日本动漫为什么要涉及那么多禁忌类情感呢?

日本人就是喜欢挑战禁忌和别人不敢接触的感情，他们敢于接触，所以他们的创新力和想象力才会那么出类拔萃（虽然变态的幻想也很多），所以他们无论从动漫还是其他影视作品都能取得国际奖项。

动漫就不说了，全世界都在看，你看看我们中国的呢，这些敢想敢做么，还有那么多无聊的限制

最重要的还是禁忌伦理的感情在现实世界是不允许存在的，人类的强烈好奇心支配者人类的情感，无可否认吧，每个人都对新鲜日常中很难接触到的事物好奇，就像很多优等生也会想看看女性的身体，因为平时接触不到才会更好奇

好奇是人类天性，既然现实做不到，那就更应该在动漫中发展，因为虽然嘴上不说，每个人都那么想的，所以这方面很卖钱（兄妹，姐弟之间的感情是无法承认的，但却又是宛若伊甸园那般诱人）

就这样，久而久之，这种就行趋势就见怪不怪了，反而成为日常，你难道不认为有个可爱的妹妹很粘着你，天天用可爱的声音叫你欧尼酱不是件令人心动的事情么

PS：日本是个很神奇的国度，只要他们看准了可以赚钱的领域，他们就很展开强大的想象力，快速助苗成大树，有谁会想到当初第一个百合游戏（女同）到了今天百合向18X作品会如此卖座？

看样子LZ应该在入宅阶段，等你动漫看多了，漫龄增长了，你也会见怪不怪的，反而见不到才觉得奇怪

尽管现在日本动漫仍然在世界上处于领先地位，日本动漫也是日本对外宣传的一张名片，但是现在却也有很多人觉得日本动漫不如之前那么好看了，这到底是为什么呢？

首先，虽然现在日本动漫行业处于高度发展的状态，各种题材的动漫作品不计其数，但是作品质量也随着作品数量的增多出现良莠不齐的现状。甚至出现了某些极为粗制滥造的作品，正所谓一颗老鼠屎坏了一锅粥，几部极为低劣的作品就会极大的影响人们对日本动漫的整体印象。

而且作品数量虽然多了，但是不免会产生相同题材的作品，这些作品的套路基本相同，陷入了同质化竞争。人们第一次看这种题材的作品的时候还有可能会有些新鲜感，但是随着时间的推移，想相同题材的作品看的太多了以后就会陷入到审美疲劳之中。

另外，随着中国动漫制作实力的上升，国内动漫市场也涌现出了一大批优秀的动漫作品，这些优秀的动漫作品不仅在文化背景上更加符合国内观众的口味，而且制作也很精良。国内观众本着支持国产的情感，也更加愿意喜欢看国产的优秀动漫作品，这让日本动漫一时间成为了第二选择，人们更愿意看自己国家创作的优秀作品。

其次，人们喜欢日本动漫的时代也恰恰是国内动漫发展的早期阶段。那时候，国内能够与日本动漫相抗衡的作品少之又少，所以一时间日本动漫就成了人们的童年回忆中的心头好。但是随着那一段时间的过去，以及人们的逐渐成长，阅历的不断增加，人们也就不再对日本动漫有这过多莫名的好感，日本动漫也早已不再是人们的唯一选择。

日本动漫打动人心因为它来源于生活，也高于生活。

      1  动漫作品是“形而上”的存在，来源于生活，也高于生活。来源于生活的那部分，增加了作品的代入感；高于生活的那部分，是一部动漫的精华所在。说到日本动漫，不得不提宫崎骏，宫崎骏的作品中随处可见“反战”、“爱护环境”、“珍惜人与人之间的感情”、“孩子的内心世界十分丰富”等主张。真正的日本可能存在“美化战争”、“破坏环境”、“人与人之间的信任崩塌”、“忽略孩子的精神需求”等现象，这种反差成就了一部动漫的教育意义，也将隐藏在人们心中的主张变成舆论的风向，还能把被忽略的部分提升到明面儿上来。可以说，日本的动漫作品是现实与主张的结合体，是客观现象与主观思想的轮回穿插，是用虚拟情节解构真实世界的艺术方式。

       2将现实中存在的物象“拟人化”是动漫中常用的一种创作方式。《铁胆火车侠》是一部面向低龄儿童的动画片，主人公是两个小学生和火车侠，反派人物是黑暗势力，火车侠代表了正义与踏实的日本铁道系统，黑暗势力代表了破坏交通正常运转的势力，两个小学生则代表了观众群体。这部动漫通过正邪对抗来阐述“邪不压正”的基本价值观，也强调了“小学生”站在正义的一方才能成为助攻。同时，也歌颂了日本交通运输系统的发达和先进性。火车侠被赋予了正义、勤劳的品质，这也是日本铁路交通部门及其工作人员给予公众的形象，两个小学生被塑造成了有责任心且勇敢的形象，故事剧情深化了公众与公共设施之间的美好关系。在这部动漫中，公众与公共设施之间的关系是真实的社会现实，去过日本的人都能感受到日本人对公共设施的爱护、对约定俗成的规则的遵守。

3日本动漫反应社会问题。日本动漫中有一些“中学生恋爱”、“学生不爱学习”的情节。比如《美少女战士》中，月野兔对夜礼服假面的暗恋，《哆啦爱梦》中大雄把考试内容写在“记忆面包”上吃下去。这些情节不仅是日本的现实，也是世界各国学生的日常吧。日本的创作者能将这些情节进行还原，还是很勇敢和厉害的。

4日本的动漫是虚构的，但场景是实体的，真实带给人的感动。这一点很厉害，展现给观众的不是“乌托邦”，也不是“角斗场”。不知是风景入了画，还是画面本身就是风景。真实带给人的感动，在于能勾起百种情思。《你的名字》中夏日祭的小吃摊、倒影在大厦外壁上的东京塔、图书馆中详尽的地理资料，这些场景还原了日本都市与乡村的生态和日常生活，用轻描淡写的方式勾起了很多人 teenager时期的回忆。总有一个人懂你、经历着你的经历、让你牵挂TA的安危、总是做对你有利的事，动漫用身体互换的老梗完成了这一“奇迹”，用寻常的生活场景中将主人公的心境铺展开来。**结束后，观众记住最多的是情感本身，而不是创作者为推动情节做的“设置”。 给你讲一个虚幻的故事，但用的是真实的场景，故事讲完了，你记住的却是创作者的思想表达。

日本动漫对我的打动，可能就建立在虚实结合以及这种结合的实现能力上吧。日本动漫有着如儿童般的丰富想象，也有着**老手的实现水准，更有着社会学家的洞悉能力。其虚实结合的实现能力成就了日漫在观众心中的地位，尤其是“实”的那一部分，让童话走进生活，打开了不同年龄层观众的想象空间，更推动了公知的发展，所以日本动漫更能打动人心。

我认为动漫产业的天花板是文学、美术和音乐，我国文化艺术停滞不前，动漫就无法发展。而情感表达依托叙事、镜头、造型、配音和配乐的整体渲染，若各个环节都存在问题，动慢作品也就缺少情感表达。

叙事部分，也就是编剧问题，毋需赘言，我们都清楚怎么回事。所以，我主要谈镜头和造型的问题。国漫的镜头语言极其匮乏，采用最简单的镜头组合，远、中、近三景转换，特写还比较少，更别说推、拉、摇、移、跟了，除空镜外就几乎没有了，而且连打斗戏也很少尝试长镜头效果，用切镜方式组合，损失了畅快淋漓的观感。

在构图上，国漫就是把主体人物放在中央，谁说话放谁脸的国产电视剧手法。不是说这种保守的拍摄方式不好，而是通篇都用如此单调的构图，不敢尝试其他形式，很容易让人感觉厌烦。今天我们的电视剧还在这样拍，那我们的国漫想要突破就很难，除非去学习外国经验。

造型是和情感表达关系最紧密的问题。很多国产演员的演技不是面瘫，就是过分夸张，情感根本表达不出来。表演专业应该用作品和理论专著向下指导动漫产业的人物塑造，但现实情况是，很多演员自己都不会演戏，作品做不好，理论就更别指望他们了。

如果表演专业不能指导动漫产业，那美术专业能不能指导呢？也不能。对情感和动态表达的美术论著停留在解剖学意义上，很少见相关的独立研究问世。反映在最近的叙事性绘画上，面瘫的、夸张的、站桩的造型也很常见。说白一点，中国能创作古典历史画的画家就没几个，美术专业自己在叙事表达上就习惯使用大场面（和题材有关），忽视人物内心刻画（和价值观有关），那么要向下指导动漫产业，就是天方夜谭了。

再说国内**能做好，但国内动漫做不好的打斗戏。除了镜头，在造型上国内动漫里的打斗场面特别不流畅，不爽，不燃，这个锅应该让美术背一半。西方美术留下的瑰宝无人重视，大家都上赶着去追前沿课题，导致我们的叙事性油画形如空中楼阁，剪切拼贴，很多问题都处理不好。

以掷标枪这个动作为例，国内美术教育只会分析人体动态中的解剖问题，但不涉及动态造型的设计问题。大量作品是用照片拼接起来的绘画，而照片和绘画有很大区别，不能表现出在绘画上是合理的，但真人做不出来或难以保持的动作。不过，就这一问题，达芬奇曾经做过详细论述。

上图两造型都是掷标枪，A的动感比B强，因为A还未投出，身体正在蓄力，从解剖结构上看肌肉各部位和神情都高度紧张，可以作为画面中的主要人物。反观B已经投出，左臂全然放松，神情开始涣散，右臂力量朝投掷点泄出有指向性，可以作为画面中的次要人物，吸引观众的目光向投掷方向望去。

前面说的A还可以改进，变成这里的A。两者的区别在于，原来的A是一个准备动作，现在的A则是正在进行的动作，右脚已向前迈出，身体重心仍在后方，重心不稳导致全身肌肉更紧绷，人物必然试图恢复平衡，动感更强。

达芬奇得出结论，在一个动作中，重心最不稳的瞬间动感最强，准备动作较稳定有力，正结束的动作常有指向性，所以在设计人物动作时，应当考虑动感、稳定性和指向性三个问题，合理安排人物主次和画面构图。

事实上，每一个动作，每一个细节问题都应该被我们考虑到，这不仅是动漫工作者的任务也是美术工作者的任务。如果亲力亲为效率不高，大可挖掘他山之石。但现实情况是，上述细节在美术理论中很少出现，在我们引进达芬奇著作时，也会被省去，原因是市场不需要这些内容（本人在进行达芬奇著作研究中发现，市面上的达芬奇美术理论著作基本全是节译和选集，删去了大量如上所述的细节知识）。

总结一下，动漫作品出不了感情，在于我们做不好技术活，在于我们的各专业工作者没有给动漫工作者有效的指导，在于研究这些东西“没意义”。这就是现实，做基础研究的人太少了。放到表演问题上，我们专注于颜值和身价，不重视表演技能的细节，喜欢把注意力和金钱投资在面瘫脸和抽风脸上。