怎样理解文学艺术的精神性价值？

理解文学艺术的精神性价值需要从以下几个方面考虑：

情感表达与共鸣：文学艺术通过各种形式和手法，包括文字、图像、音乐等，表达作者内心的情感、思想和体验。它能够触动读者的情感，引发共鸣和共情。通过文学艺术作品，人们能够体验到情感的深度和丰富性，从而帮助他们更好地理解自己和他人的情感世界。

人类智慧和思想的表达：文学艺术作品是人类智慧和思想的集中体现。它们通过刻画人物形象、展示人性的复杂性和多样性，探讨人类存在和生命的意义等方面，提供了丰富的思考和思想的启迪。文学艺术作品激发人们的思考能力，帮助他们对人生、社会和世界有更深入的理解和思考。

美的享受和审美体验：文学艺术作品具有独特的美感和审美价值。它们通过艺术创作的独特形式、富有想象力的描写和音乐般的语言节奏等方面，给予人们美的享受和审美体验。文学艺术作品能够唤起人们的感官、情感和想象力，让人们沉浸其中，感受到美的力量和艺术的魅力。

反思与启发：文学艺术作品常常通过叙述故事、刻画人物和揭示社会问题等方式，引发人们对现实世界的反思和思考。它们可以帮助人们认识社会现象、探索人性弱点和挑战，从而促使人们反思和改变。文学艺术作品通过触动人们的思想和情感，激发个人和社会的进步和发展。

莱茵河是庄严、肃穆的，而多瑙河则有着太多的浪漫与希冀。然而，多瑙河从不曾沉睡，它的美丽在于它的沉稳与宁静，以及一些浮萍的流动。从一出生，约翰·施特劳斯身上流的音乐家的血液就注定了他一生要与音乐为伴。在世界音乐史上，约翰·施特劳斯的名字早已随着《蓝色多瑙河》的流淌不息而成为一个永恒的记忆。蓝色的多瑙河水早已随着每个新年的第一声钟响流进了世界上每一个热爱音乐的人的心中。

《蓝色多瑙河》作于1866年。当时，约翰·施特劳斯任维也纳宫廷舞会指挥。维也纳男声合唱协会的指挥赫尔贝克约请约翰·施特劳斯为他的合唱队写一首合唱曲，这时的约翰·施特劳斯虽已创作出数百首圆舞曲，但还没有创作过声乐作品，这首合唱曲的歌词是他请诗人哥涅尔特创作的。

1867年，这部作品在维也纳首演。因为当时的维也纳在普鲁士的围攻之下，人们正处于悲观、失望之中，因此作品也遭到不幸，首演失败。直到1868年2月，约翰·施特劳斯住在维也纳郊区离多瑙河不远的布勒泰街54号时，把这部合唱曲改为管弦乐曲，在其中又增添了许多新的内容，并命名为《蓝色多瑙河》圆舞曲。这部乐曲同年在巴黎公演时获得了极大的成功，仅仅几个月之后，这部作品就得以在美国公演。顷刻间，这首圆舞曲传遍了世界各大城市，后来竟成为作者最重要的代表作品。直至今日，这首乐曲仍然深受世界人民的喜爱。在每年元旦维也纳举行的“新年音乐会”上，本曲已经成了保留曲目。

这支乐曲由序奏、5个圆舞曲和尾声组成。序奏开始时，小提琴在A大调上奏出徐缓的震音，好像是多瑙河的水波在轻柔地翻动。在这个背景上，圆号吹奏出这首乐曲最重要的一个动机，它象征着黎明的到来。第一圆舞曲描写了在多瑙河畔，陶醉在大自然中的人们翩翩起舞时的情景。第二圆舞曲首先在D大调上出现，巧妙而富于变化地描写了南阿尔卑斯山下的小姑娘们，穿着天鹅绒舞裙在欢快地跳舞，突然乐曲转为降B大调，富于变化的色彩显得格外动人。第三圆舞曲属歌唱性旋律，这段音乐采用了切分节奏，给人以亲切、新颖的感觉。第四圆舞曲在开始时节奏比较自由，琴音上行的旋律美妙得连作曲家本人也很得意，仿佛春意盎然，沁人心脾。第五圆舞曲是第四圆舞曲音乐情绪的继续和发展，只是转到A大调上。起伏、波浪式的旋律使人联想到在多瑙河上无忧无虑地荡舟时的情景。接下去的部分，是全曲的高潮和结尾。

乐曲的结尾有两种，一种是合唱型结尾，接在第五圆舞曲之后，很短。另一种是管弦乐曲结尾，较长，依次再现了第三圆舞曲、第四圆舞曲及第一圆舞曲的主题，最后结束在疾风骤雨式的狂欢气氛之中。

　　艾青四十年代诗歌创作论

　　作 者龙泉明

　　作者简介龙泉明　武汉大学中文系

　　内容提要本文认为，艾青诗歌创作的审美追求是至真至善至美。文章具体探讨了艾青诗歌的“真的境界”、“善的灵魂”和“美的诗艺”的实质内涵和诗学价值，以及艾青的诗歌艺术探索对中国新诗向更高更深层次的发展所起的促进作用。

　　艾青所处的40年代，是社会、道德与审美方面不甚和谐的时代，有人要么重视文学作为工具的作用，把文学服务社会看得高于一切，而忽视文学的审美特性；要么把文学艺术的纯化放在首位，而缺乏关注和探讨现实问题的热情和耐心。当时整个诗坛，面对时代的苦难和斗争显得有些无力和浮躁。艾青对这样的诗坛现状深感不满。自抗战以后，他就开始了创作上痛苦的沉思：“如何才能把我们的呼声，成为真的代表中国人民的呼声。”（注：艾青《为了胜利》，《艾青全集》（花山文艺出版社1994年版）第3卷，第120、122页。）思考的结果，他坚定地认为，诗歌艺术是伟大时代的产物，诗歌艺术应当真实地表现出这个时代的全部激烈冲突和时代特征，而在其内容表达和审美创造两方面应当是统一的，相辅相成的，而不应人为地割裂它们。艾青说，他“渴求着‘完整’，渴求着至美、至善、至真实，因而把生命投到创造的烈焰里。”（注：艾青《诗论》，桂林三沪印刷社1941年9月初版。 本文引文未注明出处者，均引自该书。）这表明艾青对于诗的创造就是要寻求诗的“完整”，即创造至真至善至美的诗篇。他在桂林办诗歌讲座，写《诗论》，就是为了矫正诗歌创作中的偏至现象，以振作诗坛，让诗歌在肩负时代使命的同时走向和谐，达至完美。他在《诗论》中开宗明义地指出：“真、善、美，是统一在人类共同意志里的三种表现，诗必须是它们之间最好的联系。”“我们的诗神是驾着纯金的三轮马车，在生活的旷野上驰骋的。那三个轮子，就是真、善、美。”在艾青看来，真、善、美属于不同的价值范畴：真是我们对客观世界的真切认识；善是社会的功利性，它以人民的利益为准则；美是依附在人类向上生活的外形。真、善、美相统一，是艾青诗歌的最高审美追求。

　　一

　　艾青始终认为，文学作品的价值的高低，就在于其作品反映现实的真实与否。怀抱这样的美学观念，艾青始终“大胆地感受着世界，清楚地理解着世界，明确地反映着世界”。所以，我们纵观艾青40年代的创作，整个给人一种“真”的境界。

　　艾青诗歌的真的境界，主要体现在他的诗准确地反映了时代的发展趋向，表现了他对社会现实的真切认识。他说：“我们是悲苦的种族之最悲苦的一代，多少年月积压下来的耻辱与愤恨，都将在我们这一代来清算。我们是担戴了历史的多重使命的。……我们写诗，是作为一个悲苦的种族争取解放、摆脱枷锁的歌手而写诗。”（注：艾青《诗与宣传》，《艾青全集》第3卷，第77、78页。） 出于这样的创作动机，艾青诗歌中所表现出的种种思想情感和精神特征，必然具有历史的真实性。艾青的诗歌作品始终是他那“伟大而独特的时代”的产儿。感受着时代的脉搏，倾听着时代的呼声，紧跟着时代的脚步，深沉而独特地高唱着时代之歌，是艾青诗歌的最大特色。他当时说过：“每个日子都带给我们的启示，感动和激动，都在迫使诗人丰富地产生属于这个时代的诗篇”；“属于这伟大和独特的时代的诗人，必须以最大的宽度献身给时代”。（注：艾青《诗与时代》，《艾青全集》第3卷，第68页。）诗人始终以他的全部激情、火热的青春和整个生命去拥抱时代，歌唱时代，献身时代。中国40年代，是一个充满悲剧性冲突的时代，但诗人艾青坚信自己正站在一个历史新纪元的门槛上，因此他以诗歌这一形式，撼人心魄地具体再现他那个时代的现实生活和悲剧特征，孜孜不倦地探索人类的命运和前途。他对于人民痛苦的关心、对于理想和光明的追求及其浓厚的爱国主义精神，始终贯穿于他的全部作品。对于民族解放与人民解放战争，他交付出了“最真挚的爱和最大的创作雄心”。

　　艾青的诗现实性强，内心体验深，情感真实深沉。他要以他的诗来呼唤寻找可以呼唤、可以互相照耀的灵魂。对于他来说，怎样活着与怎样写诗已经完全同构在一起，这是一种生命感悟的写作，它与为金钱为名利而写作的矫情和苍白是不可同日而语的。艾青既有大的胸怀，又有人生的深沉的体征和完满的诗的素养，所以他能够洞悉历史的底蕴和人生的真谛，能够敏锐地感觉时代脉搏的跳动，能够在更高的本质上表现时代的精神与风采。艾青在抗战前夕写的《复活的土地》就预示了抗战的开始；在抗战最艰难的时刻，艾青带着基于对社会生活进行深入概括的远见，带着对人民事业的必胜的憧憬，向“远方的沉浸在苦难里的城市和村庄”发出了“黎明的通知”，由此预示了民族解放战争的胜利。特别是《他起来了》、《向太阳》和《火把》这样“高度的表现了现实的，表现了战斗的英勇与坚强的，深刻的，感人的诗”，在当时具有相当典型的意义。这些诗，对当时尚处在麻木状态中的人们，对在十字街头徘徊的青年知识分子，艺术地而不是概念地指明了一条革命的道路，不少青年受到这些诗的鼓舞，走上了救国与革命的征程。艾青与他所处时代的关系显然不同于一般人，他是那时代的感受的先知。他写出了他的感受，这种感受对于大多数人来说，都是新鲜的，富于启示性的。

　　艾青对于那伟大而独特的时代，表现出了极大的创造活力，这体现在他对世界的把握的真切和对人类关心的深切，以及对事物思索的深刻与开阔上。他“以最大的热情去讴歌人民的内心的愿望，他们的对于被奴役的生活的厌恶，他们的对于新的日子的欢迎，对于革命战争的兴奋，对于自由幸福的企求，以及在那远处向他们闪光的理想境界的向往。”（注：艾青《论抗战以来的中国新诗》，《艾青全集》第3卷，170页。）艾青总是关注着那变化着的世界，总是给人类的诸般生活以审视、批判、诱发、鼓舞、赞扬等鲜明的姿态。他的《赌博》、《悼词》、《十月祝贺》、《狂欢的夜晚》等对世界反法西斯主义战争的热情讴歌；《人皮》、《纵火》、《死难者画像》、《江上浮婴尸》等诗对法西斯侵略者惨绝人寰的兽性与暴行的诅咒；《欧罗巴》、《哀巴黎》、《三国公约》、《希特勒》、《赖伐尔》、《忏悔吧，周作人》、《通缉令》、《仇恨的歌》等诗对法西斯暴徒、寄生虫、卖国贼、汉奸的有力讽刺和鞭挞；《杜塔拉》、《敬礼》、《马雅可夫斯基》、《悼罗曼·罗兰》、《俄罗斯人民的普希金》、《索亚》、《鲁迅》、《播种者》、《毛泽东》等诗对世界上反法西斯的英雄、革命斗士和人民领袖的热情礼赞；《鞍鞯店》、《城市人》、《我的职业》、《两亲家》等诗对国民党统治的丑恶及各类贵人恶少的虚伪、势利、贪婪、冒险、纵欲的嘴脸和庸俗卑劣的灵魂的无情揭露；《北方》、《手推车》、《乞丐》、《补衣妇》、《旷野》、《村庄》、《献给乡村的诗》等诗对中国农民的苦难的生存状况的深切表现；《吹号者》、《他起来了》、《他死在第二次》、《雪里钻》等诗对中国人民以鲜血保卫祖国的精神和英雄品格的颂扬，《向太阳》、《火把》、《黎明的通知》等诗对人类理想和光明前途的昭示，都给人一种相当充实、深刻和广阔的感受。时代的惊涛骇浪，风云变幻和苦乐悲欢，在其诗作的光与影里得到了相当生动全面的映照。这些与特定年代联系在一起的诗作具有一种特别的历史感和重要的诗学价值。如果说郭沫若的《女神》充分地表现了五四时期狂飙突进、猛烈反帝反封建的时代精神，成为时代的最强音；戴望舒的诗作表现了革命与反革命相激相荡的二三十年代中国知识分子在追求革命和进步的过程中的特有的思想意识和精神风貌，成为时代的一面镜子；那么艾青的诗作则真实全面地表现了40年代战争与和平、革命与救亡的严酷斗争和世界历史发展动向，以及中国社会的变迁和中国人民思想感情的发展轨迹，不愧为时代的“最忠实的代言人”。

围绕主题表达自己在阅读小说、诗歌等各类红色经典文学作品中所获得的情感体验和精神成长,要求真情实感1000至1500左右我认为可以用日记体,写出你对书中主人公由不理解到理解的过程,也可以书中主人公日记的形式来写 由你自己定加油吧

我也要写

这词乍一听呢，会叫人蒙蒙的，非得学者才能回答，可惜我不是学者，只是普通的欣赏者，所谓的超功利精神向度，也无非就是这部作品要有一些灵魂存在，那么现在的艺术市场大部分变成了商业绘画居多，那么商业绘画本身装饰性更强，艺术作品呢，作为作者本身，在创作的过程中，灵魂已经与作品附在一起，比如梵高的向日葵，在那幅画中，有他对自由的渴望，人们在观望欣赏的过程中会去体会他那时的心境，那时的年代，那时周围发生的一切的东西，同时也是人的一种精神渴望。创作的过程必然会受当时的环境、个人的生活经历等的影响，好的艺术品不只是阐述了这些内容，更重要的是一种想脱离现在这种困境的渴望，那么肯定考虑不到功利，所以好的艺术者创作的时候不是考虑这个画能卖多少钱，带来多少商业价值，而是我想表达什么，拙见拙见，(^__^) 嘻嘻

　 摘要： 色彩作为一种重要的艺术表现手段，其本身具有极强的审美价值。在现代油画艺术发展过程中，利用色彩表达艺术家内心的情感与思想内涵是相当常见的。因此本文就将针对色彩在现代油画艺术中的具体情感表现进行分析与阐述，以期为相关的艺术创作者提供参考与帮助。

　 关键词： 现代油画；艺术；色彩；情感表现

　色彩在油画艺术创作过程中，不仅是画家进行绘画的手段，更是表达画家思想感情与精神内涵的重要方式。不同的色彩所表现的情感内涵略有差异，而通过色彩表达画家内心的情感，往往可以创作出独一无二的优秀画作，进而推进油画艺术的发展。

　 一、近现代西方油画艺术中色彩的情感表现

　西方的油画犹如我国的国画一样，有着悠久的发展历史，同时也有许多著名的画派与著名的画家，成就了世界近现代油画发展史上的一个个传奇。西方近现代油画艺术中，其主要分为以下几种创作特点以及色彩展现。其一，后印象主义。这一时期的油画艺术作品代表创作者主要是凡高、塞尚。后印象派画家凡高在其绘画创作过程中，对色彩的驾驭与运用可谓到了出神入化的地步。最为出名的作品就是《向日葵》，而整部作品呈现出的画面是**的屋子与墙壁，床和椅子也是淡淡的**。**的墙面上有着几幅**的向日葵画。而插满深**陶罐中的也是生机勃勃又绚烂多彩的向日葵，更是使得整幅画面看起来满是金黄。当然这一作品并不是全是**，而是与蓝绿色的背景进行结合，营造出一种生机勃勃之感，同样也表达了画家对生命的热爱以及心中永远充满希望的积极态度。其二，野兽派。这一派别的油画作品，往往可以挣脱传统的束缚，从而营造出不同的视觉效果。马蒂斯是这一时期杰出的油画画家，他主张利用强烈的色彩冲击人们的眼球，既发挥纯色的作用又增强色彩强度。通过高强度的对立颜色营造出一种视觉张力，从而抒发个人情感。其三，毕加索时期。以毕加索为代表的这一时期，作品大多以蓝色为主调，给欣赏者带来一种悲伤、沉闷的感受。如《人生》，其表现的就是人们深受贫穷困扰，穷困潦倒的状态。之后其作品又实现了转型，以《二裸妇》为代表，开创了粉红色、玫瑰色的创作风格，体现出画家内心对生命的赞叹与对生活的热爱。西方近现代油画中主要以前面三个派别和时期最为出名，之后还有表现主义时期以及康定斯基所提出的色彩观念，在此不一一赘述。

　 二、近现代中国油画艺术中色彩的情感表现

　对于中国而言，油画不是我国本土的文化与艺术形式，其本身属于舶来品，因此在中国的发展历经波折与艰难。但是油画中注重的色彩运用，实际上在我国的美术作品当中也是早有体现。针对我国近现代历史发展过程中，代表画家的色彩观念以及其作品中色彩的运用进行分析，是极为迫切的。首先，刘海粟可谓是我国现代绘画中杰出的艺术家。他的作品与西方的后现代主义有类似之处，并且注重个性的张扬与表达，擅长利用色彩表达自己内心的主观情感。如其作品《北京前门》，画面整体的色彩对比相当强烈，且线条的选用也是粗狂不拘小节，这样的作品往往更能表现创作者的真情实感。其次，吴大羽也是我国油画的先驱和开拓性人物。他的艺术作品中，始终体现着自我批判，所以作品本身是发自心灵的创作。比如其画作《色草》，并没有真正对花草的形态进行描绘，而是利用极为绚丽的的色彩进行意象描绘，给人一种独特的审美情感。再次，沙耆更是不可忽略的一位画家，其在我国的地位可以与西方的凡高相媲美。他对艺术创作的追求和执着与凡高极为相似，而在色彩的运用方面也是大胆且不拘泥于形式。所以在沙耆的作品之中，看到最多的是人内心的冲动与激情，还是情感表达的直接性。除了以上这些画家及其作品中所体现的色彩运用形式之外，我国还有著名的画家罗尔纯先生，其油画作品更加注重红色乡土情的表达，所以作品中运用的红色、**等，是最为普遍的。而申玲和徐晓燕则在创作中融入了更多的情感，更多主观色彩融入其中，在色彩的运用以及情感的表达方面，都各具特色，为我国油画的进步与发展带来了帮助。但是无论其选择哪样的表现手法，其目的都是渴望通过色彩，展现出不同的心理状态，从而通过色彩的统一表达自己内心真挚的情感，进而诠释自己真实的内心世界。

　 结语

　虽然说油画在我国属于舶来品，但是我国也确实有许多优秀的油画作家，在近现代油画创作与发展过程中做出了杰出的贡献。此外，由于中西方地域差异，或者同一地区不同时间段的差别，在色彩运用与情感表达方面都会有所差别。可是色彩在近现代绘画艺术作品中的重要性始终未曾改变。未来的油画艺术创作更需要加强对色彩的运用，通过色彩，展现创作者内心的情感与精神。

　 参考文献

　[1]宋涛论油画中的情感色彩表现[J]重庆科技学院学报(社会科学版),2010,02:144-146

　[2]黄经庭,吴新林浅论西方油画的色彩艺术特点与色彩的情感表达[J]美术大观,2014,08:50

　[3]许碧云近现代油画艺术中色彩的情感表达[J]美术教育研究,2014,16:23

　[4]孙翠翠油画创作中色彩的情感表现[J]美术教育研究,2011,08:53

1、色彩的情感表现色彩的情感表现色彩的情感表现色彩的情感表现 在一幅画中，最能体现画家情感的是色彩的变化。如果说画家的情感表现是一幅作品的灵魂，那么色彩就是绘画手法中的灵魂。画家的绘画创作目的就是用作品来表达自我的情感，那么只有通过对事物的色彩研究、总结、归纳，才能完成这一创作目的。 在画面中，体现的往往是高兴的或悲剧的。爱德华·蒙克的作品体现的就是浓重的悲味，在他的作品中给人的感受往往是压抑的、悲惨的，在画面中有一种类似被抽干血肉的干尸或骷髅的感觉，他们像幽灵一样在画面上晃动。而他通过使用纯度较高的亮色与暗色的混合使用强化了这种感觉，使作品带有鲜明的个人情感。 在色彩情感表现的世界里，最具有代表性的就是毕加索，他的一生是可以用颜色总结的：忧郁的蓝色时期、快乐的玫瑰时期。在孤独无助的蓝色时期中，其所创作的作品中最具代表的是《人生》，以浓郁的蓝色调表示贫老与孤独的苦难；而在玫瑰时期的作品，画面人物表情虽依然冷漠，却已注重对和谐美感与细微人性的关注。整体除了色彩的丰富性外，又已从先前蓝色时期那种无望的深渊中抽离。摒弃先前贫病交迫的悲哀、缺乏生命力的象征，取而代之的，是对生活充满了兴趣、关注及信心。 所以我们在表现中，就要利用色彩的冷与暖、厚与薄、亮与暗寻找色彩的象征性和表现性，使其描绘的对象具有象征意义，让它们产生精神上的含义。

2、线条的情感表现线条的情感表现线条的情感表现线条的情感表现 线条的情感表现是多样性的，曲线表示优美，直线表示刚强。而在油画创作的世界里，线条的作用也是多样的，对于写实油画而言，线条服务于造型，更多的是一种辅助的效果，而对于表现性油画创作中，线条则是情感的抒发，在画面中也更加的具有独立性、生动性。 在创作中线条的应用中，概括来说，可分为两种：一是线条情感的艺术表现，二是线条情感的自然表现。两者是有着本质区别的:第一，线条情感的艺术表现是为了更好地服务画面效果，不会毫无顾忌地使用线条，在使用线条的时候更加具有目的性。而线条情感的自然表现则是更加随心所欲一些，他表现的是画家创作过程中的心理反应，也许当时线条的应用只是一丝丝的灵感，而恰是这一丝丝的灵感，创作出一个遐想的空间。第二，线条情感的艺术表现是丰富的、细腻的、繁琐的，也许会有一些共性的东西。而线条情感的自然表现则是单调的、狂野的、简洁的，拥有更多的是作画者的个性展现。而在创作过程中，只有把艺术表现与自然表现更好地融入在一起，才能创作出拥有自我真实情感的作品。 奥地利表现主义画家席勒，他的作品受蒙克、克里姆特等人画风的影响，注重线条的表现是席勒作品不同于其他艺术家作品最明显的标记。席勒的绘画作品充满灰暗、焦虑、扭曲、痛苦、让人感受到席勤的生命始终笼罩着死亡的阴影，极具艺术表现力的艺术语言和充满震撼力量的线条，使得艺术家的内心真实情感和对人生的感悟跃然纸上。他的作品《死神与少女》、《自画像》、《干洗房》等以扭曲的人物造型、神秘的自然风景表达对人类生存、对生与死的思考，运用颤栗紧张的线条和夸张变化的色彩加强感情的力量，致使画面笼罩着一种痛苦、憔悴、紧张和性压抑的气氛，体现出强烈的表现主义精神。

3、创作内容的创作内容的创作内容的创作内容的情情情情感表现感表现感表现感表现 如果说色彩是画面的灵魂、线条是画面的骨骼，那么创作内容就是画面的血液，时刻流淌在画面的每一个角落。只有选择正确的、合适的内容去表达，才能够在创作中表现出自己的真实情感，心甘情愿地为创作去付出、去思考。 在创作内容的选择上，往往有两种误区：一是“题材决定论”就是认为在创作题材的选择上，只有表现重大题材的艺术创作才具有崇高的艺术价值；表现平凡题材的艺术作品只能具有平凡的艺术价值。这是不正确的，它否定了油画创作的表现性和多样性。达·芬奇认为艺术可以表现任何题材。他说，宇宙中存在的一切，不论是可能存在、实际存在还是在想象中存在的，都能出现在艺术家的“心里”,“然后移到他的手上”，称为艺术作品的题材。其次，题材不能决定作品艺术价值。18世纪的英法艺术家认为，“历史画”是高贵的，“肖像画”、“静物画”、“风景画”是低贱的，这是不对的。19世纪德国画家马克斯·李卜曼有句名言：“画得好的白菜头比画得坏的圣母头更有价值。”艺术作品的价值，不完全取决于画什么，而是看画家的综合素质和在创作中所投入的真实情感。 二是“题材无差别论”，认为题材仅仅是艺术家表达思想感情的媒介，对艺术作品是无关紧要的。克莱夫·贝尔说，艺术作品的题材，如“叙述性绘画”，具有“历史方面价值的画像”，乃至连环画中所讲的动人故事都是非艺术因素，“不仅不能唤起审美感情，反而会影响它和干扰它”。这种观点是错误的，题材在艺术创作中不具有破坏干扰作用，也不是无关紧要的，题材在一定程度上制约着艺术作品的价值，只有符合时代背景下的艺术创作，才能更容易地唤起自身的情感，将之描绘在画布上。董希文的《开国大典》、达维特的《马拉之死》等题材都是一定程度上体现了作品的价值。 总之，创作内容在艺术创作中的作用是很重要的，它是构成艺术作品必不可少的内容之一，也是表现画家情感的基础，只有拥有好的创作内容，才能呼唤起画家对创作的兴趣和激情。

摘自赵君超、马信中《浅谈油画创作中的情感表现》，希望对你有用。

《乌篷船》是周作人一组文章中的第九篇，文章总题目是“苦雨斋尺牍”。周作人早就说过，他虽然生活在大革命前夕的动荡年代，内心深处却向往着雨天，喝口清茶，同友人谈闲话，以为“那是颇愉快的事”；但他又觉得有一种说不出的“苦”味，“心思散漫，好像是出了气的烧酒，一点味道都没有”。为了排遣，“聊以对付这雨天的气闷光阴”，他提笔写信，写给谁呢？给知己者川岛（《尺牍》之三）、钱玄同（《尺牍》之六）－－二三人而已；实在没人可写了，就写给自己（如，《尺牍》之一及《乌篷船》），这封信的收信人就是写信人周作人本人。

《乌篷船》所表现的是寂寞的灵魂的内心对白。作者把自我的两个侧面外化为收信人“子荣”与写信人“岂明”，于是，就有了两个“自我”之间的撞击与交流。这是两个“实体”，有着不同的意趣与追求。

先看收信人“子荣”。由于书信体的限制，作者没有对“他”多作介绍，只能留下大量空白；不过，寥寥几笔，已显出轮廓，足以使读者运用自己的生活经验加以丰富与完整。于是，不知不觉间，也就参预了作品的再创造。“你在家乡平常总坐人力车，电车，或是汽车”，可见“他”生活在一个开始有了现代物质文明、大概类似北京这样的现代城市里；“你如坐船出去，可是不能像坐电车那样性急”，“骑驴或者于你不很相宜”－－“他”的生活方式、心理状态都开始追逐于现代城市的快节奏，而对传统的、缓慢的、近乎停滞的生活不相适应；“坐航船到西陵去，也特别有风趣，但是你总不便坐”－－传统生活所特有的“风趣”于“他”已开始隔膜。可见，收信人“子荣”正是现实生活中已经被现代文明改造了的“自我”。

而写信人“岂明”就是在内心深处顽强抵抗着的“自我”，在周作人看来，这也是更值得保存、更真实、更本色的“自我”。“他”是那样津津乐道于故乡的“船”：讲了白篷船，又讲乌篷船；讲了大船，再讲小船；介绍乌篷船时，单是“三明瓦”就费了一百三四十字，约占全文十分之一的篇幅；这还不够，还要讲船尾怎样，船头如何，船篷又有多高，多宽，4个人坐着都可以打马将（深恐你没有实感）；小船呢，又是怎样的矮、窄，“遇着风浪，或者坐得少不小心，就会船底朝天”，简直唠叨得没个完，仿佛这不是那位平日沉默寡言、写起文章来惜墨如金的周作人，而是一位热心得有点过分的导游者。从这近乎反常的表现里可以感觉到，讲述者差不多每介绍到一处，都要重复使用“有趣”、“风趣”、“趣味”这样的词儿。这当然不是因为“词汇贫乏”，而是“醉翁之意不在酒”。讲述者的心思本不在“船”而在“船”中所蕴含的“趣味”、情感、心态、生活方式、人生态度，概括起来，就是传统文化的底蕴。

慢慢地读下去，我们就会像进入角色一样进入那样的“境界”（这正是周作人文章的“魔力”之所在）：“黄昏”“夜间”“暮色苍然”“困倦的时候”－－一种寂寥的，倦怠的，几分悲凉又几分肃穆的历史文化氛围迎面扑来；可以看见“山河乌柏红蓼白苹，渔舍桥”－－面对宁静的、永恒的自然；可以听见“水声橹声招呼声犬吠鸡鸣”，更有那“庙戏”歌吹的悠扬，宛转，朦胧－－应和着原始的传统的呼唤；心中感到自由，松弛－－“要看就看，要睡就睡，要喝酒就喝酒”，岂只是“行动”的“自如”。这一切，确实非常的“迷人”。而“他”－－周作人内心深处的“自我”呢？“他”是怎样地“神往”于这“安闲而丰腴的生活”，怎样地追怀着那自由的、“行乐”的、“游山的态度”呵！他试图召回已经失去的传统文化的魅力，使被现代文明“异化”了的那个“自我”重新复归，使“自我”由分离达到统一。写信人“岂明”如此喋喋不休地劝说（以至引诱）收信人“子荣”去体味故乡行船的“真趣味”，其主旨正在于此。

但周作人却不能不面对无情的现实：自从“讲维新以来”，西方现代文明的冲击力量不但扫荡了传统文化中最腐朽、丑陋的部分（这时的周作人对此仍然是持肯定态度的），而且导致了传统文化所特有的宁静、安闲、和谐的美的丧失，与大自然直接沟通的人的自由人格的丧失，甚至传统的“演剧与迎会”，即紧张生活中难得的精神余裕，都被“禁止”，代之而起的是资产阶级“低能儿”的市侩文化。这种历史前进中得与失的矛盾，使周作人感到困惑，并产生了深刻的“惆怅”感。所谓“召回”、“复归”，尽管十分美妙，但不过是一场梦，一篇用从容、冲淡的笔调写出的“美文”，最后不能不落入沉重的忧郁，透骨的悲凉。这只能是一曲美的挽歌。淡淡的喜悦中搀杂着忧郁、惆怅的苦味，从容、冲淡中蕴含着悲凉，这些构成了周作人散文的美感特征。诚然，我们可以批评周作人的审美理想与社会理想有着浓重的“向后看”的保守色彩，他没有看到，西方现代文明对传统文化的冲击不但不可避免地会产生低级的市侩文化，更会促发比传统文化更高层次的现代新文化的诞生、发展，而现代新文化是必然会创造出时代的新的美来的。周作人作为新文化运动的先驱者之一，他在作品中所表现的“召回”、“复归”等愿望，就不能不具有某种倒退的性质。但是，我们还必须承认，周作人如此精妙地记录了那消失中的传统文化的美，把与传统有着深刻联系的知识分子因这种美的丧失所感到的忧虑、困惑、惆怅，表达得如此真切，从一个侧面显示了历史前进的复杂性。他的作品也因此获得了长久的生命力。应该看到，在每一个历史转折时期，历史前进中的得失问题都会一再提出来，并使人不断产生新的忧虑、困惑与惆怅，又在忧虑、困惑、惆怅中产生新的思索、新的追求。