来一场大英博物馆的视觉盛宴吧！！！

2023年5月开幕于伦敦的大英博物馆特展“潜光藏耀的世纪”（China's Hidden Century，另有中文译名“晚清百态”）由两位女性汉学家霍吉淑（Jessica Harrison-Hall）和蓝诗玲（Julia Lovell）策展（图1）。展览聚焦1796年至1912年之间的十九世纪，上承康乾盛世，下接辛亥革命。“潜光藏耀”是展览的关键词，整体布展皆围绕此展开。

展览对于晚清中英关系的呈现颇为微妙，意味悠长。清朝与英国签署的《南京条约》与英军从圆明园掠夺的京巴狗之画像，还有圆明园的残砖碎瓦并列展出。《南京条约》签署于第一次鸦片战争后，为不平等条约体系的开端，而京巴狗则在第二次鸦片战争期间被掠至英国。

《芝加哥》是一部黑色幽默**，以20世纪20年代芝加哥的浮华为背景，讲述了一个荒诞而发人深省的故事。

在因谋杀被监禁后，两位歌舞女主角罗西和凯莉对此案大做文章，争夺报纸头条和英俊迷人的律师比利·弗林的青睐。在比利的帮助下，他们成功利用媒体炒作将舆论引导到自己的优势，最终被无罪释放，成为当红明星。

《芝加哥》拍摄于2002年，也是一部歌舞片，改编自同名音乐剧《芝加哥》。这部**由罗布·马歇尔执导，比尔·坎登编剧，凯瑟琳·泽塔·琼斯、蕾妮·齐薇格和理查德·基尔主演。

2003年3月23日，在第75届奥斯卡颁奖典礼上，芝加哥获得了最佳音效、最佳剪辑、最佳服装设计、最佳制作设计师、最佳女配角和最佳影片等六项大奖，成为自1968年《雾都孤儿》之后第一部获得奥斯卡最佳歌舞片。

歌舞片强大的商业和口碑气势让人想起它的风采，于是有评论说:歌舞片将迎来复兴。

影片以20世纪20年代的芝加哥为背景，当时的社会是一个“魔弹理论”(一种关于媒体强大效应的观点)的社会。

受19世纪末“**新闻战”的影响，媒体在哗众取宠的基础上，注重对犯罪、丑闻、绯闻、离婚、性的报道。虽然**新闻在新闻战中逐渐失利，但**新闻已经悄然成为当时新闻报道的主流。

20世纪初，芝加哥是美国仅次于纽约的第二大城市。

虽然美国政府为了改善当时的社会风气，关闭了红灯区，然后颁布禁酒令，但芝加哥依然是爵士、歌舞、狂欢、恩爱男女的天堂。

高犯罪率也使芝加哥成为一个真正的暴力城市。《芝加哥》的文本叙事艺术主要以人物为基础，可以分为两条线索:

一个是“罗克西线”，幼稚，梦想成为明星——发现被骗，犯罪杀人——第一次坐牢，看到社会——与人合作，蒸蒸日上——运筹帷幄，演技娴熟——策划成功，无罪释放。

这部**讲述了罗西的成长历程。一开始她只是天真的想通过一个买家具的男人的网络，走上舞台，自由的唱歌跳舞。

众所周知，这个男人欺骗她只是为了她的美貌，甚至在对她失去兴趣后还和她打了起来。一怒之下，罗西选择杀了那个出轨和她玩的男人。后来罗茜被捕，被告知可能会被吊死。

在监狱里，她逐渐了解了社会的欺诈、贪婪和腐败，罗西逐渐成长为一个懂得真正生存手段的人。律师比利利用媒体，转错就对，成功实现了她之前努力过却无法实现的目标——成名，最终被无罪释放。虽然罗茜在获得自由后一度跌价，但她最终以凶手和监狱的名义实现了在舞台上唱歌跳舞的梦想。

另一条是“凯利线”，高高在上——危机打击——嫉妒——挑衅——态度转变——竞争进攻——合作共赢。确切的说，“凯利线”应该是凯利和罗西的关系线。

凯莉一开始是罗西的偶像，她在其他人之上。她第一次见到罗西时，给了她一种专横的态度。当罗茜逐渐成名，比利开始青睐罗茜时，她感到了危机，她的嫉妒开始制造麻烦。在罗茜召开新闻发布会之前，凯莉假装善意的警告罗茜，其实是想把新闻发布会搞砸。幸运的是，比利的控制力足以控制整个舞台。

当凯利发现自己无法挽回整个局面时，她开始寻求罗西的合作。这时候双方的地位都变了，凯利成了一个被动的人。一开始，罗西不信任凯莉。后来他们被无罪释放后，因为共同的梦想和利益，最终化敌为友。芝加哥的舞台艺术魅力

**的类型是歌舞，舞台上的歌舞表演最能体现**的特点。舞台上的表演不仅讲述故事，还在同一个空间中结合了灯光、音乐、舞蹈、色彩等一系列视听元素。

这部**总共有12场舞台表演，每场都是一个华丽的篇章。导演罗布·马歇尔通过剪辑和巧妙的穿插将情节与歌舞结合起来，使观众在情节的道路上徘徊了一会儿，在歌舞的世界里徘徊了一会儿。

值得一提的是，现实和舞台的剪辑几乎都是通过相似性剪辑完成的，这也是影片流畅的原因。比如影片的第11分38秒，手电筒的“光”和舞台的“聚光灯”之间的自然过渡，就取决于光的相似性；

第23分08秒，通过水滴和脚步声的节奏，在极其安静的环境中，自然接受了《监狱探戈》的表演；

在第51分钟和第58秒，罗西的自我报告也被她在狱中母亲的“笑声”和台下观众的“笑声”之间的相似性联系起来。

与灰暗的现实世界形成鲜明对比的是，片中的叙事歌舞表演场景都是色彩饱满、热情洋溢、生机勃勃的舞台天堂，给观众带来视觉上的反差。

让我们欣赏几个经典的舞台剪辑，体验芝加哥的舞台艺术魅力:

经典之作，监狱探戈——经典的舞台表演

这部监狱探戈是整部**最大的舞台亮点。

声音的节奏，舞台的灯光，舞蹈的震撼恰到好处，画面的优美让人有感动的感觉。

伴随着水滴滴答的节奏和靴子的步伐，声音开始有节奏的出来，“砰砰，六，咯吱，呃-呃，西塞罗，李普希茨”，每个字都是从不同的人嘴里说出来的，后面跟着这六个女杀人犯的镜头。

这六个不同的词，作为六起命案的关键词，引出每个人犯罪的原因，用不同的舞蹈演绎犯罪过程。

这个舞台的基调依然是耀眼的红色，红丝带(献血的象征)此刻是他们手中杀人的工具。

唯一不同的是乌克兰女性的表现。首先，她的整个表演都是用白光来演奏的，这是千千万万朵红花中的一朵小白，很突出。其次，他们都承认谋杀，但只有这个外国人一直强调自己是无辜的。这里也为后面的“无辜者的死亡”奠定了基础。

纵观演出，这六种女装都有捆绑元素，比如丝袜，吊带。

昏暗的灯光下，每一个铁笼子所造成的视觉压迫感，都把阴郁的基调渲染到了极致，阴郁的现实是一个被理性、秩序、伦理所束缚的世界。

虽然在这个笼子里，他们杀了人，但他们可以大喊“那是，但这不是犯罪，因为他们完全活该！”他们用有力的舞蹈跳出内心的愤怒。

经典二，提线木偶

本来是罗茜的发布会，结果变成了木偶戏，给了比利几个镜头，在舞台顶端微笑着控制整个表演。

然后把镜头转向手里的傀儡记者，他们都乖乖的在比利的带领下，毫无反抗。

当然，主角罗西也是众多木偶中的一个。其实罗西所说的话，从一开始就是比利编的。

在以山**为代表的主流媒体的呼应下，其他媒体也纷纷陷入其中，于是案件的关注度越来越高，舆论的方向也朝着传线者所期待的方向发展，戏剧性的无罪辩护从一开始就获得了巨大的胜利。

当罗西和凯莉达成一致，最终登上芝加哥舞厅进行一场著名的演出时，故事的剧情在最后的歌舞中再次被推向高潮。

先看两个人表演的抒情唱法，几乎是根据罗西的真实生活。突然，抒情的音乐戛然而止。相反，他们沉迷于爵士音乐和舞蹈，然后是黑色幽默道具枪。

众所周知，他们两个刚刚开枪打死了被判他们的人。现在他们不仅无罪释放，还成为聚光灯下的明星。他们还拿着比杀人时大几十倍的枪支作为特殊道具，用自己的犯罪行为作为噱头来提升知名度。

在这场讽刺性的表演中，观众“毫不吝惜”地鼓掌。

以上舞台剪辑其实只是全片的代表。其他的，比如一开始凯莉想说服罗西和她一起表演，罗西的审判舞，比利对法官和法庭的辩护过程，都是相当有艺术魅力和分析价值的。

无论是镜头的运用，场景的布局，人物的动作，音乐的协调，灯光的效果，都融合在一起表达主题，给观众带来视觉冲击和听觉震撼。

用视听手段来表达故事文本，此时的视听语言比简单的文本叙事更强大！

与传统音乐剧**中美好爱情的主题不同，《芝加哥》将谋杀、压抑、欺诈、贪婪、腐败等元素融入这部音乐剧，使其具有创新性和当代性。

20世纪20年代的芝加哥，夜总会的盛宴，麻木无耻的看客，腐败的“付出必有回报”的监狱之花，被现实击碎了名利梦想的罗茜，被男人背叛而毅然用暴力解决问题的凯莉，每个人鲜明个性的塑造，**色彩的对比，都折射出那个时代的亵渎、浮华躁动和黑暗腐朽。

这部**似乎也有一些女权主义的色彩，但并不完全是女权主义。就像监狱里探戈一节的分析，他们的服装都是捆绑的。他们虽然挣扎，但还是逃不出监狱。毕竟，这两位英雄最终在比利·弗林的帮助下出狱，并获得了巨大的声誉。

当然，大众传媒也要深刻反思**塑造的媒体形象，提醒自己的社会责任。

这部**给我们带来了华丽的舞台和精彩的表演，同时也把歌舞片这种集技术与艺术、情节与现实于一体的**创作类型带入了我们的视野，以一种清新活泼的方式带给人们视觉盛宴和精神冲击。

近日，Dior 2021春夏成衣时装秀在巴黎发布。女装创意总监 Maria Grazia Chiuri（玛丽亚•嘉茜娅•蔻丽）以彻底颠覆经典的方式，再度诠释传承至今的迪奥廓形。将剪裁赋予思想，本季度设计师以众多女性作为缪斯蓝本，谱写出了一场神秘而又富有仪式感的视觉盛宴。

此次大秀的秀场营造了一种哥特式教堂的氛围，暗色系的场地搭配彩色玻璃窗更显神圣和神秘。

本季主色调为；浅色调、哑光蓝、深赭色和浅橙色。

艺术家露西娅•马尔库奇（LUCIA MARCUCCI）以及其拼贴（COLLAGE）作品所表达的关于女性形象的言论和思考。精妙的文字仿佛宣言一般坚持着自己的主张，反思着在这一特殊时期探寻 时尚 表达方式的重要意义。

波伏娃是法国存在主义作家，女权运动的创始人之一。1945年与让-保罗·萨特、莫里斯·梅格-庞蒂共同创办《现代》杂志，致力于推介存在主义观点。1949年出版的《第二性》，在思想界引起极大反响，成为女性主义经典。1954年凭小说《名士风流》获龚古尔文学奖。同样是设计师在这一季度的灵感缪斯。在她的影响下，本季度推出了诸多带有上个世纪40年代的文艺气息套装。

灵感来自于英国知名女作家伍尔芙，她是二十世纪现代主义与女性主义的先锋。两次世界大战期间，她是伦敦文学界的核心人物，同时也是布卢姆茨伯里派(Bloomsbury Group)的成员之一。最知名的小说包括《达洛维夫人》(Mrs Dalloway)《到灯塔去》(To the Lighthouse)等。她的作品更加注重精神含量，自由平等深入骨髓。平日里就喜欢用以层层绚烂色彩包覆自己。所以在这个基础之上，本季度推出了许多以舒适度为主的居家系列长袍。

地中海图案搭配派斯裙装和编织凉鞋，五彩长袍与青铜丝裙上的精美花朵图案相撞，整体给人清爽自然的感觉。围巾的拼布，佩斯利图案，飘逸的裙摆和轻薄的真丝雪纺衬衫，捕捉了那个罗马时代的繁荣。

桑塔格是美国作家、艺术评论家。著作主要有《反对阐释》、《激进意志的风格》、《论摄影》等。2000年，她的 历史 小说《在美国》获得了美国图书奖（National Book Awards）。在文化界，桑塔格和西蒙·波伏娃、汉娜·阿伦特被并称为西方当代最重要的女知识分子。这位灵感缪斯带来的则是充满异域风情的花纹和夸张的图腾，利落剪裁的衬衫搭配复古气息的繁复花纹，既具备了作家的文艺气息又有着神秘色彩。

从通过写作照亮生活和 情感 的女性身上汲取灵感：诗人、知识分子、作家等优秀女性。本季彻底颠覆经典的方式，重新演绎一九五七年秋冬高级订制日本系列迪奥廓形。将那些职业女性的普通白衬衫升级成束腰外衣或连衣裙，夹克变成了衬衣，裤子的宽度变得越来越小。

# 时尚 在身边# #今天穿什么# #Dior#

这是一场顶级的视觉盛宴，舞台设计感非常令人震撼，而且张艺兴的造型也极具创意。

看过张艺兴演唱会的人都会被现场的热烈气氛所感染，他每次都能给歌迷带来不同的视听体验，而这次新加坡站巡演舞台照同样令人惊艳。整个舞台是由复杂的机械装置构成，隐藏了很多黑科技元素，唯一能看到的是巨幅背景屏幕和悬挂中央的屏幕。同时张艺兴的造型也非常给力，在舞台上更换了多套服饰，特别是粉红头发与闪亮外套的组合让人眼前一亮。当他站在舞台上表演时，俨然给观众带来了极致视听双重盛宴。

舞台的设计感令人震撼

近期，张艺兴在网站上公布了新加坡站演唱会现场照片，并发文感谢了新加坡和所有到场的歌迷，文末还表示自己会再回来的。看得出张艺兴对新加坡的巡演很兴奋，同时也取得了巨大的成功，根据照片来看，演唱会确实将视听效果玩到了极致，特别是舞台呈现出炫酷设计效果。舞台整体色调以蓝色为主，无数个小屏幕呈现出立体的感觉，大屏幕投射的影像则有科幻感，当个性化的灯光洒下来时让人秒穿越到未来。

张艺兴的造型极具创意

在巡演舞台上张艺兴不断地唱跳，展现出扎实的演唱功底，同时也将演唱会变成了大型的变装秀，他更换了多套时尚造型，尤其是粉红色的发型无比吸睛。这头金属粉衬得他皮肤十分白皙，而亮片外套又彰显了时尚感，当他热烈地唱跳时凸显了潇洒的姿态。下一刻，他又更换了宽松的背心式T恤衫，显得手臂健硕有力，更体现了满满的青春活力，惹得台下的观众高声大呼。事实证明张艺兴此次巡演的视听效果给人留下了深刻印象。

这是一片富有艺术气息的国土——米兰。

在这里有达芬奇，有斯卡拉，有DUOMO大教堂，更有著名的维多利奥艾玛努埃尔二世长廊。这里凝聚着艺术与时尚的美感，充满着意大利式的浪漫风情。

四月的米兰，应该正是大好风情。那些富有创造力与想象力的作品，总是能博人眼球，这也是为什么那么期待设计周吧。看惯了周围千篇一律，总是期待更爆发的创造力、更戏剧的表现形式、更Crazy的想法、更犀利的观点，甚至也期盼四月更好的时节。

这是一场创意的盛会，让我们对未来充满了无限可能。

探索未来·与电相拥

LEXUS雷克萨斯：触·电（SENSES ELECTRIFIED）

最近雷克萨斯官方宣布，今年将继续参加米兰设计周这一全球的国际设计盛会，和往年一样，每年一个主题，这代表着雷克萨斯每年新的发展愿景。而今年，雷克萨斯带来了“触·电（SENSES ELECTRIFIED）”为主题的设计展。

届时它将与位于伦敦的全球知名空间实验工作室LooppH联手，向世人展现“雷克萨斯电气化”愿景以及从雷克萨斯纯电动概念车LF-30中汲取灵感，打造一场激情动感的沉浸式体验，展现未来交通出行的电气化愿景，为观展者带来精彩纷呈的感官盛宴。

如果用一个词来形容的话，“惊艳”莫属。从整个概念车LF-30身上来看，还是熟悉的雷克萨斯，尤其是前脸带给人的凶狠霸气的感觉还是一往如初。只是格栅变成了全封闭的，在设计上，更加具有光影错综复杂的美感。

不过，我更喜欢车门的设计，还原了经典鸥翼门设计，在彰显帅气之时，还能带给人无比的尊荣感。当然整个车身的线条也十分流畅，尤其车顶的弧线让整车的气质感爆棚。

外观帅还不够，LF-30的内饰也充满了满满的未来感。大屏幕带来的感官刺激就不多说了，主要的亮点我认为还是在方向盘的设计，半封闭式的方向盘，还有中间点亮的雷克萨斯车标，还有方向盘上极具科技感的按键，都展现出了一辆未来的车该有的感觉。

不仅产品大胆而创新，雷克萨斯也十分看重创意和设计，因此连续多年举办的雷克萨斯全新设计大奖，就是雷克萨斯不断推陈出新，鼓励新创意，新想法的行动之一。本届大赛延续了2019年的参赛宗旨，设计师需以各自的创意理念诠释雷克萨斯品牌所推崇的“预见”“创新”和“吸引”三大设计准则，并通过设计作品，来预见用户以及未来社会的需求。

同时，2020雷克萨斯全球设计大奖6位最终入围者的设计作品也将届时展出。

LEXUS DESICN AWARD 2020THE FINALISTS(决赛名单）

1、『BioScales』

设计师：Sutherlin Santo, USA

这对来自洛杉矶的设计师，他们试图通过探索新兴的数字工艺、生态材料和传统工艺之间的关系，设计出自然和技术之间的对称联系。

BioScales是一个模块化的空气过滤系统，设计可重新配置和可扩展的最小维护程度。使用自定义算法，将2D图像转换为3D机器人工具路径，它拥有严格的美学和结构规范，且由生物聚合物材料制成的，这种材料可以提取和储存二氧化碳和其他有害化合物。此外，模块化组件可以确保通用性，增加产品的寿命从而减少浪费。

2、『Feltscape』

设计师：Theophile Peju & Salvatore Cicero

Feltscape是由毡和热塑性塑料制成的呼吸云，它可以捕捉噪音并定制室内声学和照明质量。它的目标是开发一种将热塑性塑料与工业毡结合在一起的技术性纺织品。

它采用机械加性制造技术，通过挤压聚合物材料的纤维来增强织物的强度。通过这项工作，一种叫做“推和打印”的新技术被开发出来。纤维植入与成形过程的结合是该方法的新颖之处。机器人通过同时推动毛毡来放置灯丝，将织物冻结成最终的形状。Feltscape利用生成式设计和参数化工具可以精确地调整以适应不同空间的特征和用户需求。

3、『Flash Pak』

设计师：Yaokun Wu，China

Flash Pak是一款智能充气PFD(个人漂浮装置)，专为那些学校所在地区洪水泛滥的学生设计。Flash Pak存储在学校里，每个学生都可以方便地使用，并在紧急疏散时分发给学生。它的设计舒适，且适合接近身体，易于穿上和操作。该设计利用了关键的功能包括一个单独的网络设备，一个触觉导航系统和一个漂浮设备。

4、『Lick』

设计师：Irina Samoilova, Russia

Lick是一种便携式的身体清洁剂，可以帮助那些没有机会洗澡或淋浴的人。它可以彻底清洁手指和腋窝等部位。最令人兴奋的是转动滚轴的质感，滚轴上有绒毛，就像猫的舌头上的绒毛一样，可以完美地吸附皮肤上的液体和杂质，另外绒毛可以帮助洗掉表面的毛发。

Lick可以帮助照顾卧床不起的病人。此外，它体积小，易于放在包里携带，所以你也可以带它前去旅行。

5、『Open Source Communites』

设计师: BellTower, Kenya

该设计最初的计划是解决发展中国家经常遇到的挑战即缺乏经济适用房以及高失业率等问题，为此以提供使用可持续食品、住房、能源和健康社会的方法。

虽然仍处于概念阶段，但已存在开放的资源将被用来提供基本的住宅设计，其他的设计将后续被引入，以整合所有相关的生活基础设施，以实现社区的连通性、农业、健康和福利。例如，家具设计、水培温室设计、水化炉、太阳能光伏系统和生物蒸煮器都计划纳入。所有这些设计都是采用可持续的设计或者再生材料建造。

6、『Pursewit』

设计师: Aqsa Ajmal, Pakistan

在巴基斯坦，大约45%的人在纺织业工作。然而，即使巴基斯坦拥有丰富的缝纫文化和历史，视障人士在这个行业找工作时也会面临障碍。

Pursewit提供了一种更简单的方式，将缝纫技能融入到收入创造中，增加了对触觉和其他感官的依赖，使机器的使用更加直观。线程路径更加简化和流线型：用户沿着一条直线，从卷轴针到机器的手臂，通过一个环，然后到针。机器每一步都会提供反馈，以确保过程的顺利完成。

写在最后

其实不难看出，本次大赛的主题“设计构建美好未来”并不仅仅是单方面设计师们的脑洞创意，更表现出了雷克萨斯品牌在汽车设计生产这方面，也努力做到以用户为中心，展现未来新出行方式的主旨。

毕竟电动化时代的来临，将又会是一场汽车界的大变革。雷克萨斯通过米兰设计周，再一次向世人展现了自己对于未来无限探索的勇气和恒心，以及那种让人感叹的创造力。就好像带来的电动概念车LF-30一样，让人们穿越了时空，看到了未来。

本文来源于汽车之家车家号作者，不代表汽车之家的观点立场。

        《西方美术史话》是微信读书里一位朋友推荐的，放着很久都没有触及。最初源于西方美术史而感兴趣想读，却也生生被“西方”“美术史”这两个词吓着了，多高大上的书啊，始终不敢轻易涉足。

        真正读下来，发现不只是收获对西方美术史脉络的了解，对每一个时期著名的影响人物代表作的理解更深入了，懂得联系从时代背景去欣赏画家和他的作品风格、特点，当然开阔视野的同时更加提升了审美能力。

        如果2007年去欧洲之前，我就读了这本书，当站在法国的凯旋门、巴黎圣母院、卢浮宫和凡尔赛宫等博物馆前的一幅幅巨作前，我看到和吸收的可不仅仅是导游给我讲解的部分了。

        花了一上午时间将本书整理出来，内心感到特别有成就感。不论是分享给更多人了解，还是日后自己翻阅，都是特别有意义的。

        人类的艺术史上，或者说造型艺术史上，作品大致就在这么两种风格间来回摆动：一端叫作应该的、理想的，另一端就是本来的、真实的。

        人的精神史也是这样，就像一个小孩子学画一样，从不会画画，到掌握了一定的技巧；然后觉得技巧不够了，要更多地表现自我了；最后又返璞归真，觉得还是最简单的、最朴素的最打动我。

        整个西方美术史跟小孩的成长是一个脉络的，所以我们可以按这个脉络去理解它。

        为什么波提切利会是揭示了文艺复兴最重要主题的画家？

        慕容引刀老师说：我们看美术史和画家，一定要看在他之前发生了什么，或者说他当时处在一个什么样的环境之下，才会有如此的成就。因为我们不能抱着现代人的傲慢去看待，你说一个现代人什么没见过？各种大**、宽荧幕，你什么都见过了之后再去看波提切利的画，可能觉得不过如此，但是你要想想波提切利之前发生了什么。我们刚刚还介绍了中世纪，那都是一些画得很刻板的人物，连小孩都长了成人的脸。

        这种情况下，突然有这么一张画，画着一个裸体的女神很美地站在那里，向人们展现美神诞生了。看到这样的画面，你一下子就被震撼到了，觉得原来还是有活生生的、特别能打动人的东西。因为人还是天然地会被人的那些情感所打动。您刚才讲被震惊到了，对吧？那种婀娜的体态、那种姿势、那种质感，一下子就让人们觉得新世纪开始了。所以它的题目也特别好——《春》《维纳斯的诞生》。

        文艺复兴的“三杰”

        达·芬奇 有点像一座高山，他是这种刺破云端的天才型人物，他什么都会，像一座高峰一样。

        那么 米开朗基罗 呢，像大海，他就更辽阔、更雄浑，也有巨大的力量感。

        那到了 拉斐尔 呢，他像一望无际的草原，让你感觉很舒适、很甜美、现世安好、很宁静，他是这样的一种气场。

        洛可可时期

      《劫夺留西帕斯的女儿》这幅画，马奔腾交错，他用的都是斜线构图，以往更多的是水平线、竖线的这种构图。但它是斜的，互相交错，整个画面就有一种动荡的、特别有冲击力的感觉，这是他的一个构图特点。

      17世纪的荷兰画派

        伦勃朗厉害的地方应该在于他的用光，有一种光叫作“伦勃朗光”。如果之前画作的体积感没有那么强的话，可能是因为光打得还不够精彩。他的光就成为固定的范式了，卡拉瓦乔的光打得很高，伦勃朗稍微再低一点，就差不多从画面前四分之三的角度打下来，也不会太高。然后这边都是阴影，但阴影的地方还有个亮的小三角，是这样一个光的组合。   

        另外一个特点，其实还是因为他画了更多世俗生活的题材，他不是为了宗教服务的。比方他成名的《杜普教授的解剖课》，他就画了一群老师，正在给学生讲解剖是怎么回事。这种东西以前不会入画的，但他入画了。《夜巡》画的是民兵自卫队，这样的一组人物出现在绘画里面，而且还强调了故事性。

        生活中有一些宁静的瞬间是很打动人的，但我们可能过得匆匆忙忙，就忽略掉了这部分。 只有像维米尔这样，一张画画两三年，也不着急，慢慢来，他就特别擅长捕捉这种瞬间，所以我觉得这个是打动人的地方。

        伦勃朗激烈得多。一般画家的特点就动和静这两者，维米尔是属于静的。伦勃朗的画因为它有很强烈的戏剧冲突在，不管是用光，还是像《夜巡》这样的戏剧性特别强的画面。你能感觉到伦勃朗的光是跳动的，他那个自画像，脸上好像有火光在映照一样；但是维米尔的画，好像时间停滞了。他的画面，窗外也有光进来，但那是阴天的光，你都感觉不到阳光灿烂，他的光都是像《窗前读信的少女》或者《倒牛奶的女仆》那种漫反射的光。

        学院派

        最早的代表人物就是普桑和勒布朗，普桑画过《阿尔卡迪的牧人》，勒布朗最有名的作品是凡尔赛宫。

        洛可可风格的时代，重装饰、重细节、表现柔美、更偏重情感类。

        从意大利到荷兰，再到法国。法国人的风格和荷兰人真是不同，荷兰人的风格会有很多乡土气息，有生活、有土豆，是朴实一点的感觉，有农田、林荫道。但是 到了法国以后，那就是以宫廷为主 。“暖风熏得游人醉”，都是特别享受的感觉。

        随着路易十五、路易十六继位，整个法国变得越来越糟糕，然后就开始出现拿破仑，开始出现大革命，于是接下来的整个艺术走向也发生了变化，这一段叫作革命风云。

        在革命风云中，首先引领艺术发生改变的两个人，就是戈雅和大卫。为什么这个时候会成为一个分界线？革命风云的画作和之前学院派的画作，最大的区别又在哪儿呢？

        岁月静好的时候，或者在“暖风熏得游人醉”、大家很奢靡的那个时代，你就会天然地去接受那些甜蜜的东西。但是革命风云时代，一听名字就知道，它一定非常动荡、非常激烈，那么在这种情况下，就容不下一张所谓平静的书桌，或者一个平静的画架了。你的画布上一定会反映出来那个时代的一些变化。

        美术史也是记录历史的一个过程，这个时候的画作中有了大量的宣传精神，就是他们会用这幅画去感召人民，感召大量的人去做一些事。

        大卫就有这样的观点，他说我们的艺术是为了政治，或者为了这种革命趋势的需要去服务的。

        视觉的力量在于一目了然。我今天讲，你得听；我今天写，你得看，而且看好久，对不对？但是一幅画，你一眼看到，那种气场、氛围、所有东西，都一目了然，所以它的煽动力确实很强。

        在革命风云当中，大卫有一个学生叫安格尔，也很了不起，安格尔有一幅著名的画作叫《大宫女》，是新古典主义的典范，他那一代叫新古典主义，就是精准到无以复加。还有一副《泉》，画的是一个女孩拿着一个瓮在浇水。

        安格尔不在革命的范围内。只是因为他正好是大卫的学生，所以被安排在了那个时期，而且他继承了学院派的典范，他是学院派最后的荣光。

        真正继承了大卫的革命力量的人，是德拉克罗瓦。

        在历史上经常会看到，两个人互为反面。安格尔的反面就是德拉克罗瓦，安格尔就是那种精准、严谨、庄重、美、理想化，然后到了德拉克罗瓦那里，就是真实的、充满动感的，所以他也是浪漫主义的一个代表人物。人们把他叫作“浪漫主义的狮子”。

      印象派的时期

        印象派的集大成者，或者说最有名的、现在被最多粉丝追捧的就是莫奈，莫奈画了《睡莲》和《吉维尼花园的日本古桥》等。

      塞尚是被毕加索称作“现代主义之父”的人。

        塞尚的思考方式不再按照原来的方式，去还原一个现实世界，不再考虑这张桌子、这个杯子、这个透视应该是这个样子。他更多考虑的是它的构成，这几样东西组合在一起，背后是一种什么样的构图。

        他希望看到它的结构在里面，所有的这些杯子的结构、桌子的结构。哪怕这个结构不精准，在他看来，这个就是他要追求的永恒的东西。那些精准的造型、那些色彩斑驳的东西，他看不上眼的。 他想要的是这样一种剥离了物体表面的、更偏形而上的思考方式。

        马蒂斯的名言：“对啊，这是一幅画，这不是人。”

        马蒂斯和毕加索都同时受到了非洲面具艺术的启发，为什么后来毕加索会成为一个更集大成的人呢？

        毕加索凝聚了一部美术史的发展。你看他小的时候，很早就展现出了天分，他十三四岁时画的那种写实的油画，很早就把人类早年拥有的绘画经验学会了，然后再一路往下走，就渐渐走到了形体越来越不可辨、越画越不像的阶段。

        他同样受到了非洲雕塑艺术的影响，所以 他发展出的画风是人物更变形、更概括、更提炼，模仿非洲雕塑的造型特点。可是他不止步于此，他一直在变，一直在推陈出新，走下一步，所以他是一个从来没有停步的人。

        同样受到了这些影响之后， 马蒂斯可能走向了偏剪纸的效果；可是对毕加索来讲，他发展出了立体主义，后面更无法去判断到底是属于什么主义了，他一直在不停地推陈出新 ，所以他就更厉害。

        后印象派

        梵高被归入“后印象派”

        从时间上看，他们几乎都是同一代人，大家彼此也都认识。“后”的原因在于，像莫奈，无论他怎么变形，他其实还是照着那一片荷塘画的，这是清晰可辨的，自己个人的因素并不多，多的还是光影造成的这一画面的效果，其实还是写实的。但到后印象派这几位，梵高、高更这些人，他们其实画的不是眼中看到的世界了，他们更多地画心里面想的、理解的。

        看梵高画的《星空》，好像星空都流动起来了，星星都熔化了一样的感觉。

        象征、梦幻和潜意识的时期

        那时候康定斯基、蒙德里安这样的人，他们画的很多画，就是一些辐射或者一块一块的颜色，为什么会这样呢？

        这也是一种观念上的开创。你看我们之前说到毕加索，你仔细辨认毕加索所有的东西，还是有迹可循的，这是和平鸽，这是一头牛，这是一个人的脸，这是一匹马……就像《格尔尼卡》里面，也总能找到对应的、小孩子都能识别的图形。

        可是到了蒙德里安，那不就是色块吗？他完全没有这些图形了。到了康定斯基的时候，做一些放射性的颜色或者线条或者点线面的组合。这个就是“把绘画还给绘画了”，他不再是为了表现一个形体，我画出一个你看得懂的东西，没有这件事，不存在，我就是让它这个东西是好看的。

        他们表现的是这些色彩，点线面组合起来，它会是美的。如果没有蒙德里安的探索，不会有我们后世的这些现代建筑。比如方房子，怎么会有这种美的东西出现呢？就是因为他们这些人的探索。

        我们这些普通人，我们可以回家甩甩吗？

        “美是有法则的”。你得有节奏感、有起伏、有变化、有韵律、有互相的冲突，可是又和谐、对立统一。 这个是基本的美的法则，包含了这个法则的东西，你会觉得是美的；不包含，哪怕再抽象，它还是不美的。

        后来商业社会越来越发展起来以后，就有了波普主义。波普主义开始是剪贴画。

        最后，再从头回顾一下，从岩画开始，然后古埃及、古希腊、古罗马，之后进入黑暗的中世纪，然后文艺复兴。文艺复兴后期出现了提香、威尼斯画派，还有德国的和尼德兰的画派；之后到巴洛克——浪漫主义；然后从这儿开始进入17世纪的荷兰画派，荷兰画派是维米尔和伦勃朗的那个时期；接下来到学院派；然后开始闹大革命，大革命之后进入现代的印象派；然后开始后现代主义，一直到最后的这种抽象、立体，最后到波普。

        希望我们以后在欣赏这些画作的时候，不会一无所知。当你心中有一点认知的时候，你再去看那幅画，豁然开朗和油然而生的幸福感一定会更强烈。愿我们都是生活的艺术家，喜欢艺术欣赏艺术，让我们的生活变得更加有趣。❤️