世界芭蕾舞的门派分类和风格特点有哪些

世界芭蕾舞的门派分类和风格特点有哪些

　芭蕾舞是非常美的舞蹈，学习芭蕾舞的人也非常多。下面我为大家搜索整理了世界芭蕾舞的门派分类和风格特点有哪些，欢迎大家阅读。

　世界芭蕾舞的门派分类和风格特点

　芭蕾(Ballet)起源于欧洲文艺复兴时期的意大利，兴盛于法国，鼎盛于俄国，之后从俄国走向全世界。在500多年的发展过程当中，芭蕾先后经历了五大时期：早期芭蕾时期(启蒙主义时期)、浪漫芭蕾时期、古典芭蕾时期、现代芭蕾时期，最后是当代芭蕾时期。几百年来，芭蕾以他无穷的魅力、顽强的生命力活跃在世界舞坛。

　芭蕾在发展之初是没有脚尖技术的，在经历了文艺复兴、古典主义、启蒙运动、浪漫主义、现实主义等较长、复杂的发展阶段之后，知道19世纪20年代，矫健的精湛技艺才获得了重大的发展，而今天的芭蕾经过几百年的发展后形成了一套系统的、科学的、趋于完美的、世界上没有任何训练人体可以取代的教学体系，并在这个基础上形成了世界公认的六大芭蕾学派：意大利学派、法兰西学派、俄罗斯学派、丹麦学派、英国学派和美国学派，这六大学派都有共同的审美特征及外形特征，不过，它们又有各自不同的文化背景、教育思想、风格特点和训练细节，如，在风格上意大利学派简劲，法兰西学派妩媚，俄罗斯学派豪放，丹麦学派轻盈，英国学派细腻，美国学派现代。对于中国来讲“芭蕾”是舶来品，对中国芭蕾影响最深的是俄罗斯学派，从上个世纪80年代之后，世界其他国家和其他学派的芭蕾开始进入我国，为我国芭蕾的发展注入了新鲜的血液。

　芭蕾在经过了几百年历史的发展和考验后，一比人们公认为一门课科学的、系统的艺术瑰宝，作为舞蹈艺术的种类之一，在社会教育的活动中担负着两大职责：一是为国家培养舞蹈专业人才;二是在社会上进行广泛的审美教育。

　芭蕾基训课是舞蹈教学中的一门主课，它决定学生和演员的舞蹈基本技术素养。

　作为一门诞生于文艺复兴时期的西方高雅艺术，芭蕾保留着古希腊、古罗马那种对上天及日月的敬仰，追求独立的人格、向往自由、崇尚运动及健美的体格。西方芭蕾艺术的体态表现出的审美特征与东方舞蹈截然不同，它要求舞者修长的形体线条、要求腿脚的外开并要求动作中四肢有延伸的感觉，在舞蹈表演中不但有脚尖站立、腾空大跳、向上托举等高贵、典雅的舞姿，所有的动作力图摆脱地球的引力、极力向空间升腾等等，是芭蕾艺术呈现出自信、张扬、高贵与支配一切的强烈人文精神。芭蕾的轻盈飘逸、热情奔放的美学标准体现了西欧这种向上升腾、超越自己的艺术形态。

　在芭蕾的发源地——意大利，早期的芭蕾不同于建筑、美术这些传统的艺术，它更倾向于一种贵族的生活时尚，当时的芭蕾舞蹈演出也仅仅是各国君主炫耀自己的权利和财富的工具。

　意大利的芭蕾富丽、高雅、动作力度较强，它的特点是：

　1、舞姿优雅与和谐，动作过程简洁、干净、准确;

　2、技术娴熟、风格严谨;3、演员肌肉十分有力量;

　4、追求高难度的舞蹈技巧、动作与技巧速度快、线条清晰、棱角分明;

　5、小跳动作快速、灵巧，十分独特;

　6、旋转技术高超，并且花样独特、繁多。

　法国是宫廷古典主义芭蕾和浪漫主义芭蕾的起源和中心，芭蕾曾一度繁荣。1581年由路易十四王后亲自上演的《皇后喜剧芭蕾》是世界芭蕾史上第一部较为完整的芭蕾舞剧。并且，法国国王路易十四在执政期间成立了世界上第一个芭蕾舞蹈学校;制定了世界上第一套芭蕾奠基性的、规范教材并沿用至今，这套教材的历史作用为芭蕾这门学科的研究工作开辟了康庄道路。

　在法国，18世纪的欧洲启蒙运动对芭蕾的发展产生了重要的影响，启蒙运动时期，法国芭蕾充满着革新思想，反对把芭蕾视为仅供贵族消遣的娱乐方式，提倡芭蕾要反映现实，表现生活，要富有社会内容和教育意义，于是，“情节芭蕾”在法国产生。在法国政府的高度重视和充足的资金保障下，法国的芭蕾从文艺复兴开始到19世纪下半叶一直处于欧洲芭蕾的中心地位，19世纪末浪漫主义芭蕾衰落，法国的芭蕾艺术一蹶不振，芭蕾的`中心由法国转入俄罗斯。直至20世纪初佳吉列夫俄罗斯芭蕾舞团在巴黎的成功演出，才又使得法国各地的芭蕾演出活动开始复苏，有一次促进了法国芭蕾艺术的发展。

　法国的芭蕾气质高贵、强调动作的雅致，具有五大特点：

　1、舞姿华丽优雅、动作轻盈纤细;

　2、手形美丽柔和、技术高超潇洒;

　3、舞艺高超、擅长戏剧表演;

　4、以文雅、流畅、轻盈、细腻著称;

　5、讲究舞蹈艺术感、以妩媚闻名于世。

　尽管俄罗斯人不是芭蕾的原创者，但他们在极大程度上丰富了这一艺术形式，世界上很多国家都借鉴俄罗斯芭蕾的模式。俄罗斯的舞蹈文化特点主要表现在专制制度下对现实主义的追求、不屈不挠地俄罗斯精神。

　俄国的芭蕾注重戏剧性情节，舞蹈动作大气而刚毅，具有以下五大特点：

　1、发扬俄罗斯式的平稳、优美和动作自由、宽广的风格;

　2、作品充满了人道主义思想和深刻的内涵，对情感的表达极为真诚;

　3、戏剧性很强，富有强烈的艺术感染力，艺术风格热情、豪放;

　4、动作质朴、适度、柔和;

　5、演员技术全面、能力强，擅长各种大的跳跃和复杂急速的旋转。

　丹麦芭蕾有着悠久的历史，其风格的形成与丹麦独特的文化氛围、独特的欧陆地域风情、浪漫的安徒生童话等等有着密不可分的联系。丹麦芭蕾自1559年问世以来，在法国宫廷芭蕾的影响下，经历了几个朝代后，于费德列三世时期达到了顶峰。在丹麦，芭蕾艺术即受到群众的喜爱，又得到政府的有力赞助，从而使它成为了世界古典芭蕾的六大学派之一。

　丹麦的芭蕾注重动作的轻盈、演员脚底下的功夫极为细致而灵敏，具有四大特点：

　1、动作中十分注重身体的稳定和四肢的协调;

　2、完美灵活的脚下动作使男演员舞姿优雅、女演员动作轻盈;

　3、舞剧创作中将古典芭蕾、浪漫芭蕾和丹麦民间舞蹈相结合;

　4、在训练中十分注重对跳跃和击打技术的练习，其弹跳十分轻巧，创造了一种流畅而又轻巧的风格。

　芭蕾正式进入英国是20世纪二三十年代，当时正是俄罗斯芭蕾的黄金时期，在俄罗斯演员巴甫洛夫和佳吉列夫的影响下，英国人对芭蕾舞剧产生了浓厚的兴趣，建立了大型的舞蹈团体，并在上世纪60年代开始，英国芭蕾走向成熟并在国际上被普遍承认和广泛传播。站在这样一个高起点上，再加上英国具有的丰富的文化资源，特别是莎士比亚的喜剧以及别具特色的英国神话故事，为芭蕾在英国的发展提供了肥沃的土壤，并且当时有相当一批才华横溢、富有创造性的编导，以上诸多原因是英国芭蕾以惊人的速度发展壮大。

　英国的芭蕾精致、细密、动作流畅，其特点有以下几点：

　1、脚部动作灵活，手臂动作柔和;

　2、注重舞姿的线条和舞蹈技术的质量;

　3、动作非常优美、规范、细腻;

　4、女演员舞蹈艺术感觉非常好，男演员“直立”很好，旋转十分漂亮。在世界芭蕾舞界英国学派可以说是独具特色、演技高超、自成一派。

　由于法国大革命，一些著名的法国演员为了躲避战乱来到美国，从1820年之后，在美国的舞台上出现了足尖舞，自此，芭蕾舞开始在美国扎根。而美国公众真正认识芭蕾是从1912年巴甫洛娃访问纽约开始的，自20世纪30年代起，美国芭蕾舞进入了一个硕果累累的黄金时代，并逐渐成为芭蕾大国之一，形成那个了世界公认的美国芭蕾学派。

　美国的芭蕾起步较晚，是芭蕾的后起之秀，它富于创新、形式多样、动作敏捷、灵活、富有生气，其特点有以下五点：

　1、作品及动作具有独特的生命活力很清新爽快的风格;

　2、注重女演员的中心地位，女主角一般都经过精心挑选，体型很瘦、腿和脖子纤长，经过训练以后，可以完成快速的旋转和完美而刚劲有力的腿部动作;

　3、具有显著的“交响芭蕾”特色，舞剧创作中，编导巴兰钦以自身高深的音乐修养，融入了美国的乡土音乐，使美国芭蕾学派的舞剧具有显著的“交响芭蕾”特色;

　4、以“速度”和“稳定”著称;

　5、据有典型的现代风格。

　

扩展资料：

　芭蕾舞形式

　1、一种舞台舞蹈形式，即欧洲古典舞蹈，通称芭蕾舞。这是在欧洲各地民间舞蹈的基础上，经过几个世纪不断加工、丰富、发展而形成的，具有严格规范和结构形式的欧洲传统舞蹈艺术。19世纪以后，技术上的一个重要特征是女演员要穿特制的足尖鞋用脚趾尖端跳舞

　2、舞剧最初专指以欧洲古典舞蹈为主要表现手段，综合音乐、哑剧、舞台美术、文学于一体，用以表现一个故事或一段情节的戏剧艺术，称古典芭蕾（或古典舞剧）。20世纪出现了现代舞以后，以现代舞结合古典舞蹈技术为主要表现手段来表现故事内容或情节的称现代芭蕾。逐渐地，芭蕾一词也用来泛指用其他各种舞蹈为主要表现手段的舞剧作品，尽管在舞蹈风格、结构特征、表现手法等方面均不同于古典芭蕾或现代芭蕾。

　3、在现代编导创作的舞蹈作品中，有相当一部分没有故事内容，也没有情节，编导运用欧洲古典舞蹈或现代舞蹈，或使两者相结合，用以表现某种情绪、意境，或表现作者对某个音乐作品的理解等等，这些也称为芭蕾。

　芭蕾舞角色

　古典芭蕾舞剧有其特定的结构与形式，经由艺术总监、编舞、舞者、灯光音响、服装、布景……专业的剧场工作人员密切配合，才能完整的呈现在观众面前。

　如果对芭蕾舞舞台上的型式能有基本的认识，观赏芭蕾演出时必能获得极大的乐趣与共鸣。芭蕾舞剧演出主要由下列三种角色组成：

　1、主角：主角是故事核心人物，舞者需有一定水准以上的技巧与体力，最重要是要 有高超舞蹈素养及品格，才能诠释剧中的人物。古典芭蕾双人舞是整个舞剧重心，大都由男女主角担任，古典芭蕾舞剧双人舞结构 次序是男女主角双人的慢板，然后是男主角独舞，女主角独舞，最后才是终曲coda双人快板，主角艺术素养与技巧水准将于双人舞中呈现。

　2、独舞者：具有主角技巧，而能单独或三、四人演出者。

　3、群舞者：群舞者虽然舞步较简单，但复杂的画面变化，整场气氛烘拖更是扮演举足轻重的地位，每一位群舞者均非常重要，只要有一人乱了脚步，整体的画面将被影响。

　芭蕾舞标志

　用脚尖站立的芭蕾舞女演员。在观众看来，用脚尖跳舞轻松愉快。女演员脚上那粉红色的芭蕾舞鞋是那么优美高雅，让人想起这是一项崇高的艺术。但是，实际上，用脚尖跳舞十分困难。那些献身芭蕾舞艺术，探索其奥秘的人并不愿意把秘密公布于众。如果揭开芭蕾舞鞋的秘密，似乎芭蕾舞之谜也就不复存在。

　芭蕾舞鞋能够承受的巨大的荷重可以跟足球鞋承受的荷重相提并论，其关键在鞋尖。鞋尖不仅柔软，而且具有相当大的安全系数。即使跳起时鞋尖断裂，女演员保证不会残废。

　俄罗斯著名的“格里什科”公司生产的芭蕾舞鞋从非洲到墨西哥，在三十多个国家受到欢迎。

　芭蕾舞鞋鞋尖用生产紧身胸衣的面料，例如缎子缝制而成。“格里什科”的专家得出结论，芭蕾舞鞋最合适的颜色——桃皮色，既不刺激观众，又能安抚女演员本人，而不是通常许多国家的那样——粉红色。

　芭蕾舞鞋鞋尖的最大奥秘在于使女演员得以用脚尖跳舞的“鞋盒”。“鞋盒”藏在鞋尖里。“鞋盒”实际上是一种硬套，套住脚趾和一部分脚面。“鞋盒”不用木头、塑料、软木等材料，而由6层最普通的麻袋布或其它纺织品粘合而成。“格里什科”公司拥有胶粘剂的专门技术，让鞋尖既不太硬，又不太软，也不易折断。

　鞋尖手工缝制，然后连同“鞋盒”里面朝外同鞋的其余部分缝到一起。之后，鞋匠把鞋尖翻回来，用小锤把“鞋盒”弄平顺。当没有不平的地方后，让鞋在硬物上直立起来，看看能否保持　　平衡。最后，让舞鞋在摄氏50度的条件下晾干，存放在室温下。一双芭蕾舞鞋准备好了！一双芭蕾舞鞋的寿命短得令人遗憾：上场演出2-3次。“格里什科”舞鞋的记录是大剧院的独舞女演员娜杰日达·格拉乔跟基特里合作，在芭蕾舞剧《堂吉诃德》里跳了9场。

　为了适应不同高度的脚面，芭蕾舞鞋总共有3种型号：“瓦加诺瓦”、“埃利塔”、“富埃捷”。每种型号又分17种尺寸。此外，每种尺寸又有5种肥瘦情况。任何一个女演员可以从厚薄、大小、肥瘦不同的255种鞋中，挑选适合自己的理想的鞋。尽管如此，为了让鞋更适合自己的脚，每个女演员各有高招：一些人用小锤敲打鞋，另一些人用门挤压鞋，还有一些人用五花八门的东西垫进“鞋盒”里……

　俄罗斯芭蕾舞女明星叶卡捷琳娜·马克西莫瓦娅承认，在没有足够选择的年代里，每推出新剧目，她都要花费整整一天时间来让脚适应舞鞋。

　还有一件事没有提到，每个女演员通常亲自动手给舞鞋缝上小丝带。通向舞台的道路打通了！

　至于男演员，穿所谓的软鞋——在外行看来跟普通的布鞋差不多。其生产工艺跟女演员的当然无法相比，但也有自己的精致之处。软鞋分两种：整鞋底和分鞋底。分鞋底由两部分组成：鞋前部和脚后跟。正是鞋前部让男演员的脚穿在里面舒舒服服，自由自在。

　舞鞋的绑法也很有讲究：通常是把丝带先在腿上绑两圈再系蝴蝶结。由于表演时不可以绑丝带，所以演员们在上台之前，都要把鞋带绑得很紧。

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《仙女》这部作品的最突出特点是：①出现了轻盈、优雅、细腻的抒情性的表演风格和舞蹈中的大跳、打脚、脚尖碎步以及后“阿提纠”(一腿直立，一腿后弯)和“阿拉贝斯”(主力腿直立和半屈，以及动力腿向后伸直的造型)。这些动作都紧紧围绕着剧情而展开，塑造了“仙女”形象使舞蹈充满了诗情画意的美感。②舞剧中第一次立起脚尖，这在芭蕾舞发展史上是一个巨大的里程碑，舞剧中的白纱裙和芭蕾舞脚尖鞋成为浪漫主义芭蕾的典型艺术象征，《仙女》掀起了芭蕾舞剧新的一页。

浪漫派芭蕾舞衣　它的裙子几乎到脚踝附近，成吊钟型，有无袖的，灯笼袖的颜色有白色的，淡色的，淡紫色等。　1、灯笼袖的浪漫派芭蕾舞衣，例如《四人舞》《玫瑰花精》；　2、扮妖精时，在手臂上或肩上加薄纱的衣饰例如《吉赛尔》第二幕，《仙女》舞剧　3、村姑式舞衣，背心加灯笼袖，腹部上面配上可爱的图案，例如《吉赛尔》第一幕，《柯贝莉亚》第一幕，《风流女儿》舞剧。

在舞蹈史上，浪漫芭蕾与“古典芭蕾”是两个互有联系又互相区别的概念。严格说来，它们是两个不同的时期：前者指十九世纪初萌芽，三十～五十年代达到高潮的舞剧发展阶段(主要在法国)；后者是指十九世纪下半叶，特别是最后二十五年这一舞剧发展时期(主要在俄国)。其次，在浪漫主义舞剧中，刻画非人间的世界、揭示理想与现实生活矛盾的主题占绝大多数，但抒情性仍然是必须强调的侧面；同样，描写民间传说题材，在“古典芭蕾”中，却逐渐形成了气势宏伟的“大型舞剧”这一舞剧样式。以彼季帕为首的编导们创造了复杂的舞蹈结构，独舞和群舞动作的相互配合、图形和节奏的各种变化构成了多种多样的造型主题。正是由于交响音乐家参加创作，舞剧才终于从单一的浪漫芭蕾的“舞蹈戏剧结构”真正“进化”成了“音乐舞蹈戏剧结构”。

一、“开”

指的是芭蕾舞者，均需要从肩、胸、胯、膝、踝五大关节部位，左右对称的向外打开，或向两侧打开，尤其是两脚应该向外打开180度。它的艺术特征主要表现在：延伸身体线条、扩大表现空间、增强运动的灵活、保持身体的平衡、提高艺术性、炫耀贵族的气派。

芭蕾作为一种概念性和抽象性为审美特征的表演艺术，许多动作的运动方向都是与舞台平行的，而向两侧打“开”双脚则能更有效的扩大体重在运动中与地面接触并达到平衡的面积。一旦他们肢体原有的线条得到了充分的延长，动作范围得到了空前的扩展，表现力也就自然会变得格外丰富。

二、 “绷

 指的是芭蕾舞者，均需将肢体各个部位“绷”起来，尤其是腿脚上的膝关节和踝关节，以及脊椎和颈椎诸关节。才能在观众的视觉中有效地延长肢体原有的线条，产生形体美和肌肉美的审美感觉。

三、“直”

指的是芭蕾舞者，均需要使背部像门板似的向上挺直，达到健美挺秀的艺术境界。“直”不仅仅是体现在身体的直立，还体现在动态之中的身体保持的直立状态，垂直性是芭蕾舞许多整套动作技巧的主调。

四、“立”

指的是芭蕾舞者，均需要使头颈、躯干和四肢作为一个整体，在静态的舞蹈时要表现傲然挺立、气宇轩昂的稳重状态，而在动态舞蹈时既要稳重流畅，又要在停止时挥洒有力，稳重如山。

扩展资料：

一、风格流派

自意大利文艺复兴以来，芭蕾舞的风格就一直在发展。早期，古典芭蕾舞主要是因为地域起源的不同而产生变化的，例如俄罗斯派、法国派及意大利派。后期的变化则分别包含了古典芭蕾舞及非传统技术及舞姿，如当代芭蕾舞及新古典主义芭蕾舞。

最为人熟悉及最常演出的风格则是浪漫芭蕾，它是一种以女舞蹈员及脚尖技术为中心的古典风格，以流畅及准确的舞姿见称，时常用来象征女舞蹈员穿着短白色芭蕾舞裙的形象。

二、浪漫芭蕾

浪漫芭蕾指十九世纪早至中期出现的芭蕾舞风格，该时期的舞剧以强调强烈的情感的主题为中心，作为一种美学经验。那些舞剧的剧情围绕女性的灵魂形态，如仙子和鬼等俘虏到了世俗男子的心。人们普遍认为1827年的舞剧《仙女》和1870年的舞剧《柯碧莉亚》分别是浪漫时期的开始和终结。

三、古典芭蕾

古典芭蕾是基于传统芭蕾技术及词汇之上的。有不少古典芭蕾的风格和它们起源的地方息息相关，如俄罗斯派、法国派及意大利派。而有些古典芭蕾的风格是和特定的培训方式有关的，并会以它们的创建者来命名，如以意大利舞者恩利可切凯蒂命名的切凯蒂法及以俄罗斯女舞者阿格丽皮娜瓦嘉诺娃命名的瓦嘉诺娃法。

四、新古典主义芭蕾

新古典主义芭蕾使用了古典芭蕾舞的技术和词汇，但在使用抽象概念时和古典芭蕾不同。它没有具体的情节、戏服和情景，使用的音乐素材广泛，常使用新古典主义音乐，如斯特拉文斯基及魏本的作品。由于正式规格和叙事式情节不再是必须的，新古典主义芭蕾在空间运用、编舞设计结构上也有更多可能性。

《从珀蒂珀到巴兰钦》的作者蒂姆绍尔认为，乔治巴兰钦在1928年所创作的《阿波罗》是第一部新古典主义芭蕾舞剧。它回应了谢尔盖·佳吉列夫抽象的舞剧，象征了形式的回归。巴兰钦往后和现代舞编舞家玛莎·葛兰姆共事，增加了对现代舞技巧与概念的认识，并把现代舞者如保罗泰勒等带进了他的纽约市芭蕾舞团。

泰勒更在1959年出演了巴兰钦所创作的《序曲》。

除了巴兰钦，还有不少人对这个风格的发展作出了重大的贡献。如弗雷德里克·阿什顿在1946年创作的《交响乐之舞》就是他重大的一部作品，舞者穿着白色短上衣上演该剧，并配以非常少的抽象舞台设计及情节。

这部和作曲家法朗克作品同名的舞蹈作品，是对以纯粹的舞蹈对该乐曲所作的诠译，并加入了阿什顿的典型风格。

与此同时，现代芭蕾舞也从新古典主义芭蕾舞中分支了出来，先行的革新者包括了泰特利葛兰、罗伯特·乔佛里及阿匹诺杰拉德。

虽然现代芭蕾舞和新古典主义芭蕾舞难以分辨，现代芭蕾舞编舞家相比起芭蕾的雅致而言，更着重体育运动的元素。它对表现舞者的体形更为大胆，配以更强烈的主题、气氛和音乐。如乔佛里在1967年创作的《亚斯塔蒂》，就起用了摇滚音乐及具性意味的编舞。

五、当代芭蕾

当代芭蕾容许任何风格对使用芭蕾舞技巧的作品作出影响。只要有明显的古典芭蕾舞基础，它就能糅合不同层面的美学，包括现代、爵士、通俗或道德等形式。正因如此，它为创新的尝试、探索提供了空间。

当代芭蕾和当代舞的分别在于，演出当代芭蕾必须先接受芭蕾舞训练。同样，它和新古典主义芭蕾舞及现代芭蕾难以区分，如萨普在1973年为杰弗瑞芭蕾舞团创作的作品《平分双门轿跑车》。

剧中萨普安排一名穿着白衣的芭蕾舞者向她介绍芭蕾舞动作词汇的同时，穿着便服的舞者穿着足尖鞋、袜子或球鞋表演不同风格的舞蹈，并配以摇滚乐团海滩男孩的音乐。

在八十年代，威廉・弗西斯以一系列的作品为当代芭蕾作出了重大的创新改革，包括了1987年的《多少悬在半空中》。这部作品展示出强劲的体育运动色彩，并使用了电子音乐。弗西斯把古典芭蕾舞词汇加以夸饰，并把舞蹈动作的幅度加快、加大及增加不同的移动方位。

许多当代芭蕾的概念都是来自二十世纪现代舞的意念和创新的，包括躺坐在地板上的动作及腿部的向内转。当代芭蕾不时以赤脚表演，亦可能包含戏剧、哑剧及伴奏，其中伴奏大多是管弦乐，也有少量以声乐为主。

纽约市芭蕾舞团的创团总监乔治巴兰钦对新古典主义芭蕾作出了前瞻性的发展，因此常被视为当代芭蕾的先锋。另一位当代芭蕾的编舞家萨普，则于1976年为美国芭蕾舞剧团创作了《危急关头》，并在1986年为自己的舞团创作了《In The Upper Room》。

这两部作品都因为结合了特别的现代舞舞姿、足尖鞋及在古典芭蕾舞流派受到训练的舞者而被评为创新。

现在仍然有不少当代芭蕾舞团及编舞家，例如阿隆佐·金和他创立的芭蕾舞团、马修·伯恩和他创立的New Adventures芭蕾舞团、Complexions当代芭蕾舞团、杜瓦托和他创立的西班牙国家现代舞团、威廉·弗西斯和佛赛舞团、以及荷兰舞蹈剧场的基利安。

传统上表演古典芭蕾舞的剧团也会定期上演当代作品，如马林斯基芭蕾舞团和巴黎歌剧院芭蕾舞团。

“芭蕾舞”这个词汇逐渐进化至能够包含任何一种和它相关的形式。舞者需要同时能够演绎古典、新古典主义、现代和当代作品。他们要优雅庄严地演绎古典作品，自由抒情地演绎新古典主义作品，并时而保守时而奔放地演绎现当代作品。

芭蕾舞的发展延伸广阔，有时和其他舞蹈的界别会变得模糊，但会保留一定的芭蕾舞技巧元素。