即可。按弦力量过大，非但不会对发音产生任何好的影响，还会导致左手紧张，阻碍技术的提高；左手按弦力量过大是吉他爱好者中普遍存在的问题，但是这个问题和其他吉他的技术问题一样，很难通过三言两语来解决，高超的吉他技术只有在对技术动作正确的掌握和深刻的认识基础上，运用科学的训练方法，经过大量耐心细致的练习才能真正掌握，这三者缺一不可。

练习1：左手按弦-离弦及移动的基础练习 第⑤弦

①这是一条在同弦上左手按弦与空弦交替的半音阶上下行练习。每次练习时左手必须用同一指完成。

②左手可先用容易立起来和控制到位的2、3指练习，然后再用1、4指练习。

③这条练习可先当作左手手指体操练习，右手先不加入拨弦。练熟后再加入右手。

④加入右手时可先用靠弦，p指弹低音，i、m、a各弹一根弦的连拨方法，练熟后高音弦可改用im、ia、ma或其他的交替弹法。靠弦练熟后可试用i、m、a练习不靠弦。

⑤这条练习可先在低音三弦上练习，以防止杂音的产生，然后再练习高音弦，我们这里只给出第五弦的例子，其他弦上的练习请大家自己写出乐谱作为写谱练习，然后再一一练熟。

⑥除第一和最后一小节外，每小节可单独反复。

练习2：左手按一离弦与移动的进一步练习 第③弦

①这是一条自然音阶上下行练习。练习方法和要求与上面半音阶相同。在其他弦上的练习请大家自行写出。

②这条练习除训练左手按一离弦和移动外，还用来练习各弦上不同把位的音位，请大家在练习的同时唱出各音的音名和音高来，同时进行视唱练耳的基础训练。

③有一定基础的学生在练习完c调的练习后，还可加一个升号，两个升号…，一个降号，两个降号…等各调上进行进一步练习。

④以上所有练习请先用中慢速练习，只有一个速度练熟时才可换用更快的速度。

⑤这条练习只给出了第三弦上的例子，其他弦请自己先作为写谱练习写出乐谱，再一一练熟。

4、换把技术

左手的换把技术在吉他技术中是极端重要的。吉他的品格有十九品之多，而按弦的手指手指只有四个，如何在把位变动中保持音乐的连贯和流畅，很大程度上取决于换把技术的好坏。左手在指板上的运动可分为两类，一类是手指从①弦到⑥弦之间的横向移动，这种运动的幅度一般不大，最大也不超过①到⑥弦的范围；第二类是手指从低把位到高把位的纵向移动，如我们在前面按-离弦练习中的单指移动练习就是纵向移动的一种，这种移动由于变动范围很大、种类很多，所以在左手技术中更为重要，换把练习就是左手纵向移动的集中训练。

在学习换把位练习之前，我们先来谈谈把位的概念，左手在指板上高低位置的不同叫做把位，我们常用1指在不同品格上所处位置来表示左手所在的把位。如1指在第1品位置，叫做第一把位，1指在第5品位置时，叫作第5把位…在吉他乐谱中把位常用英文、西班牙文或其他语言的缩写，并在后面加上阿拉伯数字表示，如Pos5、P6、C8、B7等，有时把位也单用罗马数字表示，如：ⅠⅡⅢⅣⅤⅥⅦⅧⅨⅩⅪ，表示第一，二，三…到第十一把位。以上C与B除表示把位外还表示1指要在这个把位横按。

换把练习可分为四种，第一、二种只有移动动作，没有跳动动作，我们称为移动换把，第三、四种不但需要以移动动作做准备，还需要以跳动动作换到新的把位，我们称为跳动换把。换把：

移动换把：第一、二种只有移动准备，无跳动动作。

跳动换把：第三、四种分为移动准备和跳动两个步骤。

下面我们以第②弦为例，给出各种换把练习。

①其他弦上的练习和第②弦上相同。

②上行时尽量保留指法，4指按好后其他指再离弦做收缩准备。下行时1指按好后再做收缩准备。

③左手拇指始终与2指相对，与左手同步移动不能出现拇指换把时超前或滞后的现象。

④跳动移把时跳动前的收缩准备不能过多，应以第二种换把时的位置为度，过多容易导致左手紧张和技术变形。

⑤跳动时除拇指外，其他手指均应离开弦后再运动，禁止在弦上滑动；移动换把收缩准备时除按弦手指外，其他手指也应遵循此原则。

⑥左手各指垂直起落避免蹭弦出杂音。

5、技术进阶

对于有一定程度的学生作为日常训练的换把练习，还可以和其他基础练习结合起来以取得更好的训练效果，常用的有①节奏变化②结合圆滑音。以下列出这两类的一些变化。

除此之外，换把练习还可以结合揉弦技术和右手不同的拨弦技术，甚至和装饰音练习结合进行更深入的练习。结合圆滑音练习

6、低音三弦上的音符和练习

1、低音弦第一把位的音符

吉他第一把位低音三弦的音符见右图，对应的五线谱上音符和指法如下：

①以上练习都用P指靠弦弹法演奏。

②以上练习分别用4/4拍、3/4拍和2/4拍写成，请数好拍子并打拍子练习，有条件的同学可使用节拍机。

③请注意第二条练习第3小节的临时升降号、还原号。

④第五条练习中同时出现了二分附点和四分附点音符，请注意时值的划分和拍子的打法。

2、低音弦第五把位的音符

我们看到低音弦第五把位的音符形成了一个八度的小调音阶，以下我们用这八个音写成四条音阶练习供大家学习：

①第2条和第4条练习中出现了连续的八分音符，请注意练习八分音符半拍一个音的拍子打法。

②第3条练习中出现了三连音，注意三连音要均匀，打拍子时注意每个音都数“123”，这有助于掌握三连音。

③参考作业：以上用自然音组成的小调称为自然小调，常用的小调中还有把每个5都升高半音，变成#5，同时也改变了小调和声结构的和声小调，请大家自行把以上各条练习改成和声小调进行练习，同时在五线谱本上进行写谱训练。

①整条练习全在第五把位演奏。

②这条练习以后还可用来作为揉弦的练习材料。

3、综合练习

这条练习中出现的第③弦空弦音可用i指来弹，也可用p指弹。

练习中出现的第三弦上的音用左手2指来按，和5一样用P或im指来弹。

7、高音弦上的音符和练习

1、高音弦第一把位练习

吉他高音三弦第一把位至第五把位的音符见右图，我们先来学习第一把位的音符和它们的指法。

高音弦第一把位单弦练习

三弦综合练习

①以上练习中临时升降音较多，请细心弹奏。

②练习3为3/8拍，这种以八分音符为一拍，一小节三拍的节奏与3/4拍的节奏很类似，，注意打拍子练习。

③练习1-4可先用右手单指练习，再用交替弹法，练习5必须运用im交替练习。

④练习5中出现了十六分音符，每拍为四个音，初学者可先将此小节时值扩展一倍，每个音变成半拍，作为难点单独练习，然后再按原谱中的时值演奏。

2、高音弦第五把位的练习

高音弦第五把位的音符形成了一个八度的大调音阶，和低音弦第五把位小调的音阶练习一样，我们可以用这八个音组成四条音阶练习，为培养综合音乐能力，请大家先不要参照以下给出的乐谱，可先自己在五线谱本上练习用这八个音组成和上一讲小调音阶结构相同的大调音阶练习，再和以下的练习对照检查，然后进行练习。

①以上练习可都用ima交替弹法，也可先用im练熟后再用ia或ma练习。

②以上练习可先用靠弦弹法，然后再试用不靠弦弹法。

③参考练习：在音阶练习中采用节奏变化可以有效提高练习效率，除以上这类节奏变化外，用附点音符练习音阶不但可以练习附点节奏，而且对于提高左右手技巧有着很好的效果。常用的附点节奏有两种，

前附点：

后附点：

请把以上练习1先改成前附点和后附点的节奏，练熟并掌握前后附点的节奏后，再把练习2和练习3改成八分音符的前后附点并进行练习。

④以上练习请尽量打拍子练习，以培养良好的节奏感。有条件的同学可使用节拍机。

小乐曲：小星星

请把上一讲学过的小星星，每个音提高八度写出乐谱并在高音阶第五把位演奏。

3、高音弦综合练习

①注意附点节奏与其拍子的打法。

②乐曲末尾出现了连线，当圆滑线出现在两个同音高的音之间时称为“连音线”或“延音线”，表示后面的音不同再弹，把第一个音的时值延长到第二个音即可。如果当连线连接两个或几个不同音高的音时，也是要表示这几个音之间要演奏地圆滑，但是要用到吉他上“连音”或“圆滑音”的技巧来演奏，请区别两者的不同。

①这首小乐曲中出现了弱起小节，即音乐不是从第一拍开始，而是从第三拍弱拍开始，打拍子时可先数两拍休止符，再从第三拍开始弹。

②倒数第三小节第二拍的延长音记号，表示这个音可以自由延长。

①这首乐曲为6/8拍，是由两个3/8拍构成的复拍子，初学者在练习时应每三拍为一组，一小节打六拍。

②注意在每小节第四拍上出现的附点音符。

③这首乐曲临时升号较多，请注意不要弹错。

④在乐曲第一段和第二段末尾出现了第四弦第四品的#4，左手应遵循指法规律用4指按，请不要弄错。右手可用P指，也可用其他指来弹。

4、高音弦第一把位和其他把位的综合练习

除了在本书第五讲中所讲过的换把技术外，吉他在实际演奏中还有多种实用的换把方法，下面结合上面的小乐曲一一进行讲解。

⑴利用空弦音换把：如本乐曲在第一次换把时，从第一把位换到第三把位，并从第三把位换回第一把位时，都是利用空弦音上的音符轻松地实现把位转换的，请在本乐曲中找出其他利用空弦换把的地方。

⑵利用乐句的终止或休止符进行换把：如本曲第二次换把，从第一把位换到第三把位。既使有时乐段或乐句终止时没有休止符，实际在演奏时也会有小小的停顿，这个停顿就和休止符一样可以利用从而方便地进行换把。

⑶利用滑指或滑音进行换把：如本乐曲第三次换把时，就是利用1指从第二弦第一品滑到第三品而换到第三把位的，本曲第四次换把也是利用1指从第一弦第三品滑到第五品，通过第三把位换到第五把位的。

以上这些常用的换把方法应勤加练习并灵活掌握，通过这些方法，可以巧妙地解决换把的技术困难，有效减小乐曲难度并使演奏自然流畅。但是这些方法不能解决所有的问题，在大多数时候流畅的演奏只有靠扎实的换把基本功才能实现，请重视换把基本功的训练。

5、高音弦和低音弦的综合练习

两条音阶练习

在这条练习中出现了和弦，和弦的弹法我们将在以后的课程中学习，这两个和弦也可先不弹。

这是一条三度模进练习，左手指法运动频繁，请从慢速开始练习

在高低音的综合练习中，左手一般不会有更多困难，但右手指法的安排往往是困扰初学者的问题，在实际的演奏中，右手指法的安排往往比较灵活，对于演奏家来说右手指法（也包括左手指法）的安排往往带有浓厚的个人色彩，常常依据演奏者对音色的追求和对音乐的理解，当然，也有很多时候是为了演奏方便。

对于初学者或学习吉他的学生，指法安排更多应考虑练习和方便的需要，在高低音的综合练习中，我们建议可采用以下两种方法：①P指弹④⑤⑥三根弦的音，高音用ima中任何一种方法交替，其中i、m交替最为常用；②不论高低音弦全用ima交替，这时P指应停留在不用的低音弦上以保持右手稳定，ima指注意在弹低音弦时拨弦方向应与琴弦垂直以防止杂音，在这种指法安排中，有时为了右手指法安排方便，拇指也需要偶而弹奏最低的一两个音。

6、吉他进阶：高把位的音符与有升降号调的弹法

我们在右图吉他指板音位图上给出了高音弦上第七到第九把位的音符，请大家作为思考题把第七把位的音符一一写在以上空白的五线谱上并标明指法。

作为课外作业，请自己制作一张从吉他第一品直到第十二品的指板音位图，标出从低音弦到高音弦，从低把位到高把位的每一个自然音，并另外写出相应的五线谱对照记忆，为以后进步打下坚实的基础。

这是著名的吉他名曲《爱的罗曼斯》的主旋律，我们可以通过它来练习第7和第9把位的音符，并学习有升降号调的弹法，同时为以后学习这支乐曲打下基础。

有升降号的调的演奏和无升降号的C大调或a小调的演奏无本质区别，只需要在演奏前先看清调号，有几个升或降音，并根据升降号的位置判断清楚需要升或降的都是哪些音，然后在弹的时候遇到这些音，不论是高音或低音，都是按升降号升或降半音即可。读谱时建议大家用固定调读谱，不论升降与否都按C大调的唱名来读，需要时可在音名前加读一个升“字”或“降”字，以防止混淆。

以上乐曲第一段是和G大调同谱号的e小调，只有一个升号比较简单。第二段转到了的同名大调E大调，共有四个升号，请大家细心辩认。除此之外，乐曲中还出现了临时升降号，请认真练习。

除在乐曲第二段中有六小节在第九把位演奏，其余都在第7把位演奏，请注意利用滑音来进行把位转换。在第一段第10小节中出现了4指的扩张指法，注意扩张时4指仍要保持到位和立起来。

乐曲为A-B-A三段体的曲式结构，DC的意思是从头反复，Fine是结束的意思。

8、分解和弦的演奏

吉他优美动听的声音，丰富多变的音色，再加上圆滑音（连音）、装饰音等多种技法，还有像提琴那样既能美化音色又能加深音乐感情表现的揉弦，这所有的一切使吉他演奏出的旋律十分迷人。吉他除了有擅长演奏旋律的旋律乐器特点之外，更重要的是吉他同时还是和声乐器。

和钢琴、风琴、手风琴等一样，吉他也是和声乐器。擅长演奏和弦及和弦伴奏，这不但使吉他常常为人声伴奏（民谣吉他就是最好的例子）；还能为其他乐器或另一个吉他伴奏，常见的形式有：吉他与小提琴、吉他与长笛的合奏（帕格尼尼和朱利亚尼等作曲家就作有很多这类作品）或与更多乐器的合奏，如：吉他五重奏（如波凯里尼的吉他五重奏），吉他二重奏、三重奏、四重奏，乃至吉他乐团就更常见了，而且和钢琴等一样，一把吉他还能在演奏旋律的同时为自身提供丰富的伴奏，这就是为什么钢琴曲或吉他曲往往丰富多彩、优美动听，而单独一把提琴则要单调得多的道理，当然提琴这样的旋律乐器在钢琴或乐队的伴奏下或在演奏无伴奏作品时会完全不同。同时，因为和声乐器本身就能独立演奏多声部的音乐和完备的和声，所以传统的管弦乐队不把它们包括在内。

在专业的音乐学习中，除去本专业的乐器演奏或演唱之外，还有许多课程是必修的，如基本乐理、和声学、视唱练耳、音乐史、音乐欣赏等。其中和声学就是研究和弦和和弦的应用的音乐基础课。在学习古典吉他的学生和众多的吉他爱好者中常常有这样的误解，就是觉得仿佛学习和弦和伴奏是民谣吉他和电吉他的事，和古典吉他没关系，古典吉他只要照乐谱弹会几支曲子就行了，知道不知道和弦没关系。这种想法是十分有害的，音乐是一个整体，其中的每一个要素都是息息相关并互相影响的。不了解乐曲的和声构成，甚至许多吉他爱好者中存在弹了几年的乐曲还不知道旋律是什么，调性是什么，曲式结构是什么，乐曲背景是什么…这样怎么可能对作品有深入的了解和正确的表现呢？建议每一位吉他爱好者，不论是学习古典还是民谣或是电吉他等，都要重视基本音乐知识的学习。

和弦的种类和构成千差万别，但我们从演奏技法来看，和弦可以分为两类，一类是和弦齐奏，即和弦同时发音，由于这样的和弦记在一竖行上，所以也叫做柱式和弦，有的书中也叫做持续和弦；第二类是和弦音不同时发出，而是按一定的组合顺序先后发出。（反复出现的一定顺序叫做音型），这样的和弦叫作分解和弦，或琶音。

不论从右手或是左手的演奏技术来看，学习分解和弦比学习齐奏和弦都更容易掌握，下面我们以大家都非常熟悉的卡尔西二十五首练习曲（作品60号）中的第二首来学习分解和弦的演奏方法。

学习指南：

1、这首练习曲较长，初学者可以先学习第一段。

2、这首乐曲音符的时值较短，均为十六分音符，四个音为一拍，初学者练习时不应用快速来练。可以先把每个音打一拍练习，再把每个音打半拍练习，最后在正确掌握的基础上，再按原谱四个音弹一拍。

3、演奏分解和弦时，除P指应靠弦并尽量停靠之外，ima一般都应用不靠弦弹法。初学者在初弹这首乐曲时，如在每拍弹一个音和两个音的阶段，先用Pima全部靠弦方法练习会收到更好的学习效果。

4、靠弦练习时注意右手发音的三个步骤，并注意P与ima转换时右手手型的调整。

5、不靠弦练习时，注意ima指只应大关节发力，向下拨弦，不应有向上钩弦的动作，拨弦时应多向下压一压。

6、这首练习曲均为两拍一个和弦，按和弦时不必一下按好所有的音，可以用到一个按好一个。按好后直到换下一个和弦为止，左手指都应该保留。

7、左手手指按弦时每个手指应尽量到位和立起来，按有些和弦时手臂、手腕、手指都应相应做一些调整，以保证左手用最小的力量。

8、左手换和弦时尽量利用低音空弦音的时值转换，既使没有空弦音可利用时也不能换得太早或太晚。

9、这首分解和弦练习曲的音型中出现了ma指交替演奏同一根弦的情况，初学者可以先把音型改为ma指在不同弦上交替，然后再练习ma指在同弦上交替，这样既能循序渐进，方便掌握，又能收到双倍的练习效果。

10、在学习这首乐曲时科学使用节拍机，会得到很好的效果。

吉他进阶

1、横按：吉他上需要用左手某个手指按住同一品的几根弦时，常常用到横按指法，横按通常是用左手1指横倒下来按住多根琴弦，横按指法常用在以下几种情况下：①有效简化左手指法，避免左手几个手指挤在同一品中按弦；②节省用指，同时还可腾出其他指头按别的音；③避免左手指在同品格的不同弦上来回变动，有时横按时把位的上下移动还能减少左手指在不同品格的来回变动；④左手四个手指需要同时按住五根或六根琴弦时；⑤横按有时还能用于左手指法的转换和连接方便；⑥横按偶尔还能用于消音。

横按技术可根据所按琴弦的多少分为两种：同时按住四到六根琴弦的叫做大横按，同时按住二到三根琴弦的叫做小横按，大横按一般需要左手食指完全伸直按弦，而小横按一般只用食指最末关节伸直即可。在吉他乐谱中，横按常用C、（cejq的缩写）或B、（Barre'的缩写），后面加上食指所在把位的数字来表示。

科学的学习方法可以使学习事半功倍，下面是横按的技术要领：①1指不应用指肉软而厚的指头正面来按弦，而要用1指靠近拇指方向较硬的侧棱来按弦；②1指横按时所有弦上的按弦点都应是靠近品柱的位置，这时1指应与音品平行，而不应是与音品不平行的斜按；③拇指应严格比1指横按的把位低一品，拇指与食指不应正对着用力，这样不科学的方法不但用力很大，容易疲劳和受伤，又不容易按好，而是应该利用杠杆原理，用扭转和平行的力量，用最小的力量巧妙按好横按，并使左手各指保持最大限度的放松。

2、如何用节奏音型和指法变化练习分解和弦

经常变换不同的音型和指法练习分解和弦，不但可以从多角度突破技术，打破单一的动力定型，而且还能增加练习的兴趣，得到最佳的练习效果。下面我们以卡尔卡西第二号练习曲为例，举出一些音型和指法变化的例子供大家参考。

卡尔卡西这首练习曲之所以著名的另一重要原因就是这首练习曲可以作为吉他的高难度技巧--轮指技术的准备练习，以上15种指法变化和节奏变化的两类例子能使轮指准备练习更为有效和充分。

3、指法设计举例：我们以练习曲第2号中经过句为例，列出几种指法设计，希望对大家有所启迪。

4、其他可供选择的分解和弦练习曲在本书39首渐进古典吉他独奏曲中有大量的分解和弦练习，可供不同程度的学生教师选择使用，除此之外，中央音乐学院吉他考级曲目第四级中收录的布洛威尔练习曲NO`6号是一首很好的分解和弦练习曲。阿瓜多的十七型练习也是一首很好的分解和弦练习曲。有一定程度的学生可以学习维拉-罗伯斯十二首高级练习曲中的第一首。

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扩展资料：

《小星星》源自英国传统儿歌《TwinkleTwinkleLittleStar》。保留了原曲浪漫和幻想的主题，以及六个四分音符加一个二分音符为一段的简明旋律。

鉴于国内没有真正的原版释义的情况下，为弥补中国小朋友的遗憾，由童话作家王雨然亲手操刀，借多年欧化文学的创作经验，翻译出了至今为止，最权威的《小星星》版本。不论意境还是内容都与原版完全相同，符合歌词乐理，和中文音韵，用词精准干练，意味浓浓，朗朗上口。

参考资料：