音乐的起源是什么？

起源

关于音乐的起源，被科学家们称之为“异性求爱”的产物。

这种说法是英国著名的生物学家达尔文提出的。这一学说曾在当时轰动一时。达尔文认为史前动物常常是以鸣叫声来追求异性的。

他们的声音越优美则越能吸引异性，于是动物们纷纷竟相发出婉约优美的声音来得到对方的青睐，这种鸣声,特别是鸟类的鸣声已具有乐音或节奏的因素。

因此，达尔文由此联想到音乐的起源，认为声音是在语言产生之前便具有的。原始部落中有些民族的歌就是模仿各种鸟类的鸣叫声，动人的啁啾，起伏的旋律感，从而形成动听的民歌传唱百世。

发展

西方音乐史是指西方音乐的发展历程，详细的时代可分为：古希腊罗马时期的音乐，中世纪时期的音乐，文艺复兴时期的音乐，巴洛克音乐、古典主义音乐﹑浪漫音乐，现代音乐等等。

扩展资料

音乐基本要素：音乐的基本要素是指构成音乐的各种元素，包括音的高低，音的长短，音的强弱和音色。由这些基本要素相互结合，形成音乐的常用的“形式要素”，例如：曲调，节奏，和声，以及力度，速度，调式，曲式，织体，音色等。构成音乐家的形式要素，就是音乐的表现手段。音乐的最基本要素是旋律和节奏。

1、曲调：曲调也称旋律。高低起伏的乐音按一定的节奏有秩序地横向组织起来，就形成曲调。曲调是音乐形式中最重要的表现手段，是音乐的本质，是音乐的决定性因素。曲调的进行方向是变幻无穷的，基本的进行方向有三种：“水平进行”、“上行”和“下行”。相同音的进行方向称水平进行；由低音向高音方向进行称上行；由高音向低音方向进行称下行。曲调的常见进行方式有：“同音反复”、“级进”和“跳进”。依音阶的相邻音进行称为级进，三度的跳进称小跳，四度和四度以上的跳进称大跳。

2、节奏：音乐的节奏是指音乐运动中音的长短和强弱。音乐的节奏常被比喻为音乐的骨架。节拍是音乐中的重拍和弱拍周期性地、有规律地重复进行。我国传统音乐称节拍为“板眼”，“板”相当于强拍；“眼”相当于次强拍（中眼）或弱拍。

3、和声：和声包括“和弦”及“和声进行”。和弦通常是由三个或三个以上的乐音按一定的法则纵向（同时）重叠而形成的音响组合。和弦的横向组织就是和声进行。和声有明显的浓、淡、厚、薄的色彩作用；还有构成分句、分乐段和终止乐曲的作用。

4、力度：音乐中音的强弱程度。

5、速度：音乐进行的快慢。

6、调式：音乐中使用的音按一定的关系连接起来，这些音以一个音为中心（主音）构成一个体系，就叫调式。如大调式、小调式、我国的五声调式等。调式中的各音，从主音开始自低到高排列起来即构成音阶。

7、曲式：音乐的横向组织结构。

8、织体：多声音乐作品中各声部的组合形态。（包括纵向结合和横向结合关系）。

9、音色：音色有人声音色和乐器音色之分。在人声音色中又可分童声、女声、男声等。乐器音色的区别更是多种多样。在音乐中，有时只用单一音色，有时又使用混合音色。

参考资料

-音乐

抒发情感的歌是指从歌曲的歌词中流露出作者想要表达的情感。例如，《小苹果》就是一首典型的抒发作者对爱情的渴望。

歌曲演唱者要能将歌曲中所蕴含的情感淋漓尽致的表现出来,并且能够根据自己的生活、工作、学习经验能适当融入自己的情感。

既然情感表达在声乐演唱中有着举足轻重的地位，那么提升情感表达的能力是必须的。

第一，自身音乐修养的提升

什么是音乐修养呢？它是指一个人对于音乐的敏感性、对音乐知识的掌握度、对音乐技能的掌控能力，以及对音乐艺术的理解、表现等能力。匈牙利作曲家李斯特曾经在论及音乐家的艺术成就时说：“一切艺术都是开在枝叶繁茂的知识之树上的鲜艳的花朵。”如果演唱者的音乐知识单一、艺术修养片面、文化水平偏低，单靠模仿去演唱，那自身的演唱水平和情感表达能力一定不够。因此，演唱者在学习过程中应当具备一定的钢琴演奏技能、作品分析能力，以及音乐历史、音乐鉴赏等方面的能力，才能全方位的提升自己的音乐素养。

第二，情感表达提升的方法

首先，要抓住歌词，理解创作主题。演唱者应该通过歌词的内在含义，去挖掘主题思想。其次，要抓住风格，明确民族特色。要想准确地将歌曲的风格表现出来，必须了解歌曲所属的民族特色。光是中国，就有五十六个民族，每个民族的音乐都有自己不同的风格。

另外中国民歌与外国民歌又大不相同，例如西班牙民歌以其强烈奔放的吉卜赛舞蹈节奏为特征，而陕北民歌则以秧歌节奏为特征。因此每首歌曲的风格怎样，体现怎样的民族特色，这在歌唱前必须要有所了解与掌握。最后，要抓住旋律，感受作品情感。旋律是歌曲在思想内容与感情上的主要表现。任何一首歌曲，其旋律都有典型的艺术形象，演唱者要利用旋律本身的魅力增强歌曲的感染力。

今天的文章初探了李斯特的浪漫主义精神在音乐中的体现，以及浪漫主义美学对李斯特的音乐作品一生的影响，通过对音乐情感美学和音乐表演美学两部分的浅析，进一步体现出了李斯特浪漫主义音乐美学的宗旨。希望能够帮助大家从美学角度聆听李斯特。

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浅谈李斯特的音乐美学思想

浪漫主义音乐时期在欧洲音乐史上是浓墨重彩的一笔。在这个音乐发展的黄金时代，诞生了众多璀璨而光耀于世的大师，其中有一位里程碑式的大师是我们无法忘却的，他就是――弗朗兹·李斯特。 是浪漫主义造就了李斯特这样一位在音乐史上独一无二的大师，还是李斯特为浪漫主义音乐增添了别无仅有的绚丽。

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可以说，浪漫主义在李斯特的身上得到了直观而深刻的体现，也可以说，李斯特是真正的浪漫主义斗士。 浪漫主义时期的社会思潮、人文积淀是李斯特音乐的重要表征和内在驱动力，浪漫主义时期的音乐特点、音乐表现是李斯特成功的重要因素和必然因素，浪漫主义不仅是李斯特本人的性格使然，而且决定了李斯特成为浪漫主义时期伟大的作曲家，李斯特不仅是浪漫主义音乐和浪漫主义自由的化身，而且其音乐是浪漫主义音乐丰碑中不可或缺的一座。

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浪漫主义时期，大量的炫技性的作品不断涌现。 与此同时，大量的公众音乐会和音乐节也出现了，音乐家要面对比以往更多的观众和音乐爱好者，演奏家成为乐迷的新宠，成为他们心目中的英雄。而且浪漫主义时期的演奏家非比寻常地青睐音乐会上做即兴发挥。可以想象，李斯特作品中的高难度技巧并不是真正难以逾越的峻岭，没有出现在乐谱中的现场即兴表演才是难以企及的颠峰。

1、李斯特的音乐情感美学

李斯特是浪漫主义时期的作曲家，他的艺术观点和美学主张并不脱离浪漫主义时期艺术界的一般美学宗旨。诸如崇尚感性，坚持内容突破形式的原则，重视揭示内心世界，强调个人抒情性，喜爱自传体创作题材方面倾向于神话性、幻想性和传说性，富于借古喻今的特点，追求音乐创作的哲理性、象征性、抽象性和主观性，强调民族性，音乐创作与民族解放运动相结合，继承并发展了古典乐派的基础，比较古典乐派，更为重视音乐的社会教育功能，更为重视综合在艺术方面的创新。

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李斯特在音乐史上并不是以音乐理论而著称的，但他的音乐美学思想确实是在很大程度上影响了当时和现在的音乐表演、音乐创作和各种音乐理论的发展。他在一生中撰写了大量文章和数百封信件来表达自己对于音乐美学，特别是钢琴美学的看法。如《论将来的教堂音乐》《艺术家的地位及其在社会中的生活条件》《音乐学士信札》《罗伯特·舒曼》《柏辽兹和他的哈罗尔德交响曲》《匈牙利的吉卜赛音乐》《肖邦》等都广为流传。他的钢琴美学内容广博，无论是对钢琴音乐的表演、创作、情感表现力、技法都提出了独到的见解。

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李斯特是一名注重钢琴表现形式的音乐家，但他更为重视钢琴音乐中的内在情感和表现力，他认为音乐的表现力胜过许多其他的艺术门类，而在音乐门类中，他最熟悉和擅长的钢琴又是极具表现力的乐器。他的《送葬曲》钢琴曲是在惊闻自己的祖国革命失败之后创作的，他在创作这首曲子的时候，满怀激愤，也非常有感染力。与音乐美学家汉斯立克关于音乐自律论的观点相反，李斯特始终相信音乐具是有他律性的特点的。他认为，音乐中一定要有真实的情感，而且伟大的作品都是由炽热而不朽的情感所组成的。在谈到音乐的情感问题时，李斯特认为音乐有内容，而这个“内容”正是音乐的情感。音乐的情感既是音乐的内容，又是音乐的形式。

2、李斯特的音乐表演美学

浪漫主义时期的表演美学不同于古典主义的时期，感性和主观相比较理性和客观，更居于主要地位。个人主观体验成为表演的核心内容，不论是演奏者还是观众都是如此，当时的很多演奏家习惯在表演现场即兴演奏，对原来的作品进行随意改动，而观众也对这种表演方式也赞不绝口。由于作曲家与演奏家的统一，引起了对即兴演奏和表现技巧的欲望。这两种因素事密不可分的，正因如此，作曲家的演奏能力在那时得到了空前的发展，浪漫主义信赖与喜爱即兴演奏，因为它最接近他们的即兴创作理想。

此外，注重抒情性与戏剧性的心理刻画，在表现方式上对自由、幻想与夸张地进行强调，成为一切浪漫主义艺术，也包括表演艺术的最基本特征。而浪漫主义时期钢琴表演的代表人物的确非李斯特莫属。因此他也形成了自己的钢琴表演美学。李斯特将钢琴表演置于艺术表演活动的中心地位。也就是说，在钢琴表演的时候，表演者是整个活动的关键，而非作曲家。

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李斯特会最大限度地发挥他自身的表演能力和创造个性，他不拘泥浪漫主义与李斯特的钢琴音乐于原作，甚至根据当时的形势和表演状态随意增加或改变原曲的样式。其次是强调表演者李斯特的个人技艺，认为只有技艺超群的演奏才是成功的表演。不仅仅是李斯特，浪漫主义时期的许多演奏家都具有相当高水平的演奏本领和能力，甚至被认为是天才，正因如此，演出中体现出来的技艺性是观众最为津津乐道的，也是演奏家所追求的表演美学。强调个人的主观情绪的抒发与表现，同时使用极其夸张的手法来展现激动人心的效果，李斯特侧对观众，就是为了让观众能够清楚地看到自己的表演，为自己夸张的举止和沉醉的姿态所着迷。李斯特给钢琴表演美学带来了鲜明的个性，这是浪漫主义风格具体的体现，而这种风格一直持续至今。

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李斯特的钢琴作品和美学思想不仅沐浴在这种浪漫主义思潮的和煦中，同时他用自己的才能和决心极大地推动着浪漫主义音乐的发展，极大地丰富了浪漫主义时期音乐的表现。他的音乐作品极具戏剧性，前半生中充满了尘世的浮华，后半生却又写尽了未来的前景，他既是浪漫主义的集大成者，又是启迪思考的睿智先知；他是带来鲜花、掌声的天使，又是神秘、矛盾的魔鬼。他的音乐既是浪漫主义的里程碑，又是投向未来的长矛。

在西方音乐史上，最重要的三个时期分别是巴洛克音乐、维也纳古典乐派和浪漫主义音乐。

1 巴洛克音乐始于1600年，持续至1750年，是西方音乐史上的一个重要时期。巴洛克音乐以其复杂的节奏、旋律和和声而闻名于世。代表人物有蒙泰威尔弟、巴赫、亨德尔等。其中，蒙泰威尔第的《奥菲欧》和巴赫的《马太受难曲》备受推崇。

2 维也纳古典乐派出现在18世纪至19世纪，以贝多芬、莫扎特和海顿等作曲家为代表。他们的音乐作品至今仍被广泛演出。例如，贝多芬的《第五交响曲》、莫扎特的《唐璜》和海顿的《101交响曲》。

3 浪漫主义音乐产生于19世纪，代表人物有舒伯特、肖邦、李斯特等。他们的音乐作品充满了个人情感和激情。例如，舒伯特的《冬之旅》、肖邦的《夜曲》和李斯特的《浮士德交响曲》。

总的来说，这三个时期是西方音乐史上的重要阶段，对音乐的发展产生了深远的影响，也是我们需要了解和欣赏的重要音乐时期。

民族性、民主性。反对外族侵略和民族压迫，反对封建统治和民族分裂，是浪漫主义音乐的主要思想内容。为了表现这些内容，为了塑造民族英雄形象，反映爱国主义和民族统一思想，在音乐风格上特别注意吸收民族民间音乐的精华。

人民性。浪漫主义音乐家受到在资产阶级民族民主革命斗争中，人民所表现出来的巨大力量的启示，在他们的作品中力求真实地表现普通人的精神面貌、社会道德、审美观和理想，同时为使作品被人所理解，发展了乐器作品的标题性，创作了大量的标量音乐。

抒情性。它与崇尚理性的古典主义不同，浪漫主义崇尚感性，注重揭示人类精神和内心世界，而这些又是通过作曲家个人的感受表现的。因而抒情性的个人心理刻划，自传性，则成为浪漫主义音乐的重要特征，并促进了抒情体裁的发展。

幻想性。这是作曲家为了在他们的作品中解决残酷的现实与美好理想矛盾，所采取的一种手法。浪漫主义作曲家之所以喜欢从民间传说、神话故事中选也题材和形象，正是由于从这里可以为他们的想象，提供任意驰骋的天地。

新精神。浪漫主义作曲家不但在政治上、思想上和道德观念上反对因袭守旧，而且在艺术上，在音乐体裁，形式以及创作手法诸方面，都进行了大胆的革新，从而发展和丰富了人类的音乐文化。

扩展资料

浪漫主义音乐是古典主义音乐（维也纳古典乐派）的延续和发展，是西方音乐史上的一种音乐风格或者一个时代，它产生在十九世纪初。这个时期艺术家的创作上则表现为对主观感情的崇尚，对自然的热爱和对未来的幻想。

艺术表现形式也较以前有了新的变化，出现了浪漫主义思潮与风格的形成与发展。浪漫主义音乐体现了影响广泛和民族分化的倾向，在法国出现了白辽士，意大利的罗西尼，匈牙利的李斯特，波兰的肖邦和俄罗斯的柴科夫斯基。

参考资料

网页链接

起源于学习不准确，应是起源于模仿学习，即模仿说关于音乐起源的问题，我国古代文献中有很多的记载，这些记载大多是传说，根据我国古文献记载，反映出音乐的起源并不是单一源头，而是产生与多源。不同文献有着不同的说法，其大致有：1音乐作为一种精神力量的需要而产生，如祭祀，巫术等。原始人为了求生存，必须与险恶的大自然苦斗，在不能战胜大自然和客观环境时，就产生需要精神力量的支柱，后来逐渐演变成巫术，原始音乐的传说反映出这种形态。2是人类情感表达与娱乐的需要而产生的。远古人也是有感情的，“乐(yuè)”者“乐(lè)”也，用音乐来表达情感、欢乐，是音乐自古产生以来一个重要的功能。3在音乐的产生过程中，人类模仿大自然的声音和鸟类的叫声。大自然中有不少鸟类是有固定音高的，一般的笛类乐器可以轻易模仿鸟类的叫声，而音乐的产生很可能是远古人听到自然中的声音产生了模仿的欲望，从而出现了音乐。4音乐是直接来源于劳动生产过程。直接起源与劳动生产过程中的音乐主要是劳动号子，它是有了集体劳动才会发生。如人们一起搬运笨重的石头、木材，需要喊口号统一行动，他的起源稍晚。以上是我国古代典籍中的相关记载，在国外的音乐家中，关于音乐的起源还有许多说法，如“求爱说”、“语言说”、“信号说”、“巫术说”等等。总之，音乐起源是音乐史学中一个重大问题，也是长期以来悬而未决的一个问题。