求救！声乐的情感处理和技巧在国内外研究的概况。急。。

近几十年来，我们在民族声乐的概念和分类问题上，一直存在着争议和分歧。当代“民族声乐”到底来源于汉族传统民间歌曲还是西洋美声，汉族民歌的分类标准又应如何把握。诸如此类关于民族声乐的问题，一直伴随着我国当代的声乐研究工作。为明晰汉族传统民歌的分类关系，文章将通过对民歌分类的几种方法及其之间的相互关系进行研究与分析，以此对我国民族声乐艺术的整体协调发展提出学理性的参考。

关 键 词：民族声乐 汉族民歌 分类 色彩区

事物从起源，开始发展，直到消退，这看似清晰的过程，分析起来竟是如此缓慢，甚至有些模糊。这是由于一些演化而来的事物，很难由后向前追究，也很难用“划分”这样一个词来对如此复杂、缓慢的过程进行“加工处理”。所以，人们仅在此模糊地清晰些，又在清晰中变得模糊。不难看出，从本身就无法言表的音乐艺术到纷繁复杂的民歌发展。人们也很难确立出一个方整、明显的界限。单从这样一个深奥而又显而易见的角度来看，我也会不经意想到“近似”这样一个词了。

汉族民歌有多种分类方法，目前较为惯用的是按照“体裁”形式分类的方法，其大致可把汉族民歌分为：1号子(有“搬运号子”“船工号子”“作坊号子”等)；2．山歌(包括“放牧山歌”“田秧山歌”“一般山歌”等)；3．小调(例如“谣曲”“时调”“风俗仪式歌曲”“舞歌”等)。“体裁”分类法有助于认识和研究民歌与人民生活的关系、民歌的社会功用以及音乐表现的方法、特点等问题。

但是，究竟什么是汉族民歌的“体裁”汉族民歌体裁的划分依据应如何确定呢“体裁”究竟是指民歌音乐形态上的艺术特征，还是指它的社会产生条件抑或是指产生和应用场合所造成并限定了按照这一如此模糊不定的“体裁”概念分类，人们对汉族民歌的“体裁”有了不同的理解，于是便出现了多种分类方法。例如“劳动号子”，如果按产生和应用的场合把它定义为“劳动时所唱的歌”，那么“田歌”“牧歌”也是劳动时所唱的歌；但“田歌”“牧歌”的主要音乐形态特征又显然与一般的劳动号子一领众和，具有鲜明的节奏律动等特点不相一致，而更多地与一般山歌节奏自由悠长的特点相吻合；然而，二者的社会生产条件又与一般山歌不尽相同。这就产生了多种的分类方法。“体裁”分类方法产生分歧的原因是由于分类依据的不统一所造成的。这些依据中有根据民歌的使用场音分类的(例如“民间歌舞”和“小调”的分法；“渔歌”和“田歌”的分法)；也有按照民歌的篇幅分类的（“大型民歌套曲”）；还有按照民歌的社会功能分类的（“风俗歌曲”)等等。

如此众多分类依据的并存，让人们无法准确地把握该种分类法的划分标准是什么。这样一种纷乱的状况，对于民歌音乐研究的进一步深入是不利的。江明敦先生明确地阐述了他划分汉族民歌体裁的依据，即按照民歌产生的一定社会生活条件和功用要求所形成的基本的音乐表现方法和典型的音乐性格特征。“人民的社会生活是非常复杂的，民歌的形成、发展以及流传的情况也是非常复杂的。因而，体裁的问题也很复杂。汉族民歌中多种体裁因素相综合的现象、不同体裁之间相互转化的现象都是很常见的。”①也就是根据音乐特征，演唱场合和功用这三种因素进行了综合考虑。在这样一种综合的划分标准下，多少是将体裁划分定义作了一个“模糊处理”。遇到不同类体裁出现交集的时候依然很难把握原则。这就好比将几种相互干扰、相互交叉的划分标准混合到一起。当然，其表现出来的分类作用有时也显得有些相互干扰，左右不定。

在本文一开始，笔者提到一个思维意象，就是对于那些原本来自于劳动人民口头创作的。发展相对自由、漫长的，体裁相互交叉和渗透的民歌发展过程，所有对它的“规范化”都只是相对的。当然也包括“划分”这样一个硬是要把一潭清水分割开来的举动，其结果也只能得来一滩浑水，以至于最终难以分辨得清。像汉族民歌这样一幅类似于秀美山河风光的图画，我们最好还是不要用浓黑的笔墨勾画出它原本已经消失不清的底稿轮廓。一幅好的绘画作品，各个部位、各个阶段、各个突出的色彩区域都是相互关联、相互渗透的。

杜亚雄先生从形式逻辑方面指出，如将汉族民歌进行类似“色彩区”的划分是不当的，因为“色彩区”这一概念是从美术界借来的词语，“通常用来比喻和形容音乐的不同风格和配器的不同效果。从严格的科学意义上讲，音乐无色彩。”②美国的民族音乐学家安东尼·希格尔教授在他关于“民族音乐学”的讲座中说，人类不应仅仅研究声音，还要研究创作的背景，听众听到音乐时的景象，可能这是“音乐人类学”(Anthropology 0fMusic)所需要真正研究的方向。希格尔教授对非洲一个叫做“Suya”的部落考察了两年，他对那里的原始音乐发展有着最真实、最深刻的了解。在笔者看来，所谓音乐的色彩，就是足以给那些原始部落人们精神上的影响以及使他们由衷热爱和需要音乐的原因。笔者认为，汉族民歌的产生和发展多少也会同非洲原始部落的音乐有些许相同。所以汉族民歌的色彩必定是民歌所要表现以及想要给听者带来的审美影响和功能。如果音乐没有了色彩，人类的艺术也就没有了色彩。

论歌唱中情感的表达与运用方法

[摘 要] 歌唱是人们用声音来抒发感情、寄托希望和表现美以及反映现实生活的一种特殊的艺术形式。它既是声乐艺术，又是舞台表演艺术。通过词曲作者的创作和演唱者的声音、情感的演绎，给人以美的享受。一个好的演唱者不仅要有好的嗓音条件和娴熟的演唱技巧，更重要的是能够正确地运用和表达歌曲的情感，从而引发听众的共鸣。歌唱中的情感表达与运用是多方面的，从对作品时代背景的了解到风格的掌握以及声音的正确运用都是一个递进的过程，歌唱应该成为多种因素融汇于一个整体中的完美艺术。

　[关键词]歌唱;情感表达;声音

　一、情感的表达与运用对歌唱的重要性

　“情感”一词在歌曲的演唱中起着至关重要的作用。没有被情感渲染的音乐是枯燥和乏味的。歌唱作为一种抒发情感的艺术，是最能体现和营造各种情感的艺术形式。我国古代音乐美学中的“声为情役，腔为情设”“情之所至，音之所生”就很精辟地说明了情感在歌唱中的重要性。情感是沟通歌者与听众的一座桥梁，就唱歌而言，一位歌者的技巧再熟练，音色再美妙，如果缺少情感，只会让人感到单调乏味。在歌唱艺术上来说，声音只是一种音乐语言工具，只有以“声”唱“情”，以“声”表“情”，才会有更好的艺术效果。盲目地炫耀声音技术，或不管作品的类型情感随意宣泄，会陷入一种僵硬的情感模仿和纯技术的发挥。这种歌唱技术与情感表达的不协调，使歌者难以与听众产生共鸣。正如著名男高音歌唱家张美林教授所说：“歌唱者与歌唱家仅一步之遥，而情感的把握正是歌唱者与歌唱家的区别所在。”我们在欣赏一位优秀歌唱家的演唱时，无论是中国作品还是外国作品，尽管语言不同，但是从歌声的情感中，我们也能感受到他所要表达的思想内容，这说明他融入了感情。

　二、歌唱中正确运用与表达情感的方法

　(1了解作品创作的时代背景

　艺术是社会生活的形象反映，声乐作品的创作是特定时代的产物，词曲的创作不仅表达了作者的思想感情和创作个性，也反映了他们所处的社会现实、时代精神和音乐风格。如《黄河大合唱》以昂扬、急促的旋律与节奏体现了反日反侵略的时代情绪和特征;《歌唱祖国》体现了新中国成立以后新音乐的发展动向，表达了人民对祖国的热爱;而《田野的春天》则以明快的旋律和欢腾的节奏反映了改革开放后21世纪人民的新生活以及人们对生活的热爱之情。了解歌曲创作的时代背景后，学生才能更深刻地理解歌曲的思想内容，也为我们在演唱时的感情注入了依据，这样才能在演唱时更加准确地表现歌曲的内涵。

　(2)把握作品的音乐风格

　音乐风格的形成和发展是一个历史的过程，一首歌曲风格的形成与作者所处的时代、民族、环境是分不开的。民族不同，语言不同，风土人情不同，歌曲的艺术风格也不同。而歌曲风格掌握得好与坏，演唱的效果是大不一样的。歌曲的风格主要指音乐材料所形成的曲调风格。一般来说，歌曲中的音乐语言都是比较接近生活的，尤其是民族歌曲。如歌曲《海风阵阵跟愁煞人》就是大量地吸取和运用河南地方豫剧的音乐风格，整首歌曲的音乐与剧情密切相关，开头运用了善于表现大气磅礴的大场面戏的豫剧风格，使歌曲富有激情奔放的阳刚之气，且具有强大的情感力度，高亢、激昂、先声夺人，把女主人公珊妹倔强的性格和焦虑的心情表现得淋漓尽致，成功塑造了珊妹这个渔家女的英勇形象。在演唱这首歌曲之前，我们应该大量欣赏河南豫剧以及与这首作品有关的音响材料，了解它的音乐风格。在演唱时，要注意歌曲中大量的装饰音，控制好它的幅度，做到自然流畅，把歌曲的韵味和风格完整地表现出来。

　(3)发挥艺术想象力

　在歌唱情感的表达中，除了要了解音乐作品的创作背景和音乐风格之外，还有一个非常重要的方面，那就是艺术想象力的发挥。只有发挥想象力，歌唱者才能在自己的脑海里形成生动的音乐形象，才能通过自己的演唱将作品准确完美地表现给观众。要将自己的情感完全融入到所演唱的作品中，进入一种忘我的思想境界，用最真挚的情感来诠释角色，才能使自己的声乐演唱更接近完美。俄国音乐评论家谢洛夫曾说过：“音乐是灵魂的直接语言。”演唱中贯穿丰富的想象，想象与情感活跃的交互作用，使情感得到升华，声乐作品才会散发出更大的艺术感染力。演唱者应该将歌曲的内容在自己的头脑中化为一幅幅的活动画面，把自己化作作家、诗人，也变成作品的主人公。换句话说，就是要像戏剧演员进入角色一样去身临其境。如果把一首歌曲的基本情绪和意境设想得很具体，那么唱歌者在表达时就会很真实和生动。例如，在演唱《在那遥远的地方》这首歌曲时，我们的眼前就会浮现这样一幅画面：一位美丽动人的维吾尔族姑娘，手拿细细的皮鞭，在宽阔的操场上赶着羊群的情景。这样的想象和意境会帮唱歌者确立起正确的音乐形象或者说歌曲的主人公形象。歌曲的主人公形象完整统一了，歌曲的主题思想也就明确了，这样就会达到情真意切。当然，这种解释音乐的能力不是一日之功，它是一种生活的积累，这种积累越多越丰富，“灵感”也越活跃、越丰富。所以作为歌者应该随时用眼睛和耳朵去搜集和倾听各种生活的画面和声音，去感受生活，从而增强我们对生活和人物的理解能力和想象能力，从而更深刻地理解作品的内涵。

　(4)声音的正确运用

　我们在演唱一首作品时，运用什么样的声音才能符合作品的思想内容和情感，这是值得研究和探讨的问题。作为歌者，有了美妙的声音之外，驾驭各种声音和音色的变化的能力尤为重要。比如在演唱一首进行曲时，要选用雄壮的声音，而面对一首圆舞曲时，应该用比较明亮、华丽、轻巧的声音，面对一首摇篮曲则需要用柔和、甜蜜的声音。这里的声音也需要有一个想象的过程。总之要善于调动人的声音“库”中最恰当的声音，唱出歌曲内容所需要的听觉效果，贴切地表现作品。一般来说，表现高兴而欢乐的情绪，声音必须明亮而有光彩，明快而灵活;唱气势强大的或感情强烈，音量就应放大，音色要洪亮、有力;表现爱情的歌曲，声音则要尽量的柔和、温情，流动感较强，只要用半声的效果就可以表现出爱情缠绵的意境。总之，我们应该学会巧妙地运用声音色彩的变化，表现不同的音乐形象，只有全心全意地投入角色当中，刻苦钻研，把音乐形象与生活感受紧密结合，运用恰当的声音进行演唱，才能更好更完整地表现歌曲内涵。

　歌唱中的情感表达与运用是多方面的，从对作品时代背景的了解到风格的掌握以及声音的正确运用都是一个递进的过程，歌唱应该成为多种因素融汇于一个整体中的扣人心弦的完美艺术。正如清代著名声乐理论家徐大椿在《乐府传声》中说：“唱曲不得其情，则正邪不分、悲喜无别，即声音绝妙而与词曲相背，不但不能动人，反令听着索然无味矣。”这段论述说明了歌唱中“声”与“情”的关系，强调了情感表达在声乐演唱中的地位和作用。因此。我们在演唱声乐作品之前，要仔细地对歌曲进行分析和了解，知根知情，才能准确地表现出歌曲的感情。只有把“声”和“情”融为一体，做到“声情并茂”，才能使我们的声乐演唱更加接近完美，从而散发出更强的艺术表现力。

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�《量身订做》

用自己的心声诠释幸福的含义，穿过河神的枷锁，谁能够保证解脱，幸福变得好稀薄。

幸福是人生的永恒追求，每个人都有自己的幸福和追求，只有懂得量身定做自己的幸福，才能真正的懂得生活，懂得人生，才能拥有真正的幸福。别怕遗憾不知所措，至少编织的梦，每一针每一线，都是为了我！

岁月在梨涡浅笑中流逝，怎样的描述都留不住时光

岁月在静寂肃穆里淡去，却可以聆听那些浅吟低唱的感动

聆听，穿越岁月、穿越距离、穿越情感而来的美丽声音，在清朗明净的冬日里悠扬、盘桓、沉浸…

01 穿越人海 张杰

前半部分轻柔淡然的低吟，似白色有种日出冰凉触感的惆怅；后半部分则是飘逸空灵的高歌，像红色确是夕阳浓烈的深情…，歌曲配乐优美而和谐，淡淡的木吉他低语、影绰的海浪和海鸥声相随、步步而行的鼓点声轻敲还有美妙飘曳的和声悠悠，一种和煦柔美的纯音乐氛围，而张杰的声音，通透清澈里，似在云端又似在山谷，忧伤又充满激情，沧桑和释然糅杂的情感意境，“SAY HI YE…穿越人海在你耳边轻轻说爱别走远…”，值得深品的精品！

02何必在一起 张杰

“何必要在一起 让我没勇气 让我独自在这寒冷的夜里…”，简单的旋律背后，蕴含着几乎不能负荷的爱意。轻柔淡泊的编曲，近乎原音的的浅唱百转千回，张杰用最朴实的演绎将内心的情感矛盾与坚持一一讲述，爱到深处无奈的叹息，这是一首需要安静聆听的歌，投入进去有种泪流的感触…而此歌的mv很是唯美感伤！

03量身订做 张杰

爱失去了，郁闷，崩溃，做素颜装扮，看悲情的书籍，读忧郁的文字，听伤感的音乐…，那就听这首歌曲吧，把经受的情感挫折当作一份为自己量身订做的历练苦楚，“至少你给的痛 每一寸 为了我而订做…”。精致唯美的浅淡格调，歌者清新自然的音色极为唯美，流畅华美的旋律里似深似浅的情愫在浮动，有爱也有怨，终止释然。

04 看月亮爬上来 张杰

歌曲音乐元素丰富，中国风的曲调精致自然，也巧妙的融合了ACAPELLA风格，古筝的清朗、响指的俏皮、和声的柔美…张杰清澈柔和的嗓音在简单的人声伴奏下听来那样的沁人心脾；自然纯美、简单清新的曲调里，“爱的思念穿越时空”，我听到一份对爱情执着的真切，也感受到张杰对音乐孜孜不倦追求的诚意。

05龙鳞 张杰

方文山的辞赋，优美雅致；吴梦奇的作曲，华美震荡！初听新歌，叹息不已，歌曲很有曲径通幽的意蕴，歌曲起始浅唱低吟的悠扬低回，显得神秘悠远；而副歌部分则是深邃悠远的吟唱，那种岁月流逝红颜莫测英雄宿命的感叹很是感人啊，一首有难度的网游主题曲，显示唱功。

06 微笑 张杰

张杰的励志歌曲一向大气澎湃而温暖，而这首快节奏的《微笑》又多了明快舒展的韵味，摇滚的曲风配合充满张力的声音，是对命运人生的乐观向上的诉求，听来不仅想回应歌者一个温暖的微笑和一个热情的握拳，“我要学会微笑 向着天空大叫…世界有我多好 带着微笑 向明天起跑”，歌词浅显而又哲理，确是内涵、哲理的好歌，有着从容勇敢的睿智和百折不挠的坚韧。

07 勿忘心安 张杰

没有风花雪月，道尽人性千姿百态的有内涵的歌曲。就是一把深情真挚的歌喉在抑扬顿挫的述说，述说这人生路上的复杂艰辛，那种摇摆于欲望与贪念两处，在沉沦和奋斗之间挣扎，在坚信的困惑和梦想的怅惘里盘桓的这些情感，这些感喟…；男人的奋斗挣扎就在这或低柔或激荡的吟唱中倾泻，听来有种心悸的感动；歌曲很有层次感，从从容到激荡抑扬顿挫，情感层层递进渐行渐近、越来越浓，张杰对歌曲情感把握到位，表达出了内心的那种挣扎、无奈和不屈，直至唯留“勿忘心安”的释然。

从昔日的《Angel》到《天天想你》，从《我愿意》到《大海》，张杰那干净嘹亮的声音，对不同的歌曲演绎起来都独具个人魅力。出道三年，从曾经王者加冕的舞台到经历快乐男声征程的考验，一次次挑战自己的张杰，在不断的挫折和风雨中越战越勇，那个昔日青涩的小男孩已经渐具成熟男人的担当和胸怀。

张杰的成长和蜕变，让人们对其全新EP的浮出水面寄予了不小的期望。其实每个人的心中都有一份梦想，但在显示的打磨下，很多人的梦都被渐渐地磨平了棱角，收起了尖锐的光芒。张杰全新EP中的同名主打歌《最美的太阳》就是给了我们一个回味、坚持梦想的出口。只要勇敢坚守自己的梦想，不管过程有多艰辛，希望一定会在前方。

《最美的太阳》延续了张杰舞台王者的大气风格，是一首气势磅礴的励志歌曲。在张杰的歌声中，你能听到：坚持梦想或许真的不是一件那么容易的事情，可是总有这样的人存在并告诉我们，抱着梦想往前飞，你就能遇见最美的太阳！

“你的笑，你的泪，是我逐梦路上最美的太阳”。

和那首著名的意大利民歌《我的太阳》一样的恢宏大气，虽然中西方的风格和表达的情感截然不同。

当我们在泡沫化的数字音乐里迷失的时候，似乎忘记了现在的流行音乐市场缺失什么？

当我们在别人的歌声里自艾自怜的时候，也似乎忘记了最震撼心灵的歌声是什么？

不是煽情，也不是疗伤，而是催人自发自省的力量。

《最美的太阳》，不愤青，不小资，不矫揉造作，不无病呻吟。

它是新一代人集体的代言曲，是时代精神的意气勃发。

张杰的歌声，一如既往，携着一种穿透人心的纯粹与张力

直冲破阴霾而迷茫的云朵，而映照出一望晴川。阳光之下，无比美好。

听过《最美的太阳》你就会知道，这决不是一首滥市的口水歌。

因为它源自他的心底，是他最诚挚的表达。

它不是情歌，却比情歌心潮澎湃。

是一个热爱音乐的人对人生对梦想的感恩与释放。

也是他在情歌泛滥时代最无畏最自我的坚持。

有时候听一首歌也可以窥见流年的痕迹。

在血液里奔涌，在微笑里释然。

有时候听一首歌也可以丈量的心灵的宽广与博大。

潮湿了爱的目光，拭亮彼此的信仰。

最美的太阳是什么？

是黑暗尽头的明曦曙光？是旭日初升的云蒸霞蔚？

是骄阳似火的明媚热烈？还是日暮喷薄的盛大瑰丽？

如果你想知道4分钟里能听到什么？

请记得在2007年的这个冷冬，去听一听张杰的《最美的太阳》。

音乐的元素是音，作曲家不能像文字般明确表达感情，只能用声音的表现来引起人们的情绪。音乐的四个基本要素是节奏、旋律、和声及音色。节奏使人们联想起形体动作，旋律使人们联想起精神情绪。音乐以旋律的差别，节奏的快慢，声音的高低强弱，和声的变化，以及音色的不同等方法来表现其情感。比如以大调表示愉快、雄壮，小调表示悲哀、忧郁；紧张而短促的节奏表现奋发激怒，和缓而悠长的节奏表现婉转柔和，音高且强为热情，音低而弱为沉静；不协和音表示奋斗争执，协和音表示和平宁静；小号表现战争，双簧管表现田园等等。 怎样欣赏音乐？ 每个人都根据自己不同的欣赏能力和爱好来倾听音乐。为便于分析，我们把对音乐的欣赏分成3个方面。 (1)美感 听音乐纯粹是对音乐的乐趣，只求悦耳，仅是知觉的欣赏，不需要任何形式的思考，任由音乐的感染力将自己带进一个幻想的境界。如干某件事时，将音响打开，心不在焉地沉浸在音乐中。这时单凭音乐的感染力就把人带到一种无意识然而又有魅力的心境中去。 美感在音乐中占有非常重要的位置，但不应让它占过多位置。即使在这个聆听音乐的初级阶段，也应采用更有意义的聆听方式。 (2)表达 所有音乐都有表达能力，音符后面总具有某种涵义，这种涵义构成作品的内容，能唤起情感，这是情感的欣赏。 (3)纯音乐 音乐除了令人愉快的音响和所表达的感情外，还存在于音符和对音符的处理之中。为了追随作曲家的思路，有意识地探求乐曲的结构、主题的变化及作曲家技巧的运用，这是理智的欣赏，也是欣赏音乐的高级阶段。 大多数听者并不能充分意，识到这第3方面。明智的聆听者必须准备加强自己对音乐素材及其发展情况的意识。他必须更有意识地聆听旋律、节奏、和声及音色。尤为重要的是，追随作曲家的思路，懂得一些音乐曲式的原理。 理想的聆听者是既能进入音乐又能超脱音乐的人，他一面品评音乐，一面欣赏音乐，不断加深对音乐的理解。 要对音乐加以理解，唯一的方法就是倾听，只有从头至尾地反复认真地倾听，直到熟悉，才能加深理解。 当你听到一个旋律，能把它辨认出来时，你就具备了欣赏音乐的条件。若能听出不同演奏家演奏同一首曲子时表现方法的差别，并了解作曲家的想法，那你已经踏入欣赏音乐的大门。 音乐都有表达能力，从而具有某种涵义，但无法用语言说清楚，也没有必要去找恰当的言词来表达音乐的涵义。 音乐的表现方法大致可分为纯音乐(absolute music)和标题音乐(programme music)两类。以音乐本身为目的的音乐，称为纯音乐，它只以音和形式来构成，是与音乐本身以外任何事物无明确联系的音乐。绝大部分器乐曲，如交响曲和奏鸣曲即属此范畴。把文学、思想、绘画等内容以具体性的标题暗示的音乐，总称为标题音乐。 奏鸣曲(Sonata) 是包含4个独立乐章的器乐大曲，各乐章都具有独立的结构与风格，由钢琴、小提琴、大提琴分别演奏。钢琴演奏时称钢琴奏鸣曲，小提琴演奏称小提琴奏鸣曲，大提琴演奏称大提琴奏鸣曲，室内乐所奏者、亦为奏鸣曲。 协牵曲(Concerto) 是独奏乐器与管弦乐队以平等地位联合演奏的器乐大曲。协奏曲通常以小提琴、钢琴、大提琴或长笛为独奏乐器。 交响曲(Symphony) 是由管弦乐联合演奏的奏鸣曲型器乐大曲，通常它分为4个乐章，音色之复杂、色彩之丰富为一切乐曲之冠。 组曲(Suite) 是由若干短曲连为一体的管弦乐或钢琴套曲，其中各曲相对独立。 序曲(Overture) 原指歌剧、清唱剧或戏剧配乐等开场前由管弦乐队演奏的器乐大曲，但近代有专为音乐会演奏而作的单乐章管弦乐序曲。 前奏曲(Prelude) 多为短小的管弦乐曲，常用于大型乐曲及影剧的前奏。 间奏曲(Intermezzo) 是戏剧或歌剧各幕之间演奏的音乐，具有暗示场面与转换听众气氛的作用，亦有独立形式的作品，它的形式比较自由，篇幅较为短小。 托卡塔(Toccata) 是一种形式自由能展示各种华丽技巧的键盘乐曲。 小夜曲(Serenade) 是一种于黄昏或夜晚在户外演奏的独唱或器乐曲，音乐情绪缠绵委婉。 夜曲(Nocturn) 是一种格调高雅、充满浪漫色彩的乐曲，旋律富于歌唱性，往往有精致的装饰音，伴奏用琶音或和弦。它是小夜曲的一个分支。 即兴曲(1mpromptu) 是一种即兴创作的器乐小品。 叙事曲(Ballade) 原有叙述故事意味，是一种具抒情浪漫性格的器乐曲。 练习曲(Study) 是用于提高器乐演奏技巧的乐曲。 诙谐曲(Scherzo) 又称谐谑曲，是一种速度较快，节奏活跃明确，常出现突发性强弱对照的器乐曲。 幽默曲(Humoresque) 潇洒而自由、具有幽默与幻想特点的曲目。 随想曲(Capriccio) 作曲家凭幻想创作的乐曲的通称，是一种以自由形式表现出富于变化的乐曲。 狂想曲(Rhapsody) 是作曲家为具英雄气概题材、民族题材或情辞并茂的题材而作的器乐曲。 幻想曲(Fantasia) 是具有幻想和自由奔放特点的器乐曲，是一种含有浪漫色彩而无固定曲式的器乐短曲。 田园曲(Pastoral) 曲调柔和，是模仿牧羊人所用的乐器发展而成的田园音乐。 船歌(Gondoliera) 缓慢而摇荡的音乐，旋律优美流畅。 变奏曲(Variation) 是根据某一主题为蓝本，运用各种不同方法陆续变化奏出的器乐曲。 交响诗(Symphonicpoem) 又称音诗，李斯特首创，通常表现诗情画意等文学性内容，只有一个乐章，结构上可自由发挥，音乐形式不限，是较交响曲要短得多的交响性作品。 进行曲(March) 是用以伴随群体前进的音乐，多为四拍子，突出强拍。通常用管乐演奏，常用于军队，使行列整齐并鼓舞士气。还有婚礼、丧礼、凯旋庆祝等进行曲。 摇篮曲(Berceuse) 亦称催眠曲，形式简单，速度徐缓，主旋律柔婉抒情，节奏摇荡，以模拟摇篮摆动的节奏使婴儿入睡。 圣咏曲(Chorus) 原为德国民谣和基督教赞美歌，后变成器乐曲。 舞曲 分为6种。①圆舞曲(Waltz)也有译作华尔兹的，是一种每小节一个重拍的三拍子舞曲，兼具实用性与艺术性。其伴奏由低音的第一拍与高音和弦的第二、第三拍组成。主旋律流利舒展，和声和曲式结构简单明晰。②加沃特舞曲(Gavotte)，一种法国舞曲，2／2拍子充满活泼气氛。⑧小步舞曲(Minuet)，原为法国土风舞曲，中速3／4拍子，是速度徐缓、风格典雅的舞曲。④马祖卡舞曲(Mazurka)，一种中速到快速的三拍子的波兰民间舞曲，流行于农村。⑤波洛奈兹舞曲(Polonaise)，与马祖卡舞曲同为波兰的代表性舞曲，流行于贵族社会，在热烈的气氛中透着壮大华丽感，节奏为独特的三拍子，快慢适中，庄重的节奏始终如一。又译作波兰舞曲。⑥波尔卡舞曲(Polka)，19世纪盛行于波希米亚的快速二拍子舞曲。 嬉游曲(Divertimento) 是一种轻松愉快的组曲。 浪漫曲(Romance) 原为以传奇叙事诗为歌词的某些抒情歌曲、器乐曲。

抒发情感的歌是指从歌曲的歌词中流露出作者想要表达的情感。例如，《小苹果》就是一首典型的抒发作者对爱情的渴望。

歌曲演唱者要能将歌曲中所蕴含的情感淋漓尽致的表现出来,并且能够根据自己的生活、工作、学习经验能适当融入自己的情感。

既然情感表达在声乐演唱中有着举足轻重的地位，那么提升情感表达的能力是必须的。

第一，自身音乐修养的提升

什么是音乐修养呢？它是指一个人对于音乐的敏感性、对音乐知识的掌握度、对音乐技能的掌控能力，以及对音乐艺术的理解、表现等能力。匈牙利作曲家李斯特曾经在论及音乐家的艺术成就时说：“一切艺术都是开在枝叶繁茂的知识之树上的鲜艳的花朵。”如果演唱者的音乐知识单一、艺术修养片面、文化水平偏低，单靠模仿去演唱，那自身的演唱水平和情感表达能力一定不够。因此，演唱者在学习过程中应当具备一定的钢琴演奏技能、作品分析能力，以及音乐历史、音乐鉴赏等方面的能力，才能全方位的提升自己的音乐素养。

第二，情感表达提升的方法

首先，要抓住歌词，理解创作主题。演唱者应该通过歌词的内在含义，去挖掘主题思想。其次，要抓住风格，明确民族特色。要想准确地将歌曲的风格表现出来，必须了解歌曲所属的民族特色。光是中国，就有五十六个民族，每个民族的音乐都有自己不同的风格。

另外中国民歌与外国民歌又大不相同，例如西班牙民歌以其强烈奔放的吉卜赛舞蹈节奏为特征，而陕北民歌则以秧歌节奏为特征。因此每首歌曲的风格怎样，体现怎样的民族特色，这在歌唱前必须要有所了解与掌握。最后，要抓住旋律，感受作品情感。旋律是歌曲在思想内容与感情上的主要表现。任何一首歌曲，其旋律都有典型的艺术形象，演唱者要利用旋律本身的魅力增强歌曲的感染力。

　　声乐演唱是演唱者利用声乐技巧表现艺术作品情感的活动。在诠释音乐作品的整个过程中，不仅需要演唱者用声音来演绎，更需要演唱者通过自身对作品情感的准确把握，将作品中的思想感情和内涵传达给听众。也就是说，声乐演唱过程，其实是演唱者将自己对作品中词曲的理解，运用自己的声音进行二度创作，把歌曲的思想内容和情感通过自己的声乐语言准确地表达出来，所以，歌唱是情感表现的艺术。因此，歌唱者除了在演唱过程中要全身心地投入表现歌曲作品外，还必须提前对歌曲作品进行分析与研究。然而，在现实教学中，我们却发现一些学习声乐的学生在演唱过程中一味地追求声音的响亮、技巧的运用，却忽视了对歌曲情感的思考与处理，以至于唱出的歌声没有内容，缺乏灵魂，不能打动听众。原因何在？下面，笔者将声乐演唱过程中影响情感表达的因素进行粗浅的分析，进一步强调在声乐演唱中情感表达的重要性，让歌唱者的演唱更优美动听，准确到位。

一、对作品风格及内涵认识不够

歌唱是艺术化的音乐语言，是旋律与诗词相结合的综合艺术，它与纯音乐最大的不同在于，纯音乐是以描绘意境为主，让听众随着音符的变更感受作品的灵魂，而歌唱则往往是一个具体的影像，它所要表达的内容是真切而实在的。一首好的声乐作品的演唱，应该是歌唱者用心去体会歌曲作品，并通过演唱来表达和诠释作品的真正灵魂。吉赛尔・布雷勒认为，“音乐表演不是物质的实现，而是精神作用促使这一实现的产生。”表演的重要意义就在于忠实于自己演出的作品。演唱者必须赋予演唱以个人的想象，只有演唱者的临场演唱深入意境，将自己投入到作品角色当中，才能给演唱以准确的情感表达。在演唱过程中，有些演唱者往往通过自己的主观臆想揣度作者想要表达的意图，这就有很大的局限性，因为每一位演唱者的文化阅历都不同，思维方式也有不同程度的差异，所以难以做到对作品风格的准确把握，因而就容易导致歌唱者所演绎出来的歌曲的情感与歌曲作品本身的要求有相当的出入与冲突，使歌曲中包含的感情不能得到恰到好处的抒发。①这无论对于歌唱者自身还是一首好的声乐作品来讲，都是尴尬的。笔者认为，在演绎一首歌曲作品之前，演唱者应首先了解作品产生的时代背景，掌握大背景下的音乐总体的特征，以及了解作曲家的总体创作风格及民族文化特色，在此基础上，再由普遍性到特殊性来做进一步分析。只有先把案头工作做好，才能在表现歌曲作品时有的放矢，恰到好处地诠释歌曲。只有对作品进行全面透彻的研究与分析，才能够有条件进行二度创作，从而更准确地把握作品。

二、演唱者在表现作品时受到能力的限制

技巧在声乐学科中的重要作用是毋庸置疑的，演唱者要想完美地表现一首声乐作品，在提高自身文化涵养的同时，更要努力提高演和唱的技巧，并对各种技巧有全面的掌握。在一部声乐作品中，无论歌曲采用何种写法，是AAB、ABA还是ABAC，在不同的阶段，就会运用到不同声区的声音来表现感情，这就对歌唱者提出了更高的要求，能够在高、中、低不同的声区自如地转换和运用，一定要拥有良好的声音表现力，才能使整部作品的声音过渡把握得自然有度。此外，诠释一首声乐作品，唱和演是同等重要的。在形体表演方面，演唱者要努力把作品中人物的喜、怒、哀、乐，根据自己对作品的正确理解与把握，通过表演去准确、细腻地传达给观众。比如我国著名的京剧表演艺术家杜近芳老师在《白蛇传》的断桥一折戏中，面对着跪求原谅的许仙，先是用兰花指指了一下许仙的额头，许仙稍往后倒了一下，然后又关切地扶了一把，而又轻轻推开了，这样一推、一扶，再一推，就将当时白娘子心中又爱又恨的感情表演得淋漓尽致，而这些细节的表演，都是演员通过自己的理解、揣摩，并精确地表现出来。在声乐演唱中，也只有仔细品味、细腻表演，才能将歌曲很好地完成，打动自己，也打动别人。可以说，声乐演唱，总体上就是灵活运用发声技巧和形体表演技巧来完美表现作品的。然而有些演唱者，不考虑自己所能掌握的技巧范围，也不考虑“人体乐器”脆弱的一面，不加节制地乱唱一些不适合自己的、力所不能及的歌曲，只顾得一时痛快，谈不上有情感的表现和艺术加工。演唱技巧和舞台表演能力是完成一部声乐作品必不可少的两个方面，两者相辅相成，缺一不可。因此，在声乐学习的开始，首先要明白歌唱艺术的原则：艺术表现第一，技巧第二。完美的舞台声乐表演是追求的目标，而演唱技巧（不管是发声技巧还是形体表演技巧）都是为了舞台声乐表演这一综合性的艺术服务的，因此，在艺术表现与技术发生冲突时，舞台艺术表演是第一位的，演唱技巧是第二位的，演唱技巧必须服从于舞台艺术表演。

三、舞台表演上的心理素质较差

演唱者在演唱过程中需要充分的自信，一个自信的演唱者，首先是对自身的演唱能力在心理上的一种自我肯定，这样才能从容地应对演出现场出现的一切意外情况，比如话筒、音响、不小心的一个破音，还有来自观众的心理干扰等都容易打乱演唱者全身心地演绎作品，不能以最佳的状态去演唱。也有些演唱者在上台前，总考虑歌曲的高音能否上得去，伴奏是否合得上，唱完了听众会不会鼓掌等，没有全神贯注地考虑歌曲的完整表现，给自己造成心理压力和紧张气氛。演唱者应首先端正心态，抛开一切杂念，以最轻松的心态上场，自己提前酝酿，创造情境，逐步进入角色。此外，作为一名专业演唱者应多参加各种实践演出，培养自身的舞台感觉。当然，要想在舞台上坦然自若，是需要一定的舞台经验积累的，这是每位声乐学习者都要亲历的成长过程。能够在舞台上将自身交给艺术，并全身心地投入到声乐艺术表演中，才能声情并茂地演绎好一首歌曲。“声乐作为一门表演艺术，对歌唱者而言，就是将自己内心领悟到的作品中的印象、认识、感情、感想、愿望，以旋律和歌词为载体，通过自己的声音进行阐述和倾诉，是一种经过再创造后信息的输出。”②

总之，发声技巧是声乐演唱的基础，情感表达是声乐演唱的核心。演唱者不仅要有好的声音，还要有准确的、恰如其分的情感表现。演唱者在演唱一首歌曲之前，必须去理解歌曲的思想内容、表现手法，对歌词的内容、曲风、节奏、速度、旋律线的起伏、曲式及歌曲的创作背景等有所了解，通过分析和处理去增强演唱时的形象思维和对音乐的感受力，把歌曲的艺术形象和思想感情准确地表现出来。

注释：

①张拜侬论声乐表演艺术中的情感因素[J]西安音乐学院学报，2004（4）

②范晓峰声乐美学导论[M]上海音乐出版社，2004

作者单位：长江大学艺术学院

（责任编辑：贺秀梅）

美声演唱的技巧及情感处理

　美声唱法运用了混合真声和假声的方式,相对于其他唱法,喉头位置比较低美声唱法是跟随教会音乐在20世纪初期传入我国的,并形成了一套独特的演唱技巧系统下面我给大家介绍美声的演唱方法，希望对大家有所帮助，欢迎阅读!

美声演唱的技巧及情感处理

一、美声演唱的主要技巧

　美声唱法是具有较强的技术性的一种唱法，它既要求掌握科学有效的呼吸方法，也需要发声方式和共鸣腔体的协调配合，还要有灵活清晰的吐字和咬字方式，其中任何一个环节出现问题，都会导致演唱效果大打折扣，也证明演唱者的水平没有达到应有的高度。熟练掌握美声演唱的主要技巧并加以针对性的训练，能够在很大程度上提高美声演唱的水平。

(一)掌握科学有效的呼吸方法

　歌唱的前提是呼吸，像所有的声乐演唱一样，美声演唱的基本技能也是呼吸。歌唱中的呼吸不像日常生活中的呼吸一样是无意识的、本能性的，而是有特定目的的、刻意选择的呼吸方式，具有一定的技巧性。选择恰当的呼吸方法，能让歌唱行为获得充足的气息支持，演唱出高亢洪亮、圆润饱满的曲目。

　呼吸方法主要有上胸式呼吸、腹式呼吸和胸腹式联合呼吸这三种。其中上胸式呼吸方法使用上胸来控制呼吸，吸入的气体比较少，深度不够，发出的声音比较单薄、紧迫，弹性空间比较小。腹式呼吸主要通过扩张软肋和小腹的隆起与缩进来控制气息，在吸气深度上有很大优势，然而气息却容易出现阻滞，发声不够灵活，也有很大的局限性。胸腹式联合呼吸将腹部的肌肉、横膈膜和两肋以及胸腔联合起来进行呼吸，它能够有效地控制气息，吸气时平稳均衡，存储的气体很丰富，还能拓展音域，是一种科学有效的呼吸方法。

　因此，美声演唱者应当选择胸腹式联合呼吸法进行呼吸训练。在演唱即将开始时，同时张开鼻子和空腔吸入气体，使气体沉入肺部的最深处，然后逐渐扩张到胸腔，并张开腰的两侧，接着慢慢使横膈膜向下沉降，扩张起腰的周边，整个演唱所需要的气息就这样来维持。在呼气的时候，吐气要保持均匀，避免憋气或者漏气的情况出现。换气时要准确地找到换气口，在上半身的松弛状态下保持深呼吸。

　(二)利用共鸣的作用优化发声

　对于歌唱的发声来说，共鸣是一个不可忽视的因素。发声的洪亮和具有穿透力，不是用强力就能取得的，而是主要依靠共鸣。共鸣就是使声音在发声体受到四周的阻挡之后发出回声，产生一种集中而令人回味的声音。如果只靠声带的强力震动，发出的声音是非常有限的，而且也比较单调，缺少悦耳性。然而，即使声带发出的声音比较微弱，只要能够充分调动运用共鸣腔体的功能，就可以使听众听到优美悦耳的曲调。正是如此，发声和共鸣才表现出密不可分的依存关系，共同影响着演唱的效果。

　与其他声乐唱法相比，美声最突出的特点是它的混合声区唱法。美声唱法的声音既有真声又有假声，并根据音高的比例需要将二者结合起来。在这种独特的发声方式中，美声唱法能够调动起来所有可以使用的共鸣腔体，主要有胸腔、咽腔(喉咽腔、口咽腔、鼻咽腔)、口腔、鼻腔以及头腔，并将其作为统一的整体综合利用，形成“整体共鸣法”，在最大程度上利用了共鸣的效果。

　在准备开唱的时候，美声演唱者要积极调整自己的身心状态，以进入兴奋的演唱状态。首先要迅速地做深呼吸动作，吸入充足的气体，并保持住吸进的气息，为进一步调用共鸣奠定基础。当各个共鸣腔体都充满气息时，已经准备充分，如果用声带发出声音，就会转化为饱满浑厚而动人心扉的优美歌声。还可以采用一定的`训练方法调节共鸣腔体的运用，如适度扩张口腔、咽腔、喉腔等形状可以调节的共鸣器官，通过共鸣腔体的协调配合，使音量更加宏厚，声区更加统一，音色优美而富于变化。

(三)灵活清晰地咬字吐字

　一首歌曲的构成是离不开歌词的，歌词既是歌曲的重要组成部分，也是词曲创作者个人情感的体现和对歌曲赋予的意义载体。因此，灵活清晰地咬字和吐字是所有声乐演唱者的必备技能，美声唱法对此也有着较高的要求。美声唱法在咬字和吐字上强调“以字代声”，即通过无字练习寻找发声位置，然后将字安放在发声位置上，这样就使发音和吐字协调统一起来，增强了歌曲的饱满性和感染力。

　美声的语言比日常语言更富于形象化和表现性，因此略显夸张，尤其是字头、字身和字尾，对歌唱者的咬字和吐字能力都提出了较大的挑战。其中字头的要求是准确、灵巧，要保持舌头和唇齿的灵活性，咬完字头后要迅速过渡到字身，否则就会造成声音的不够流畅，影响内部腔体共鸣的产生。字头咬得太紧也可能造成一个字唱出来听着像两个字的情况，例如“唤”变成了“呼――安”。其次是字身，即歌唱的主要部分――韵母。当歌唱由字头过渡到字身时，要马上撤销字头所用的力量，使嘴巴进入放松状态，并一直进行韵母的发声，直到唱出来下一个字的瞬间。最后是归韵――字尾，字尾的收音要准确而恰当，并保持气息，从而使声音仍然停留在较高的位置。不要使尾音拖得太重或太长，否则会使字音变得断裂，声音的连贯性得不到保证。但是尾音收的太早也不行，因为不能充分发挥最重要的元音，造成观众听不清的情况。此外，还要树立整体概念，将整首歌曲的词从头到尾进行连贯演唱，从而一气呵成，轻重明确，实现较好的咬字和吐字。

二、美声演唱的情感处理

　对于音乐歌唱者来说，演唱的最终目的就是将歌词和乐曲转化为动人的情感，以音乐的力量触动听众内心深处的柔软之处，引发他们的情感共鸣。因此，准确地把握作品中的情感要素、并完整地传达出来，是美声演唱过程中一个需要特别重视的内容。词曲作者是音乐作品的第一创作者，而现实演唱者则是将作品的生命激活的第二创作者，情感的共鸣和传递是连接这两种创作的内部纽带，也是歌曲打动听众的关键所在。

(一)深入理解歌曲中蕴含的情感

　作为一种艺术作品，任何歌曲都是创作者及其所代表的群体在特定时代的生活体验和感悟的结晶，蕴含着丰富而独特的情感。对歌曲的演唱需要高超娴熟的歌唱技能，在歌唱前深入了解作品的时代特征、个人风格和感情色彩等，充分体会隐藏在作品的歌词和曲调之后的情感内涵也是十分必要的。歌唱者要找出曲调与歌词之间的互动关系，运用自己的演唱，把歌曲以感情丰富的形式表现出来，表达给听众其中的美。

　音乐艺术是一种感性的艺术门类，它直接对人施予影响的是听觉器官。要想透过听觉感受到其内部的情感和精神，除了体会作品的背景之外，还需要歌唱者积极调动自己的想象力，把所有与作品有关的人物和故事补充完整，根据作者的创作手法，营造词曲中描绘的悠远意境，从而形成自己内心对作品的独特理解。音乐曲调的体验就越具体、深刻。只有对作品的音乐曲调和词义内涵感受得深刻而具体，在真正演唱时才能贡献出真挚而完美的乐曲，也可以达到对音乐情感内涵的理解。

　 (二)运用歌唱技能恰当地表现情感

　在深入体会歌曲所蕴含的情感和精神之后，演唱者应当规划一下恰当地表达歌曲情感的处理方式，运用自己已经掌握的歌唱技能巧妙而准确地传达歌曲中的情感，将技能与情感天衣无缝地结合在一起，实现最佳演唱效果。例如，演唱时的气息、音色、音量、咬字和吐字的轻重等。要准确把握歌曲的层次以及高潮、转折点等，并通过个人内在情感的调动和舞台表现，将这一情感完整地传达给听众，从而完成歌曲的二度创作和表现。对于歌词中的关键字句，要在咬字吐字和感情上进行特别强调，演唱前不妨进行逐字逐句地反复练唱，耐心寻味和感受，摸索出最具有表现力和感染力的表达方式。例如法国著名歌剧《卡门》中的《斗牛士进行曲》表现了场面宏大、壮阔的西班牙斗牛场景象，气氛欢快而热烈，演唱自然是洪亮而雄壮的。歌唱者要调用声腔中可以营构浑厚声音的器官，加强共鸣，扩大声音的厚度和穿透性，表情庄重而静穆。而《走si贩进行曲》则表现了社会底层人员的自娱自乐，充满了滑稽和小偷小摸的色彩，因此演唱也应当是轻快而嬉闹的。歌唱者可以调用清脆、灵巧的嗓音，增加音调的变化性，表情也要丰富灵活。

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