线的表现力美术作品

线的表现力美术作品如下：

初步感知线条，了解线条的表现力和生命力及其作用，并学会如何应用线条表达，感受线在各种艺术形式中的地位、作用和形式美特点。

通过对各种艺术中线条的欣赏及练习，掌握用线条来表达内心感受的方法，尝试在比较欣赏中，发现美、探究美。

感受画家用线条传达出的不同情感，认识人类丰富的情感世界，提高审美能力及造型表现的能力。

用线条造型是人类最早、最简洁的绘画表现形式。中国画用线条表现物象的手法称为“白描”，或称为“线描”。最初，白描是以粗细均匀的线条为主的。

唐代的吴道子用线具有粗细轻重的变化，能生动地表现衣服的动感与厚度。北宋的李公麟擅长白描手法，能很好地展现线条的魅力。

线条是中国绘画的主要造型手段，是形成国画风格的一个要素。线条的艺术表现力很强，既能表现物象的轮廓，又能表现其体积、形态、质感、量感和运动感。

线条的变化与造型的形式美紧密结合，使画面既有韵味又有独特的表现形式。线条可以说是一种符号、一种媒介，具有较强的抽象性与概括性。画家可以用线条描绘物象，传达自己的思想。不同画家笔下会出现不同的用线特征，传达各自的内心情感。

1、色彩的情感表现色彩的情感表现色彩的情感表现色彩的情感表现 在一幅画中，最能体现画家情感的是色彩的变化。如果说画家的情感表现是一幅作品的灵魂，那么色彩就是绘画手法中的灵魂。画家的绘画创作目的就是用作品来表达自我的情感，那么只有通过对事物的色彩研究、总结、归纳，才能完成这一创作目的。 在画面中，体现的往往是高兴的或悲剧的。爱德华·蒙克的作品体现的就是浓重的悲味，在他的作品中给人的感受往往是压抑的、悲惨的，在画面中有一种类似被抽干血肉的干尸或骷髅的感觉，他们像幽灵一样在画面上晃动。而他通过使用纯度较高的亮色与暗色的混合使用强化了这种感觉，使作品带有鲜明的个人情感。 在色彩情感表现的世界里，最具有代表性的就是毕加索，他的一生是可以用颜色总结的：忧郁的蓝色时期、快乐的玫瑰时期。在孤独无助的蓝色时期中，其所创作的作品中最具代表的是《人生》，以浓郁的蓝色调表示贫老与孤独的苦难；而在玫瑰时期的作品，画面人物表情虽依然冷漠，却已注重对和谐美感与细微人性的关注。整体除了色彩的丰富性外，又已从先前蓝色时期那种无望的深渊中抽离。摒弃先前贫病交迫的悲哀、缺乏生命力的象征，取而代之的，是对生活充满了兴趣、关注及信心。 所以我们在表现中，就要利用色彩的冷与暖、厚与薄、亮与暗寻找色彩的象征性和表现性，使其描绘的对象具有象征意义，让它们产生精神上的含义。

2、线条的情感表现线条的情感表现线条的情感表现线条的情感表现 线条的情感表现是多样性的，曲线表示优美，直线表示刚强。而在油画创作的世界里，线条的作用也是多样的，对于写实油画而言，线条服务于造型，更多的是一种辅助的效果，而对于表现性油画创作中，线条则是情感的抒发，在画面中也更加的具有独立性、生动性。 在创作中线条的应用中，概括来说，可分为两种：一是线条情感的艺术表现，二是线条情感的自然表现。两者是有着本质区别的:第一，线条情感的艺术表现是为了更好地服务画面效果，不会毫无顾忌地使用线条，在使用线条的时候更加具有目的性。而线条情感的自然表现则是更加随心所欲一些，他表现的是画家创作过程中的心理反应，也许当时线条的应用只是一丝丝的灵感，而恰是这一丝丝的灵感，创作出一个遐想的空间。第二，线条情感的艺术表现是丰富的、细腻的、繁琐的，也许会有一些共性的东西。而线条情感的自然表现则是单调的、狂野的、简洁的，拥有更多的是作画者的个性展现。而在创作过程中，只有把艺术表现与自然表现更好地融入在一起，才能创作出拥有自我真实情感的作品。 奥地利表现主义画家席勒，他的作品受蒙克、克里姆特等人画风的影响，注重线条的表现是席勒作品不同于其他艺术家作品最明显的标记。席勒的绘画作品充满灰暗、焦虑、扭曲、痛苦、让人感受到席勤的生命始终笼罩着死亡的阴影，极具艺术表现力的艺术语言和充满震撼力量的线条，使得艺术家的内心真实情感和对人生的感悟跃然纸上。他的作品《死神与少女》、《自画像》、《干洗房》等以扭曲的人物造型、神秘的自然风景表达对人类生存、对生与死的思考，运用颤栗紧张的线条和夸张变化的色彩加强感情的力量，致使画面笼罩着一种痛苦、憔悴、紧张和性压抑的气氛，体现出强烈的表现主义精神。

3、创作内容的创作内容的创作内容的创作内容的情情情情感表现感表现感表现感表现 如果说色彩是画面的灵魂、线条是画面的骨骼，那么创作内容就是画面的血液，时刻流淌在画面的每一个角落。只有选择正确的、合适的内容去表达，才能够在创作中表现出自己的真实情感，心甘情愿地为创作去付出、去思考。 在创作内容的选择上，往往有两种误区：一是“题材决定论”就是认为在创作题材的选择上，只有表现重大题材的艺术创作才具有崇高的艺术价值；表现平凡题材的艺术作品只能具有平凡的艺术价值。这是不正确的，它否定了油画创作的表现性和多样性。达·芬奇认为艺术可以表现任何题材。他说，宇宙中存在的一切，不论是可能存在、实际存在还是在想象中存在的，都能出现在艺术家的“心里”,“然后移到他的手上”，称为艺术作品的题材。其次，题材不能决定作品艺术价值。18世纪的英法艺术家认为，“历史画”是高贵的，“肖像画”、“静物画”、“风景画”是低贱的，这是不对的。19世纪德国画家马克斯·李卜曼有句名言：“画得好的白菜头比画得坏的圣母头更有价值。”艺术作品的价值，不完全取决于画什么，而是看画家的综合素质和在创作中所投入的真实情感。 二是“题材无差别论”，认为题材仅仅是艺术家表达思想感情的媒介，对艺术作品是无关紧要的。克莱夫·贝尔说，艺术作品的题材，如“叙述性绘画”，具有“历史方面价值的画像”，乃至连环画中所讲的动人故事都是非艺术因素，“不仅不能唤起审美感情，反而会影响它和干扰它”。这种观点是错误的，题材在艺术创作中不具有破坏干扰作用，也不是无关紧要的，题材在一定程度上制约着艺术作品的价值，只有符合时代背景下的艺术创作，才能更容易地唤起自身的情感，将之描绘在画布上。董希文的《开国大典》、达维特的《马拉之死》等题材都是一定程度上体现了作品的价值。 总之，创作内容在艺术创作中的作用是很重要的，它是构成艺术作品必不可少的内容之一，也是表现画家情感的基础，只有拥有好的创作内容，才能呼唤起画家对创作的兴趣和激情。

摘自赵君超、马信中《浅谈油画创作中的情感表现》，希望对你有用。

　线描画的特点

　线条是绘画造型的基本元素，也是作者用来表达感情的要素。把一条线首尾相接就构成了形，它在绘画中表示界线、区域或轮廓。

　线条是绘画造型的重要手段之一，有丰富的表现力。由于线条运动的方向，使用的材料，排列的方式，描绘的速度以及用力的轻重不同，使线产生许多的变化，如曲直、长短、粗细、软硬、锐钝、强弱、缓急、疏密等，作者根据个人的感受、风格、爱好，采用不同的线去表现。

　儿童线描的造型特点，具有游戏性、随意性、象征性和装饰性。用具象和抽象结合，装饰与构成结合，通过线形的排列、组合对儿童进行美的感性训练，使他们掌握线描的基本功。

　在绘画中，线条不仅可以用来勾勒出客观事物的形体，表现客观事物的运动，而且也是作者用来表现他对客观事物的感受，表现他的审美情感和艺术个性的手段，蕴含着作者本人的思想感情，是心灵的体现，是音乐的旋律。

　线的种类大体可分直线和曲线两类。直线有垂直线、水平线、斜线、折线和交叉线等;曲线有弧线、波浪线、螺旋线等。

　线描画的欣赏

　美术最基本的造型手段是线条，它是构成视觉艺术形象的一种基本元素。无论平面还是立体的作品，无论写实还是抽象的作品，线条作为创造形象和表现艺术家思想感情的绘画语言，显示出了丰富的表现力以及艺术美感。中国画中传统技法――十八描，即是各种线条的生动画法。中国绘画史的线条，可从现代的水墨画一直追溯到仰韶文化中的彩绘画，历代对线条的运用各具风采。

　西方绘画中的'线条，具有较强的造型功能。由于东西方文化背景的影响，无论在形式上还是在美感上各不相同，东方绘画中的线描画注重情感，富有韵律感和装饰美，西方绘画中的线描画更具有理性特征。在欣赏习惯影响下，绘画中造型的传统观念的差异，就形成了不同的表现力及民族风格。

　线描画的工具与材料的选择

　线描因为使用工具的不同，从而使作品呈现出不同的艺术效果。长期以来，高中的线描画教学在形式、运用工具以及材料上都有着一定的局限性。其实线可以是单色的，亦可以是复色的，在线与线之间或者线的上面也可以添加其他的色线，造成一种丰富的色彩变化。也可以用美工笔或者签字笔等，勾画出较粗的线条或较细的线条，和毛笔等软笔勾画出的粗犷的线条，形成鲜明的对比。此外，在材料上可以选择不同色彩和质地的纸张，来丰富线描的表现力。比如宣纸上的线给人一种飘逸感，而蜡纸上的线则给人一种顿挫感。其实还有很多，材料和工具的不同，最后导致的效果随之产生变化，从中可以感受到不同的艺术氛围。

　线描画的分类

　线描画的种类有点（大点、小点）、线条（点的延长）、面（点的聚集和线条的增粗），还有直线、斜线、螺旋线、曲线以及点、线、面的组合。线描画也可称为素描画，它是以单线条来描写所看到的物体，它是既可以对物象进行细致入微地刻画，也可以对物象进行简单地艺术处理的一种绘画形式。

　儿童线描画的一般知识

　儿童线描画源于中国画法中的白描，是一种以线为最基本的表现手法的儿童绘画形式。在儿童线描画中，线条是最有生命力的因素。线是结构，线是骨骼，“形依线而立，色依线而明，神因线而传”。

　儿童线描画其主要特点就是具有一定的写实性和较强的装饰性，与黑白装饰画有相似之处，但又有明显区别。就造型语言来说，儿童线描画以线为主，点、面为辅，而黑白装饰画是点、线、面的综合应用。

　儿童线描画的工具很简便：纸，以质地细腻而坚实、洁白、不湮为宜；笔，可用钢笔、水笔、书法笔（或者将普通钢笔的笔尖加工使之稍弯曲一点，画线时可粗可细并用来进行适当的黑白处理）、铅笔（H型为宜）；此外还要碳素墨水、橡皮、白色广告色（修改画稿用）。切记不可用直尺、圆规等辅助工具。

　儿童线描画的教学目的

　美术活动可以培养儿童的观察力、记忆力、想象力和创造力，使儿童借绘画表现抒发自己内心的意欲和情感，儿童线描画教学也是如此。

　儿童线描画对启发儿童智慧，培养学习能力和习惯有很好的作用。喜欢线描画的儿童对学习语文很有帮助，记生字时，他们对字的形状与笔画看得准、记得清、写得好，这有赖于画画时观察力、记忆力、描写能力得锻炼。写作文时描写得具体生动、细致深入、层次清楚，这也有赖于画画时观察与思维之功。学习数学时理解能力也比较强，他们对事物多少、大小、长短、方圆等在画画时积累了很多感性认识。

　儿童线描画的教学常规

　一门课的教学成功与否，教与学的双向努力是关键，教师的思维导向左右着学生的理解、分析能力及素质的形成。

　由于儿童线描画在认识物体和表现对象时有其特殊的要求，从而在教学过程中，如何正确地引导学生观察、分析、理解物体的形象及其规律，并将其准确、生动地描绘出来，便成了该课地重点。儿童线描画地家学常规是：基本技巧练习、分类练习、组合构图练习。

　1、基本技巧练习：线的练习

　线是线描画最基本的造型语言，线条练习是线描画的基础。对初学者来说，画线能力的获得确需严谨的训练过程，基本线条练习必需下大功夫。初学者在进行线条练习时可能会画得歪歪扭扭、不太工整，而线描画是最讲究线条的整齐工整，每一条线的衔接都要到位。

　在进行线条练习中，应注意以下几个问题：

　（1）初学者一定要进行反复地练习，只要持之以恒，定能收到满意效果。

　（2）在具体的练习用线时，注意千万不能描和涂，行笔要沉稳，不能浮滑，一笔中途不要犹豫、不要停留，画出来的线条要流畅如白云流水。

　（3）练习各式各样的线条（直、曲、弧、折、不规则）排列，注意线的平行，用笔均匀，用力要稳，线条之间距离要相等。

　（4)长时间的线条练习，学生会觉得枯燥乏味，教师引导学生练习时，需注意采用灵活多变的训练方法。诸如：在不同基本形中进行线条排列练习；在具体小画面中进行线条排列练习；通过比赛活动进行线条排列练习等等，调动学生的积极性，提高学生的兴趣。

　　中国书法艺术的线条美

　　线条是书法的基础、灵魂,是书法赖以延续生命的重要媒介,也是书法家表情达意,精神、气质和学养得以流露的媒介。汉隶的出现是书法艺术中一个划时代的里程碑,没有一种书体的表现力能与它相抗衡。当然,更为直接的则是在于汉隶的主要贡献——解放线条,它对于我们研究线条美有决定性的影响。我们在欣赏一幅书法作品时,首先被欣赏者感觉到的也是线条,所以它也是欣赏者沟通书家的桥梁。通过线条,欣赏者可以获得精神上美的享受,心灵上的慰藉、净化和震撼。中国书法的毛笔工具为线条美的高层次塑造提供了极理想的支持。欣赏者可以把线条作为审美对象,从视觉上把握作品的深层内涵,书法家们也把线条看成其作品的一种生命象征。康有为在《广艺舟双楫·碑评第十八》中,有过这样的一段论述:“书若人然,须备筋骨血肉。血浓骨老,筋藏肉莹,加之姿态奇逆,可谓美矣”。在这里,“筋”、“骨”、“血”、“肉”四者,都是针对书法线条而言。康有为认为书法线条美犹如一个人生命体的美,它体现出书法美的最高原则。在中国书法艺术领域中,书法线条的审美特征主要体现在以下几个方面。

　　(一)力量感

　　这里所谈的力量感,是书法中的一种巧力,是掌、指、腕、臂在人的意识协调和控制下且融合了书写者审美观念、书写经验的自然运动。中国书法一贯强调笔力,卫夫人的《笔阵图》有云:“下笔点画。波撇屈曲,皆须尽一身之力而送之”。东汉蔡邕则在《九势》中指出:“下笔用力,肌肤之丽”。肌肤就是线条美的形式感觉。一般而言,下笔有力,线条就美,就有丰富的肌肤内涵。“在技巧之力中仍然有明和暗的对比关系:线条头尾顿挫转折者是谓‘明’,线条中截平稳运动的貌不惊人的力是谓‘暗’”。这段话指出了线条力度美的真正所在。富有力度的书法艺术作品之所以美,是因为它能使观赏者在这种凝固而静止的字形中领略到生命的风采、心灵的律动。如果笔力弱薄,书法美就无法得到充分的表现和发挥。

　　(二)立体感

　　对于书法这一平面的艺术形式而言,立体感是一个矛盾的说法。因为线条本身是平面化的存在,根本不可能符合三维空间的物理标准。但是一副书法作品如果缺乏立体感,线条就单薄乏味,不耐看。真正的立体感应是沉着、浑厚的并能让人感受到线条中蕴藏的丰富信息。简要地说,书法所强调的立体感是一种抽象地经过提炼的空间。在创作具体的书法作品中,又因书体不同以及书者的审美趣味各异而自具形态。强调线条要具有立体感,当然与中国人的传统精神有密切的关系。任何一种审美意识都离不开社会内容的制约,书法自也不例外。如女书家卫夫人在《笔阵图》中指出:“夫三端之妙,莫先乎用笔,六艺之奥,莫重乎银钩。”这段话的推理公式是:书法——用笔为先;用笔——中锋居重;线条——要有立体感才美。

　　从书法美的角度来看,中锋技巧是绝对的。而侧锋技巧是相对的,它无法独立运用,只能与中锋互相交替补充。而且不能处于主要地位。之所以如此,是因为书法讲求笔法的目的是为了追求线条美,而线条美中最主要的一条是立体感要强,要有厚度。我们可以改造用笔的方法,但却无法跨过这个终极的书法美的目标。它决不是一个单纯的技巧问题,而实质上是一个美的问题。

　　(三)节奏感

　　我们从书法作品的节奏感里可发现一种活力,然后在活力里面体验到了生命的价值。节奏的原则就是对比的交叉。落实在书法形式上,则是空白与墨迹之比,空白大小之比,空白形状之比,墨迹点线之比,乃至墨迹粗细、干湿、方圆、转折之比。大凡构成一种对比,都含有节奏的元素。“一阴一阳之谓道”,“阴阳”便是节奏之本。线条在构成过程中笔的运动特征——松紧、轻重、快慢,就是线条节奏的具体内容。种种运动的性质和种类也有不同,不管是何种性质的节奏,都是对比着而存在。毛笔书法能够表现出很多书法家的个性。每位书家生命的活力都体现了线条节奏感的审美价值。如:空间节奏、用笔起伏节奏、空白节奏、方向节奏等。

　　节奏的原则相对于力量感、立体感的原则而言,似乎显得较为简单。因为对力度和线条的厚度,我们都能从一个实际的起点出发,在外观形态上对此作深层次的描述。但对于节奏而言,可视的形态比比皆是,不可视的深层内容又不仅仅是书法方面的内容,还牵涉到生理、心理方面的问题。立体感、力量感与节奏感基本上囊括了线条审美意识的全部内容。不仅如此,即便是在书法的运笔技巧方面,“三感”的存在也已经包括了技巧的全部空间内容。

　　力量感的构成是依靠提、按、顿、挫、转、折、方、圆,强调的是一种用笔的起伏——上下运动;立体感的构成,则依靠中锋为主的用笔,而笔法则落实到线条美的具体范围,追求的不只是在平的纸面上画出线,而是要塑造出立体效果;节奏感的构成是依靠速度的控制、断续连贯、轻重徐疾,有个推移过程,因此具有时间属性。立体感与力量感,平面运动与上下运动,构成了立体的动作空间,再加上一个节奏感,又构成了时空对比,三者互相交叉,相互渗透,形成了书法技巧的最为广阔的艺术天地。

线，或称线条，是一种存在于现实生活或者美术作品中的视觉形态要素，由于它们往往是和形、体、色、光等视觉翌累同时并存的，所以，造型观念中的线，往往和视觉上的概括提炼与抽象相联系，然而这些能力的形成，又必须通过美术欣赏和美术创造的实践去训练。如何加深对“线”的概念的认识并在实践中艺术地去运用，是中学美术教学的重要环节。一、欣赏以线造型的中外美术作品，提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。线条是美术最基本的造型手段，是构成视觉艺术形象的一种基本因素，无论平面的还是立体的作品；不论是写实，还是装饰；不论是抽象的，还是具象的……在长期的美术发展过程中．“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言，一直处于十分重要的地位，并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。中国著名绘画大师吴冠中的《山水》一画，皴染不多，主要以毛笔线条勾勒，但其中线条流畅自由，轻重虚实的变化，随意性较强，具有浓厚的抒情意味和鲜明的时代感。法国后期野兽派大师匀蒂斯的《红沙发上的注女》（油画）以简洁概括、富子感而又极富装饰件的线，极为和谐、简练地勾画出一个呼之欲出的少女形象。二、重点强调中国传统美术中线的作用。中国画的线，可以追溯到仰韶时代的彩绘画，晚周帛画，楚器漆画和汉唐壁画。仰韶文化的彩陶纹样。是中国最早用线的作品，鲜明、生动、挺拔的线条，描绘了漩蜗纹、弦纹以及人的面形、虫鱼、鸟兽等形象，体现了原始艺术朴素、稚拙的美。唐宋以来，随着人物画创作的兴盛，线描艺术发展到厂一个高潮。吴道子是唐代的线描大师，人们称吴氏的线条为“吴带当风”，他画中的人物，衣袖飘动，生动异常，体现了高度的“运动感”和“节奏感”，充分发挥了线描艺术的效果。南宋画家梁楷的《元祖斫竹图》是一幅“写意”线描的人物画，画中人物元祖为佛教禅宗六世祖慧能．画家用寥寥数笔，把一个正在劳动中的老翁刻画得十分生动，中国画家经过长期的艺术实践，从“文人画”“院体画”到民间画，对线的运用各具风采（在表现物象的同时，还传达出入的情绪），传统技法──十八描，即是各种线的生动画法。三、东西方绘画用线的异同。由于受不同文化背景的影响，东西方绘画的线在形式美感上各不相同：东方绘画中的线注重表现情感，富于韵律感和装饰美；西方绘画中的线具有较强的理性特征，不能把这两者对立起来，应该指出线造型在东西方美术作品中是相通的，同样具有丰富的表现力和多彩的艺术美盛，只是由于欣赏习惯，绘画造型的传统观念的差异，形成了不同的表现方法和民族风格。从具体的作品来分析，东西方绘画线的表现特点又往往交织在一起，如二十世纪初法国的马蒂斯的作品就证明了这一点。他的作品既有西方绘画的优良传统，又吸收了东方艺术的特点，给人一种新的美感享受。在我国，随着中西文化的不断融合，中国传统美术有厂新的发展和变化，特别是近十几年来，这一点更加突出，如：吴谥械淖髌吩谙叩运用上有新意，线的节奏和韵律美十分强烈和鲜明。对中外美术作品的优良传统，都应认真研究继承，在学好我国传统绘画课的基础上，还需了解西方美术。“西为中用用”，使我们民族的绘画艺术具有当代性和世界性。

中国的书法文化历史悠久，书法是汉字的主要体现形式之一，毛笔在以写为主的文字系统中扮演主角。书法的线条和不同类型的字体结构是书法艺术的主要元素，亦是书法艺术美的主要体现。 

一、书法艺术的线条美

线条是书法构成的主要元素与基础，是书法形成的重要媒介亦是作者传情达意，流露情感气质的载体。汉代的书法是我国书法艺术的重要代表与里程碑，其中以汉隶所体现的解放线路最为典型。线条可以说是作者与欣赏者之间沟通的桥梁。线条是书法作者生命的特征体现，在我国书法艺术中，书法线条的美主要体现在以下几个方面：

（一）力量感

书法中所体现的力量感是一种巧力。作者根据自己所要表达的思想、情感，适当调整掌、指、腕、臂的力度大小，将作者的心情、思表达得淋漓尽致。笔力是中国书法的主要特征之一，典型的代表是唐代中期书法家颜真卿，其代表作主要有《多宝塔碑》《颜家庙碑》等。在这些作品中看似清秀飘逸的书法中蕴含着苍劲有力、铁骨松风的力量感，其笔法精湛，结构严谨，可谓入木三分。

（二）立体感

书法作为平面的艺术形式，立体感仍然是其不可缺少的，如果仅仅是单纯的线条，则会单薄乏味，缺乏意蕴。融入立体感的书法体现的是沉着、浑厚的并能让人感受到线条中蕴藏的作者的丰富情感。立体感也可以说是一种骨感美，是作者在作品的创作过程中抽象地经过提炼的空间。根据作者所要表达的意境和作品的不同，再加上作者的观念思想认识的不同，从而使立体感的表现形式亦有所不同。

立体感也可以说是一种骨感美。唐代“楷书四大家”之一的著名书法家柳公权，与颜真卿有着“颜筋柳骨”之美誉。在书法艺术节有着“柳字一字值千金”的说法，其书法作品结体遒劲，而且字字严谨。柳公权的楷书体势劲媚，骨力道健，以行书和楷书最为精妙。在书法艺术中中锋技巧是绝对的。而侧锋技巧是相对的，从书法美的角度来看，其需要与中锋相互融合、交叉，从而突出书法作品的线条美。

（三）节奏感

书法作品的结构感是其活力的具体体现，书法作品生命力的展示。书法的节奏感是通过对比展示、体现的。具体的比如：空间结构，空白结构，即空白大小、形状之比。用笔起伏节奏，即墨迹的粗细、方圆，都是节奏感的具体体现。

与力量感与立体感相比，节奏感的原则相对比较简单。根据其力度和线条的厚度，欣赏者可以从一个起点出发，从字的整体上对其作出深层次的描述。立体感、力量感与节奏感在一定程度上包括了线条美的所有特征。而且在线条美的三种具体表现形式中，在书法的运笔技巧方面，亦蕴含了全部的空间内容。

二、中国书法艺术的结构美

书法艺术的结构美是指毛笔字的结构体现出现实中各种事物形体结构美的问题。尽管古代的象形文字如今早已不存在，但其是中华民族汉字发展、形成的必经阶段，是在象形文字的基础上产生的，仍然具有造型的意义。平正、匀称、参差、连贯、飞动等多反面的有机融合与交叉、渗透，构建了字的结构之美，是其不可缺失的基本元素。

平正是书法艺术的重要表现形式之一。其会给人一种稳定、心情舒适的感觉。书法艺术在一定程度上是一种意识形态的反映，最终是由现实的生活所决定，不同的时代造就了不同人的审美观念与意识形态。书法艺术与人的一般审美观念相一致，在社会实践的基础上，人们的审美观念具有共识：在中国人眼中整齐统一是美的重要体现，参差不齐则显得较为凌乱，不具有美感，会严重影响到欣赏者的心情。

匀称是书法艺术的另一重要元素。即在字体的笔画之间，各部分组合所形成的舒适感与整齐感、匀称之美。总体而言，字的匀称只须注意实线的疏密长短适当便能达到，但书法家还常从无实线的白处着眼来使黑白得宜，虚实相成。篆书是书法艺术匀称美的典型体现，其讲究黑白相间，分布均匀得当。

参差之美。横看成岭侧成峰，远近高低各不同，这是一种参差之美，不同角度产生的落差层次美。山峰的绵延起伏，层层翻滚的波浪，树木的高低，都表现出的是一种参差之美。在书法艺术之中，注重结字、布白的参差错落之美。书法的平正、匀称之美与参差之美看似存在冲突之处，但这是两种原则的分别体现，平正、匀称主要是对结字的原则要求，是常与法，参差落差是根据字体各部分的特点，进行有机融合，是灵活奇巧之美。书法不可以千篇一律，只讲究常与法，缺乏生动性和吸引力，将常态与参差之美巧妙结合可以时书法显的丰富多彩，真正体现书法艺术之美。

连贯是书法艺术的重要要素之一。笔画与笔画之间，各个结构部分之间都应相互协调、衔接。使得字的各个部分避免分析，使其形成有机统一的整体。唐太宗李世民在王羲之传论中对连贯所造成的书法魅力作了这样的表述：“烟霏露结，状若断而还”。

飞动是赋予书法活泼形象的方式之一。一方面其可以呈现出静态之美，另一方面其还可以彰显动态之美，使得书法具有生命力，让欣赏者获得更大的想象空间。书法艺术的动态美在一定程度上更能体现书法作者的思想与情感。当欣赏着欣赏书法作品时，感受到的是一种浑然天成的感觉，上下，左右结构的笔画搭配都是协调有序，尽显和谐之美。书法中体现的结构美不仅仅是指要全部统一格式。

中国的书法博大精深，其中没有孤立的线条和结构，一切都是浑然天成，各个结构，各种艺术美的有机结合，在书法的线条美中体现出了精神、情感的价值所在。两者相互依存，统一于书法艺术之中，是书法艺术的两个主要要素，作者用线条的粗细、方圆、曲直、刚柔等将自己内心的思想、情感表达得淋漓尽致。 　　三、中国书法艺术的章法美

书法的章法是指字与字之间，行与行之间，段落与篇幅之间的结构问题。其所体现的是书法章法的相互对称，相互照应，好像一首旋律悠扬，动人心弦的乐曲。章法美的主要表现形式主要有体势上的起承转合，虚实方面的相辅相成，错落有致。一副充满作者心血的书法作品，在完美章法的表露思想与情感，如此一来会是书法作品充满生命力，使得力量感、立体感、节奏感有机融合，呈现出书法艺术真正的魅力。

体势上的起承转合，浑然天成，其是一种字与字、行与行间、段与段以及篇幅之间的和谐与整体性。虚实方面的相辅相成。书法字体的线条变化曲折，有笔墨之处即为实，虚指字的各部分之间之空白处。虚实相成的章法，是作者根据根据所表达的思想，所传达的意境，以及作者的书写风格临时制宜，一气呵成的。作者用眼、手、心灵三者的有机融合来实现黑白的和谐布局，黑的部分呈现出“金刀之割净”之美，使的白色部分达到“玉尺之量齐”之美。同时，书法作品的题识、题款字体的变化，以及其在作品中的位置和整个书法篇幅构建和谐之美，是章法美的重要体现。

错落有致，尽显参差变化之美。其是一种在平正、匀称之美之中的奇趣、变化美，于变易中求和谐的章法。主要表现在：字与字之间产生错位，字的中轴线有时与行的中线重合。虽然看似这些不同角度的变化会产生不整齐，不均衡的之处，但具有较深功底的作者会用线条、章法技巧来补足，使得整个作品在在变化中造成美感。唐代怀素是错落有致，尽显参差变化之美的著名书法家之一。

四、中国书法艺术的意境美

绘画、书法、诗词作品其本身早已不仅仅是一幅幅单纯的图画与文字，这些作品已上升为一件艺术品，是作者思想、情感的流露，是其内心世界的展现，其所追求的是一种意境美。作品的神采、精神是意境美的具体体现。宋代的黄庭坚曾云：“观之入神”。彰显意境美的艺术作品都具有某种特殊的气质与精神，每个字的线条与结构的巧妙融合，创造了作品的和谐意境之美。宋代的书法家注重笔墨意态，强调字中有笔，妙用侧锋，勾勒出不同寻常的线条之美强调书法作品的生动气韵，善于用变化多样的线条来展现自己的审美趣味，传递自己内心世界的情感。

书法家们在追究意境美的同时强调章法，其意境美主要体现在以下几个方面：

神采。是书法作品中的生动、灵气之处，是其个性的具体体现，是外观的形。在书法理论中，神作为形的对立面，是非常清晰、不可含混的。神采是意境、情感的表现形式，是作者的个性、思想情感、精神风貌、人生观与价值观的具体体现，是其个性美的作品中的成功体现。

诗情。诗情画意往往是古人书画家所追究的一种境界，同时也是一幅书画作品成功的主要表现形式。将诗的意境、韵味融人到书法中，会使书法更具有韵趣，产生别样的意境美。王羲之的书法以萧散简远、淡雅柔逸的魏晋风度而流芳百世，其主要原因是其将诗的优美意境与书法艺术巧妙融合，使得书法作品产生别样的魅力。