为什么钢琴被称为乐器之王

钢琴被称为乐器之王的原因有多个方面。首先，钢琴拥有广阔的音域，从低音到高音的范围极其丰富，能够表达出各种音乐情感。其次，钢琴是一种多声部乐器，可以同时演奏和呈现多个音符，使得钢琴可以独奏、伴奏以及合奏，具备极高的表现力和多样性。此外，钢琴拥有复杂的音乐结构，音阶和和弦的组合使其能够演奏出丰富的音乐变化。此外，钢琴还具有优秀的音色和音质，能够表现出丰富的音响效果。最后，钢琴是一种全方位的乐器，涵盖了各种音乐风格和曲目，从古典音乐到流行音乐都可以通过钢琴演奏。综合而言，钢琴以其广阔的音域、多声部能力、丰富的音乐变化、优秀的音色和全方位的应用范围成为乐器之王。

　一、音域宽广

　现代钢琴一般都有88个琴键，也就是从大字二组A到小字五组的c的全部半音。有些钢琴的低音区还有比大字二组A更低的若干琴键。这样宽广的音域，只有管风琴可与其相比，超出了任何其他乐器。

　二、音量变化幅度巨大

　音量是指声音的强度、力度。钢琴既可发出十分微弱、人耳刚刚能听见的弱音（ppp），也可发出洪亮有力、震撼人心的强音（fff），以及处于极弱极强两者之间的各个力度层次的声音。并且，这些不同的力度都是可以随钢琴家的心之所欲弹出的，这又使钢琴胜过包括管风琴在内的所有单件乐器。

　三、最理想的多声乐器

　由于钢琴使用十二平均律，使音乐的转调、复调、和声获得极大的自由。钢琴家借助踏板的作用，用他们经过训练的双手，可以在钢琴上弹奏出无限丰富的不同音的纵向、立体组合。手风琴、吉他也是多声乐器，但是它们在乐音组合的多种可能性上，却远逊于钢琴。

　多声，即多声思维。多声思维，使音乐从单线条的变为多线条复合的，平面的变为立体的，单色的变成多色的，这就使钢琴具备了任何单个乐器都无法与其相比的表现无限丰富的艺术内容的可能性。

　四、凭着以上三点，使钢琴可以独自成为一个完整的音乐世界

　在这个世界里，作曲家们绝妙的音乐思维可以自由地纵横驰骋。有人说，一滴水能够映照出整个世界，我们更可应说，一架钢琴，无须与任何其他乐器合作，就可以容纳入人类精神的宇宙。为什么几乎所有的伟大作曲家都是钢琴家，都谱写钢琴曲？为什么钢琴曲是所有乐器独奏去中数量最大的？道理就在这点上。

　五、钢琴又是相对普及的乐器

　虽说钢琴属于贵重物品，但对于今天的许多人来说，都不是可望不可及的东西。相比之下，管风琴则从来不是家庭个人可以私有之物。所以，尽管管风琴具有某些可以与钢琴匹敌的功能，却永远不能像钢琴那样进入千家万户。

　六、钢琴还是个相对容易学的乐器

　通常，不用很久，初学者即可弹奏出完整、立体、多声的钢琴小曲来。

　延伸阅读：钢琴即兴伴奏技巧

　一、钢琴技巧

　钢琴即兴伴奏所必须具备的条件之一就是钢琴技巧，不会弹钢琴的人是不会在钢琴上弹伴奏的。但要明确一点，钢琴技巧绝不等于伴奏技巧，二者有本质的区别：前者是以机械练习为主来再现乐谱内容的，而后者是以创造性的劳动完成歌曲伴奏的任务，使之成为与歌曲相辅相成的整体。

　二、和声基础

　即兴伴奏属多声部范畴，当然需要和声基础。而和声水平的高低又直接关系到伴奏的音响效果和表现力。和声选择要根据具体的作品需要来考虑，处理好排列法，连接法，省略音，功能性，色彩性，节奏感，表现力及和弦的结构与和弦外音，和声风格等等。这在和声练习中有固定的规则，而在实际应用当中又是很灵活的。还有的问题在练习中找不到，而在实际应用当中又是必须处理好的。因此和声基础是十分重要的。

　三、伴奏类型

　掌握了一定的钢琴基础，和声基础，就要用一定的形式进行陈述。伴奏音型就是和声基础应用到具体作品中有规律的陈述形式，而这个形式是否恰当，怎样才能恰当，应当有一定的根据。如钢琴的性能，伴奏音型的特点与表现力，演奏方法，以及伴奏者现有钢琴技巧的水平，应用能力的水平等等，伴奏效果的好坏，除了和声效果以外就是伴奏音型的应用了。因此，创造性的选择好，设计好伴奏音型是弹好即兴伴奏所必不可少的重要内容。

　四、歌曲分析

　对歌曲体裁，形式，曲式，内容的分析，是能否恰当选择和声，伴奏音型的根据，就和声而言，调性的明确，半终止，终止的确定及和弦结构，和声效果，风格是否与歌曲内容相统一，都是通过对歌曲的分析来确定的。伴奏音型的选择也是要依据对歌曲的分析，一首优美的抒情歌曲和一首坚定有力的进行曲，二者的伴奏音型肯定是不同的，就是同一首歌曲在每一乐段之间以及从呈示发展到高潮再现的处理也是不可能一成不变的。因此，从伴奏的需要出发，对歌曲进行分析是非常必要的，特别是对伴奏音型的选择与应用更是不能缺少的一个主要环节。

　五、综合应用能力

　综合应用能力是指钢琴技巧，和声基础，伴奏音型，歌曲分析四个方面的综合以及即兴的编配，与演唱者的合作，艺术实践经验等内容。这个能力的培养和锻炼是能否弹好即兴伴奏的关键。

　钢琴调律的方法

　一、确定标准音高

　用小字一组的a1音叉定音，校准小字组的a，而要调准这个音并非易事，除了听得准以外，手法准也尤为重要，本学期的调律实践中，我着重练习了微调的能力，灵敏地感觉弦轴的转动，并准确地听出拍音。有时需要提高标准音，最大可能需要达到445Hz，而这时所听出的拍频为两列波的频率差，即5次/秒

　二、分律

　分律是本学期的重点内容，不仅需要敏感的听觉和手上的感觉，更需要理性科学的声学分析与计算。首先以之前调好的a音为基准，进行“上四下五”的分律，钢琴的律制，为十二平均律，要奖导致声音不和谐的24音分平均分配到每两个相邻的音上所以纯四度与纯五度的拍频约为1次/秒，即每两个相邻的音多加两个音分。当进行至f时，开始使用“三六度检验法”进行检验，即大三度与大六度的拍音相同。由于十二平均律中每两个相邻音的频率比为105946

　所以大三度的频率比为（105946）3，大六度的频率比为（105946）9，由此可求得大三度的音分值为1200lg（105946）3/lg2,同理，大六度的音分值为1200lg（105946）9/lg2,算出后可得到大三度和大六度的拍频约为7次/秒。

　但是这是以f为根音建立的大三度和大六度，在f之后的每个音上建立的大三度和大六度，其拍音逐渐增快，当进行到最后一个大三度c1--e1时，拍音可达到11次/秒。所以用“上四下五”的方法确定音高，再以“三六度”进行检验，可得到较完美的十二平均律。

　说来容易，但是进行起来并不简单，因为所调出来的每一个音都是以前一个音为基础的，所以只要有一个音出现错误，就会导致其后面的音全都不正确，在最后一个纯五度无法吻合，所以有时需要进行逆向调律找出错误点。

　三、 同度与八度的调律

　这已经是必须熟练掌握的步骤了，现在的我要保证在同度与八度的调律时的速度与准确度。同度与八度的调律就是要让发出同一音的弦调至相同的频率。不能有拍音的存在，这样就可以将钢琴的88个音全部调好了。

　四、调律中遇到的问题及其解决方法

　在实际的调律中，弦并不像我们想像中的那么理想，所以会出现这样那样的问题，对于这些问题，也有相应的解决方法。

　首先，不能用左右晃动弦轴的方法来调节音高，因为这样调出的音没有保持力，会很快的走音，另外，弦轴也会松动，这对钢琴会造成极大的伤害。其次，当发现某音不稳定时，可采用重击的方法定音，实际就是将相应的琴键用力“砸”下去，这样弦的张力达到稳定，不会因张力太大导致音高的下降。最后就是高音偏高低音偏低的问题，由于人耳的听觉与理论的计算值并不完全一致，所以高音要比正常高出一些，同理低音也要比正常低一些，即做八度平移时，高音要多出几个音分，低音要低出几音分。使其出现微小的拍音，调至钢琴两端时，大约各超出三十音分。

　钢琴调律是一门边沿科学，既要对钢琴有感性的认识，又要对调律有理性的思考。这样无论在今后的工作学习中，还是在方法的创新上，都会有更好的突破和发展。

　钢琴的构造及发声方法

　一、钢琴的基本构造

　踏板

　踏板(Pedal)是指钢琴下面用足踩的踏板而言。它是钢琴中除键盘外最重要的配件。1711年意大利乐器制造家克理斯多佛利(Bartolommeo Cristofori)在改造钢琴时发明的。主要分为三个部分。(其中最常用的是延音踏板)

　延音踏板(Damper Pedal)：右踏板，也叫做延音踏板，又叫共鸣踏板。是英国人布劳马(John Broadwood)于1783年发明，通常是钢琴下最右内侧的踏板，也有书上称之为“增音器”，当延音踏板被压时下，平时压在弦上的制音器(Damper)立即扬起。使所有的琴弦延续震动，将踏板放开后，所有的制音器又全部压在琴弦上制止发音。由于按下制音踏板会使琴声在一定程度上扩大，故又称强音踏板(Loud Pedal)。

　柔音踏板(Soft Pedal)：左踏板，也叫做弱音踏板(ulna cord)。在平台式钢琴里，踩下柔音踏板时，琴槌会立刻向旁推移，使音量减少，并使声音变得非常清纯、柔和。而立式钢琴，踩下柔音踏板时，琴槌移近琴弦，藉以减轻冲力，减少打击的长度与强度，使音量变小。它的作用就不仅是帮助演奏者弹得更弱，也是为了增加声音的柔和，并除掉音质中任何敲击的成分。左踏板往往被比作"旋乐演奏者的弱音器"。

　消音踏板(Sostenuto Pedal)：中踏板、选择延长音踏板(sostenuto)。具有特殊性能的踏板。三角钢琴中间踏板的用途是“特定连音踏板”，用法是先弹下琴键并保持，踩下“特定延音踏板”不放，刚才所弹键会继续延音，其他键不受影响。大部分现代立式钢琴的中间踏板被踩下时，一块活动的绒布会夹在琴槌和琴弦之间，使音量变得极低。通常只使用于夜间或清晨弹奏钢琴之时，以免惊扰邻居的安宁。所以有时候也称为也有称之为倍弱音踏板。

　调音钉

　调音钉(Tuning Pins)是一些能够用特制扳手扭动旋转的钉状螺栓。它的旋床是有锁口的特制高碳钢，因而琴弦能牢固地绕在弦轴钉上，致使音准在琴弦高强度拉力作用下能长期保持并稳定下来。

　琴槌

　琴槌(Hammer)外包着高品质的毛毡或绒布，由于这层“皮肤”多是羊毛造的，因而又称羊毛槌。它本身连着琴键，当琴键被按下时，琴槌便会打落琴弦上并借着琴弦的振动使钢琴发出声音。因此，它的作用是用来敲击被调音钉紧扣着的琴弦。

　制音器

　制音器(Damper)制音器是与弦紧贴着，用来阻止弦的震动。例如当钢琴上的琴键被按下时，钢琴内部的琴槌会打在一条条用铜制造的琴弦上，借着琴弦的震动发出声音。

　击弦机

　击弦机(Action)击弦机连接着琴键和琴槌，是整部钢琴的灵魂和最重要的配件。

　音板

　音板(Soundboard)音板位于钢琴内部的一块大木板，高档钢琴用枫树实木板拼成，现代低端普及琴有用密度板。它连着调音钉，紧贴着琴弦，当琴弦振动，音板会使声波高效率耦合到空气中，即将声音透过响板反射以及扩大出来。

　琴键

　琴键(Keyboard)整个琴键都是由黑键和白键组合而成。黑键36个，白键52个，共88个。

　二、钢琴的发声原理

　钢琴背架上有一排钢丝弦，有单根的缠弦，有两根和三根的裸弦。共计二百多根。钢琴发声就是由琴键顶起击弦机，又由榔棰敲击弦列发出声音。由于这些根弦的粗细、长短、张力不同，所以发出不同的音高。如果这些琴弦的张力发生一丁点变化，它的音高就相应改变。所以经常调律是必须的。

　钢琴的发音系统

　钢琴的发音系统大致包括琴弦、弦轴、弦轴板、后背支柱、铸铁板、弦枕、音板、肋木、琴码等。

　(1)琴弦

　钢琴发音的振动题是琴弦。琴弦是用含有纯度非常高的碳素而制成的，被叫做“音乐钢丝”。琴弦的材质非常重要，可以说琴弦材质的提高，是使钢琴的性能能够快速进步的最大、最重要的因素。

　18世纪初所使用的琴弦，是由铁丝或铜锌合金制成的。由于这些材料的抗张强度很低，耐久力也小，还缺乏充分的张力，所以声音是微弱的。

　1819年，随着钻石与红宝石的拔丝模的出现，得到了能够经得起很强的张力又不会使钢丝延长的琴弦。材质、拉丝技术的进步也是完成现代钢琴的重要因素。现在使用的碳素钢丝的原料是碳素含有率在085-095%的程度，它具有极其细微的粒状组织。琴弦所要选择的是具有均匀质量的沿着拉力方向只有一点点延长的结晶系。

　琴弦不仅仅只是进行单纯的物理实验、化学分析等。它也决不可混入不纯的物质，不能有创伤，还要求要有精准的尺寸，以及材质在整体长度上的均匀一致，横断面的整齐。有很强的抗张强度，抗折弯也很强的原材料。

　为了检查它的张力、硬度、弯曲度、扭曲度，还要使用显微镜技术，拍扁等多种的最高级的试验。

　琴弦的粗细号数常见的是最高音从13号(0775mm)开始使用，共约20种号。

　根据琴弦振动的理论，高音细而短，低音粗且长。在钢琴的低音部随着受到钢丝的粗度与长度的限制，还需要把用于铜芯线的软铜丝重复的缠绕在钢丝上，以减少它的振动数。

　什么位置上配合使用怎样粗细长短的琴弦，对音色、音量、均衡都有很大的影响。

　还有，在中、高音部分是一个音3根弦，低音部是2根弦，而最低音部约一个八度的音只使用1根琴弦，其主要目的是为了音量均衡。一台88键的钢琴，琴弦数量大约有220-230根，三角琴大约240根左右。

　把琴弦拉紧后达到正确的音高时，1根弦的张力是80-90公斤，一台琴的张力加起来可达到20吨左右。

　(2)弦轴

　钢琴的琴弦是被缠绕在弦轴上。弦轴的标准长度是62mm，直径为7mm左右，挂弦眼的内径为16mm，重量16克。(修理中用于更换的弦轴有72-75mm的)用调音扳子转动弦轴，把琴弦拉紧，缓慢的把张力进行加减就是“调律”。

　弦轴的头部为了便于插入调音扳子而做成四角型，下半部分是带有很细的螺纹被旋进木板里。转动弦轴的时候如果轴眼太紧，就会使它断裂。还有，为了弦轴表面能够防锈，要进行化学方面的处理，涂酸化膜击实施镀镍等。

　把琴弦的一端插进弦轴上的横洞里绕二又四分之三圈，另一端挂在挂弦钉上。在中、高音部分，一般在这个挂弦钉上回转它的另一端，把回转后的另一端琴弦挂在相邻的弦轴上。

　弦轴的数量与琴弦是相等的，一台琴是220-230根琴弦。

　弦轴垫圈是枫木材料制成的，用于堵塞弦轴与钢板之间的间隙，使摩擦力增强，能更好的保持音准，看上去也美观。

　(3)弦轴板

　弦轴是被拧入到弦轴板里的，弦轴板是由数块枫木以不同的木纹方向上粘合而成的。弦轴板的质量对音准的保持具有很重要的影响。如果干燥不充分，会使弦轴逐渐松动，很容易跑音。即必须在能够支撑1根弦的张力在100公斤以上时，弦轴也不能回转。三角琴由于更要增加音准的保持力，还要使用多层弦轴板。

　(4)后背支柱、铸铁板

　一个能够支撑20吨的琴弦张力的主要部件是支柱和铸铁板。它们两者一般被设计成一体和适当的相乘效果。

　在铁板铸造技术进步后的今天，比起容易受到温度、湿度影响的木制支柱来说，近来见得多的还是以钢板为主体的设计。

　支柱的组成方式，三角琴采用放射状，立式琴一般采用纵向式的排列。它主要的作用是增加抗扭曲的强度，像人的肋骨那样，能把中心部微妙的隆起的技术需要最高的技术。

　铸铁板不只是支撑琴弦的张力，也是为了辅助琴弦的振动。铸铁的质量、材质的硬度以及形状、厚度都对声音有着微妙的影响。

　(5)弦枕

　琴弦是靠弦轴与挂弦钉连接起来的，实际振动发音的是在弦枕或千斤与琴码之间。琴码是琴弦振动的支点，同时，还是传导音板振动的重要部分。

　在立式琴上，弦枕是钢板上的一部分，它的作用=是把琴弦支起来，在弦轴与弦枕之间用压弦档把琴弦压下去。三角琴的高音部分也是用弦枕与压弦档压住，在中音和低音部则使用“千斤”。千斤是用铜锌合金制作的，它是琴弦振动的支点的一端，在立式琴上也有全部都用千斤代替弦枕而使用的。

　千斤是弦枕和压弦档的合并物，它能使琴弦的间隔、弦长、弦的高度均匀一致。不论是千斤还是压弦档与弦枕，它与琴弦的角度及接触点的形状，对于优质的发音都是极为重要的。

　(6)音板

　如果单单只靠琴弦的振动，由于琴弦的表面积非常小，在空气中传出的声波也就极其微弱，几乎听不到声音。但是如果能够让很大的音板全部振动起来，由于有宽阔的振动面积，就能够得到很大的声音。不仅如此，音板还是支配琴弦、榔头以及整架钢琴音色的一大要素。

　钢琴练习的基本窍门和方法

　一、将五声调式音阶引入钢琴基本练习的必要性

　学习钢琴演奏，必须学习音阶、琶音这些基本练习。它们是钢琴演奏的“基本功”。“不论演奏哪种风格，哪个时代的作品，都离不开大量的音阶、琶音”○1。在基本练习中，“音阶的手指练习是基础的基础”○2。

　在我们平时学习的音阶基本练习中，最常接触的音阶练习是自然大调、和声小调、旋律小调这三种。它们“都是由一个三音组与一个四音组构成，通过大指转弯，把这两组连接起来。”○3 即1、2、3、1、2、3、4或4、3、2、1、3、2、1这样的指法规律。○4 通过这些练习能够使我们在演奏乐曲的音阶式进行片断时得心应手。

　然而，当我们接触中国风格的钢琴作品时，特别是那些根据古曲、民歌等改编的作品中，运用了能够体现中国民族风格的五声调式。在学习和演奏这些作品时，就会遇到五声调式的音阶进行。由于五声调式音阶是由宫、商、角、徵、羽五个音组成，这时，自然大调、和声小调、旋律小调那种1、2、3、1、2、3、4式的指法规律便不适用了。

　因此，在演奏中国风格的作品前，进行一些专门针对五声调式音阶的基本练习，对于演奏好这些作品，特别是其中五声调式音阶的进行片断是很有帮助，也是很有必要的。

　二、五声调式音阶的基本特征

　中国五声调式是由五个按纯五度排列起来的音构成，其顺序为宫、徵、商、角、羽。将这五个音放在一个八度内，构成五声调式音阶，即我们熟知的宫、商、角、徵、羽的顺序。

　可以看到，五声调式音阶只有五个音，刚好由五个手指完成这五个音的弹奏。这与有七个音构成的自然大调、和声小调、旋律小调有明显的区别。

　以C自然大调和C宫调的右手作比较来看：

　谱例一：C自然大调：

　C宫调 ：

　从谱例上我们能够看到两者除了音的个数不一样外，在进行实际弹奏上还有区别。

　自然大调的七个音是一个挨着一个的，每个音之间都是二度音程，中间没有“间隙”；它的指法是由一个三音组与一个四音组通过大指转弯连接起来。

　五声调式音阶中，角到徵、羽到宫这两对音之间的音程是三度，就是说在弹奏到这两对音的进行时有距离要“跨越”；它的指法是由一个三音组与一个二音组构成，在跨越角到徵、羽到宫这两个相对较长的音程后连接起来的。

　这些特征不仅是五声调式音阶与自然大调、和声小调、旋律小调的区别，而且是将五声调式音阶作为基本练习的重点和难点。

好问题 音色甜美，表现力强大，音域广，可观赏性强。多看看大师们的视频就了解了。（我喜欢霍洛维茨。还有阿劳，阿尔伯特@鲁宾斯坦。不要朗朗，我在说"大师"和“艺术”李云迪还不错。） 钢琴的声音是包着毡子的木槌敲打钢琴弦发出的。力度是人精确控制的，任何的音量都可以发出有快听不见的，也有震耳欲聋的，看看霍洛维茨就知道了。不同的音组合起来可以表达任何情感。就像是无穷的0和1就可以形成电脑，然后做很多事一样。 魅力这个东西靠感受!感受！ http://vyoukucom/v_show/id_XMTEwNzU4NDA4html http://vyoukucom/v_show/id_XMTA1MTk0MjI4html http://vyoukucom/v_show/id_cf00XMTYyNTIzOTI=html 我。。哎。。。。有空都比较一下： http://6cn/watch/10772232html 以下摘自 ，记得原来看过： 在世界各国的成千上万种古今乐器当中，现代钢琴被众多的音乐家们誉为“乐器之王”。这不仅是由于它的体积最大、内部结构最复杂，更主要的还是由于它优良全面的性能和广泛的用途都是其他任何乐器（除为数不多的教堂、音乐厅中的管风琴外）无法与之相比拟的。 乐器的演进，是伴随着音乐创作的深化而变化的。而音乐创作的深化，就在于更细腻、生动地表现出人们内心对无限丰富的大自然和社会生活的感受，以及由此而来的无限丰富的感情色调及其变化。这时，缺少力度变化和对比的古钢琴，就不能完全满足音乐艺术发展的需要了。新的钢琴就是在这样的背景下出现的。 世界上第一台钢琴，由意大利人克里斯托弗里（B·Cristofori）于1710年前后在佛罗伦萨制造出来，当时取名为“弱和强”（Piano e forte）。后来，几乎所有语种都称钢琴为Piano，就是Piano e forte的简称。中文称Piano 为钢琴，这倒是中国化了的名称。 仅从钢琴本名为“弱和强”这一点已经说明：演奏者能随心所欲地弹出弱、强、渐弱、渐强、突弱、突强等等力度变化、对比，这是钢琴的发音原理与古钢琴的根本不同之处。这一点不同，对钢琴演奏艺术的发展，对钢琴曲创作的推动，都有重大意义，这已由后来的钢琴音乐史所验证。克里斯托弗里的巨大贡献，就在于此。万事开头难，尽管他制造的那台钢琴与我们今天常见的三角钢琴（即平台式钢琴）和立式钢琴相比，还是大不相同的，但毕竟Piano是在克里斯托弗里手里诞生的。后来的几百年间，又经各国无数的能工巧匠，从型制、结构、材料、音域、音色、音量等等方面不断予以改进，才成为今天的样子。

钢琴演奏技巧可以分为以下几类：

手指技巧：包括手指独立性、手指力度、手指控制等，这些技巧是钢琴演奏的基础，能够帮助演奏者更加精准地弹奏乐曲。

节奏技巧：包括弹奏速度、节拍感、韵律感等，这些技巧能够帮助演奏者更好地表现乐曲的节奏感和韵律感。

和声技巧：包括和弦变化、和声转移、和声渲染等，这些技巧能够帮助演奏者更好地表现乐曲的和声结构和音乐性。

装饰音技巧：包括颤音、滑音、颤音滑音结合等，这些技巧能够帮助演奏者更好地表现乐曲的细节和情感。

手腕技巧：包括手腕运动、手腕灵活性等，这些技巧能够帮助演奏者更好地控制手腕的运动，从而更好地表现乐曲的速度和力度。

表现技巧：包括音乐表现能力、情感表达等，这些技巧能够帮助演奏者更好地表现乐曲的情感和意境，让观众感受到音乐的魅力。

以上是一些常见的钢琴演奏技巧，当然，钢琴演奏技巧是相互关联、相互影响的，演奏者需要根据不同的乐曲和演奏需求，综合运用各种技巧来表现音乐。

　乐感，即音乐感觉，主要体现在音乐欣赏和音乐表演两个方面。音乐欣赏是听觉感受，而音乐表演是如何把音乐感受表现出来的问题。下面是我整理的培养钢琴乐感的方法，欢迎阅读。

　钢琴作为乐器之王,深受人们的喜爱,钢琴学习是音乐教育的重要形式之一。在我国掀起的钢琴学习热潮中,却存在着许多的问题:演奏者机械式的弹奏,缺乏情感的投入;一味地追求演奏等级,不注重音乐表现力的培养等。这些现象违背了学习音乐的根本初衷,丧失了音乐教育中最重要的情感参与,而情感体现在钢琴演奏中就是乐感的培养。钢琴演奏是一门表演的艺术，演奏者通过钢琴用音乐的语言来表达作品的思想感情和艺术形象。而这其中的演奏，乐感就起着重要的作用。

　一、乐感的及产生

　所谓乐感，是指演奏者对音乐要素的感知，如音高感、音强感、音长感、音色感，继而在此基础上对音乐产生各种组合的感知能力，如旋律感、节奏感、和声感、力度感、速度感等。

　一般来说，有音乐的存在，就有乐感的产生。那么究竟乐感是如何产生的呢有两种途径：一种是天赋，即“灵气”;而大多数人是经过后天的勤奋努力逐步培养而成的。其间即包含本身的文化修养和艺术方面的修养。文化修养不足的弹奏者在表达作品的意境、诠释作品的程度必然受到一定局限。

　二、乐感在钢琴演奏中的作用

　乐感是音乐表演艺术的灵魂，它在钢琴演奏中起到画龙点睛的作用。在钢琴比赛中同场角逐的青年选手，每人对同一规定曲目的诠释各有千秋，这是很自然的，他们的技术水平不分上下，然而为何有人获奖，有人落选，获奖者当中又分金奖、银奖等，除技巧高低之外，重要的原因在于乐感。

　三、钢琴演奏中如何处理乐感

　就我的粗略见解，乐感可以分成三种不同层次的领会。即:初级处理乐感、中级处理乐感及高级处理乐感。初级处理乐感是钢琴学习的初级阶段，即使弹奏简短的几小节乐句或乐段，也要弹出作品或欢快、或优美、或激动等情绪。中级处理乐感要建立在初级处理之上。在准确无误的把音符弹奏后，就要注意音乐的内在涵义了。高级处理乐感是中级乐感处理的升华，在熟练演奏的基础上，就要去追思音乐的原旨。经过这三个层次的处理乐感，演奏者演奏出的曲目，会更有韵味，更有声有色，更扣人心弦，呈现出大家风范。

　四、如何提高钢琴演奏中的乐感

主要通过手指，手腕，手臂以及相关部位对力量的运用，来控制触键的力度和方法，踩踏板也很重要，手脚要配合得当。手上基本功要扎实，多练习练习曲，锻炼手对琴的控制。用心也很重要，在弹琴之前脑子中要构思好每一段怎么处理，哪里弱哪里强，情绪怎样推进，怎样收回，整个曲子高潮在哪里，以怎样的形式和情绪收尾。如果脑子中没有想好，再好的手上功夫也不行。另外，多听听大师的演奏，用心去理解一下大师为什么那样处理曲子，根据是什么，有什么样的心理驱使，多听好的演奏，会对你的乐曲处理有好处。如果有条件的话也可以多研究指挥，看看乐队指挥是要怎样去控制音乐，控制乐队，假如自己是指挥，会采取什么样的方法来完成曲目。再以观众的角度看，什么样的音乐欣赏起来心情舒畅，容易被打动。各个方面都考虑到了，手上和踏板该有的功夫有了，自然能做好乐曲的情感表现与处理。：）

在电视看过几次演奏会，但因为不是很感兴趣，所以一直没有去现场看。

不过，通过电视上的演奏，作为我们观众来说，还是能看出来他是不是一个好的演奏家。

所以，要想提高自己的演奏能力，要尽量做到以下几点。

第一，注重和观众的交流。

这里所说的交流既有眼神交流，也有肢体动作的交流，当然也包括语言交流。

我们观众要想更好的懂得演奏家们的情感表达和情绪，就必须和这些演奏家进行交流。

往往很多时候，大家只把注意力放在演奏的能力上，而忘记了这种感官上的交流。

如果一味的追求演奏技巧，那么就会忽视和我们观众的交流和沟通，那么这场演奏会也是不完美的。

第二，把基本功打牢！

基础是演奏家更好的交流的前提和保障。

如果你连最基本的素养和技巧都没有掌握扎实，谈何演奏一场好的演奏会！

综上所述，既要有拿的出手的基本功，又有能够和观众交流的技能！