如何从经典名画中感受油画艺术的动感美呢？

动感美，通常是指物象呈现出的富有韵律的动态、动势和起伏变化的节奏、旋律、场景给人们带来的视觉和听觉上的美感。动感美一般是指“有动静”的艺术表现形式，比如影视、舞蹈、音乐等，人们通过作品中明显的“形动”和“声动”，领会到其中的动感美。

油画作为以平面图象呈现的视觉艺术，从理论上讲，是一种静态的艺术表现形式。然而，油画通过其构图、造型、色彩、笔触和场景的丰富变化，同样可以展示出令人赏心悦目的动感美。那么，如何领会欣赏油画艺术作品中的动感美呢？这里，笔者试以一些经典的油画作品为例，和大家一起探讨一下这个问题。

一，从油画作品的戏剧化场景来欣赏它的动感美

以米开朗基罗的《创世纪》和鲁本斯的《抢夺留西帕斯的女儿们》两幅油画为例：

《创世纪》是文艺复兴艺术巨匠米开朗基罗用4年又5个多月的时间，在罗马西斯廷大教堂圆顶上创作的一幅巨型壁画。该画分三大部分十个章节，成功刻画了343个形态各异栩栩如生的人物形象。其中最精彩的是《亚当与夏娃》这一部分。画面中，亚当和夏娃刚刚被造物主赋予了生命，亚当斜倚在画面的左端，似乎是在努力地将手伸向造物主（上帝），而他的眼睛却专注地看向画面右端被造物主护在身侧的夏娃。有趣的是，此时的夏娃也正目不转睛地看着亚当所在的方向……读者看着画面场景，仿佛能感觉出亚当和夏娃正在双双移动着身体一步步靠近。

《抢夺留西帕斯的女儿们》是17世纪巴洛克油画大师鲁本斯的一幅代表画作。该画取材于古希腊神话，描绘了众神之王宙斯与丽达所生的一对孪生兄弟卡斯托耳和波吕克斯，爱上了迈西尼国王留西帕斯的两个女儿一对孪生姐妹。于是卡斯托耳和波吕克斯带着人，趁着黎明前的蒙蒙晨曦，将留西帕斯两个女儿抢走的场景。整个画面呈现出一方拼命抢夺一方奋力挣脱的戏剧性场景，具有非常强烈的运动感。

二，从油画作品的人物形态来欣赏它的动感美

以约翰-柯内尔的《马背上的葛黛瓦夫人为例：

《马背上的葛黛瓦夫人》是英国18世纪著名画家约翰-柯内尔根据一个在英国流传近千年的美丽故事创作的。故事梗概：美丽女子葛黛瓦嫁给了考文垂城的总督成了总督夫人。当她看到城里百姓因为赋税过高而生活窘迫时，就向丈夫求情减免百姓税负。总督丈夫不依，葛黛瓦终日郁郁寡欢。有一天总督跟葛黛瓦说，如果葛瓦黛敢赤身裸体骑着马在城里走一圈，他就同意减免税负。

总督本想以此话激将葛黛瓦打消为百姓减税的念头，不想葛瓦黛当即答应了。第二天一早，葛黛瓦夫人骑上府里的一匹枣红色的高头大马，坦坦然然走在城里街道上。城里的商户百姓知道葛黛瓦夫人的良苦用心，这一天都纷纷关门闭户，路上的行人远远看见葛瓦黛夫人骑马过来，也都侧身扭头回避……葛黛瓦夫人的大善之举终于感动了总督，遂下令减免了百姓的赋税。《马背上的葛瓦黛夫人》虽然是一幅静态的画面，但读者从葛黛瓦夫人的表情神态和马的动态姿势，会产生一种女主人正骑着马行进在城区的街道上的运动中的感觉。

三，从油画作品的新颖造型来欣赏它的动感美。

以夏加尔的《爱情》为例：

夏加尔是20世纪最著名的表现主义绘画大师，他和妻子贝拉是中学同学，可以说是青梅竹马走到一起。两人感情真挚，志同道合。贝拉的聪明智慧灵动可爱给了夏加尔很多的创作灵感。每年在两人的结婚纪念日期间，夏加尔都要画一幅画送给妻子。《爱情》是在他们结婚三周年时创作的，是夏加尔最珍爱的一幅作品。

画面的背景是澄澈湛蓝的天空，地面上疏落有致的房屋、树木和绿葱葱的草坪。画家站在画的中央，玉树临风，他左手高高举起，和妻子贝拉的右手对接，撑起穿着一袭紫红纱裙美丽无方的贝拉。贝拉身体完全悬腾于半空，呈倒立型娑婆曼舞。在画家旁边的草地上，堆放着一束五颜六色的鲜花。真的太富有动感富有诗情画意了。画家是想以这样的一幅画面告诉世人：爱情是伟大的，爱情是美妙的，爱情的力量是无穷的，爱情是无拘无束仿佛可以天马行空自由飞翔的。

四，从油画作品的色彩铺染来欣赏它的动感美

以雷诺阿的《浴女》为例：

雷诺阿是法国19世纪印象主义油画的代表画家之一，尤以创作青春女性题材的油画著称。《浴女》是他中后期创作的重要作品。在这组系列油画中，画家以深情的笔触塑造了一群丰腴女子的美丽形象。丰腴一般是指人的身体胖或者微胖，在人们传统的审美中多不被看好。但是雷诺阿在这幅画中，描绘了一群丰腴女子有的在洗浴，有的在梳头，有的在戏水玩耍，有的在独自沉思，通过运用缤纷绚烂的色彩渲染和远景近景的层次交换，烘托出丰腴女子皎好的容貌、灵动的身体和柔媚开朗阳光的性情。整个画面美轮美奂，人物形象鲜活动感，清丽饱满。

五，从油画作品的光线明暗来欣赏它的动感美

以伦勃朗的《杜尔医生的解剖课》为例：

伦勃朗是17世纪荷兰最伟大的画家之一、“荷兰小画派”重要代表。伦勃朗对油画艺术的最大贡献是他丰富和完善了油画的“明暗用光法”。伦勃朗在油画中善于以黑色或褐色等深色作背景，以白色来突出主体，看上去像是一束束白光集中于画面中央，既凸显主体又富于动感美。《杜尔医生的解剖课》是伦勃朗的一幅代表作。画中描绘了杜尔医生在手术台前讲解示范解剖手术的场景。围在杜尔医生身边的是他的同事和学生。由于画家精妙地运用了光线明暗关系，使这幅画看上去仿佛不是静态的，而是杜尔医生真真切切地在讲临床实验解剖课程，非常的真实生动。

六，从油画作品的笔触来欣赏它的动感美

以梵高的《向日葵》、《星空》、《麦田》为例：

笔触既是画家绘画风格技法的展示，也是画家思想感情在作品中的流露和展现。在这方面，后印象油画大师梵高的《向日葵》、《星空》、《麦田》等提供了经典的范例。这几幅作品，不仅展示了画家精湛绝伦的绘画技法，而且饱含着画家的思想感情和火一样炽热的激情。我们看到，画面中的《向日葵》，充满生命的活力热烈奔放，它已不是纸上的画，而是一株生机勃勃的活生生的葵花树；《星空》似乎让人们看到无际的夜空，静悄悄中，云层在涌动，月亮在看着周围的世界，还有高山、巨塔、大树等等，于暗夜中森然耸立，透着空茫而神秘的色彩；《麦田》中成片的金灿灿的麦子，让人感恩大地母亲，同时感受到一种丰收在望的喜悦和欢畅。

像许多喜欢古典油画的人一样，喜欢拉斐尔，喜欢安格尔，喜欢布格罗，喜欢这些油画大师造型精准真切直观唯美写实的作品，而对于印象派诸如马奈德加高更们的人物油画总是调动不起内心的兴趣，但是，雷诺阿却是一个例外。

奥古斯特-雷诺阿（1841一1919），法国十九世纪后期二十世纪初期著名的印象派绘画大师。出身于巴黎郊外农村的雷诺阿少年时就表现出很好的天赋，为了走上艺术之路，他来到巴黎学画。当时印象主义油画还未产生，古典主义写实油画仍比较流行。雷诺阿学习十分勤奋刻苦，累经磨练，打下了坚实的素描基本功和写实油画基础。

十九世纪下半叶，随着照像技术在民间的应用，写实油画进入衰微期，印象主义油画如日中升，蓬勃兴起。雷诺阿看到了当时油画的发展趋势，改弦更张，开始转入印象主义油画的研磨创作。

得益于早年打下的写实功底，雷诺阿将印象派的光线色彩上的特点和写实油画造型具像的特点巧妙的融为一体，使他的油画既凸现印象油画色彩丰富饱满明艳亮丽的优势，又带有几分写实特点，跟其他一些印象派画家有明显区别，形成了雷诺阿式的独树一帜的印象油画风格。

如果说拉斐尔、安格尔、布格罗、格维德是古典主义唯美写实油画的代表画家，雷诺阿无疑就是印象主义唯美油画的代表画家了。雷诺阿说，生活中丑陋的东西已经不少了，艺术为什么不能更多的表现美呢！作为印象派中以擅长人物画著称的画家，雷诺阿画笔下的人物都很美，不管是群体人物画，还是个体人物画，不管是丰腴的女性形象，还是苗条的女性形象，经过雷诺阿的艺术创作，都呈现出俏丽俊美生动活泼色彩斑斓动人心弦的画面。如《船上的午宴》、《红磨坊的舞会》、《浴女》系列等。

《阳光中的裸女》是雷诺阿的一幅代表画作。画中描绘了一位美丽少女在户外阳光中光线色彩在女孩身上发生的变化，产生一种梦幻化的画面效果，展示了雷诺阿印象人物油画的特点特色及其高超的绘画技法和表现手法。

1、达芬奇

作为文艺复兴时期作卓越的代表人物达芬奇的成就和贡献是多方面的。达芬奇出生在佛罗伦萨附近的一个小镇芬奇镇，他小时侯曾经拜佛罗基奥为师佛罗基奥首先让他练习画蛋一画就是几年然后才开始教他作画，由于达芬奇打下了坚实的素描基础后来终于成为一代宗师。

2、文森特·威廉·梵高

梵高是荷兰人但长年生活在法国是后印象派的重要的画家，和他的同胞伦勃朗一样凡高也喜欢为自己画像。

3、丁托列托

丁托列托出生在威尼斯是一个染坊主的儿子，他长期生活在故乡用画笔装饰城市的庭院和教堂，他曾拜师提香追求提香般绚烂的色彩和米开朗基罗般结实的形体是他的目标。

4、毕加索

毕加索西班牙人自幼有非凡的艺术才能，他的父亲是美术教师又曾在美术学院接受过比较严格的绘画训练具有坚实的造型能力。

他一生中画法和风格几经变化分为这样几个时期：蓝色时期、玫瑰红时期、黑人时期。毕加索是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家之一，立体画派创始人，他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。

毕加索是位多产画家。据统计，他的作品总计近 37000件，包括：油画1885幅，素描7089幅，版画20000幅，平版画6121幅。

5、亨利·马蒂斯

马蒂斯与毕加索同为20世纪现代艺术的巨擘，而野兽派更引导了20世纪的绘画大革命。以马蒂斯为首的野兽派画家，利用红、蓝、黄、绿等色彩，表达简约物象的自然本质，描绘内在真挚的感情与装饰效果，创作出令人惊艳，极度自由、奔放、华丽、平衡的作品。

6、勃拉克

勃拉克与毕加索是立体派艺术的两位先驱代表人物。

他们曾携手作画，共同为自然界的视觉形式寻求新的定义，独特的理论与杰出革新的画作，在现代艺术中，占有重要的地位。

西方绘画500年，那么多大师，为什么马奈如此受推崇？

马奈是 印象主义奠基人 ，他的大胆与革新，深深影响了莫奈、塞尚、雷诺阿、梵高等新兴画家，将绘画带入现代主义的道路上。

因为马奈，印象主义得以成为可能，德加、莫奈、雷诺阿等印象派大师都是马奈的粉丝，在印象派还没有正式名号的时候，他们就有一个绰号，叫 “马奈帮”。 这群粉丝经常去马奈的工作室转悠，学习他的艺术语言和个性表达，关注现实主题。

马奈是集古典油画语言的大成者，他的作品优雅、轻松、浪漫、潇洒，才华横溢。 同时，他受日本浮世绘版画的影响，吸取了东方平面的绘画性，将西欧油画语言从一直束缚于三维客观世界的描摹状态中，拽了出来， 让绘画更加像绘画本身。

爱德华•马奈 《吹笛少年》，1866

布上油画人物，160×98cm，巴黎奥赛博物馆藏

在印象派之前，主流的西欧油画是尽一切智慧琢磨怎样画得逼真、细腻、唯美，如同照片一样，如果画面中的水果有小鸟来啄，会以此炫耀。

但自马奈之后，画得逼真已经不再特别重要了。

在他影响之下的印象派们，都不再关注外部实物的真实，而是关注绘画的真实，探索绘画的光影、色彩等绘画语言本身，形成了现代主义为艺术而艺术的思想观念。

虽然马奈被莫奈等印象派们推崇为精神领袖，但他自己却从未承认过是印象派，印象派的所有展览，一个作品也没有送过，反倒是非常热衷于给法国官方的艺术沙龙投展，想在官方和学院派获得一席之地。

但是，马奈的艺术生涯，从一开始就进行着坚决的革命性对抗，他的艺术超前性自然无法被传统的学院派承认并接受。

其实，以马奈的绘画能力和艺术造诣，想要获得官方的认可，并非难事，只是， 马奈非要像一个任性的孩子，想要打破死气沉沉、风格单一的古典主义神坛 ，经常挑选一些有强烈刺激的现实主题。

比如，《草地上的午餐》，画面中是一裸体妓女和两位衣着整齐的绅士，表现的是当时郊区的红灯区，而且那个裸体女人竟那样毫不忌讳地盯着正在看画的人。这幅作品一经展出就激怒了大部分巴黎人，引来无数争议，落选官方艺术沙龙是自然的。

但是，马奈很快又找了一位妓女充当了奥林匹克女神的形象，画幅尺寸不小，可谓是精心创作，又拿去参展，当然还是落选。

就这样，马奈落选再投再落选，最后生病生命垂危之际，还在继续投稿，简直是 以一己之力，倔强地推动着整个时代的跨越，让人们看到希望之光 ，也许，这就是伟大的艺术家之所以伟大的地方。

终于，1882年，他的《福利·贝热尔的酒吧台》在法国艺术沙龙展出，并获得“荣誉勋章”。

而躺在病床上的马奈感慨了一句：“ 这一切都来得太晚了。 ” 次年4月，年仅51岁的马奈去世。

马奈的作品，轻松潇洒，才华横溢，没有刻意雕琢，如同画笔自然生发出来的形象，自然灵动，就好比我们熟悉的大诗仙李白的作品，看着就洒脱大气，让人叹服。

这次展览中看到他的原作， 面对马奈真迹，看着每一处洒脱笔触，我觉得，他就在我的眼前。

接下来，我想从艺术语言角度来分析下马奈的这幅《漫步》。

1 用笔的解放与洒脱之美

喜欢马奈的人，一定很喜欢马奈笔触的轻松和洒脱自然。

油画是可以反复修改的，而这幅作品用笔基本是一次性的果断落笔，没有一丝一毫的犹豫和纠结，这样的笔触倒是和中国的写意山水画很像，直抒胸臆，一气呵成。

在西方油画里，这样用画笔来书写心中快感，开始注重笔触的个性化，是从马奈才开始的。

对比古典时期的油画，你会发现，大多数作品是看不见用笔痕迹的，画家会通过软笔衔接将笔触的痕迹消除掉，所以，你想通过用笔看出一个画家的性格，是比较困难的事情，你能看到的，只是他们高超的艺术技巧。

而《漫步》这幅作品，绿色的背景中，画笔节奏韵律感明显，重色表达风景的暗部，亮色表达风景的亮部。将大面积的风景底色铺开来，再用重色低音将风景的重色表达出来，已经不再描摹具体对象，而是表达对光影下风景的观念和认识。马奈在用笔上是根据自己心情的情绪起伏波动来任意摆笔的，不拘泥于物象，的确是洒脱。

 2 轮廓线的虚实之美

虚实变化是世界的细微之美，但这种细微之美，如果不用心感受，就会被忽略，或者只剩下一种刻板印象。

比如，我们看一个苹果，很多人会想当然觉得苹果的轮廓线是实实在在、清清楚楚的，但事实上，在光线、空气、时间、空间等周围的环境影响下，苹果的轮廓线呈现出来的视觉效果是模糊和清晰交替循环的，清楚，模糊，再清楚，再模糊，虚和实就这样循环变化着。

艺术家将这种对虚实变化的细微观察呈现在画面里，很快就会让画面生动自然起来。

以马奈这幅作品为例，为什么简单笔触就能让人物如此生动？如果我们仔细观察贵妇人身体的轮廓线，会发现有些地方处理得模糊，有些地方处理得清晰，模糊和清晰交替循环着。

这种虚实变化我称之为虚实相生，就像是有韵律的音乐节奏，它不是偶然形成的，是艺术家在细致观察之后，刻意营造出来的变化。

除了轮廓线有虚实变化，体积也同样有着虚实变化，这样画面整体将更加生动自然。

3 造型生动的自信与舒适之美

谈到造型，很多人会把造型生动和素描基础混为一谈，好像造型上逼真得像照片一样准确的才好。

其实，真正生动的造型，不在于准确与否，而在于作者有没有带上自己的主观情绪和感受去观察对象，而且，这种观察的表达，要自信，要坚定。

我们会看到很多大师的作品，并没有计较形状和造型的准确与否，而是通过非常自信的情绪表达，带来画面的舒适自然。

马奈这幅作品中的贵妇人，如果我们仔细观察她的脸，无论是内侧脸还是外侧脸，从造型准确来说，都有些太宽了。但是，马奈没有刻意去校对准确，他自然肯定的用笔，形成了贵妇人圆润的贵气感。这种造型的自信才是画面看着舒适的根本原因。

4 游刃有余的层次变化之美

看马奈的作品，总有一种酣畅淋漓的感觉，而这种感觉，来自于他对底色、中间色、亮色、暗部色控制的游刃有余。如果画面是音乐，中间色为中音，亮色为高音，暗部颜色为低音，那么马奈就是演奏视觉音乐的高手。

这幅画中，贵妇人的黑色礼服，占画幅面积很大，是画面中的大重音，但是，黑色中加了很多油，呈现出半透明的黑，露出了画布的米**，这个米**又成为了黑色礼服的小高音；贵妇人脸部的亮色是高音，手的**是中音；绿色背景是中间色，平铺的的绿色使得画面稳定，绿色中又有暗部和亮部在画面中跳动。这些色彩丰富的明暗变化，使得画面节奏主宾有序，韵律和谐，变化层次之多，真是让人百看不厌呀。

以上四点就是从绘画语言的角度来鉴赏马奈的《漫步》，如果你懂了这些油画语言，如果你对马奈有了更深刻的了解，再去看展，也许可以更深刻地感受到大师的艺术之美。

    作为印象派之父的莫奈一生始终如一地将创作热情倾注在印象派技法上。这位出生在法国巴黎的画家在1890年~1900年期间，开始专注并且持续的以睡莲为主题开始创作。即便在1910年~1920年期间，不断遭受妻子与长子不断相续去世的打击以及视力急剧恶化。但讽刺的是，莫奈到此时似乎才算是成功的画家，并且作品开始受到国家的收藏。

  在1920年~1926年期间，莫奈晚年仍然持续的创作，这个时期他的重心放在了即将在罗浮宫展出的睡莲作品上，尽管当时他的视力越来越差。更或是已经接近失明，他还是画到了1926年12月5日去世为止。

  今天我们看到的更多的是作为印象派大师莫奈的惊世之作，如睡莲系列。但是莫奈的一生何止只有睡莲系列。下面就是莫奈曾创造过的一些静物系列的画作，以供大家欣赏。

1《散落的桃子》

2茶具

3向日葵

4一枝柠檬

下面是法国印象派油画家莫奈画的垂柳，大家可以欣赏一下：

莫奈是法国最重要的画家之一，印象派的理论和实践大部分都有他的推广。

莫奈擅长光与影的实验与表现技法。他最重要的风格是改变了阴影和轮廓线的画法，在莫奈的画作中看不到非常明确的阴影，看不到突显或平涂式的轮廓线。除此之外，莫奈对于色彩的运用相当细腻，他用许多相同主题的画作来实验色彩与光完美的表达。莫奈曾长期探索光色与空气的表现效果，常常在不同的时间和光线下，对同一对象作多幅的描绘，从自然的光色变幻中抒发瞬间的感觉。

印象派运动可以看作是19世纪自然主义倾向的巅峰，也可以看作是现代艺术的起点。克劳德·莫奈的名字与印象派的历史密切相连。莫奈对这一艺术环境的形成和他描绘现实的新手法，比其他任何人贡献都多。这一点是毋庸置疑的，印象派的创始人虽说是马奈，但真正使其发扬光大的却是莫奈，因为他对光影之于风景的变化的描绘，已到出神入化的境地。