有关舞蹈演员幕前幕后的文章

这是芭蕾舞演员的最真实写照

　　考试

芭蕾演员从头到脚，是从尺子的丈量开始的。在他们十岁左右去考舞蹈学院附中的考场上，软尺就搁在考官面前的长桌上，初试中专门有一项就是丈量孩子身体的比例。腿比上身长不得少于十二厘米，这一项数据足以宣告无数孩子与芭蕾无缘。芭蕾的选材是苛刻的，有N个判断的标准，身体各部分的比例，肌肉素质、柔韧性、协调性、气质、能力、乐感……从事芭蕾的人在一生中，眼里不会有“完美”二字。她们已习惯用审视的眼光看待别人和自己，而且从小就有了这种审视的眼光。

　　来考芭蕾科的小孩们都很瘦，十岁左右的年纪，她们说芭蕾舞演员的理想脸型是五官上蒙着一层薄皮。

　　她们说起练舞时的痛苦，也是一副欢快的表情。比如说一天要练很长的时间，容易枯燥，鞋总是磨破脚……孩子们在互相攀比着痛苦，说芭蕾是先苦后甜，说那些跳芭蕾的姐姐们刚穿脚尖鞋时都掉过起码两次脚趾甲盖儿。她们互相讨论着彼此的脚背，说跳芭蕾舞的脚背可重要了比脸还重要。一个女孩儿分析了身旁另一个女孩儿的小脚背，说还不够好，要她多练一下前脚掌。于是其他小孩争先恐后说着前脚掌的方法，比如说抓毛巾，或者窝着前脚掌走路……

　　2005年报考北京舞蹈学院附中芭蕾科的小孩全国有几千名，也就招了一个班，有十六个女孩、十五个男孩。

　　竞争

　　孩子们通常要接受七年正规系统的芭蕾舞训练，在相互的竞争中开始七年漫长的集体生活。

　　每周至少上两次秤，谁胖了一斤瘦了一斤都会成为焦点。过的是集体生活，自然免不了生活用品都是相同的，所以她们长大后异常反感和别人用同样的东西，从衣服到手机甚至任何一个细节。

　　专业老师在课上的一句话，会被孩子们刻在心里头。演员们超强的承受力是从小练出来的，老师们严格挑剔，他们也不得不对自己严格挑剔，私下里都相互较着劲儿。

　　中央芭蕾舞团有个群舞演员，总被人夸奖天生后腿好，赢得很多羡慕的眼光。不久前我们才知道她的后腿是自己练出来的。她说自己从来不会在人前练，等着同宿舍其他女孩一个个睡熟后才开始偷偷练，练背肌两百个。还好她睡的是下铺，如果是上铺，她的计划恐怕早就泡汤了。

　　耐不住寂寞的孩子是学不了芭蕾舞的。即使舞台上万众瞩目，也不过寂寞一人。

　　脚尖鞋

　　中芭的大门旁边有一个卖芭蕾用品的小店，每次路过，我都忍不住进去看看。

　　店不大，只有两个售货员，还好她们都不算热情。但有一次，我刚走进去，一个新来的售货员看了看我，说：“你穿三十六码鞋。”

　　我有点紧张，下意识地挺直了背，伸了伸脖子。

　　“要脚尖鞋还是软底鞋？”

　　那一瞬间我打算买一双芭蕾舞鞋：“脚尖鞋，红色缎面儿的。”好容易被人认为是跳芭蕾的，索性就虚荣一回吧。

　　售货员递过来时神情中有些诧异。我付了钱拿着鞋，说了声还挺贵的就离开了。后来我才知道，平时演员们常穿肉粉色的芭蕾舞鞋练功跳舞，极特殊的剧目才会穿红色。而且拿到一双新的芭蕾舞鞋，一定会试穿，这是极重要的程序，一双不合脚的芭蕾舞鞋是绝不会穿上舞台的……

　　减肥

　　芭蕾舞演员在外人看来是骨感的，但他们常常不满意自己的身材，觉得自己瘦得不够。

　　第一次上舞台，穿薄薄的紧身衣、紧身裤跳舞，紧张得要命。紧身衣意味着身体的每个毛孔都在等待观众挑剔的眼光，你穿着它，会感到浑身不自在。为了这身紧身衣能穿得好看，女演员们有很多方式折磨自己。我见过十岁的女孩在夏天减肥，她们已经很瘦了，但还要不惜一切控制自己的体重。对学芭蕾的小孩子来说，吃的幸福可以忘却，瘦才是根本的幸福。

　　女孩们用保鲜膜紧紧地缠在自己认为需要减肥的部位，来回缠上好几层，缠紧后再套上减肥衣，大热天到操场跑几十圈。减肥衣不透气，温度一高，汗自然就下来了。孩子们做这些动作像熟练工，而且非常坚定地告诉我，前一天这样干就成功减掉了一斤。如果不去跑步，酷热时就缠上保鲜膜，穿两件毛衣外加羽绒服捂着汗也成，但这样会比运动的效果差一些。

　　一个小个女孩有一学期没有吃过主食了，总是象征性地拿着餐盘去度过难熬的吃饭时间。

　　学芭蕾的孩子们对各种秤的特点了如指掌，她们坚信用电子秤称体重会偏重。她们每周要称两次以上的体重，称重前，她们会动作一致地主动奔向厕所，她们认为那多出来的一两斤就是欠芭蕾老师的债。

　　女孩们上秤时一个个踮着小脚尖，一只脚一只脚小心翼翼地站在秤上，连低下脑袋看秤也不敢有太大动静，憋着气，生怕秤会因了她的举动而向右边偏离了去。

　　镜子

　　听说镜子能照见人的灵魂。

　　堂而皇之照镜子的有几类人，其中就包括芭蕾舞演员。在平时的训练中，真正的观众其实就是镜中的自己。她们相信镜子，几乎每一天都会重复无数次相同的动作，在镜子里检视着自己的一举一动，镜子是她们忠实的陪伴者。演员们在化妆间里说笑聊天，只要有镜子，她们通常不会彼此相看，而是对着镜子中的对方交流回应，这是她们特有的习惯。

　　无常

　　2006年7月19日，我得知中央芭蕾舞团又有几人离开。尽管知道这是迟早的事，还是感到怅然。演员经常笑说，自己学了七年芭蕾，最后跳的年头超过七年也就够本儿了。据我所知，大部分人都没跳够本儿，跳一年两年三年的大有人在，还有毕业后再没有机会穿上芭蕾舞鞋的……

　　芭蕾舞团有一个女孩，来团三年，二十岁，这一年团里没有跟她续签。她是个极好强的孩子，知道这个消息后万念俱灰。她把自己关在宿舍里，没有声音，没有音乐，也没有灯光，一个人淹在黑暗中，不去听朋友的呼喊，与世隔绝地待了四天。其实她的伙伴们都知道她的痛苦，但没有一个人敢去劝她。因为她们知道，终有一天她们也会像她一样地离开，她们有她们的无常。

　　十五岁在舞院上学那年，女孩的双脚脚踝长了严重的骨刺，练功的时候总是忍着痛，不想让别人知道。每一天，双脚和舞鞋都在无声地对抗，疼痛与日俱增。终究在一天早晨练功时，老师发现了脚的异常，让她马上停止上课，去医院做检查。

　　女孩压根就没去医院，在学校附近溜达了一圈，回来跟老师说医生看了没啥事。老师从小看着她们长大，实在太了解这些孩子，很快给女孩妈妈打了电话。第二天妈妈从外地赶来，带着女儿去了医院，从医生那儿得到的答复是，千万不要再跳舞了，进行保守治疗，可以保住双脚。孩子对妈妈说，想让我不再跳舞，除非让我死了。北医三院还从未给一个芭蕾舞演员做过这样的手术，他们答应孩子做一个新的尝试，女孩不想太耽误练功，笑着问医生能不能双脚一起做，这样能节约些时间。医生认为这样做风险实在太大，女孩说两条腿同时残废或者保留一条腿对跳舞的她来说没有任何区别。

　　医生制定了严谨的方案，女孩单薄的身体裹在大号的病服里显得有些寂寥。手术意外地成功了，她可以再跳舞了。芭蕾舞鞋的丝带优雅地缠绕着，刚好掩盖住那双脚上长长的伤疤。两年前她笑着给我讲了这个故事，从头到尾她一直微微笑着，仿佛在讲述一个别人的故事，听的人倒哭了。五年后，命运还是注定了她和芭蕾舞鞋的分离，暂时的或者永远的……“我爱芭蕾但芭蕾不爱我”，不幸又被言中了。

　　我知道，多少叹息都无法平息她内心的伤痛；我也知道，芭蕾舞演员已经习惯了这种无常的命运。

世界芭蕾舞发展概况　　宴会芭蕾

　　芭蕾出现于15-16世纪文艺复兴全盛时期的意大利，艺术家极力模仿古希腊的艺术风格。最早的芭蕾表演是在宫廷宴会上进行的，1489年在意大利的一个小城里，为庆祝米兰公爵和西班牙阿拉贡公主伊达贝尔的婚礼，演出了《奥菲士》。当时的表演形式与我们今天所见到的芭蕾演出绝然不同，它的每一段表演大致都与上菜联系在一起，比如模拟狩猎的表演开始以后就吃野猪肉；海洋、河流神灵出场开始吃鱼。然后，许多神话人物上场献上许多菜肴和水果，最后客人们也都参加到热闹狂欢的表演中去。这是一种把歌、舞、朗诵、戏剧表演综合起来的表演形式，可以说是芭蕾的雏形，后人称它为“宴会芭蕾”。

　　宫廷芭蕾

　　随着意大利贵族与法国宫廷的通婚，意大利的“芭蕾”演出被带入法国，1581年，在亨利三世皇后妹妹——玛格丽特的结婚庆典上演出了《皇后的喜剧芭蕾》。当时没有舞台，观众坐在三面墙壁的两层楼廊里。国王和显贵们坐在坛台上，表演则在大厅的地板上进行。编导者博若瓦叶就是受聘于法国的意大利人。内容表现女妖西尔瑟如何征服了阿波罗，但不貌幌a target=_blank href=/view/54509htm>法兰西国王陛下屈服。表演是戏剧、音乐、舞蹈、朗诵、杂技的混合体。路易十四时期（1643-1715），法国芭蕾发展到它的鼎盛时期，路易十四本人喜爱舞蹈，并受过良好训练。15岁即参加宫廷芭蕾《卡珊德拉》的演出，扮演阿波罗神。

　　情节芭蕾

　　18世纪欧洲启蒙运动深刻地影响着法国芭蕾的发展。它的革新思想表现在反对把芭蕾当作供贵族消遣的装饰品，要使芭蕾象戏剧一样，表现现实生活，提倡芭蕾要有社会内容和教育意义，这就是“情节芭蕾”产生的时代背景。诺维尔代表了欧洲芭蕾革新的主流，集中体现了启蒙运动的民主主义精神，他在《舞蹈和舞剧书信集》中，提出了他对芭蕾的革新主张。诺维尔的学生——让·多贝瓦尔所创作的舞剧《无益谨慎》至今还在上演，成为当代各大芭蕾舞团的保留剧目。

　　浪漫主义芭蕾

　　浪漫主义芭蕾是芭蕾发展史上“黄金时代”，在舞蹈技巧，编导艺术以及演出形式方面都经历了一个灿烂辉煌的阶段。《仙女》、《吉赛尔》、《爱斯梅拉尔达》、《海盗》等舞剧的产生，造就了一批芭蕾人才，如佩罗、布农维尔、塔尼奥尼、艾尔斯勒等。这个时期的芭蕾特点概括如下：

　　1、内容和题材的变化。超凡脱俗的仙女、幽灵代替了神话传说和古代英雄故事中的人物。反映一种对现实不满和失望的情绪，一种追求超越尘世的对另一世界的情趣，或以死亡摆脱对现实的失望，或以一种不切实际的追求代替对生活的愿望。其中代表作有《仙女》（1832）和《吉赛尔》（1841）。《吉赛尔》汇集法兰西风格，成为浪漫主义芭蕾的顶峰，此后逐渐出现了浪漫主义和现实主义相结合的现象。

　　2、舞蹈技巧和表演都有了重大发展，脚尖舞技巧成为女舞蹈家表现手段的一个重要因素出现，男子舞蹈技巧也有了进一步的提高。

　　3、在演出形式上，采用了瓦斯灯的照明和大幕，改革了芭蕾服装和舞鞋，产生一种诗意轻盈的风格。

　　浪漫主义芭蕾的黄金时代极其短暂，从19世纪30——40年代，仅仅10多年就出现停滞枯萎的局面。从19世纪下半叶开始，欧洲芭蕾的中心逐渐移致俄国。

　　俄罗斯芭蕾

　　随着社会的发展，芭蕾舞逐渐从宫廷娱乐性舞蹈变成有情节 的芭蕾舞步入剧场，演出了带有社会生活内容的舞剧。

　　十九世纪，浪漫主义思潮亦对芭蕾艺术产生深刻影响。芭蕾 舞从内容到形式都发生了根本性变化。反映民间神话传说、仙女花神、精灵鬼怪等故事成了芭蕾创作的主要题材。女演员成为主角，服装改成了短裙，脚尖舞成为芭蕾的基本要素。这种足尖站立的技艺，把舞蹈者的身体向上提升，适合表现轻盈的体态以及 表达追求与渴望的情绪。

　　十九世纪末，柴科夫斯基作曲的不朽名著《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》等芭蕾舞剧在俄国和各国相继上演，世界芭蕾艺术的中心，就由巴黎转到了彼得堡。特别是柴科夫斯基的音乐，给舞剧音乐带来了丰富的形象内容、戏剧性的动力和交响性的发展。不仅是芭蕾舞的典范作品，亦成为世界乐坛上的不朽作品。

　　19世纪下半叶欧洲浪漫主义芭蕾走向衰落，复兴芭蕾的使命历史地落在俄国肩上。从40年代起，外国舞蹈家们频繁访俄。塔利奥尼父女、佩罗、圣·莱昂等人的表演和编导活动，特别是布农维尔的学生约翰逊（在圣彼德堡）和布拉斯（在莫斯科）的教学活动，向俄国舞蹈界传授了法兰西、意大利两大舞派的精华，并逐渐形成了新的学派——俄罗斯舞派。在剧目建设上，玛蒂帕和伊凡诺夫起了决定性的作用。十九世纪末，柴科夫斯基作曲的不朽名著《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》等芭蕾舞剧在俄国和各国相继上演，世界芭蕾艺术的中心，就由巴黎转到了彼得堡。特别是柴科夫斯基的音乐，给舞剧音乐带来了丰富的形象内容、戏剧性的动力和交响性的发展。不仅是芭蕾舞的典范作品，亦成为世界乐坛上的不朽作品。实现了舞剧音乐的革新，使音乐成为舞剧中塑造形象、叙述事件的基础，启发和丰富了舞剧编导的舞蹈交响化的思想。《天鹅湖》第二幕达到了舞蹈诗的高峰，被奉为交响化舞蹈的范例。以后又有格拉祖诺夫写出的《雷蒙达》（1898）、《四季》（1900），这些作品在继承浪漫主义芭蕾传统的同时体现了俄国现实主义传统。

　　20世纪初，俄国芭蕾已在世界芭蕾舞坛中占据主导地位，拥有自己的保留剧目，表演风格和教学体系，也涌现了一批编导和表演人才。此后，一批俄国芭蕾舞界的年轻人要求革新、探索新的表演手段和发展道路。戈尔斯基和福金就是他们的带头人。福金的革新思想不可能在帝国剧院内实现，他的主要作品都是在国外为佳吉列夫芭蕾团排练上演的。佳吉列夫从1909年起连续3年组织俄罗斯演出季，并于1913年成立以蒙特卡罗为基地的永久性剧团——“佳吉列夫俄罗斯芭蕾团”，在欧美各地巡回演出，影响巨大，把由俄国保存的古典传统剧目送回欧洲，促成欧洲芭蕾的复兴。该团解散后，它的成员流散欧美各国，利法尔在法国，德瓦卢娃在英国，巴兰钦和福金在美国，对各国芭蕾复兴或创建做出了重要贡献。

　　当代芭蕾

　　1929年末，利法尔成了巴黎歌剧院芭蕾舞团的常任舞蹈编导和主要舞蹈演员，一直到1958年离开，实际上进行了一次改革，例如废除了赞助人可以在芭蕾演出之前到后台去与舞蹈家们闲聊有一个世纪的古老权利。还有每周举行一次开幕式。1932年重演《吉赛尔》时，利法尔饰演阿尔伯特，他是一个才华横溢的人。法国两大编导家，罗朗·佩蒂1965年根据雅勒的音乐编导了《巴黎圣母院》，获得了辉煌的成功。莫里瑟·贝雅尔1970年编导的《火鸟》是一个最别致的作品。巴黎歌剧院芭蕾舞团的保留剧目还有《吉赛尔》、《葛蓓莉娅》、《西尔维娅》等。

　　英国芭蕾主要归功于三个伟大女性的毕生经营：在皇家剧院担任多年首席女芭蕾舞蹈家的阿德莉娜·热奈夫人；妮娜特·德·瓦卢娃夫人的不朽功业是皇家芭蕾舞团；玛莉·兰伯特夫人，是以她的名字命名的芭蕾舞团的创始人。此外还有节日芭蕾舞团、苏格兰芭蕾舞团。

　　美国没有国家芭蕾舞团，巴兰钦与林肯·柯斯坦在1933年一次会见，应邀主办美国舞蹈学校。1948年转化为纽约市芭蕾舞团，巴兰钦任艺术指导和主要编舞家，副艺术顾问是杰罗姆·罗宾斯。已经形成了一种典型的美国舞蹈风格。另一重要芭蕾舞团是美国芭蕾剧院，1940年开始活动。先后担任编导的有福金、马辛、安东尼·都铎等。还有乔弗里芭蕾舞团，阿瑟·米切尔的哈莱姆舞蹈剧院，是第一个黑人古典芭蕾舞团。

　　丹麦皇家芭蕾舞团是丹麦民族传统的优秀继承者，布农维尔一百年前创作的舞剧，仍然在哥本哈根以纯正的风格进行演出。（实际上是旧式法国风格）在丹麦芭蕾中，传统意识一向是非常强烈的。1932年哈拉尔德·兰德尔被任命为皇家剧院芭蕾指导，一直到1952年，他为法国、英国重排的《练习曲》，是对芭蕾舞技巧的一次辉煌的展览。

　　20世纪初有影响的俄国编导有戈尔斯基、普尼和福金。安娜·芭甫洛娃理想的体现了福金的构思，1905年有《天鹅之死》。

　　在俄国，十月革命后，高尔斯基坚持戏剧的表现性，使它的舞蹈演员们采取史坦尼斯拉夫斯基的方式生活于角色之中，原本产生于宫廷的芭蕾舞并没灭亡。1927年在莫斯科演出了《红**花》，是俄国第一部英雄主义的现代题材的舞剧，标志着古典学派的胜利，指出了追随的准绳，古典芭蕾博得了新的声誉。谢苗诺娃和乌兰诺娃首次登台，新创作的舞剧注重戏剧结构，更多地运用民间舞蹈来丰富舞蹈编导的语汇。俄国芭蕾开始了复兴。

　　从1581年法国演出《皇后的喜剧芭蕾》至今四百多年，芭蕾舞已遍及全世界，被公认为人类文化遗产的重要部分，成为世界性的艺术，五大洲的众多国家都建立了自己的专业的芭蕾舞学校和芭蕾舞演出团体。在当今世界上，芭蕾艺术繁华似锦，古典芭蕾和现代芭蕾，戏剧芭蕾和交响芭蕾等不同流派争奇斗艳，涌现出大批人才和剧目，很多国家逐步形成了自己的风格特色，在芭蕾舞的艺术表现上不断出现新的探索和创造。

芭蕾舞的标志　　用脚尖站立的芭蕾舞女演员。在观众看来，用脚尖跳舞轻松愉快。女演员脚上那粉红色的芭蕾舞鞋是那么优美高雅，让人想起这是一项崇高的艺术。但是，实际上，用脚尖跳舞十分困难。

　　那些献身芭蕾舞艺术，探索其奥秘的人并不愿意把秘密公布于众。如果揭开芭蕾舞鞋的秘密，似乎芭蕾舞之谜也就不复存在。

　　芭蕾舞鞋能够承受的巨大的荷重可以跟足球鞋承受的荷重相提并论，其关键在鞋尖。鞋尖不仅柔软，而且具有相当大的安全系数。即使跳起时鞋尖断裂，女演员保证不会残废。

　　俄罗斯著名的“格里什科”公司生产的芭蕾舞鞋从非洲到墨西哥，在三十多个国家受到欢迎。

　　芭蕾舞鞋鞋尖用生产紧身胸衣的面料，例如缎子缝制而成。“格里什科”的专家得出结论，芭蕾舞鞋最合适的颜色——桃皮色，既不刺激观众，又能安抚女演员本人，而不是通常许多国家的那样——粉红色。

　　芭蕾舞鞋鞋尖的最大奥秘在于使女演员得以用脚尖跳舞的“鞋盒”。“鞋盒”藏在鞋尖里。“鞋盒”实际上是一种硬套，套住脚趾和一部分脚面。“鞋盒”不用木头、塑料、软木等材料，而由6层最普通的麻袋布或其它纺织品粘合而成。“格里什科”公司拥有胶粘剂的专门技术，让鞋尖既不太硬，又不太软，也不易折断。

　　鞋尖手工缝制，然后连同“鞋盒”里面朝外同鞋的其余部分缝到一起。之后，鞋匠把鞋尖翻回来，用小锤把“鞋盒”弄平顺。当没有不平的地方后，让鞋在硬物上直立起来，看看能否保持平衡。最后，让舞鞋在摄氏50度的条件下晾干，存放在室温下。一双芭蕾舞鞋准备好了!

　　一双芭蕾舞鞋的寿命短得令人遗憾：上场演出2-3次。“格里什科”舞鞋的记录是大剧院的独舞女演员娜杰日达·格拉乔跟基特里合作，在芭蕾舞剧《东·基霍特》里跳了9场。

　　为了适应不同高度的脚面，芭蕾舞鞋总共有3种型号：“瓦加诺瓦”、“埃利塔”、“富埃捷”。每种型号又分17种尺寸。此外，每种尺寸又有5种肥瘦情况。任何一个女演员可以从厚薄、大小、肥瘦不同的255种鞋中，挑选适合自己的理想的鞋。尽管如此，为了让鞋更适合自己的脚，每个女演员各有高招：一些人用小锤敲打鞋，另一些人用门挤压鞋，还有一些人用五花八门的东西垫进“鞋盒”里……

　　俄罗斯芭蕾舞女明星叶卡捷琳娜·马克西莫瓦娅承认，在没有足够选择的年代里，每推出新剧目，她都要花费整整一天时间来让脚适应舞鞋。

　　还有一件事没有提到，每个女演员通常亲自动手给舞鞋缝上小丝带。通向舞台的道路打通了!

　　至于男演员，穿所谓的软鞋——在外行看来跟普通的布鞋差不多。其生产工艺跟女演员的当然无法相比，但也有自己的精致之处。软鞋分两种：整鞋底和分鞋底。分鞋底由两部分组成：鞋前部和脚后跟。正是鞋前部让男演员的脚穿在里面舒舒服服，自由自在。如何欣赏芭蕾舞　　欣赏芭蕾，大致上有两条思路。一条是传统的，一条是现代的。一般主张欣赏的方法与欣赏的对象相统一：即用一丝不苟的传统思路，去欣赏“早期”、“浪漫”和“古典”这三个传统时期的芭蕾舞剧、音乐型芭蕾和纯粹型芭蕾。

　　传统的欣赏思路要求观众提前半小时左右到达剧场，以便能将日常生活中的琐事和烦恼，统统留在剧场的大门外或衣帽间那个尘世的空间里，然后静下心来，全身心地投入剧场这样一个非常特殊的，与马路上的拥挤、菜市上的吵闹、单位里的纠纷、家庭里的琐事毫不相干的审美场，进入《仙女》、《吉赛尔》、《葛蓓莉娅》这样一个人造仙境，进入《睡美人》、《胡桃夹子》、《天鹅湖》这样一个梦幻世界，一连几个小时逃避一下都市的喧嚣和精神的压力。接下来，我们还可以用心地研究一下节目单，细读一下剧情梗概、有关评论、舞团简史、编导和舞者介绍等各种有关材料，寻找一下众所公认地芭蕾舞明星，想象一下另人陶醉的音乐名曲，期待一下奢侈华丽的服装和富丽堂皇的布景……

　　现代的欣赏思路对观众没有任何苛刻的要求，而是为其提供随遇而安的哲学，因为现代生活的节奏压根儿不允许观众，特别是有职业的观众提前半小时到达剧场，而是在欣赏的过程中强调观众无需任何先人之见，只需用随身携带、各不相同的理性知识来理解，用来自生活、五光十色的感性经验来参与即可。

　　这种欣赏思路认为，节目单上的东西简直就是编导们设下的圈套，或者是为弥补舞剧编导或芭蕾编舞自身的语无伦次而兜售的灵丹妙药，可看可不看，甚至最好不看！剧情到底是怎么“写”的无足轻重，成功与否只能看他台上怎么“舞”的。芭蕾舞剧说到底，还是以舞为主，以剧为辅的，否则，便无法解释芭蕾舞剧中的领衔主演们在跳完双人舞后，甚至在跳完其中的变奏后，便向观众频频施礼的现象。如果剧重于舞，这种行为岂不是出“戏”了，西方的观众和评论家们又怎能整整忍耐了一个世纪呢？

　　这种欣赏思路认为，明星可以欣赏，但用不着崇拜得五体投地，明星崇拜的风气实在显得太古典！按照自己的审美标准，而不是跟着评论家们的意见跑；寻找自己眼中和心里的明星，而不是随波逐流，这才是最最重要的。