透过凡·高的作品,你感受到了画家怎样的情感世界?

文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh，1853－1890），荷兰后印象派画家。他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。梵高的作品，如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等，现已挤身于全球最具名、广为人知与昂贵的艺术作品的行列。1890年7月29日，梵高终因精神疾病的困扰，在美丽的法国瓦兹河畔结束了其年轻的生命，是年他才37岁。

艺术特色：点彩画法。　《向日葵》、《邮递员鲁兰》、《 咖啡馆夜市 》、《星月夜》、《包扎着耳朵的自画像》、 欧韦的教堂

《星光灿烂》、《梵高在阿尔勒卧室》、《阿尔附近的吊桥》等，都包含着深刻的悲剧意识以及强烈的个性和形式上的独特追求。当时他的作品虽很难被人接受，却对西方20世纪的绘画艺术有深远的影响。　法国的野兽主义、德国的表现主义以及20世纪初出现的抒情抽象主义等，都从他的主体在创作过程中的作用、自由抒发内心感情、意识和把握形式的相对独立价值、在油画创作中吸收和撷取东方绘画因素等方面，得到启发，形成了各自不同的绘画流派。　梵高摒弃了一切后天习得的知识，漠视学院派珍视的教条，甚至忘记自己的理性。在他的眼中，只有生机盎然的自然景观，他陶醉于其中，物我两忘。他视天地万物为不可分割的整体，他用全部身心，拥抱一切。梵高很晚才作为一位极具个性化的画家而崭露头角，距他去世时只有八年。

梵高着意于真实情感的再现，也就是说，他要表现的是他对事物的感受，而不是他所看到的视觉形象。　梵高在巴黎结识了印象主义画家之后，他的调色板就变亮了。他发现，他唯一深爱的东西就是色彩，辉煌的、未经调和的色彩。他手中的色彩特征，与印象主义者们的色彩根本不同。即使他运用印象主义者的技法，但由于他对于人和自然特有的观察能力，因而得出的结论也具有非凡的个性。　梵高把他的作品列为同一般印象主义画家的作品不同的另一类，他说：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，不仅是色彩，连透视、形体和比例也都变了形，以此来表现与世界之间的一种极度痛苦但又非常真实的关系。

梵高是一位具有真正使命感的艺术家，梵高在谈到他的创作时，对这种感情是这样总结的：“为了它，我拿自己的生命去冒险；由于它，我的理智有一半崩溃了；不过这都没关系……”　梵高从来没有放弃他的信念：艺术应当关心现实的问题，探索如何唤醒良知，改造世界。

为什么那么多人爱梵高 ！不断突破自我每个人的梵高情结是不一样的梵高是孤独的，但是闪闪发光！当欧洲的画家们还在谙熟和热衷于坦培拉绘画技法的同时他突破并创造了印象主义更加注重色彩的对比和事物的内在结构。

专业与自律，29岁才开始拿起画笔，在短短8年内每天都在阿尔勒天然的**夜空中和美轮美奂的田野景色在大自然中积累灵感和素材创作了864张油画、1037张素描、150张水彩画是自律和专业成就了他的伟大！

梵高的自画像徜徉在普罗旺斯的梵高一个把自己的骨头血肉燃烧殆尽换取热量追随热情，忠于自我这和法国悦丝汀的品牌精神不谋而和独立、勇敢、自我。

梵高高度盲目的自然观绘画思想。早在18世纪。由于这种面对社会丑恶、腐朽而表现出的不屈的肉体将鼓舞后来者在艺术长河中不时地探究与追求，梵高常处于一种肉体极度亢奋的状态来停止他的艺术发明。将这些自然物描绘出来都是不容易的，但由于他们都是生活之美的对象，但是，他却用短暂的终身完成了作为一位出色艺术家的共同的艺术发明图式， 画画只是一种纯粹化的个人表达，强调本人的客观感受。论及个人，梵高无疑是不幸的，炽热的创作激情、直率、执着而神经质的性格使他难以融入当时的社会，他不朽的艺术肉体将在世界艺术史上永放光芒。 后印象主义杰出代表 梵高， 作为后印象主义的主要代表人物之一。他的绘画受到西方绘画的影响， 也创造了属于自己的独特风格。自然观思想以为，一片沙滩、天空与海洋，一块犁地上的犁沟等，都理应成为艺术描画的对象， 用主观的情感抽象的表达着他所想表达的一切事物， 因此他的艺术创作也难以被大众接受。他用他的绘画作品表现了他共同的艺术人生和人文情怀，震动着后来的每一位酷爱艺术、酷爱生活的人们。他的艺术作品在他逝世近100年后成为了世人以天价竞购的对象，基本缘由在于他悲悯的人文情怀及猖獗的艺术情怀。他摆脱了对现实的束缚， 而注重对生命本身的表达，诠释美的生活。凡高的艺术创作深受自然观思想的影响，他以宗教徒般的忠诚走进自然，诠释人生，的确是值得的。”由于反映自然之美是十分值得的，所以，他单纯的理想主义信心，痛苦的疾病折磨，孤僻，并与人为善相处。凡高描画出的自然世界不是地道的外在于人的客观存在，它是内化于人的“人化自然”。他经过绘画艺术将本身的内在心灵与其所处的社会联络起来， 将色彩表现到了极致， 金**也是梵高习惯性用的颜色， 由于他对生命的强烈的个性表达和追求的艺术个性， 使画面具有特殊的装饰效果， 或许有时候众人无法理解他为什么这么创作， 他有意识的强调色彩， 一些传统的艺术效果被他有意忽略。他以广博的文学涵养，宽厚的人文情怀，博大的同情心， 这在西方艺术上的影响是举足轻重的，注重本身情感的表达，一名艺术家终其终身从事于表现这些自然物之美， 这让他很有动力。梵高的艺术风格最主要的特点就是对于色彩的表达，他说：“一名社会劳动者形象， 在艺术创作中他非常重视个人的情感。才干创作出美的作品，共同的绘画技巧，正如梵高所说：“在见到诸多自然事物时，如当看到一片树木时，我都能看到自然的表情，梵高的艺术作品才真正反映出来自然的“生气与真诚”，感动了有灵性的艺术之人，并传于后世而永不退色。他的创作的独特风格，追求方式和心理的均衡。梵高绝不故步自封地照搬传统和照实地描摹自然，他终其终身努力寻求个性化的艺术表现手法，并最终发明出了属于本人的艺术款式。对梵高而言， 他习惯用夸张的变形手法和大胆的色彩表达来装饰他的画面，法国启蒙思想家卢梭就提出了“返回自然”的自然观思想， 他对形式的大胆追求， 强烈的色彩表达，艺术家只要投身自然对于艺术的真诚梵高绘画艺术的真实感及其所表现出来的对生命力的追求及对灾难民众不屈于命运的关切之情。

荷兰是后印象主义的先驱，并深深地影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与表现主义。他早期受荷兰画家马蒂斯·玛丽斯的影响以灰暗色系进行创作，直到他搬往巴黎与作为画商的弟弟同住，接触了当时震动了整个巴黎美术界的画家们，画风渐渐被印象派的画家影响，后来经过在野外的长期写生，色调渐渐由灰暗色系变为明亮色系。在他去世之后，他的作品《星夜》、《向日葵》与《麦田乌鸦 》等，已跻身于全球最著名最珍贵的艺术作品的行列。

他是是19世纪后印象主义画派的另一个重要代表人物。而印象派的特点就是对于光和颜色的追求，基本上摒弃了对形的严格要求。梵高着意于真实情感的再现，也就是说，他要表现的是他对事物的感受，而不是他所看到的视觉形象。人们如果确能真诚相爱，生命则将是永存的，这就是凡高的愿望和信念。可是冷酷和污浊的现实终于使这个敏感而热情的艺术家患了间歇性精神错乱。

凡·高的新画风，可以说是印象主义、新印象主义，日本的浮世绘版画融合在他个人气质中的产物，是东西方绘画合流的结果。凡·高的画，一个突出的特点是强烈地表现了自己的个性。有人说，他的画都是他的自画像。

因为梵高的意识太超前了。19世纪太前卫了。现在我们看梵高的作品，一点问题都没有。但在当时，没有人能跳出传统思维，欣赏这种没有学术味道的作品。19世纪印象派的几位印象派大师，都是受够了先锋派。但只有梵高运气不好，死后才出名。一方面是因为他的性格和心理疾病，与他人格格不入；另一方面，因为梵高确实是一个笨手笨脚的人，在传统意义上，他并不太擅长画画。

梵高1886年来到巴黎，认识了印象派和新印象主义画家，接触了日本浮世绘。视野的扩大使他的绘画风格发生了巨大的变化。他的画从早期的沉闷、暗淡开始变得简洁、明快、多彩。1888年，我来到法国南部小镇阿尔，摆脱了印象主义和新印象主义的影响，走向了相反的立场。梵高在1888年与高更有过交往。

然而，由于他们性格的冲突和想法的差异，合作很快失败了。此后，梵高的癫狂(有人记载为“癫痫”)时常发作，但在神志清醒时仍坚持绘画。1890年7月，37岁的他因精神错乱。梵高是一位色彩主义画家，他对色彩的偏爱几乎达到了一种疯狂的状态。虽然这在某种程度上与他的精神疾病有关，但我们不能否认梵高对色彩的创造性发现和表达。

他画中的色彩奔放夸张，也深深影响了20世纪的表现主义和野兽派绘画。具体来说，梵高画作中奔放的色彩主要表现在以下三个方面:一是用鲜艳明亮的夸张色彩装饰。梵高是表现主义的先驱，深深影响了20世纪的艺术，尤其是野兽派和德国表现主义。梵高的作品曾经让他同时代的大多数人感到困惑，现在已经被印在明信片和日历上，成为畅销书。企业家们争相将梵高的名字带入商业领域，梵高领带、梵高圆珠笔、梵高肥皂、梵高**、梵高歌剧，他们的作品在国际油画拍卖市场上遥遥领先。

按照顺序来讲，我更愿意这样，高更，梵高，塞尚。

高更的艺术有某种神秘主义倾向，也可以说是现代原始主义的某种根源。高更语言刻薄玩世不恭，完全是社会的叛逆者。他把绘画的本质看成是某种独立于自然之外的东西，当成记忆经验中的综合。他更多的受到东方神秘主义和原始主义的影响，总之，他就是要抛弃西方文明的传统，回归野性。他的色彩超出了描绘性色彩的正常范畴，在某种程度上影响了纳比派和野兽派。

梵高比起高更，实在是个天真无邪的艺术家，他早期受到米勒的影响，后来在印象派的影响下，开始使用狂放的色彩。不想其他现代派艺术家，梵高是很重视透视的，但是相反，他的强调透视又与他得平涂倾向形成强烈矛盾，这也是梵高个人风格的一个独特之处。梵高继承了荷兰绘画的伟大传统，不但伦勃朗，而且荷兰风景画家，都是他师从的对象。在这三个画家中，梵高是最直接以色彩表现感情的，也显得更容易被人理解。加之他精神病人的身份，更加强化了他作为“标准现代派艺术家”的形象，甚至可以说，正是他临床病理学上的精神病性，为他的艺术锦上添花。

再说塞尚。塞尚在这三人中是最具有举足轻重地位的，他被认为是现代艺术之父，深刻影响了抽象绘画和立体派，他的艺术更多的是实验性的，也是寻求以艺术靠近真理的终极尝试。让绘画回到画面本身，是现代意识的基本诉求，始作俑者就是塞尚了吧。引用阿波利奈尔的话说就是，塞尚的画“可能不符合实际的比例，但是符合感情的比例”。看似塞尚绘画漫不经心，但是他的每次尝试都是经过严密推敲和缜密分析的，他刻意调整画面各个因素，使画面最终统一于其本身。他把对象完全等同于几何体的综合，锥体，柱体，长方体，就在这种简化和提炼中，达到了对象的坚实和存在感。

名画《呐喊》的作者是谁？的故事背景是什么？感兴趣的读者可以关注校易搜。

说到名画《哭》，确实很多人知道，但这也不是问题，因为知道了，今天一定又知道了。不知道的，一定要多学。最近也有很多网友说，名画《呐喊》是谁的作品？事实上，它看起来很可怕。有什么故事？大家一起来分析一下吧！

名画《呐喊》的作者是爱德华蒙克。爱德华蒙克是一位挪威画家，他在1893年创作了《呐喊》。有四个版本，分别是：第一个版本创作于1893年，作品为蛋清木刻画；第二幅画创作于1893年，是一幅彩色蜡木板画。第三版创作于1895年，是一幅蜡笔木画。第四个版本是蛋清木油画。

名画欣赏《呐喊》

一波一波的红云，旋转的海湾，挤压变形的头颅，把人推向恐惧的深渊，发出震撼宇宙的尖叫和哭喊。

蒙克的代表作《呐喊》完成于1893年，举世闻名。蒙克本人对这件作品有一段描述：“我和两个朋友去散步。夕阳西下，天空突然变红，一阵悲伤涌上心头。我只是站在栏杆边。深蓝海湾和城市在血与火之间。朋友一个个前进。一个人站在那里，突然感到难以形容的恐惧和颤抖。我觉得仿佛有一声来自大自然的呼喊震撼了整个宇宙所以我画了这幅画，画出了像真血一样的云，让色彩咆哮。”

蒙克的《呐喊》和他所有的作品一样，都是通过自己的经历来绘制的。他不是为了艺术而作品，而是表达了他的忧郁和不安。这是他创作的动力。蒙克正是通过他的创作，打开了自己幽闭恐惧的情感通道，不自觉地表现出自己无意识的情感，从而释放出内心产生的巨大精神能量。就像弗洛伊德认为梦可以在一定程度上缓解紧张情绪一样，通过艺术来表达情感可以让他达到一种更平和的状态。如果不是通过大量的创作来表达自己，他可能早在姐姐那个时代就崩溃了。

1889年父亲去世后，和尚的精神更加躁动不安，性格变得忧郁、孤僻、孤独、绝望、死气沉沉，深深困扰着小和尚，迫使他不得不表白。他想呼喊，他想画出活着的人，他们的呼吸、感情和痛苦。在此期间，他画了他最重要的作品《呐喊》。这张照片显示了一个像婴儿一样的小人张着嘴从桥上跑出来。远景是海湾和日落。天空像滚滚的血红色波浪，让人颤抖恐惧，仿佛整个大自然都在流血。

挪威僧侣纸上的尖叫粉笔，奥斯陆国家艺术收藏，91x735

基于现实生活，依靠个人的家庭经历和朋友的经历，僧侣们选择用象征和隐喻的方式来揭示人们的“世纪末”。以及焦虑和恐惧，这幅《呐喊》是这组画中最著名的代表作。

由于蒙克笔下的人物都承担着表达特定心理状态的使命，就像《尖叫》一样，他塑造的男女形象并不现实，而是具有一定的象征意义，隐含着人类共同的生理状态和情绪，如生、死、爱、焦虑、抑郁、犹豫、自负等。

从表现手法来看，《呐喊》是典型的表现主义风格。屏幕上红色和黑色的强烈对比让人头晕目眩。扭曲的形状也被充分利用。云的形状不是普通的块状，而是波状的流水。这幅画中的人物完全改变了他们的形状。他们是骷髅、尸体和鬼魂。正是通过这些夸张的变形和强烈炫目的色彩对比，使人物想要表达的情感得以完美呈现，从而达到艺术家的创作目的。

在这幅画中，蒙克使用的颜色在某种程度上与自然有关。虽然蓝色的水，棕色的土地，绿色的树和红色的天空被夸大了，但它们并没有失去其颜色的近似真实性。整幅画的色彩灰暗：浓浓的血红色悬浮在地平线上，给人一种不祥的预感。它与海洋黑暗部分的紫色相冲突。随着向远处延伸，这种紫色越来越暗。同样的紫色反复出现在孤独者的衣服上。然而，他的手和头仍然是苍白的和浅棕色的灰色。

这幅画中没有什么不是充满了动荡。天空扭曲的曲线和水流与桥的刚性对角线形成鲜明对比。整部作品在动态旋转中充满了粗犷而强烈的节奏感。所有的形式元素似乎都在传达那种刺耳的尖叫。这里的画家可以说是用视觉符号来传达听觉，把痛苦的尖叫变成可见的振动。这种声波表达的方法可能与梵高的代表作《尖叫》中力和能量的可视化有关。蒙克来到这里，将尖叫带来的极度内心焦虑转化为令人信服的抽象形象。就这样，他几乎把银幕上的情感表达推向了极致。

画中的画像岩浆，四处狂流。画布上，画笔跟不上颜料，不知该往哪里跑，还是寻求庇护。天空满是红色，看起来很沉重。接下来的一幕，似乎天空就要被一拳打下来，像一个大黏糊糊的物质。它不再只是一片天空。

我们不能听，我们不能听正在发生的事情。我们必须尖叫，直到天空停止，直到它不再威胁我们。我们必须停止我们的耳朵和喊叫，直到我们变聋，这样一切都可以消失。直到这一切只是一场噩梦。

这座桥的橙色扶手看起来像一把锋利的剑，切割着画面。又有一天，我们可能会想：有了这条漂亮的扶手直线，我们就可以一直走到地平线了。这是一条安静的小路，风景平淡无奇，向远方延伸，宁静而辽阔。我们对这条路了如指掌。

今天，这座桥没有尽头。我们不记得它是从哪里开始的，也不记得我们是什么时候来到这里的。如果我想找到回去的路，我应该走哪个方向？你为什么在这里？以前一切都变了。我们要去哪里？

我们必须在景色完全变得面目全非之前离开。但是地面正在迅速塌陷。刷子上涂有软漆，像肥皂一样光滑。黄线和红线想要笨拙地在表面上画出它们所能画出的一切。木板，还是反光？在桥的上方，蓝色是如此强烈，以至于破坏了所有的距离感。视角降得那么低，离我们那么近，会变成一堵墙。恐惧冻住了我们的腿，这幅画也是。

他双手抱着头，振作精神。他把脸贴在画布上，就好像它在一个玻璃盘子上。这幅画就像一扇关闭的窗户，再也无法打开。没有人在听。一个人的身体就像风中的一片草叶，来回摇摆。颜色不能稳定他。一根棕色的线轻轻地舔着他，但是没有用。他的身体没有固定的形状。

我们很想找一些合理的理由，一些可以接受的借口，来解释发生的事情。一场自然灾难，一些浪漫主义画家喜欢描述的灾难：海难或其他灾难，迫使人们面对自然的力量。红色的晚霞足以让英雄们看着混乱的世界，投去关切的一瞥，这也是为了更宏伟的目标。这些运动的不确定结果不能贬低它们的伟大，但它们告诉我们，令人不安的图像吸引我们的程度不亚于它们的展示和承诺。

红色的天空没有热量。醒目的橘子触地成冰，在任何看得见的地方撕裂地平线。

站在这里的人很快就会迷失自我。让画面紧张的风把一切都吹走了，让人很难认出他。我们不能和他打招呼，和他说话，接近他或者触摸他。简而言之，他不再孤单。他什么都不是。剩下的五官很难形成面具。他看起来像一具尸体，满嘴都是油漆和泥土。他的眼睛被擦过或粘过。他比隐形更糟糕：他在这里已经拿走了他所有的存在感。

如果他用双手把脸颊压得更紧，绿头可能会完全消失，就像制作陶器用的黏土一样，改变形状。这个位置相当于致命一击。那时候，他留下的只是一堆紧紧包裹着的没有生命的东西，就像一些可怜的雕塑家的作品。这个人是个囚犯。世界吸收了他，消化了他，然后又把他吐出来。

他所看到的无法用语言表达。别人听不到他的声音，从他贫瘠的外表和沼泽般的空虚就能看出来。蒙克的作品力求简洁，很少使用元素，只保留一些造型。这些造型充满了流动性，让观众很难找到凝固的感觉。这就是蒙克选择他们的原因。现实像潮水一样退去。剩下的只是焦虑，双手之间的空虚。