【78】现代平面设计史

书本简介：《现代平面设计史》是2015年出版梁梅出版的图书。本书分为四个部分，工业革命、现代主义、信息时代和各国平面设计，结合大量的设计作品，以通俗易懂的语言叙述了世界现代平面艺术的起源和发展流变、各个历史时期重要的设计运动和设计流派、各个国家平面设计的发展及其风格特点，从中既可以欣赏到大量著名平面设计大师的经典作品，也能知晓平面设计发展历史的清晰脉络乃至整个设计领域和社会时代的变迁。

  “平面设计”一次英文“graphic design”的译文，平面设计主要是通过图形和文字来传递信息，在我的心中，我一直觉得平面设计是一种通过视觉来表达刺激观看者从而达到一种共鸣感的方式，这本书让我系统的大致了解了一下平面设计的发展，我不禁感叹，科技的发展，艺术形式的不断发展，使得这门学科更加复杂而又有魅力，在印刷技术没有发展起来之前，平面设计是 很少用于商业的，但是在人们对于信息的需求以及科技发展之下，平面设计逐渐变得商业化，作为一个广告人，我觉得这挺好的，商业化的平面设计让我觉得人们对于视觉刺激的重视程度在不断增加，早期平面设计要么只注重纯视觉上的表达，或者只注重于精神上的表达，就像早期的外国化作一样，内容和形式总会有偏差，往往注重于内容与形式达到一个统一的表达的都成为了大师，此外，阅读完这本书之后我更加佩服日本平面设计的发展竟然如此厉害，能做到完全吸收而又能够把自己国家的文化根植于其中，甚至在国际还有一定的地位，然后回想自己所接触到的中国设计，我觉得我们仍然有一段很长的路要走，但是在自己的心里也给自己定了一个很大的目标，希望有朝一日能够国家化的形式，中西交融的属于自己风格的作品，据目前所学，我认为平面设计是知识和技术的双重表达，有好想法，表达不出来是失败的，也越加意识到各学科是融合起来的，想要做好一个专业就得拥有丰富的各学科知识，好难呀，我的路还非常长。

  回到本书，关于平面设计的历史，现代意义的平面设计是从19世纪开始发展起来的，与工业化生产和商业的发展有密切的关系，印象概念股现代平面设计发展的因素是现代机械化印刷技术的发展，新的印刷技术出现，石板因数、摄影技术的发明为平面设计开辟了新的天地，为发展新的视觉设计语言提供了条件，也是职业平面设计师出现的前提。由于技术的新的审美观念影响，平面设计的现代语言和风格成为早期平面设计师努力探索的目标，现代平面设计运动于20世纪20年代，这种新的平面设计语言去掉了传统的装饰因素，运用简洁的无衬现字体和视觉图形来传达信息，几何形的平面布局成为早期现代平面设计风格的重要特征，第二次世界大战期间，现代平面设计风格更趋于成熟，在经济和商业的作用下更是得到了快速发展，后期随着各种文化以及电脑技术的结合，20世纪的平面设计飞速发展。由于时间原因以及知识有限，就写这一些吧，顺便附上做的一小部分思维导图。

[摘要] 本文以中国现代设计艺术发展的三个阶段为主线，以世界现代设计史为暗线，阐述在世界设计史背景下中国现代设计艺术的发展状况。通过对同一时期国内不同地区设计艺术发展不平衡的分析，以及对同一时期中国与国际设计水平的比较，阐述了对待外来设计艺术不同态度产生的不同结果。勾勒出中国的现代设计艺术由最初闭关自守拒绝现代设计，到“五四”时期狂热的否定传统文化的全面接受，解放初期生硬的 “复古主义”，文革时期全面的设计“为政治服务”的曲折发展，在改革开放后尝试将现代设计与传统艺术相结合，全面走向有中国特色的现代设计艺术的发展脉络。眼睛向后看，身子就不会向前，但总结过去，却是为了能更好的把握未来。借古鉴今，西体中用，回顾中国现代设计艺术的发展历程，理清思路，为探索新世纪中国现代设计艺术的发展道路提供某种启迪。[关键词] 世界设计史 现代设计 绿色设计 文化创意产业绪论中国现代设计艺术和世界现代设计艺术一样，同是社会变革的产物[1]。在社会由农业社会向向现代工业社会转型过程中，由于社会的需要，设计的重要性逐渐凸显，成为一种专门的社会活动和文化活动，现代设计艺术应运而生。文艺复兴是欧洲政治思想、文化艺术发生重大变革的历史时期，反映了西欧各国正在形成中的资本主义萌芽。同一时期的中国明朝由于社会生产力的发展，社会商品经济的繁荣，延续数千年封建社会母体萌发出新生社会的胚芽，加上外国传教士带来的西方文化和科学技术，使世界社会发展几乎处于同一进程，世界现代设计艺术同步发展。事实上，中国现代设计艺术的转型不是一蹴而就的，大致经历了这样一个过程：从最初被动的接受 “舶来”的现代设计艺术，到“五四”新文化中国现代设计艺术运动时期主动提倡向外来艺术，包括西方的设计艺术学习，再到结合外来文化，从传统文化中吸收营养的中西结合的发展历程。中国现代设计艺术的发展历程反映了中国人“实用理性”文化心理原则，作为中国人文化心理活动的结构原则，“实用理性”并非静止的、一成不变的形式，它重视的正是变化、扩展、更新和发展[2]。中国现代设计艺术正是在接收西方设计艺术的同时，得到更新和发展。从英国开始，继而席卷整个欧洲的工业革命浪潮，掀开了人类历史发展崭新的一页，欧洲率先进入以商品生产为目的的资本主义社会，工厂机器生产逐渐取代了传统的手工艺生产，工业产品设计成为西方社会最主要的设计活动，机器本身便是设计的产物。工业革命促使的社会变革奠定了世界现代设计艺术的发展基础。然而，早期的机器生产依然是没有设计或设计对生产影响很小的活动，机器只为提高产量，而不顾及人的美观感受和产品的内在质量。以威廉·莫里斯（William Morris）和约翰·拉斯金（John Rushin）为首的“艺术与手工艺”运动倡导“艺术与技术相结合”的原则，有助于弥补技术与艺术的隔阂，强调恢复艺术和手工艺的办法来解决技术和艺术的矛盾，“再创生活的美与浪漫将是一项重要的工作。”[3]注意到了设计艺术在现代社会中的重要作用，标志着现代设计艺术史的开端。与“艺术与手工艺”运动相似，“新艺术”运动也同样是企图在艺术和手工艺之间找到一个平衡点，“新艺术”运动是世纪之交的一次承上启下的设计运动，它的兴起预示了旧时代的结束和一个新时代，真正意义上的现代设计即将来临[4]。随之而来的“装饰艺术运动”和“现代主义设计”对欧美，乃至整个世界都产生了重大影响，远在东方的中国也概莫能外。

关于印象派绘画的文化内涵，择其要者而述之：

一是将绘画从客观自然再现转向主观精神表现，反映印象派具有绘画独立性的美学观念。印象派在艺术精神上对立于西方古典传统绘画，强调创造新时代的艺术形态；他们对主题性地再现现实不以为然，提出应自然而随意地表现生活与客观物象；他们游离于传统艺术所关注的社会功用与教育职能，离开了艺术表现现实的情节化和戏剧性结构，排除叙事性的文学内容，注重画家对现实情境的自我感受和自觉表现，擅长对现实情景的生命状态和存在形式进行直觉式的客观再现与描绘，将绘画从客观自然再现转向主观精神表现，以迎合新兴市民阶层的审美需求，努力反映印象派绘画独立性的美学观念。印象派并不反对以自然为师，只是强调“不要失掉你所感觉到的第一印象”。印象派认为“记忆”和“想象”可以“从自然的束缚下解放出来”。塞尚还提醒画家“应防止倾向于文学”，在绘画中排除叙事性的文学内容。毕沙罗的《农家女》的纯朴与率真、《牧羊女》的灵动与鲜活等，正反映了“以自然为师”，描绘了“感觉到的第一印象”。德加的《赛马》的投入与动情、《骑马散步》的闲情与潇洒、《舞台上的芭蕾舞者》的欢快与忘我等，正叠加了“记忆”和“想像”，试图“从自然的束缚下解放出来”。塞尚《弯曲的树》的豁达与野趣、《马纳河上的桥》的静谧与清淳、《埃克斯近郊的巨松》的简练与张扬等，正依循了“色彩的逻辑”。印象派画家从具有“社会学功能”的传统艺术倾向中走出，又带着“绘画的独立性”步入当时的社会生活。马奈的杰出风俗画，如《咖啡音乐会歌手》、《咖啡馆里》、《弗利·贝杰尔酒馆》等，恰是这方面的代表作。劳特累克尽管出身贵族，却以带有讽刺意味的心情表现现实，他笔下的巴黎上流社会的夜生活，没有优雅高贵的生活情趣，却是一个堕落、污秽并充满欺诈的世界，他的《红磨坊的舞会》中喧嚣中的狂欢、《女丑角莎尤考》中人物形象的静思与无奈等，实是痛苦的呻吟。这里，也可以领悟印象派要真正反掉传统艺术中的“社会学功能”是不可能的，印象派生活在各种矛盾交杂的社会之中，即便再三强调具有绘画独立性的美学观念，其实是无法真正步入游离于“社会学功能”的“独立性”之中的。

二是注重绘画的光、色、形、意、美的融合，体现印象派的艺术与光学相结合的主要特征。印象派绘画在光与色的表现上取得了突破性成就，在光、色中求形，以光与色的讴歌表现意和美，理解了光、色、形、意、美在绘画语言中的辩证关系，把闪烁的阳光和微妙的阴影引入画面，绘画随之变得清新明丽、生机盎然。在印象派绘画作品中，光和色是基本的绘画语言、艺术要素、快速跳动的音乐旋律和慢慢流淌的文化符号，光和色是形、意、美的艺术起始点，形、意、美在光和色中成形、达意、示美。印象派画家最基本的绘画技法是竭力探索一种有效方法，以突破物体单一的、表面看来一成不变的“固有”色；他们力图捕捉物体在特定时间内自然呈现的瞬息色彩，那种受一定环境条件、空间距离和周围其他物体影响的颜色。他们从画水开始，把水波反射出来的五光十色描绘得惟妙惟肖。他们进而扩大到从建筑物到天空的光与色的表达。印象派对光与色的探索得益于19世纪初期科学家对光的本质的新发现，孕育了艺术与科学相结合而产生的文化跃迁。莫奈曾反复画不同时间的鲁昂大教堂和草垛，正是为了捕捉瞬间的光与色。这次珍品展展出的《鲁昂大教堂，从正面看到的大门，棕色的和谐》与《鲁昂大教堂，阳光的效果，傍晚时分》便是莫奈为教堂绘制的30余幅油画中的两幅。画这批画时，他曾在给妻子的信中写到，他每天都会有一些头天未曾见到的新发现，于是赶紧将其补上，但同时也会失去一些东西。

三是采用原色并列、重叠和补色手法，形成印象派新的绘画语言。为了表现物体的动态变化和光色的斑斓绚丽、光怪陆离，印象派画家采用小笔触和色调并列方法，有些颜色不再在调色板上调配，而是红、黄、蓝三原色并列，时而重叠，并把红和绿、黄和紫、蓝和橙色补互对比，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。印象派新的“光色”技法形成了新的绘画语言，令人耳目一新。

四是“把画架搬到户外”，成为印象派的重要绘画方式。它不是简单的绘画场所位移，而是绘画方式变革，改变了西方传统绘画方式，是为了在阳光下对景写生，捕捉和描绘物体在阳光照耀下色彩的微妙效果。雷诺阿喜欢在户外林下写生模特儿，以悉心研究模特儿身上、脸上的绿色反光和灿烂的斑点效果。雷诺阿从清新的自然风光中揭示色彩晕染流动的奥秘，感悟色彩的争妍与和谐、阳光的欢愉与变化、自然的节奏与坦诚、人生的明朗与温馨，于是，有了《打阳伞的丽丝》中的伞下阴影处、回眸一瞬间视觉色彩的晶莹剔透与丽丝眼神的非视觉色彩的真诚魅力，有了《夏杜的春天》的春光明媚、春色涌动、春讯汇集和春意荡漾，有了《泛舟塞纳河》的河水淌动、河光波动、小舟划动和泛舟人的灵动。“阳光下的绘画”，为印象派绘画的崛起和发展在绘画方式上奠定了基础。

五是变革西方传统绘画和借鉴各种画派，留下印象派叩开20世纪现代艺术之门的文化轨迹。印象主义艺术思潮随印象派绘画而生，印象派绘画又在印象主义艺术思潮的涌动中而兴。印象派之兴，在于对西方传统绘画的变革和对19世纪上半叶各种画派的借鉴，包括借鉴古典主义、浪漫主义和现实主义等。印象派绘画的反叛表现在众多方面。印象派很快形成了自己的艺术风格、绘画特征和文化风采，在独树一帜驰骋19世纪下半叶艺术舞台的同时，也显现了自身的艺术选择和文化取向的局限性，以至于困惑、分化不断。在这种进程中，印象派、新印象派、后印象派相继而生。印象主义、新印象主义、后印象主义衰落后，立体主义和20世纪各种理性化抽象艺术从中吸取了动力。印象派、新印象派、后印象派叩开了20世纪现代艺术之门。

印象派画家的文化肖像

在印象派、新印象派、后印象派的演进中，出现了一些颇有影响的画家，他们自觉或不自觉地走到印象派旗帜之下；有的虽然没有印象派的“团队意识”，但他们的笔下却吐露出印象派的艺术风格；有的虽然参加了印象派初期的艺术活动，但其总体艺术倾向更接近后印象派，或者成了后印象派代表人物。这次“法国印象派绘画珍品展”共选作品51幅，有4幅以上作品的为马奈、莫奈、毕沙罗、西斯莱、雷诺阿、德加、塞尚。马奈是印象主义的奠基者，他在绘画创作题材上开创了从日常生活和自然风光中取材的先河，强调绘画的色块运筹要高于描绘作用。莫奈是印象主义绘画运动的发起人、引领者和坚定不移的实践者，“光和色”的讴歌者。毕沙罗是点彩法的引领人。西斯莱在印象派中画风较为稳健。雷诺阿是法国印象画派的先驱，早期作品是典型的印象主义的真实写照，充满了闪烁的色彩和光线。德加被誉为表现动态人物的绘画大师。塞尚是后印象派杰出画家之一，现代绘画艺术之父，他的作品和思想对20世纪许多美术家及美术运动（特别是立体主义）的审美观念发展很有影响。

印象派画家各有风采、各显个性，同时又共显亮丽，共具特征。

一是艺术思想的批判性。印象派绘画在本质上是批判的、“叛逆”的，被正统沙龙排斥，又因排斥而增强了“叛逆”性，更坚韧地走上了探索之路。1874年一群青年画家假借巴黎著名摄影师那达尔的工作室举行首次画展，即是受正统沙龙排斥的产物，至1886年，印象派共举办8次画展。其间，印象派绘画曲折发展，印象派画家离合聚散。然而，整体而言，印象派艺术思想的批判性锐意不减。

二是艺术体系的独创性。印象派代表人物虽然仍保持了绘画的古典形式和一般审美理念，却撼动了传统绘画方式，松动了传承性极强的艺术之链，在美学理念、光色处理、视觉建构和审美情趣等方面创造了新的艺术体系。

三是艺术精神的探索性。印象派画家始终处于探索之中，起步于探索，发展于探索，在探索中走到一起，在探索中又新展艺术轨迹，在探索中冲撞而分手，在探索中从印象派、新印象派、后印象派走来，又向20世纪现代艺术走去。

四是艺术珍品的渐显性。印象派绘画被世人接受有个过程。当印象派画家作品被正统沙龙拒之门外时，其作品随之遭受冷落，甚至已买走的作品被要求退回。1933年7月，当雷诺阿的《小艺术家》在巴黎以17万法郎售出时，常书鸿先生曾感慨地在巴黎写了《雷诺阿的胜利》：“雷诺阿和莫奈可说是印象派前锋队伍中两个最独特的具备着卓绝的情操、艰苦奋勇穷毕生精力向时代挑战着的纯艺术家……人说雷诺阿是胜利了！然而请不要忘记他在仇视和讥刺中的奋斗，他不断地追求，而且这个胜利的报酬是在1933年距他死后14年的今朝。”在这里，艺术珍品的渐显过程经历了14个春秋！

五是艺术技法的借鉴性。印象派画家借鉴了巴比松派画家和英国画家的技法与审美理念。西斯莱曾对评论家阿道尔夫·达维尼埃说：“我喜欢的画家是谁？如果只说同代人，那就是德拉克洛瓦、柯罗、米勒、卢梭和库尔贝，他们都是我们的老师。他们热爱大自然并强烈地感受到大自然。”巴比松派风景画家对印象派画家的影响显而易见。毕沙罗则承认：“我们的道路是从英国大画家透纳开始的……”印象派画家还从中国、日本等东方艺术中吸取营养。凡·高指出：“我敢预言，别的画家们会喜欢一种在强烈阳光下的色彩，喜欢日本绘画中那种晶莹澄澈的色彩。”“日本艺术……在法国印象派艺术家中生了根。”1870年，莫奈对日本浮世绘发生了兴趣，并且于1871年开始收集浮世绘版画。

元瓷上惯用的变形荷花瓣(俗称“八大码”)图案，就是在晋瓷纹饰的基础上演变而来的，尤其元代青花、釉里红等釉下彩的出现，开辟了瓷器装饰的新纪元，打破了过去一色釉的单调局面。