世界服装史浪漫主义时期的服装文化

简单来说是一种用蕾丝和塔夫绸堆砌的主义。

重视服饰色彩和情感，也重视身体走动时的氛围和美感，女性化的风貌统治了人们对服饰的审美。

男装是马甲、长西装外套和长裤的组合，也时兴收细腰身。男士也开始使用紧身胸衣来整形。色调非常优雅，时髦男子的长裤常用淡色的开士米或条纹织物，还有白色织物做的非常紧身的长裤。领结是注重礼节，修饰仪表时重要的服饰用品，系法很多，是个人兴趣表现的重要手段。桶形礼帽、文明杖是男子不可缺少的饰物。

女子裙子膨大，强调细腰与夸张的裙摆。衬裙的数量越来越多，后来还产生了马鬃编成的裙撑。裙子表面的装饰越来越多。流行高领口或者大胆的低领口。袖型也非常独特。为了显示细腰，肩部不断地向横宽方向扩张，袖根部被极度地夸张，甚至在袖根部使用了鲸须、金属丝做撑垫或用羽毛做填充物。

19世纪30年代的女装中，又一次出现了长裤，这是由于当时的女士们风行像男士们那样骑马兜风，女子的骑马服饰是在宽敞的长裙里面用细棉布做的紧身马裤和长统靴。上身也是男式上衣，带高统礼帽和鹿皮手套。紧身胸衣是女人们不可缺少的，在法国大革命的年代，女人们已经将紧身胸衣弃置，但是这时候又重新启用。女人的发髻越来越高，人们用铁丝做撑，用长长的饰针固定，上面装饰着羽毛、缎带、蕾丝、人造花等。帽子与发型相呼应，帽山高、帽檐大，帽子上装饰羽毛、缎带、蕾斯和人造花。手套是不可缺少的服饰品。

女装流行的面料有轻柔的薄棉布、织纹较密的白麻布，薄纱，凹凸丝织物、提花丝织物、格纹、条纹的轻质毛织物和刺绣的蝉翼纱。

浪漫主义时期的女装给人的整体感觉是轻盈飘逸的。

女人的娇柔、男人的脂粉气是人们对这个时代的印象。

服装制版基础知识

　服装设计属于工艺美术范畴，是实用性和艺术性相结合的一种艺术形式。下面我来给大家分享服装制版基础知识，希望对大家有帮助!

　1：什么是服装制版

　根据款式，规格，工艺，材料质地，性能，在纸上用结构制图的方法按等比例画等比例服装整体与局部的部件图就服装制版。制版讲三准一全：款式，尺寸，细部计算准。面，里，衬，工艺版全。

　2：什么是服装推版

　推版是打版的继续。工业化成衣生产过程中，首见产品与试制，一般先采用中间号先打试衣样版，经扎坯，做样衣，定版后，再进行系列样版制做。推版是量变形不变，推版方法也有多种。

　3：什么是基型样版

　在试衣样版完成基础上，进行流水线小批量生产，在最大限度无弊病，可做款式变化中使用的样版，最大益处是款式千变万化，风格永存。

　4：什么是成衣生产

　按国家号型，经机械化流水线生产，并进入商场的服装这种过程，是成衣生产。

　5：什么是现代服装三大分工：A 款式设计 B 结构设计 C工艺设计。

　6：什么是服装流行周期

　服装流行周期分5个阶段：萌芽阶段---形成阶段---发展阶段---周期变化阶段---终结阶段。

　7：什么是服装造型三大要素：即点，线，面。

　点是构成物体的最小形态，也是线的连续轨迹。

　线指轮廓线，结构线，装饰线。

　面指正面，侧面，后面。面是服装主体。

　8：什么是制图的三种比例：A 等比 1：1 B 倍比 2：1 C 缩比1：5

　9：服装造型中三种比例指什么：

　A 不同线段长度比

　B 不同色彩面积比

　C 不同形体体积比

　10：服装学习三大学科是什么

　A 服装构成

　B 穿着艺术

　C 服装商品流通

　指人体全身或局部宽符合正常比例，某些生理无异常，左右对称，前后平衡，局部无凹凸变化的人体。

　12：什么是中间标准体

　经抽样调查，计算机系统汇总，在我国成年男女中平均占有率高，代表性的人体为中间标准体。我国中间标准体为女160/84A, 男170/88A。

　艺术家，雕塑家，按人类审美设计出完美比例的人体模特，生活中职业模特体型最接近各种理想人体。可以说理想人体是艺术家塑造出来的。

　14：什么是传统服装

　经过流行被人们保留下来的服装叫传统服装。

　15：什么是时装

　时新，时尚，时髦被少数人在短期内穿着的`服装叫时装，时装可分为三类：流行，尝试，定式。

　16：什么是四功

　刀功，车功，手功，熨烫功。

　17：什么是八势道：

　名家做功讲十六字令：即胖势，圆势，窝势，肋势，弯势，翘势，扣势，帖势。

　18：对世界流行服装持什么态度

　每个人根据自己的喜爱，适合的吸取，不适合的不加以反对。

　19：什么是衣服

　遮盖人体躯干即上下肢的东西，现代人称衣裳，服装。

　裳一般指下衣，服装指鞋帽总称。

　20：什么是服装

　指衣服包裹在人体周围的形态，衣服与人相互作用，发挥特殊功能，被视察者认可，称为服装，服装必备三大要素：衣服，穿衣人，观察者。

　21：什么是服装结构

　服装整体与局部，各外形轮廓线之间关系，各局部内部之间关系，各层之间关系，各组合材料之间关系，与人体舒适活动之间关系形成的平面展开。服装结构由功能造型所决定。

　22：服装结构制图要求

　辅组线02-04厘米，轮廓线07-09厘米，字体7-9#，长宽2 ：3，图纸标准，公司标准，产品代号，产品名称，部位名称，号型，数量，纱向，系列号标都要准确。样版刀眼宽02,长03厘米。锥眼距省05厘米，距袋位05厘米。做缝1-15厘米。弯弧处08-1厘米。折边3-5厘米。

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时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“

时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。

接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。

一时尚插画的开始

时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。

在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。

十七世纪的艺术家雅克·卡洛(JacquesCallot)和亚伯拉罕·博斯(AbrahamBosse)都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。

这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是第一本时尚杂志,其中包括LeMecureGallant,TheLady'sMagazine,LaGalleriedesModes,LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。

二十九世纪的时尚图样(Thefashionplate)

时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头,在巴黎风靡一时,期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物,以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁(Georges-JacquesGatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。

法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。

高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。

到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。

三二十世纪的时尚杂志和插图

二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。

法国奢侈杂志《宪报》(Gazettedubonton)于1912年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的****,为著名的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯·马丁(CharlesMartin),爱德华多·加西亚·贝尼托(EduardoGarciaBenito),乔治·巴比耶(GeorgeBarbier),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape)和翁贝托·布鲁内莱斯基(UmbertoBrunelleschi)。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。

在美国,大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper'sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper'sBazaar杂志与鬼才埃特(Erte)签订了独家合同,该合同从1915年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。

从1910年到第二次世界大战爆发,《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿(HelenDryden),乔治·沃尔夫·普朗克(GeorgeWolfPlank),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape),莱恩德克尔(FXLeyendecker)创作的艺术品。

第一次世界大战后,欧洲艺术家加入了他们的行列,其中包括爱德华多·贝尼托(EduardoBenito),查尔斯·马丁(CharlesMartin),皮埃尔·布里索(PierreBrissaud)和安德烈·马蒂(AndreMarty)。

四时尚插画的黄金时代

1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。

摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的首选,Vogue杂志在1936年报道说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。

随着1929年股市崩盘后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计,而诸如Vogue和Women'sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。

Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”

迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。

五时尚插画的毁灭与复兴

到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章,或从事广告活动。

1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。

安东尼奥·洛佩兹(AntonioLopez)是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。

在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture(1982),CondeNast’sVanity(1981)和Visionaire(1991)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。

六今天的时尚插画

介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。

摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的精确呈现,而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代,先驱插画师EdTsuwaki,GrahamRounthwaite,JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。

这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的大师,寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。

最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。

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时尚元素在时装插画中有哪些应用？可以具体介绍一下吗？

时装插画作为现代广告设计当中的一种独特而又古老的视觉传达形式,有着明朗直观的形象,具有真实的生活感和艺术美感,迅速占据了受众的视野,例如文化活动、商业活动、影视文化等领域。时装插画的形式多种多样,可由传播媒体分类,亦可由功能分类。以媒体分类,基本上分为两大部分,即印刷媒体、影视网络媒体。

1印刷媒体

印刷媒体包括报纸插画、杂志书籍插画、招贴广告插画、产品包装插画、企业形象宣传品插画等。尤其以时尚类杂志为主,其定位目标人群多为女性,其文章大都面向女性读者推广,因此,时装插图中通常是不同风格的独具魅力的女性。而女性热衷于好看符合当下潮流的服饰配搭,所以将女性与时装结合在一起进行插画设计更具时尚性。

2网络与影视媒体

网络与影视媒体包括网站、游戏、影视剧、广告片等方面的角色设定或界面设计。其中服装插画在各类时尚类网页当中应用十分广泛,而且还会根据网站受众面的不同进行不同风格作品的设计。在游戏方面,伴随着玩家审美素养的提升,对手机游戏画面的视觉要求以及游戏中的情感交互的需求也越来越高。手机游戏既是科技产品,又是具有艺术性的文化产品。一款手游如果想在激烈的市场竞争中脱颖而出,除了在玩法上应该具备创意性外,在美术设计上必须重视游戏人物的角色塑造。时装插画会提升游戏人物角色的个性化与时代性,互联网时代的服装插画不但继承了传统插画的艺术性,还具备现代设计的功能性,成为一种被人们接受的视觉语言和信息传播载体。

综上所述,时装插画设计在现代社会艺术领域内属于十分重要的内容及艺术形式,并且在当前社会中的很多领域得到了十分广泛的应用。时装插画家借助各种绘画工具与高新科技结合,产品更加多元化,参与到了时尚风潮中来,甚至制造时尚风潮,使整个流行时尚走向繁荣。

服装设计中常见的插画的艺术风格有哪些？可以详细说说吗？

1波普风格

波普风格的插画艺术出现、流行于20_兰50_甏呐分薜厍,主要通过商业艺术的创作手法,形成融合大众文化与商业艺术的全新艺术风格。同时,波普风格中相对浮夸的卡通形象、报纸版画形式及幽默的标语,共同组成独属于波普风格的特色,且波普风格的艺术性非常强[3]。安迪·沃霍尔是在服装设计领域中对波普风格拓展贡献最为杰出的人物之一,首次开创了纸质、塑料、人造皮为服装制作基础材料的先河,并且在其插画作品中包含了颠覆传统的设计理念,具有色彩鲜艳、设计理念前卫及选色大胆等鲜明特点。直至今日,波普风格的插画仍保留与安迪·沃霍尔较多的相似之处。

2抽象风格

通常,抽象风格的作品普遍以几何化的点线面、圆形、三角形、正方形为主体进行深入创作,在创作风格上具有典型的抽象性特点。蒙德里安是抽象风格作品中相对成功的早期人物之一,其抽象风格的创作方式较为独特,侧重利用形式多样的矩形图案作为插画内容,且此类插画艺术形式对抽象风格的影响深远。以法国著名抽象风格服装设计大师创作的作品《红黄蓝》为例,此作品深受蒙德里安抽象风格的启发,选择多种颜色的线条、三角形、长方形,给予广大受众独特的艺术欣赏体验感受,并赋予作品强烈的视觉冲击感及新奇感。

3具象风格

具象风格不同于上述提到的两种风格,其图形特点普遍写实且逼真。再者,具象风格作品对线条的展现相对直接,可进行装饰性的泛化、夸张及变形处理,从而提高作品的色彩感,突出作品的简洁性及精致性。以意大利著名服装设计师缪西亚·普拉达为例,曾拥有将插画直接用在服装设计创作的实力,可以将插画作品布满在服装设计作品当中,且其作品侧重精心细腻化创作人物造型,突出作品的色彩及绚丽感[4]。此外,具象风格中线条展示相对飘逸,可以给予受众心理如梦如幻的体验感受,尤其是应用在服装设计当中,能有效提高设计作品的精巧程度,赋予设计作品灵动的美感。

据本人观察，觉得第2张比较适合水调歌头的场景，就冲着她抬头仰视，仿佛是在赏月的样子，而且面带微笑，应该是很喜欢此时的月亮，觉得实在难得，这样的明月不是什么时候都有的

希望对你有所帮助！

服装设计色彩表达的服装语言

　服装设计属于工艺美术范畴，是实用性和艺术性相结合的一种艺术形式。以下是我收集整理的服装设计色彩表达的服装语言，仅供参考，希望能够帮助到大家。

　服装设计 色彩———服装的特殊语言

　服装的美是表现人类生活的一种状态美，在形成服装状态的过程中，最能够创造艺术氛围、感受人们心灵的因素是服装的色彩。因此，色彩是构成服装的重要因素之一。色彩是靠视觉而传递信息，这一色彩信息已广泛地深入到我们人类生活的各个领域。尤其在服饰中给人的第一感觉首先是色彩，而不是服装。色彩在服饰中是最响亮的视觉语言，而常常以不同形式的组合配置影响着人们的情感，同时色彩是创造服饰整体艺术氛围和审美感受的特殊语言，也是充分体现着装者个性的重要手段。因此，色彩是表达情感的一门艺术，可以说色彩是整个服装的灵魂。

　每个色彩都有不同的特性，都有独特的色彩感情与个性表现。服饰色彩的情感表达正是将不同的色彩进行组合搭配，表现出热情奔放、温馨浪漫、活泼俏丽、高贵典雅、稳重成熟，冷漠刚毅等变化迥异的风姿风韵。

　色彩主要含无彩色系和有彩色系，由这两者构成了色彩的总和，组成丰富多姿的色彩世界。无彩色系的黑白灰，它的特点是素洁、简朴，有现代感。整个色彩都各具特性，黑与白是色彩的两个极端，是色彩的起点和归宿，它们既矛盾又统一，相互补充，单纯而简练，节奏明确，是人们最喜爱、最实用的永恒配色。

　黑色的个性既有双重性，一是象征着沉默、黑暗、恐怖、深渊，同时也象征着庄重、神秘、成熟、刚直。在服饰中黑色以它那高雅的格调，华贵而又包含质朴的内涵，给人以优越感、神秘感，是高贵风格的体现，表现出深刻、冷漠的个性，并富有都市风味和高雅的气质。如黑色晚礼服，黑色皮衣等套装，黑色西装都表现了着装者的优雅体态和高雅风度，创造了人们的浪漫风采。黑色可以和无彩色系的白、灰及有彩色系的任何色都能组合搭配，从而营造出千变万化的不同的色彩情调。前几年市场上流行的红色与黑色的配置，锐气逼人的红色与深沉稳重的黑色亦能产生对比鲜明的强烈效果。鲜红的红色，让活泼女孩风韵有致，衬上冷傲踏实的黑色，一冷一热，既有冲突又有调和，既有端庄，又有活泼，红与黑的均匀搭配显示出女性适度的典雅、热情，尤其在冬季里给寒冷的冬天带来了浓浓的暖意，是一道亮丽的风景线。黑色与有彩色系的冷色系搭配，给人一种清爽、朴素、宁静之感。黑色与金、银色搭配则可表现华贵富丽的感觉。若与有彩色系的暖色系搭配，则能表现女性的英气、端庄、精明利索的感觉。黑色与无彩色系的灰色搭配则可显示出仪态端庄、清幽、典雅的高贵情调。

　白色是清纯、纯洁、神圣的象征。现代社会把白色服装视为高品位的审美象征。白色飘溢着不容妥胁，难以侵犯的气韵。白色的西服体现出华丽而高雅的品质，白色的裘皮大衣，由于毛绒绒的质感而产生一种温暖的情感且显得雍容华贵。西方的婚礼服，白色的耳环、白色项链、白色皮鞋、白色头饰、手中白色的鲜花，这些白色饰品与白色婚礼服的组合营造出一种冰清玉洁的色彩氛围，表现出对纯真、神圣、幸福美好生活的向往和追求。白色与具有强烈个性的色彩搭配可增强青春活跃的魅力，表现出不同的情感效果。白色调的连衣裙点缀天蓝色，展现出飘逸、清纯无瑕。白色长裙配以红色显得艳丽动人，白色与绿、黄绿搭配明快中见清丽，是青春活力和健康的体现。白色与红紫色组合带有浪漫的神秘意趣，总之白色与任何色的搭配均能表现调和的美感。

　灰色介于黑白之间，是黑色的淡化、白色的深化，它具有黑、白二色的优点，更具高雅、稳重的风韵。它最大的特点是可以与任何色彩搭配，构成种种富于浪漫气息的风格。灰色用在服饰上，一般都含有其它色素，如浅驼灰、紫灰等，它们全然不同于纯灰色，是一种富有朦胧美的灰色系列。灰色的西服、茄克衫、套裙在社交场合穿用，能产生温文尔雅的气度，高明度的灰色是年轻女性追求文静的理想套裙之色。灰色与单纯的色彩组合时，格调高雅颇具现代感，与相近的色调组合，则容易使人引发古之幽情。因此，灰色是表现古典、雅致、高品位所不能缺少的色系之一。

　在有彩色系里由于各色相间的差别，各色系在情感的表述上各具特点：

　红色系：红色是一种热情浪漫，具有丰富感情的色彩。红色具有鲜艳的视觉感官刺激，表现为一种大胆、热情、奔放、开朗、欢乐、喜悦的个性。红色运用在服饰上最能传达热情、奔放、喜庆的感觉，以红色为基调再用黑色的装饰物搭配，可表现出阳刚之美，同时又增添几分帅气。若红色衬衣配以白色裙子，而富有夏季情调。红色与**的和谐搭配令人心旷神怡。红与白、绿色搭配融尽了洒脱。红与蓝的鲜明对比更衬托出了少女的妩媚和娇艳;粉红色象征幸福和甜蜜，最能表达温柔可爱，罗曼蒂克的印象;紫红色能给人沉稳、成熟、老练、古典的感觉，是一种具有坚定感的色彩。

　橙色系：橙色比红色明亮，色彩最温暖。橙色调的服装最能表达开朗、亲切、自信的个性。橙色比较有亲和力和引人注目;若想表现健康活泼，可与白色相配;若想表现时髦，配黑色最适宜;与灰色搭配是显得平和，与较深的秋季绿、蓝味紫搭配可营造一股奔放的激情。

　**系：在有彩色系中**是最明亮的色，象征着明朗、阳光、希望。高明度的**具有白色特性和无重量的特点，所以**系能产生飘逸、跃动、华美的感觉。黄与白相配，黄更显得清新和明亮;黄与蓝色搭配充满活泼，荡漾着青春气息;黄与绿色组合具有清新，自然轻松富有生命力之感;黄配橙色搭配则可表现明快，柔美及温暖之意。

　绿色系：绿色对于人的视觉是最适应的色，对视觉无刺激是它的最大特点，使人们的视觉有种舒适感，是一种柔顺、温和饱满的色。绿色系的服装最能展现温顺、舒适、娴静的印象。绿色与白色搭配则非常清爽宜人;绿与浅蓝色、紫色搭配最能显示出女孩的秀气、温柔，娴静的气质，是春、夏季中不可缺少的色彩，深受人们的喜爱;绿色与暖色系的黄、橙红色组合，最能体现少女的青春魅力;绿色与蓝色搭配能表现一种祥和、宁静的感觉;墨绿色代表永恒与坚毅，给人的感觉舒适，能与任何颜色搭配均可展现沉稳的调和感。

　蓝色系：蓝色犹如一望无垠的大海，闪动着深遂而神秘的色彩。蓝色服饰能很好地表现清纯、认真、诚实、理智与悠久的个性，蓝色包括天蓝、深蓝、藏蓝。天蓝色在蓝色中为生气勃勃的艳丽色彩，虽是沉静的冷色，但有华丽、显赫的气势和强烈的个性特点;浅蓝色在淡雅和明快中透露出一丝清凉，浅蓝色与白、浅黄、浅绿、浅紫、浅红等色彩搭配，均可表现女孩的天真、可爱，纯洁及文静之美;深蓝色能显出成熟、稳重，是智慧的象征;藏蓝色由于明度太低，则可表现为老练、沉着，庄重的气质。

　紫色系：在有彩色系里紫色乃明度最低。灰暗的紫色有苦涩、忧郁及孤独感，淡紫色则有神秘优雅感。紫色是一种神秘色彩，因紫色是红与蓝相混而成，它具有红色的热烈、兴奋，蓝色的宁静、沉着的双重性格，从而形成一股不可抗拒的神秘力量。同时紫色服饰，色调上的差异会产生不同的情感效果。蓝紫色能给人以高贵气质，展现女性的冷艳之美;而红紫色给人华丽的感觉，则表现女性的成熟与妩媚;而高明度的浅紫色则更具优雅、浪漫、甜美、轻盈、飘逸的女性感。紫色与金色搭配显富丽豪华，与银色组合则冷漠闪烁，与黑色则衬托神秘和白强调神圣与高贵。

　服装色彩是一个极其复杂的研究课题，而且，就服装的实用性和审美性来讲，色彩着重于审美性一方，即精神作用大于物质作用。随着物质生活的不断提高，人们对于服装色彩审美能力也在提高，这就需要倾注更大的注意力，去研究和探索其美的规律，更好地为人类社会服务。

　拓展：

　服装设计是什么

　统一原则

　统一也称为一致，与调和的意义相似。设计服装时，往往以调和为手段，达到统一的目的。良好的设计中，服装上的部分与部分间，及部分与整体间各要素-质料、色彩、线条等的安排，应有一致性。如果这些要素的变化太多，则破坏了一致的效果。形成统一最常用的方法就是重复，如重复使用相同的色彩、线条等，就可以造成统一的特色。

　加重原则

　加重亦即强调或重点设计。虽然设计中注重统一的原则，但是过分统一的结果，往往使设计趋于平淡，最好能使某一部分特别醒目，以造成设计上的趣味中心。这种重点的设计，可以利用色彩的对照(如黑色洋装系上红色腰带)、质料的搭配(如毛呢大衣配以毛皮领子)、线条的安排(如洋装上自领口至底边的开口)、剪裁的特色(如肩轭布及公主线的设计)，及饰物的使用(如黑色丝绒旗袍上配戴金色项链)等达成。但是上述强调的方法，不宜数法同时并用，强调的部位也不能过多，并应选择穿者身体上美好的部分，做为强调的中心。

　平衡原则

　平衡使设计具有稳定、静止的感觉时，即是符合平衡的原则。平衡可分对称的平衡，及非对称的平衡两种。前者是以人体中心为想象线，左右两部分完全相同。这种款式的服装，有端正、庄严的感觉，但是较为呆板。后者是感觉上的平衡，也就是衣服左右部分设计虽不一样，但有平稳的感觉，常以斜线设计(如旗袍之前襟)达成目的。此种设计予人的感觉是优雅、柔顺。此外，亦须注意服装上身与下身的平衡，勿使有过分的上重下轻，或下重上轻的感觉。

　比例原则

　比例是指服装各部分间大小的分配，看来合宜适当，例如口袋与衣身大小的关系、衣领的宽窄等都应适当。「黄金分割」的比例，多适用于衣服上的设计。此外，对于饰物、附件等的大小比例，亦须重视。

　韵律原则

　韵律指规律的反复，而产生柔和的动感。如色彩由深而浅，形状由大而小等渐层的韵律，线条、色彩等具规则性重复的反复的韵律，以及衣物上的飘带等飘垂的韵律，都是设计上常用的手法。

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