钢琴家里钢琴家的情感变化有几次？

总的来说四次变化，一次次两人间的情感变化将**的主旨升华，主要是白人司机托尼对黑人钢琴家唐态度变化。

首先，初期的两人相互看不顺眼、厌恶。**的开头托尼将黑人喝过的水杯扔进垃圾桶，并像妻子说着嘲讽黑人的话，都可以看出，托尼有很严重的种族歧视，他厌恶黑人。所以即使给作为钢琴家的唐当司机，他依然从心底里瞧不起这个黑人。他对唐可以说十分无礼，一人吃掉妻子给的面包没有询问唐，下车时拿走钱包等等行为，都是可以看出托尼对黑人的偏见。

第二次的变化发生在托尼听了唐的钢琴演奏，他在给妻子的心里将唐称为钢琴家，可以看出托尼深深折服于唐的弹奏技巧，更多的是尊重他的职业，对唐本人依然没有抛开偏见。

第三次，越往南走唐的越是被不公平对待，托尼为了维护唐，动手打了警察被抓警察局。之后两个人的下车的对话让托尼意识到其实他俩是同一类人。在给妻子的家书，托尼提出让唐加以润色。托尼从心底正式接受了唐。

第四次，唐取消最后一次演奏会回到了北方，在托尼的邀请下，唐去了托尼的家中，那一刻两个人都释然了。真正成了朋友。

简谈钢琴音乐艺术在影视中的魅力和意义

　 摘要： 钢琴在所有乐器当中具有自身鲜明的特色，钢琴音色优美、音量空旷，而且音域特别宽广，表现力十分强大，所以将钢琴音乐艺术与影视相结合，有利于提升**的感染力，使**魅力更加多元化，进一步突出**的主题。本文以影视作品中的钢琴音乐艺术为立足点，探求钢琴音乐艺术在影视中的魅力和作用。

　 关键词： ** 钢琴音乐 魅力

　钢琴在**艺术表现中可以实现情感与音乐的融合，实现**画面与音乐的融合，提升**艺术的表现效果。纵观现在**的发展，很多**导演都十分重视发挥钢琴音乐的积极作用，将钢琴音乐恰到好处地与**画面、内容、旁白等相结合，使**的艺术魅力得以淋漓尽致地展现。

一、钢琴音乐在影视中的运用

　钢琴音乐能够结合**情节的发展，与**画面实现良好的配合，不仅会给观众带来丰富的视觉享受，而且会使观众在情感上获得一种快感。将**与钢琴音乐完美结合，有利于提升**对观众的感性感染，有利于观众从**当中获得更加真实深刻的体验。钢琴音乐对深化**主题具有很大的推动作用。将钢琴音乐与**背景相融合，有利于使观众更深刻地理解**的内涵。纵观国内外**的发展，以“钢琴”为题材的**在数量上有很多，像影片《不能说的秘密》、《钢琴师》、《海上钢琴师》都是以钢琴为题材的典型影片，从这些影片我们可以欣赏到钢琴音乐在影视作品中的魅力价值。

　第一、钢琴音乐在渲染影片背景气氛方面具有重要的推动作用。要想使一部影片的内涵得到淋漓尽致地表达，离不开**音乐的积极配合，可以想象如果在战争题材的影片中没有关于战争的背景声音那么影片就会明显失真，同样在一部恐怖片中如果没有恐怖声音的配合，那么影片就很难达到恐怖的效果，钢琴音乐是**音乐的重要组成部分，在**背景音乐营造的作用十分重要。以《海上钢琴师》这部**为例，影片主人公利用钢琴音乐的变化对自我内在情感进行了很好的诠释，随着钢琴音乐的变化，主人公的内在情感也在发生变化，钢琴音乐低沉温婉与其浑厚高亢浑厚时所表达的情感显然不同。

　第二，钢琴音乐的抒情功能会增强**的情感表现力。通常**音乐的选择会以**内容发展为依据，如果**场景充满紧张感则就会配合上节奏十分紧凑的音乐，如果**画面充满暧昧则就会配上比较暧昧的音乐，同样钢琴音乐作为**音乐的重要组成部分，也会根据剧情的需要作出相应地调整。钢琴音乐本身就是感性的，结合**本身的实际需要发挥钢琴音乐的抒情功能，会使影片的情感表现力大大增强。钢琴音乐在**中的抒情功能特别突出。以**《钢琴课》为例，影片女主人公的丈夫觉得钢琴搬来搬去是个累赘，想把钢琴丢弃在沙滩上，面对这些女主人公开始在沙滩上拼命地弹琴，女主人公的愤怒与不满被表现得淋漓尽致，此时钢琴音乐的抒情效果要远远超过直接用**画面所表现的效果，使观众感受深刻。

　第三，钢琴音乐对提升**的艺术品位具有积极的作用。钢琴作为一种高雅的乐器，其声音美如天籁，充满高贵的意蕴，钢琴音乐可以对演奏者的内心情感进行展现，所以将钢琴音乐恰如其分地与**相融合，有利于使**的艺术品位获得提升。以**《天使艾米丽》为例，影片的主旋律随着影片情节的发展不断变化，纤尘不染的钢琴音乐让观众享受到了完美的音乐视听，影片中的钢琴音符简短富有力量，好像丝丝细雨洒落在人的心田，大大提升了影片的艺术品位。

　第四，钢琴音乐会对影片叙事发展产生积极的作用作用。通常钢琴音乐在影片中都是以背景音乐的形式展现出来的`，这样就会使**情节即使在没有声音的情况下也不会显得特别突兀。钢琴音乐参与**叙事发展要以实现**画面、**声音的完美结合为前提条件，**画面与钢琴音乐的完美结合有利于推进**情节的发展。以**《罗拉快跑》为例，这是一部快节奏的影片，**中有很多跑步的画面，影片钢琴音乐充满韵律，对影片主人公罗拉起到了很好地衬托作用，在钢琴音乐的衬托下整部影片充满运动美。在某些条件下，也可以将钢琴音乐作为**叙事的组成部分。

二、关于钢琴音乐与**相融合的几点思索

　第一，钢琴音乐是感性的，钢琴音乐是某种情感的表达，将钢琴音乐与影视相融合一定要与影片情感表达相协调，影片中钢琴音乐与影片的融合一定要注重选择好恰当的位置，如此钢琴音乐才能够对影片人物的情感表达起到一定的推动作用，会使影片产生一种美感。钢琴音乐会提升**的感染力，一部成功的**中，钢琴音乐一定会与**的内涵、情节、主题等融和得恰到好处。

　第二，**中的钢琴音乐能够对观众的内心起到一定的引导作用。很多观众特别理性，单纯观看**画面很难真正走进到**情节当中，因此在影片中发挥钢琴音乐的作用可以提升观众的感性认识。钢琴音乐在**中通常被用作背景音乐，能够对**气氛起到烘托与渲染的作用。钢琴音乐与**的完美融合，有利于观众从**中获得真实的体验。

　第三，钢琴音乐在**中充当着载体的作用，会使**的戏剧性得到加强，很多**对钢琴音乐进行反复重复，为观众留下了深刻的印象，有力地推动了**情节的发展。钢琴音乐可以从不同角度在**中发挥积极的作用，这种积极的作用所带来的积极效果往往是别的乐器所无法取代的，因此作为创作者应当重视钢琴音乐与**的融合，挖掘音乐的潜在内涵与**主题思想相契合，以钢琴音乐的魅力提升影视作品的魅力。

　 三、结语

　充分发挥钢琴音乐的积极作用，从多角度、多方位与**实现融合，有利于为观众创造出精彩的视听世界，同时也会增强**的艺术表现力。钢琴音乐独特的艺术价值对整个影视**艺术体系的发展十分重要。

　 参考文献：

　[1]王晓宏论钢琴演奏触键在不同音乐时期的特征[J]艺术百家，2004(O6)

　[2]刘元举半个世纪的钢琴情怀刘诗昆与齐格然·阿利哈诺夫重逢上海[J]音乐爱好者，2010(01)

　[3]潘屹**《钢琴家》中钢琴音乐的美学作用[J]**文学，2010(05)

　[4]青溪艾尼奥·莫里康内：此曲只应天上有[J]大众**，2007(03)

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　　这篇文章对你应该会有所帮助的，呵呵！

　　浪漫主义时期的钢琴音乐创作与演奏

　　摘要：虽然浪漫主义时期的舒伯特、舒曼、肖邦、李斯特、门德尔松等作曲家的创作侧重点不尽相同，但他们作品中所体现的浪漫主义精神、典型的创作手法却具有某种共同性，充分地体现了浪漫主义音乐的总体风格。这一时期钢琴演奏技巧发展与作曲技术改进之间相辅相成、互为要求，形成了钢琴音乐艺术发展的最大动力。充斥在浪漫主义时期的技术为上的风尚也产生过很大的负面影响，但从钢琴艺术历史演进看，技术因素的强化，却促使钢琴制造者对近代钢琴从多方面不断地改进，为后来钢琴音乐表现的飞跃奠定了基础

　　随着西方音乐史上浪漫乐派的形成，钢琴音乐也

　　进入了其鼎盛的发展时期。影响钢琴艺术发展的因素

　　来自不同的方面，首先是乐器制作工艺获得了较大改

　　进，制作技术越来越规范，并逐渐趋于完善。从"# 世

　　纪初开始，各国钢琴制造家对近代槌击钢琴进行了重

　　要改进，如以铸铁张弦支架替换了原来的木质支架，

　　机件变为复式杠杆装置，槌头上包裹的凫皮由绒毡所

　　取代，琴弦加长并交叉排列，音域也扩大到七个半八

　　度等等，致使钢琴音乐的表现力大大提高和加强。并

　　且涌现出了大批专门制造音乐会演奏用琴的钢琴制

　　造商，如格拉夫、施特顿希尔、布罗德伍德、伯森多幅、

　　普莱耶尔、埃拉尔、斯坦威等，致使欧洲人的音乐生活

　　中，钢琴的地位日益见长，独奏音乐会频繁举行，社会

　　文化生活中，对钢琴人才的需求也与日俱增，因而，涌

　　现出了大量的以钢琴演奏为生的艺术家，成为浪漫主

　　义音乐发展的一大亮点。除此之外，这一时期的钢琴

　　演奏技术也得到迅速提高和发展，并逐渐形成了以炫

　　技为导向的多种演奏风格派别，预示着$% 世纪以此

　　为特性的演奏流派纷呈局面的到来。

　　从文化思想发展史来看，浪漫主义风潮形成于法

　　国大革命后，复辟与反复辟长期较量的这一动荡变乱

　　的紧张岁月中，它所力求表达的是躁动不安的个人主

　　观感情，所创造的艺术形象是感情热烈、桀骜不驯的，

　　其中心精神理念是情感至上。虽然这一时期，每一位

　　作曲家的创作侧重点不尽相同，但他们作品中所能体

　　现出的浪漫主义情怀、典型的创作手法却有其共同

　　性，充分体现了浪漫主义音乐艺术的总体风格。

　　崇尚浪漫主义理念的音乐家们，非常注重塑造具

　　有个性的音乐形象，张扬个性成为一种时尚。就浪漫

　　主义音乐作品中的诸多音乐技术环节而言，虽说抒情

　　性是其钢琴音乐创作的一个重要特征，但最明显的创

　　作建树却是在和声变化与音响色彩布局的追求上。譬

　　如，变化音和声、近关系转调、复杂化和弦运用等等，

　　其目的是力图模糊大小调体系的调性轮廓，是和声进

　　行变成了一种表现的工具，而不仅仅是音乐结构的组

　　成部份。在作品体裁上，最突出的现象是钢琴小品成

　　为浪漫派作曲家抒发情感、捕捉瞬间情绪体验最拿手

　　的表现形式，是"# 世纪最富有特性的音乐体裁之

　　一。

　　浪漫主义作曲家把大量的精力都投放到了对钢

　　琴音乐潜力的挖掘上，极大地提高了钢琴音乐的表现

　　力。这一时期钢琴音乐的真正奠基人是奥地利作曲家

　　舒伯特，他的作品深受其艺术歌曲的影响，不仅表现

　　在旋律的纯声乐性上，而且在钢琴音乐的情感内容

　　及主题形象上都与其艺术歌曲相关联。如同人们所

　　说：“舒伯特的艺术歌曲使诗变成音乐，他的钢琴曲

　　又使音乐变成诗。而他用以表现钢琴音乐诗性的一

　　个重要手法就是运用大小调交替的调式和频繁变换

　　的调性。”# $ %整体来看，舒伯特的钢琴作品可分为两大

　　类：奏鸣曲和小品。其钢琴奏鸣曲虽继承了维也纳古

　　典乐派的传统，但更具有抒情性，充满着幻想与诗意

　　的浪漫主义气息。其钢琴小品，即八首即兴曲和瞬间

　　音乐，则充分展现了舒伯特旋律、和声色彩变化方面

　　的才华，并成为后世浪漫派音乐家创作钢琴小品的

　　楷模，开创了钢琴音乐创作的新领域。

　　受舒伯特影响最深，并直接从其作品精神中得

　　益的是门德尔松。门德尔松的&’ 首《无词歌》在世界

　　钢琴文献中都占有重要地位。从这些作品中，反映出

　　的是门德尔松钢琴音乐的室内性风格特点，旋律优

　　雅流畅，和声质朴纯真，从不追求浮华的炫技效果，

　　也少有深刻的戏剧性和激动人心的内心表白，整体

　　上以音乐语言的谐和均衡、清新淡雅见长，其中那些

　　富于歌唱性旋律的作品给人的印象最深。

　　真正让钢琴音乐燃烧着浪漫主义热情，洋溢着

　　兴奋激昂情绪的是德国作曲家舒曼。由于早年与其

　　师之女克拉拉之间恋爱的失败，加之对当时音乐界

　　陈腐、保守、庸俗的市侩风气的不满，使他形成了易

　　于沉思幻想和激动热情的双重性格，切几乎贯穿在

　　他所有的钢琴音乐中。可以说，舒曼大多数的钢琴作

　　品都是他前半生内心生活的写照，带有某种自传的

　　性质。舒曼在标题性的套曲形式上有较大创造，他是

　　第一个将独立的钢琴小品贯穿成不可分割的艺术整

　　体———套曲的作曲家，代表作有《狂欢节》、《蝴蝶》

　　等。他的钢琴音乐作品中的“标题性”提示，往往是通

　　过内容的进行，用来更深刻地表现细致入微的情感

　　体验的重要手段。折射出的是音乐中的诗意和文学

　　意味，而不是简单地运用情节性的标题进行提示，

　　《童年情景》中的“标题性”提示几乎就具有这样的意

　　义。

　　被誉为“钢琴诗人”的波兰作曲家、钢琴家肖邦，

　　把他的全部生涯都奉献给了钢琴创作，这在钢琴音

　　乐史上是独一无二的。他创造了典型的浪漫主义的

　　钢琴音乐语言，他对新的音响色彩的探索开辟了新

　　的音乐表现天地，创作中大量半音的运用动摇了由

　　维也纳古典乐派确立的自然音调性体系，而拿波里

　　六和弦、属七、减七、属九和弦的层出不穷使用，则大

　　大地强化了和声色彩的功能。不仅如此，他还对旋

　　律、织体、装饰音等各方面进行革新，以利于音乐表现

　　的需要。肖邦的钢琴作品所涉猎的体裁范围无人能

　　及，玛祖卡、叙事曲、谐谑曲、奏鸣曲、夜曲、圆舞曲、练

　　习曲、回旋曲、协奏曲、前奏曲等，从不同的侧边真实

　　地记载了作曲家由祖国命运危机、社会环境变迁和个

　　人经历的波折，所引发的一系列复杂的情感体验。除

　　了浪漫主义激情外，他的创作和演奏风格中还保留着

　　一种含蓄内在、均衡典雅的古典精神气质。

　　如果说肖邦发掘了钢琴内在的表现潜力，那么与

　　其同时代的匈牙利作曲家、钢琴家李斯特则弘扬了钢

　　琴艺术的外在表现力。其钢琴演奏风格直接继承和

　　发展了克列门蒂、贝多芬的动力性风格，技术辉煌，激

　　情四溢，在钢琴上追求宏伟的交响性音响。他的钢琴

　　作品大都是外向性的，音乐感情炽热，旋律带有朗诵

　　调性质，不少作品冠以与文学、绘画、雕塑有关的标

　　题。而他对于大量半音、增减和弦，甚至是全音音阶

　　的运用，更是成为了印象主义风格的先声。除此之

　　外，李斯特还在《( 小调奏鸣曲》中成功地运用了“主

　　题变奏”的手法，使音乐本身的展开更富有逻辑性。

　　正当李斯特在浪漫主义的潮流中推波助澜时，出

　　现了一位要恢复古典主义精神和传统的反潮流人物

　　———勃拉姆斯。秉承德奥文化气质的勃拉姆斯，其音

　　乐创造较之同时代人的要深刻严肃、富于理性。在他

　　的某些作品中，特别是最后几年的创作，有一种个人

　　精神倾诉的趋向，可看作马勒音乐创作的先行。某些

　　地方如同肖邦一样，他把自己的感情深深地隐藏在抽

　　象的标题背后，与同时代音乐风尚相比，勃拉姆斯对

　　于赋格曲、奏鸣曲、变奏曲等古典形式所具有的兴趣

　　要强烈得多。他的演奏风格是厚实的，他是继贝多芬

　　之后$) 世纪最重要的键盘作曲家。他的音乐有着德

　　国北部的严肃性，充满了技巧上的困难。

　　上述我们所介绍的作曲家基本上也都是本时期

　　优秀的钢琴演奏家，这是这一时期音乐发展的一大特

　　点。钢琴演奏技巧发展与作曲技术改进之间相辅相

　　成、互为要求，形成了钢琴音乐艺术发展的最大动

　　力。其实，早在$) 世纪头+ 年就已表现出钢琴家对

　　于演奏技巧训练的重视，如克拉莫、胡梅尔、费尔德、

　　车尔尼、莫舍列斯等，他们仿效,·-··巴赫建立

　　键盘演奏理论体系的做法，纷纷编写各种类型的练习

　　曲，试图建立各自演奏技术训练的体系，致使钢琴演

　　奏技术训练开始走向规范化的道路。

　　应该说李斯特是钢琴演奏史上的重量级人物，过

　　去，除了贝多芬，所有的钢琴家都是双手紧贴键盘进

　　行弹奏，而李斯特一反常规，把手臂高高举起，头发往

　　后一甩，使钢琴发出了巨大的轰鸣，迸发出兴奋的感

　　情色彩。而他早年受小提琴演奏家帕格尼尼启发，推

　　出的大量的双音、八度音阶、大跳八度和弦、快速轮

　　指、滑奏等高难度技术，使得钢琴获得了前所未有的

　　风驰电掣般的音响效果。但李斯特对演奏时力量的控

　　制也是很有讲究的，如同哈莱写到的一样：“他在演奏

　　时显示出的力量是我从来未听见过的，但既不显得粗

　　糙，又不是过度响亮。”# $ %他的这一做法，极大地影响

　　了当时整个欧洲钢琴界的演奏风格，涌现出了诸如

　　“琶音大师”泰尔伯格、“八度大王”德雷肖克等炫技演

　　奏家，他们的炫技作品也如雨后春笋般地层出不穷。

　　另外，李斯特根据交响曲、管风琴曲、歌剧片断和流行

　　歌曲所作的集大成般的“释意演奏”# " %，一方面显示了

　　钢琴这件万能乐器的神奇魔力，另一方面则体现了李

　　斯特对原作品和钢琴音响极强的领悟力。就像门德尔

　　松所描述的那样：“我从来未见过任何一个像他那样

　　连指尖都流露出音乐感悟力的演奏者。”# & %

　　’(")—’() 年间，占主流的是炫技大师和沙龙

　　钢琴家，但其中也存在着一小群与之相抗衡的钢琴

　　家。他们反对哗众取宠的炫技，认为这只会使钢琴演

　　奏艺术走上死胡同，其中就有肖邦、门德尔松、克拉

　　拉+舒曼等。

　　肖邦是继莫扎特之后又一位追求典雅风格和高

　　尚趣味的钢琴演奏家。他的手指触键技术极其精湛，

　　对于音乐的细腻变化、踏板的色彩性运用、弱音区声

　　音的探索和钢琴内在表现力的发掘都达到了前所未

　　有的高度。他的演奏方法中最有特征性的是散板节

　　奏，那里面含有精妙的韵律摆动，洋溢着绝对的情感

　　表现，其创作、演奏中的诗意追求由此而体现。而门德

　　尔松则是伟大艺术作品的宣传者，他从不演奏五花八

　　门的炫技乐曲，只是演奏先辈和同辈大师的杰作。作

　　曲家舒曼的妻子克拉拉·舒曼也为钢琴演奏艺术做

　　出了杰出的贡献，她不仅演奏她丈夫的大量作品，而

　　且广泛宣传巴赫、莫扎特、贝多芬、肖邦、勃拉姆斯等

　　大师的杰作，其演奏风格一反当时流行的炫技、做作

　　和夸张，在音乐表现追求上显示出理性的节制和高雅

　　的趣味。

　　随着浪漫主义音乐的发展，以炫技大师为代表的

　　钢琴家与以伟大艺术品的宣传者为代表的钢琴家之

　　间逐渐出现分野。曾经辉煌一时的炫技大师们，落得

　　了一个演奏艺术价值不高的尴尬境地，但如果站在历

　　史的角度上辩证地来看，他们并非是无所作为的，最

　　起码对于提高钢琴艺术地位，促进钢琴技术进步，其

　　贡献仍可说是巨大的。

　　不过，充斥在浪漫主义时期的技术为上的风尚也

　　产生过很大的负面影响，由于过份强调发展演奏技

　　术，并急于求成，也贻误了许多年少的学琴者。譬如，

　　当时曾风行过一套用于辅助手指训练的方法，狂热的

　　舒曼就因此而练废了手指头。不可否认，这个时代由

　　于过多地着眼于钢琴演奏技巧，在演奏观念上显露出

　　了对于炫耀技巧的广泛兴趣，从而挤兑和降低了对于

　　音乐作品的内在艺术质量的追求，使得钢琴艺术的发

　　展充满着浮燥的气息。艺术评价急功近利，过分强调

　　钢琴演奏技术进步，的确是这个时代的不足，我们应

　　该清晰地看到这一点。但是，从钢琴艺术历史演进来

　　看，这种对技术因素的强化，却酝酿了钢琴演奏史上

　　的一个转折性变化，促使钢琴制造者对近代钢琴从多

　　方面不断地改进，为后来钢琴音乐表现的飞跃奠定了

　　基础。

　　艺术和技术之间从来都是相辅相成的，好的艺术

　　需要良好的技术作支撑，反之，好的技术又会对艺术

　　表现提出新的要求。浪漫主义作为人类音乐历史的一

　　个断面，作为钢琴艺术发展的一个阶段，自有其辉煌

　　的一面，也有其不足的地方，只有从整体上对其进行

　　全面观察，才可能对浪漫主义钢琴艺术发展有一个较

　　为客观的认识和评价，也才可能更准确地看到浪漫主

　　义钢琴音乐的历史性贡献之所在。

　　参考文献：

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　　#& % 徐元勇, 钢琴音乐简史# -%, 音乐天地 ’//" 0$ 1,

　　贝多芬、肖邦、李斯特、舒曼:人们可能说本专辑收录的这四位作曲家作品，正是阿劳音乐里的四大基石。可是立即又马上会有许多其它作曲家的名字浮上来，例如舒伯特和莫扎特……等。总之，阿劳确实是个兴趣广博和感悟力强的钢琴家。这样广的音乐涉猎，多少让乐评家分析起来觉得头痛，可是一个客观判断的耳朵还是可以区分出不同作曲家在阿劳艺术中的不同份量。

　　贝多芬在阿劳的演奏曲目中占有特别的一席之地。我从一九五零年代中期就开始听阿劳的演奏会，我不认为他有任何一场音乐会让这位作曲巨匠缺席。我用「巨匠」一词是别有深意的，因为这正是阿劳用来形容贝多芬的用语，他认为没有任何其它音乐家能与贝多芬等量齐观。贝多芬象征看人类的抗争与超脱，代表不断「重生」与「新生」。阿劳在他的《华德斯坦》奏鸣曲中所想表达的正是这些涵意。拉丁国家人们称呼这部奏鸣曲为「破晓」(L’Aurore)，但这个「破晓」并非代表一日之晨，而是一整年的起始。阿劳曾一再重复说明老克莱巴如何找到这部作曲的正确涵意:根据1967年12月号《钢琴》(Clavier)杂志上艾尔德(Dean Elder)的记载，阿劳说:「E克莱巴告诉我，这部作品所描写就像春日开始之际，大自然苏醒之时。演奏时必须宛如不经意地踏下踏辫，弹奏得愈轻愈好。第一乐章起首部份也得弹奏得像春草嫩芽钻出大地…老实说，我们平常听到的演奏基本上都是错误的。」

　　在阿劳眼中，「平常人演奏的第一乐章比正确速度快了三倍」。说实在，阿劳演奏的这个乐章确实是个大惊奇，他的速度比一般人沉稳(比贝多芬学生彻尔尼所建议的速度还慢)，在乐曲开始处也显得极富神秘感。另一个特色是速度充满弹性，但并不是说采取夸大的对比，而E大调段落强烈呈现出演奏者个人的意念倾向。不管什么情况下，阿劳都力主钢琴家应该自行安排贝多芬作品中的脉动感，所持证据得自贝多芬同时期人物所留下的蛛丝马迹。另一方面他以钢琴家的角度来看，认为每个乐章确实都有戏剧性的成份在。

　　从序奏到终乐章轮旋曲，阿劳认为这是贝多芬作品中最深刻的一部，并用演奏来证明自己的论点。贝多芬对此曲动态对比的标注极其大幅度，阿劳不回避用言语解说他的认知:「就像太空漫游一样」。阿劳深信，诠释音乐的依据得自对乐谱细节的深度理解，这是诠释音乐的出发点，但很多钢琴家都只停留在观察乐曲表面的层次，这就是为什么我们时常听到人们抱怨青年音乐家的演奏总是听来一个样儿。

　　如果要我挑这段轮回曲最值得赞许的一段，我会选出一大段「找回家路」(Donald Tovey所说)的乐段(第221-312小节)，这个段落由五个八度音引导出来，双手一起弹奏，暗示一种沮丧绝望的感情。前三个和声是响亮而坚定的，但按着却渐弱下来，最后柔和的结束，这段介于第二大段和轮回曲主题间的音乐，通常并不吸引一般钢琴家兴趣，而阿劳却在此表现出孤独被弃的沧桑感，而只消强调了三个音符。阿劳演奏本曲比布兰德尔足足长了两分钟，看来，阿劳对贝多芬标注的速度似不是那么忠实。

　　阿劳在《皇帝》钢琴协奏曲里也放了很多个人倾向，他没有像皇帝一样威风堂堂，而是和乐团作出融合一气的整体感。值得注意的是，他用了较多的极弱音，表情极其优美而色彩丰富。这并不是录音效果所致。因为即使在现场演奏，阿劳也同样作出这种大幅度感情和韵味。再一次，阿劳带给人们一种熟悉作品的特异诠释。

　　有趣的是，一般人也许没注意，许多优秀的贝多芬演奏者也同时是优秀的李斯特演奏者。您会想到布兰德尔、肯普夫和李希特……没错，这些钢琴家，当然也包括阿劳，他们在李斯特的大量作品上都做出顶尖的表现。阿劳把李斯特的角色与舒曼、萧邦、白辽土、华格纳和拉威尔归在一起，阿劳认为李斯特B小调钢琴奏鸣曲是「史上最伟大的钢琴作品之一」。这是一部「高度集中，没有一个多余音符，没有任何地方是为钢琴技巧表现，一切都是为了戏剧性」(节自 Robert J Silverman所作访谈，The Piano Quarterly冬季号1982-83)。所谓的「戏剧性」是指《浮士德》传奇，这是阿劳对乐谱内涵洞悉后的体认，更有趣的是，其实所有李斯特的弟子都接受李斯特与《浮士德》传奇确有特殊关联的观念。标题音乐被大多数现代乐迷当成是落伍过时的东西，真是令人遗憾!其实这种内部精神联系所带来的逻辑性和特殊情境，对演奏者诠释来说，是非常有用的泉源。在阿劳的诠释观点中，他并非描述葛丽卿(Gretchen，《浮士德》中的女主角)，而是描述「葛丽卿心中的感情世界」。阿劳说:「我不会只描述角色的外表形象」。无庸赘言，阿劳这部作品的诠释可说出类拔粹，快板部份充满动感和震撼性的低音，慢板部份也不显松散，而是贯串着出色节奏韵律和色调。

　　好的贝多芬演奏者可以专长李斯特，但优秀的李斯特演奏者却未必长于肖邦。布兰德尔尽量避免弹肖邦，肯普夫开始弹肖邦作品时显然犯了大忌。李希特则小心处理两位极不同典型钢琴家音乐间的桥梁-音色以及他们对键盘的处理概念。我想，阿劳也是采取这种做法。不过尽管如此，欣赏阿劳的肖邦并不是件简单。Decca本来想在五零年代为阿劳录肖邦作品全集，结果反应恶劣，以致他们不得不取消计划。阿劳早期的肖邦演奏说实在有时真的不算是第一流，1960年阿劳录的F小调幻想曲并没有1977年的飞利浦版(本片收录者)那么出色。1960年版太拐弯抹角，后来的新版本则显得直接得多。

　　在李斯特的作品中，阿劳投以无拘无束的激情，在贝多芬里，无论在乐句中寄以多深的感情，速度方面阿劳仍是保有一定的节制。舒曼则相当不同，他的思想有部份得自霍洛维兹的说法:「舒曼的音乐永远不曾是安静的，就算在最抒情的段落，底下仍是暗潮汹涌。」这里所说的「暗潮汹涌」无疑表现在舒曼《幻想曲》Op17的前两个乐段里，同时也有证据显示出现在最后一段，如果我们仔细审视原谱当可辨识这点。阿劳的演奏颇重视这个暗潮及低音声部，并忠实清晰地表现其内在精神。

　　本片收录的四位作曲家，首先是非常有利于藉彼此差异来观察阿劳的不同风貌。第二个特殊点是，我确信您一定可以发现和其它钢琴家比起来，阿劳的诠释永远独树一格，即便是那些人们最熟悉的曲目。

　　浪漫主义时期的钢琴音乐创作与演奏

古典钢琴曲在近四百多年取得了辉煌的成就，在巴洛克时期尤为显著。下面本文就三首古典钢琴曲作个人的鉴赏与分析。

（一）浅析巴赫的《G大调小步舞曲》

作为巴洛克音乐的集大成者，巴赫对西方音乐产生了极大的影响。他的《G大调小步舞曲》是他送给其妻子的生日礼物，三拍子，稳重，显示出浓郁的贵族气息。整首曲子简单短小，仿若小溪一般潺潺流淌，旋律轻快，沁人心田。它是简单的单三部曲式结构。A段由四个小节组成，B段结构风格与A段相似，最后以A段结束。调式调性全曲以G调为基础，A段是G大②调，B段是e小调，最后转为G大调。是关系大小调，调式简单明朗。第一大段G大调色彩明朗积极，第二大段e小调色彩柔和①，两段产生鲜明对比，给人以一定的视觉冲击。巴洛克时期的欧洲，宗教大行发展，巴赫人生中的大部分时间都是在教堂度过的，因此他的音乐更多的是在为上帝和贵族服务，表达上帝的思想。我们在欣赏他的音乐的时候，也能感受到在他的音乐中很少有个人的细腻情感，而更多的是十分严谨的宗教气息。《G大调小步舞曲》也是如此。

（二）浅论亨德尔《愉快的铁匠》

被尊为“神剧之父”的亨德尔，竟创作出了巴洛克时期最杰出的器乐曲。他为大键琴所谱写的独奏乐曲，共有《大键琴组曲》第一集至第四集、《赋格小曲集》和《十二首幻想曲和四首小品》等。为世人所熟知的《愉快的铁匠》正是亨德尔《大键琴组曲》第一集第五首的变奏曲。②这是一首相当有魅力的愉快音乐，整首曲子主题鲜明、和声优雅，洋溢着自由柔和、流畅跃动的情趣。传说，十八世纪初，亨德尔担任英王乔治一世宫廷乐长期间，一天黄昏，他来到郊外散步，突然遇到一场雨，为了避雨，他钻进了附近一家铁匠铺。在那里，三个铁匠正在劳动，随着打铁的节奏:他们哼唱着一首愉快的民间小调。享德尔对眼前这一切发生了兴趣，回到家中之后，他回忆起铁匠们刚才哼唱的曲调，并以它作为主题，编了这首变奏曲。当然这或许只是一个美丽的杜撰！静心聆听这首曲子，我们便会深深感觉到像是有一个铁匠在身旁愉快地打铁。

（三）贝多芬的“月光”温柔摇曳我心房

《升C小调第14号钢琴奏鸣曲，作品27之2“月光”》，是路德维希范贝多芬于1801年创作的独奏钢琴作品，别称"月光奏鸣曲”。其标题据说出于莱斯达布对此曲第一乐章“犹如在瑞士琉森湖月光闪耀的湖面，上荡漾小舟”的形容。此曲呈献给裘莉塔圭齐亚蒂。裘莉塔圭齐亚蒂当时是贝多芬的学生，贝多芬曾对她一见倾心。正是由于标题“月光”的过于具体化和意象化，才给后人留下了大量的想象空间。

    这部著名的第十四首奏鸣曲开篇便是“持续的柔板”,并标注“整个乐章必须用踏板，弹奏风格柔美”。自始至终的三连音型伴随着忽明忽暗的调性转换，极其充分地表现了贝多芬幻想性的哀思。经过了第二乐章间奏曲性的小快板后，第三乐章“激动的急板”在急速的狂飙中却依然符合奏鸣曲式的一般套路，为这部作品画上了句号。③

巴赫、亨德尔和贝多芬三位音乐巨匠为我们留下了永恒的音乐珍品和说不尽的传奇。在欣赏他们的作品时，仿佛置身于本我和上帝之间，给人以神圣的洗礼！

参考资料：

① 《巴赫复调音乐之《G大调小步舞曲》》（左梦如）（北方音乐 ，2017年第11期）

②《巴洛克的巨匠》（许钟荣主编，河北教育出版社，第182页）

③《西方音乐故事》（黎孟德著）

会，觉得有艺术气息，有气质。钢琴是乐器之王，学会了它的女生，仿佛就是加冕成了女王。因为学钢琴的女生：情感细腻。喜欢音乐的人都知道，每一首曲子都是一个故事，每一首曲子都能对应一个心情，而能够娴熟的通过钢琴来演绎这个故事的女生，你又何愁她们不会知道故事背后的酸甜苦辣呢。学钢琴的女生：安静而又自信喜欢谈钢琴的女生也许不爱说话，但是她们想说的都融入了那片美妙温婉的旋律中，她们专注的神情，自信的表达方式，虽然默不作声却仍然容易打动你的心。

会弹钢琴的女神：严于律己大家都知道想学好钢琴是非常的难的，需要大量的练习，除此之外还要有对音乐的喜爱和艺术的鉴赏能力，对于一个能够将钢琴练好的女生来讲，对自己的严格要求是必不可少的。也许她们会牺牲很多逛街或者追剧的时间去练好一只曲子，这样一个愿意将生活投入到如诗般美丽篇章里的女生，难道不会更加惹人喜爱吗？女神有很多种，绝不仅仅定义在靓丽的容貌上面，而是在于对生活的层次和美好追求之上，如果你的身边有学钢琴或者想要学钢琴的女生，请珍惜她们。

莫扎特的钢琴音乐是他创作中的重要领域，主要钢琴作品中有20多部钢琴协奏曲、20余首钢琴奏鸣曲，还有变奏曲、回旋曲和幻想曲等。莫扎特的钢琴音乐不但具有优美、流畅的特征，而且还具有明朗、乐观的特征。莫扎特不仅是歌剧方面的天才，而且在钢琴旋律方面中表现出非凡的才能。本文只在通过分析莫扎特钢琴作品的风格极其形成路径，在分析这位特殊音乐人才成长的特别经历的同时，进一步认识这位音乐天才的音乐才能发展过程，以期从中获得一些启示。

　　莫扎特的钢琴作品被认为是温暖、开朗、热情、乐观的，全无半点阴暗的气味，常常被称为是阳光般的音乐。同时，莫扎特钢琴演奏风格以精致、典雅、纤巧、细腻而著称于世，充分显示了其天才的钢琴音乐才能，其钢琴作品的流畅、明朗、乐观的风格，还展示出其思路开阔、充满幻想、富于创造的精神。如其优美的钢琴乐曲，悠扬婉转的风格，恰似歌剧中轻捷绮丽的咏叹调。莫扎特的钢琴音乐与一般作曲家的音乐相比，热烈起来更热情，伤感起来更哀伤，且每一首钢琴作品里面都有许多的角色，每个角色又都有其重要性，还深刻地表达了丰富的感情，永远使人能从中获得美感。莫扎特钢琴音乐的优美、典雅、欢愉，是其钢琴音乐的灵魂，使人感到宁静、清澈、纯洁。

　　莫扎特的钢琴作品音乐晶莹透亮，体现了青年人有激情、有朝气、有活力、有理想，音色优美，还有一种贵族气派。莫扎特的变奏曲主要是巴黎时期的风格，其变奏形式是当时十分流行的。由于莫扎特在变奏曲的创作手法上比较拘谨，也并不十分重视变奏曲的创作，但是，莫扎特也有些比较好的变奏曲。其中，最受欢迎的、也是最具有代表性的是根据古老的法国儿歌写的《“妈妈”变奏曲》，写了12个变奏。另外还有根据迪波尔的小步舞曲，以及根据格鲁克的歌剧《麦加的朝圣者》等所创造的变奏曲，也都很具有感染力，能给人以情感感染。莫扎特比较忠实于奏鸣曲，钢琴独奏奏鸣曲代表着一个完全不同的莫扎特，莫扎特把奏鸣曲的发展部分变为更为亲切和家庭式的形式，他的第一乐章通常是奏鸣曲快板形式，其中包括各个主题之间进行连接的经过句，主题有很好的对比，形成了其别具一格的作品风格。

　　莫扎特的钢琴作品注重乐句的处理，很少有大起大落的强弱对比，但却差不多每一句都有渐强渐弱的曲线，如创作于1778年的《第十一钢琴奏鸣化曲》，其中最典型的一首乐曲《A大调钢琴奏鸣曲》充分体现了莫扎特钢琴音乐创作手法及其风格特征。莫扎特钢琴音乐作品既含蓄、典雅，又玲珑剔透的风格，可以在其多部作品中得到验证。莫扎特的钢琴作品主旋律往往是简单而极富歌唱性的，弹奏时每一个音符都清晰突出，实而不硬，富有极强的韵味，乐句注重强弱的对比，奏出均匀清晰的音粒，但是这种对比并非大起大落，相反，却是平滑而平缓的曲线，差不多每一句都有渐强渐弱的曲线，但乐句与乐句之间强弱对比经常出现前后照应，错落有致。莫扎特钢琴音乐的跳音、连音、休止等都较准确地表达了作者的意图，他所创作出来的音乐旋律像阳春一般流露着温暖的光，如同来自天堂的音乐。

　　莫扎特三岁就能在钢琴上弹奏，由于与钢琴接触较早，那时的莫扎特已经能弹奏一些他所听到过的乐曲片断，这凸显了其钢琴天赋，以及在音乐方面的早熟。在莫扎特五岁时，他就能辨明单音、双音、和弦的音名，即使是在不同的乐器上演奏出的音名他也能比较准确地辨别出来，真可谓“神童”的音乐家，早熟的奇才。莫扎特成长于一个音乐家庭，莫扎特的父亲利奥波德是一个宫廷乐师，为了使小莫扎特能快速成长，作为唱诗班指挥的利奥波德在孩子音乐教育上竭尽心血，下足了工夫。在父亲极为严格训练下，他不凡的才华逐渐显露，并让人们惊艳。在父亲的带领下，小莫扎特很早就开始到各地演出，从1762年起，当时的莫扎特还只有六岁，当时的莫扎特已经开始了漫游整个欧洲大陆的旅行演出。小莫扎特的父亲除了要求他学习音乐方面的专业技能，还要学习多种外语以及历史和文学。为了宣扬儿子的天才，列奥波尔德要求小莫扎特必须能够听从突如其来甚至异想天开的种种刁难性提议。莫扎特在旋律创意方面非常精巧清晰，他具备所有的感情而唯独没有激烈的感情，其原因就不难理解了。

　　莫扎特谙熟钢琴，他能充分领悟到各种乐器的音色。莫扎特最大的风格特征是其在对位组合、对位应用、乐章结构、和声转调和调性色彩等方面的卓越艺术技巧是绝大多数职业乐师一生都达不到的。莫扎特过硬的绝对音准和卓越的艺术技巧，使他赢得了许多音乐大家和职业音乐家的赞誉。从莫扎特的代表性钢琴作品27首钢琴协奏曲就基本可以看出其钢琴作品风格的形成路径。莫扎特的27首钢琴协奏曲是一个连续性的过程。1765年，9岁的莫扎特将巴赫的三首键盘乐奏鸣曲改编成了协奏曲，11岁那年他又将前辈的一些乐章改编成了四首钢琴协奏曲，这四首钢琴协奏曲虽然还没有充分体现莫扎特自己的个性，但为其今后独特的创作奠定了基础，展示了他的胆子和志气，以及其创造性思维和创新性个性品质。莫扎特的一些协奏曲中充满了宁静的氛围，这种风格既是父亲严加管教的结果，也是当时贵族上流社会的需要和要求。如，1782年，莫扎特26岁时创作的《F大调第十一钢琴协奏曲》、《A大调第十二钢琴协奏曲》和《C大调第十三钢琴协奏曲》三部作品，看似是作曲家的恬静、安宁、成熟和超然心境，实则是外界环境的影响、社会的要求和演奏的需要。在其中最杰出也是最常演奏的《第十二钢琴协奏曲》中充满了春天的明媚和亮丽，并且他为这个作品的三个乐章都写了华彩乐段，从环境变化来看，是因为这一年莫扎特结了婚。在莫扎特35岁时他对生的默念和对死的沉思在其作品中有了一定的凸显，这一阶段已是由外界需要影响创作转变为内在感受谱写创作，内在审美力量是这一阶段引导莫扎特钢琴音乐作品创作的主要前进力量。

　　综合来看，莫扎特钢琴作品风格的形成一方面是其自身音乐天赋和个性品格的结果，另一方面是其父亲的要求和当时社会需要的结果。在创作的初始阶段，莫扎特以改编钢琴音乐作品为基础，在继承的基础上创造地发展了各种写作手法，增强了低音的旋律性。此后，莫扎特开始了自己的创作，进入了创作的中级阶段，此时，其作品虽然有自己的风格，但主要还受到其父亲和社会环境的影响。最后，只有进入了完全自我思想阶段，莫扎特的钢琴作品才完全是对自我感受的表露，也才体现出典型的艺术家天性，也才是真正的莫扎特风格。从莫扎特的27首钢琴协奏曲大致可以看出莫扎特一生的心路历程。莫扎特是个热爱生活、富于感情的人，他的钢琴作品主要主题的性格是庄严、崇高、宁静，对他的时代以及对后代都产生了较为深刻的影响，今天仍然展示着其巨大的艺术魅力。

肖邦第四叙事曲

这曲子很难说我听了几百遍了，越听越欣赏它的美。12分钟的钢琴独奏，构思却非常庞大-但并不像贝多芬皇帝那样要造成一种宏伟，而是追求精致与深度。再说情感表现，肖邦独有的细腻忧郁与暴力甚至是狂躁的平衡，矛盾冲突不像叙一那样活生生地展现给你而是内隐的（但是要说感情体验叙四是要比叙一复杂不少的）

叙四乐思发展方向不够明确，对比不够激烈，和肖邦的很多晚期大型作品（最典型的我觉得就是船歌和奏三）一样，第一遍听是真没感觉-但是听多了自然而然地陷进去。对我来说是肖邦最有毒的作品之一，让人陷入醉人的忧郁而无法自拔。

这首"Tears"钢琴独奏曲应该来自旅韩华裔钢琴家白日梦（The Daydream）的专辑《梦》，不是理查德的作品。

Tear（眼泪）讲述的是一种感觉。

创作背景：多年后，如果我们相逢，我将以何来面汝，以沉默以眼泪，忧伤的琴键中，我却觉得自己被安慰，泪珠在阳光下凝结成了完美的樱花形状，纵然枯萎仍有暖意。那一刹那真的怕极了自己内心里还有任何怨恨与阴骛，一点点，都会让自己无法与曲中的美丽邂逅。多年以后，沉默的我们正如那些无法启齿的往事，会凝成心里的一滴泪吗？抑或就这么被现实的烈阳蒸发掉了，点滴不剩。至少我为你哭泣过，安静的，无声的，伤心的，在岁月无法触摸的角落里，玫瑰花心渐渐老去。