迷惘的一代,垮掉的一代,愤怒的一代,在美国历史上各是咋出现的?肯请帮忙

1、迷惘的一代（The Lost Generation），又称迷失的一代，是美国文学评论家格特鲁德·斯坦因提出的第一次世界大战到第二次世界大战期间出现的美国一类作家的总称。他们共同表现出的是对美国社会发展的一种失望和不满。

他们之所以迷惘，是因为这一代人的传统价值观念完全不再适合战后的世界，可是他们又找不到新的生活准则。他们认为，只有现实才是真理，可现实是残酷的。于是他们只能按照自己的本能和感官行事，竭力反叛以前的理想和价值观，用叛逆思想和行为来表达他们对现实的不满。

2、垮掉的一代/或称疲惫的一代（Beat Generation）是第二次世界大战之后出现于美国的一群松散结合在一起的年轻诗人和作家的集合体。

这一名称最早是由作家杰克·克鲁亚克于1948年前后提出的。在英语中，形容词“beat”一词有“疲惫”或“潦倒”之意，而克鲁亚克赋予其新的含义“欢腾”或“幸福”，和音乐中“节拍”的概念联结在一起。

垮掉的一代：第二次世界大战后风行于美国的文学流派。该流派的作家都是性格粗犷豪放、落拓不羁的男女青年，他们生活简单、不修边幅，喜穿奇装异服，厌弃工作和学业，拒绝承担任何社会义务，以浪迹天涯为乐，蔑视社会的法纪秩序，反对一切世俗陈规和垄断资本统治，抵制对外侵略和种族隔离，讨厌机器文明。

他们永远寻求新的刺激，寻求绝对自由，纵欲、吸毒、沉沦，以此向体面的传统价值标准进行挑战，因此被称作垮掉的一代。代表作家有金斯堡及其作品《嚎叫》。

“垮掉的一代”实际上是“迷惘的一代”的对照。海明威在小说《太阳依旧升起》中塑造了“迷惘的一代”（Lost Generation），这个称谓来自美国著名作家斯泰因为《太阳依旧升起》题的一句辞——“你们是迷惘的一代”。

“迷惘的一代”指的是第一次世界大战后成长起来的年轻人（包括海明威在内），他们之所以对生活失去信念是由于战争的创伤，但他们并未因此而失去对人性的渴望。

在西方文学领域，“垮掉的一代”被视为后现代主义文学的一个重要分支，也是美国文学历史上的重要流派之一。

3、愤怒的一代

原系20世纪五六十年代流行于美国的一种文学流派。该派均为青年作家，他们以虚无主义态度否定一切，要求摆脱一切传统束缚，拒绝承当任何社会和家庭义务，追求所谓“绝对自由”的生活：吸毒、酗酒、偷窃、同性恋等。在艺术上则主张抛弃传统手法，提倡随意发挥。

其作品形式上大多支离破碎，内容上消极颓废，但在一定程度上反映了对美国社会的反叛。后指对现实不满而又无所作为、甚至沾有恶习的颓废青年人。 杰克·克鲁亚克《在路上》、艾伦·金斯堡《嚎叫》、威廉·博罗斯《裸体午餐》。

扩展资料

历史背景

第二次世界大战后那段时期的主流文化曾不顾一切的试图建立一个新的牢靠的文化新秩序，然而在知识界却有一股强大的潜流抵制这种强硬的文化秩序，他们追求自发的艺术创作，反对扼杀人们心灵的力量，他们怀有渴求无序、狂欢状态的浪漫主义情怀。

“垮掉的一代”就是这一潜流的代表，然而他们却不是这一运动的唯一参与者。在杰克·克鲁亚克写作“无意识散文”之前，就有许多艺术家开始追求摒弃规则的自我表达方式。比如宣扬即兴创作的爵士乐，以及所谓“抽象表现主义”者的创作等。

同时，战后还有许多其他艺术家对现有的文化规则持鄙视态度，他们反对社会秩序压抑天性和自我表达。例如作曲家和作家约翰·凯奇以及画家罗伯特·罗森堡等。威廉·博罗斯在出版《裸体午餐》之后开始采用布利翁·吉辛的“切碎”技巧写作，这一技巧和凯奇的“机会操作”技巧十分相似。

“垮掉派”文人并不是战后实验性文学创作的唯一实践者。许多其他小流派也参与了这一活动，包括：

“愤怒的青年”是战后出现在英国的一个流派，人们经常将其和“垮掉的一派”互相比较；

“黑山诗人”；

“旧金山文艺复兴派”可以看作是从“垮掉的一代”中衍生出来的一个独立的流派。

在西方文学史上，有很多作家对“垮掉的一代”产生了影响。英国18世纪诗人威廉·布莱克对艾伦·金斯堡的影响非常显著，美国诗人沃尔特·惠特曼的风格在金斯堡的诗作中也得以体现。

杰克·布莱克的小说《必败无疑》对威廉·博罗斯的影响非常显著。法国意识流作家马塞尔·普鲁斯特的作品在“垮掉派”文人中广泛传播，很可能是克鲁亚克卷帙浩荡的自传的灵感来源。

还有一些其他作家和文学流派对“垮掉派”产生了影响，包括亨利·大卫·梭罗、意象主义诗人、所谓的“客观主义”作家亨利·米勒等。这些影响体现在：

盖瑞·施奈德早期曾阅读埃兹拉·庞德的作品，并因此对日本和中国产生了浓厚的兴趣。

威廉·卡洛斯·威廉斯曾经鼓励“垮掉派”文人创作，并为金斯堡的《嚎叫》撰写前言。

庞德对艾伦·金斯堡和旧金山文艺复兴作家产生了深远的影响。

希尔达·杜利德对罗伯特·邓肯诗风的形成至关重要。雷克斯罗斯曾经和“客观主义”作家共同出版作品。

-垮掉的一代

-迷惘的一代

-愤怒的青年

同人一词来自日语的“どうじん”（doujin），也有人认为来自中国。原指有着相同志向的人们、同好。作为ACG文化的用词，所指的是，由漫画、动画、游戏、小说、影视等作品甚至现实里已知的人物、设定衍生出来的文章及其他如影音游戏等等，或“自主”的创作。耽美一词最早是出现在日本近代文学中，为反对自然主义文学而呈现的另一种文学写作风格：耽美派。耽美派的最初本意是“反发暴露人性的丑恶面为主的自然主义，并想找出官能美、陶醉其中追求文学的意义”。耽美在日文中的发音为TANBI，本义为“唯美、浪漫”之意，如耽美主义就是浪漫主义。耽美，沉溺于美，详细解释则是「包含一切美丽事物，能让人触动的，最无暇的美」。后来这个词被日本的漫画界用于BL（boy'slove）漫画上、结果引申为代指一切美形的男性，以及男性与男性之间不涉及繁殖的恋爱感情，最后更发展为男同性恋漫画的代称之一。

哥特式字体的历史英文版

非主流最先源于美国。

哥特式（Gothic）:

1、哥特人的， 哥特族的（指曾入侵罗马帝国的一支日耳曼民族）

2、哥特式建筑的（12至16世纪流行於西欧的建筑风格， 以尖拱、 拱顶、 细长柱等为特点）

3、哥特派的， 哥特风格的（18世纪的一种文学风格， 通常描述有神秘或恐怖气氛的爱情故事）

4、指字体，哥特字体的

哥特（Gothic）这个特定的词汇原先的意思是西欧的日耳曼部族。在18世纪到19世纪的建筑文化与书写层面，所谓“哥特复兴”（Gothic Revival）将中古世纪的阴暗情调从历史脉络的墓穴中挖掘出来。

非主流，是有几个特点的：

1、无法确切定义或到目前为止没有定论。

2、正在变动当中，或者说仍然存在较大变动。

主流应该是一个时代的大众的潮流吧。

答案：“非主流现象”就是个性、张扬、另类的服装，不盲从当今大众的潮流，讲究符合自己心性的服装。并在个性讲究中不断泛滥，衍生出的社会现象

“非主流现象”的时尚意味着并不是最流行的东西。 也就是相对超前的或者滞后的。

有人的看法是这样的：

哥特一般都是大点的人在玩

非主流都20岁以下的人在玩

哥特比非主流更暴力

哥特式字体uberholme的历史来源

关于“哥特”的解释有很多种，一般教课书上把哥特定义为：从字面上来解释，它包含了三种意义， 第一，在建筑上的歌特式建筑 如大教堂（cathedral），其最大的特色就是高大的梁柱和尖拱形的天花板与结构；第二，在文学上歌特是用以形容那些以黑暗寂寞地点（如荒废城堡）为背景的奇异、神 之冒险故事；第三，歌特也代表一种字体相当华丽的印刷或书写风格。还有另一种解释，人类学意义上的哥特，古代欧洲的一个民族；艺术风格，出现于十二世纪晚期，主要体现在建筑与绘画上，起源于法国的巴黎附近；恐怖的、黑暗的、怪诞的、野蛮的，这也影射了哥特小说的哥特的涵义，例如17、18世纪流行于英伦，描写发生在阴森恐怖的哥特式城堡中的复仇或志怪故事的小说，按美国人的说法，哥特小说已经延伸到了安妮·赖斯的吸血鬼系列小说，甚至还包括了斯蒂芬·金的恐怖小说。

英文的哥特式字体有很多，但是目前的中文字库中还没有公司能开发出中文的哥特字体。

就算是像“黒执事”那样的，也不过是出于需要特别设计出来的。一类印刷或手写字体，非常华丽，即“OLD ENGLISH TEXT”。哥特和洛可可都是装饰性很强的字体，比较重视线条，花纹的变化也采用了植物做装饰。可以了解一下18至19世纪时期的英国美术运动。多注意字体线条的粗细，以及注意边角的设计。

哥特式的历史

哥特式建筑：12至16世纪流行于西欧的建筑风格，以尖拱﹑ 拱顶﹑ 细长柱等为特点

哥特式建筑是11世纪下半叶起源于法国，13~15世纪流行于欧洲的一种建筑风格。主要见于天主教堂，也影响到世俗建筑。

哥特式建筑主要由石头的骨架券和飞扶壁组成。其基本单元是在一个正方形或矩形平面四角的柱子上作双圆心骨架尖券，四边和对角线上各一道，屋面石板架在券上，形成拱顶。采用这种方式，可以在不同跨度上作出矢高相同的券，拱顶重量轻，交线分明，减少了券脚的推力，简化了施工。

由于采用了尖券、尖拱和飞扶壁等建筑形式，哥特式教堂的内部空间高旷、单纯、统一。装饰细部也都用尖券作主题，使建筑风格与结构手法形成有机整体。

关于哥特风格的历史人物

哥特式风格（中）2 字体“Gothic”一词也代表一种字体相当华丽的印刷或书写风格。

以上列举了几种。在此提供一个哥特字体下载网站给大家玩玩，内有数量众多的哥特字体，慢慢看，总有你喜欢的：）：://fontknowsky/fonts_145_1其次，Gothic作为形容词加在艺术或服饰等之前，就可以指称哥特式艺术或哥特式服饰等一切被认为有哥特味道的事物。

3 文学“对哥特趣味的日渐崇尚不过是思想意识发生巨变的征兆，它终究演变为浪漫主义运动。”——Devendra P Varma《The Gothic Flame》Varma认为，在英语中“哥特”一词的真正历史开始于18世纪，主要具有野蛮、中世纪和超自然三种含义。

在约公元1800年左右登场的浪漫主义运动（Romantic Movement）中，哥特与中世纪文化再度受到人们的亲睐而得以复苏。浪漫主义可说是对于启蒙运动（the Enlightenment）理性主义（rationali ）的反动，感性、非理性的态度是这个运动的中心，而在这个时期，哥特开始与黑暗、奇异、古怪扯上关系。

事实上浪漫派的许多象征和主题都和这些哥特次文化相当类似，这时期的一些作家十分热衷于描写人心的黑暗、空虚面，性妄想、恐怖、神秘的题材都在文学作品中被广泛地运用。此外，在视觉艺术上，浪漫派的画家同样偏爱黑暗、凄凉的景致。

相关背景在哥特式小说，可以看到哲学、基督教《圣经》、古希腊罗马文学以及戏剧的影响。如古英语时期著名史诗《贝奥武夫》、莎士比亚悲剧（城堡、鬼魂的加入，坟墓、血腥、死亡……）、《浮士德》等。

“让鬼魂、女巫上场，直接参与舞台表演，利用伊丽莎白时代人们普遍存在的迷信观念，来帮助制造气氛，展开情节，刻画人物，从而取得了惊人的戏剧效果。”——莎士比亚（日尔曼民间传说，浮士德用灵魂同魔鬼做交易。）

“浮士德成了哥特小说中的原型人物，而‘浮士德式交易’至今仍是哥特小说最突出的主题之一。”——肖明翰《英美文学中的哥特传统》产生、特点及意义1764年，英国作家Horace Walpole创作了以中世纪为背景的充满罪恶、暴力的《The Castle of Otranto》，因其副标题为“A Gothic Story”，开创西方哥特小说的先河。

厄斯特雷克曾评价说，Walpole是最早将“哥特”一词引入文学领域的作家，“城堡是哥特式的，恐怖和迷信是哥特式的，骑士制度和中世纪是哥特式的……尤为重要的是，Walpole伴随着他的哥特式的鬼怪故事和草莓山庄的建筑脱颖而出了。”“‘哥特式’小说的意义首先在于：它虽然采取了不合理的怪诞形式，还是企图反映正在形成的资本主义社会纠缠不清的复杂现实。

它对继起的文学作品的影响正和这一点有关系。神秘、怪诞、痛苦的恐怖，以及其他类似的特点，在浪漫主义作家的作品中得到发展。

他们继承了‘恐怖神秘’小说所包含的社会批判的成分，并且把它们深刻化。他们也采用了以哲学理解来处理怪诞成分的手法。”

——阿尼克斯特《英国文学史纲》哥特小说的怪诞特征包括鬼魂、幽灵、巫术魔法、异境、死而复生等。自文艺复兴起，艺术家们用怪诞一词来称某种滑稽的欢乐，无所顾忌的古怪和面对一个完全陌生的世界时产生的一种险恶的预感。

18世纪以前，它的主要意思是“超自然”、“奇特”、“荒诞”等，18世纪后不少人开始意识到它还含有一定的现实和真理的成分。其中，雨果是谈论怪诞的浪漫主义时代里最值得关注的一位作家。

“一方面，它创造了畸形和可怕；另一方面，创造了可笑与滑稽。它把千种古怪的迷信聚集在宗教的周围，把万般奇美的想像附丽于诗歌之上……丑就在美的旁边，畸形靠近着优美，粗俗藏在崇高的背后，恶与善并存，黑暗与光明相共。”

——雨果《〈克伦威尔〉序言》很容易联想到卡西莫多的形象。雨果的《巴黎圣母院》正属于哥特体小说。

不能不提的是爱伦？坡。喜爱哥特体小说的可以去读他的作品集，比如短篇小说集《Tales of Grotesque and Arabesque》。

顺便提一下他的不少作品中也透出强烈的唯美主义色彩以及颓废派（典型如拜伦）文风，比如诗歌《Annabel Lee》。（其实爱伦？坡就是个唯美主义者）另有我很喜欢的两本，《呼啸山庄》与《魂断威尼斯》。

和《巴黎圣母院》一样，我想前者不用多介绍了吧。

请教高手：“哥特体”相关的历史

最早"Gothic"这个字是起于文艺复兴时期被用来区分中世纪时期（Middle Ages,5~15世纪）的艺术风格，它的源由是来自于曾于西元3~5世纪侵略意大利并瓦解罗马帝国的德国哥特族人，在15世纪时，意大利人有了振兴古罗马文化的念头因而掀起了灿烂的文艺复兴运动，由于意大利人对于哥特族摧毁罗马帝国的这段历史情仇始终难以释怀，因此为了与这段时期有所区隔，他们便将中世纪时期的艺术风格称呼为Gothic，对他们而言即意味着野蛮。

仅管Gothic这个字原始上是带有负面的含义，但事实上为数可观的美丽艺术作品都在此时被创作出来。哥特体是古代教会等机构用来抄写的一种艺术字型，是相当华丽的书写和印刷风格，多见于中世纪时的神学文献。

，竖线较粗，且多有装饰性很强的缀线，但是相当不容易辨认。://seji/down/Softlist/Catalog_85_SoftTime_Desc_1以上网页中有几个哥特字体的样子，可以自己看一下。

哥特的历史

哥特（Gothic）这个特定的字汇原先的意思是西欧的日耳曼部族。在18世纪到19世纪的建筑文化与书写层面，所谓“哥特复兴”（Gothic Revival）将中古世纪的阴暗情调从历史脉络的墓穴中挖掘出来。

哥特人的来源：

哥德人是日耳曼的部落，从公元第一世纪开始，罗马人就已经知道他们居住在多瑙河的边界地区。当匈奴人从中亚往西边迁移时，哥德人因为受到压力而从该地区撒离。他们向西迁徒到欧洲，并越过多瑙河以逃离迎面而来的游牧部落。自罗马衰落之后，中古早期的哥德人就与其他蛮族争夺西罗马帝国留下来的土地。

我们唯一知道的是哥德人来自波罗的海的葛兰岛，当他们南渡至中欧时分裂为两个群体。西哥德人在公元第二世纪时，定居于今天的罗马尼亚；东哥德人继续往东迁移到黑海的西北岸。在376年，西哥德人在匈奴人的压迫下，从今天的罗马尼亚南渡多瑙河。合计男子与妇孺的人数约有六万人。他们打败来自君士坦丁堡的罗马军队，一度定居在多瑙河南岸，然后向意大利挺进。409年时，西哥德人在国王阿拉烈的领导下劫掠罗马城，然后往北迁徒到高卢。罗马人只好让出西南部的高卢，其势力最后扩展到今天的整个西班牙。

东哥德人在匈奴人的统治下撒离，跟随同族人（西哥德人）曾走过的路线，于第五纪后期进入意大利。这项入侵行动乃受到东罗马帝国的耸恿，因为东罗马帝国想藉此消耗这些族群的力量，然后以总督的身份去统治意大利。在狄奥多里克（今天瑞士和巴尔干地区的国王）的指使下，哥德人在488年进入意大利，并在493年完全征服她。

狄奥多里克在526年死后，王国并没有维持多久。拜占庭以争取王位继承为藉口于536年派出由贝利沙鲁斯将军指挥的军队到意大利。拜占庭希望重夺意大利，并恢复古罗马帝国在西方的领土。战争一直持续，加上瘟疫和饿荒，乡间地区遭到严重破坏。在552年，东德人终于在意大利战败。在公元第六世纪的后期，当意大利被新来的蛮族伦巴底人入侵后，东哥德人就被消灭，幸免于难者崩散为小群体。

西哥德人在西班牙的王国就维持得比较久。在公元第五世纪后期，法兰克的克洛维把西哥德人从法国本土驱赶到庇里牛斯山以外的地区。随着克洛维去世，其王国也出现分裂，使西哥德人暂时得以喘息。711年，新的威胁来自南方。 的军队从北非渡海而来，仅用了四年的时间就把最后一个哥德王国消灭。

哥德人是史上首批能够劫掠罗马城的武力，光凭这点便令后世难忘；而古代世界的秩序也因而开始在欧洲瓦解。他们很欣赏罗马城并企图加以维护，让许多罗马文化得以留存下来。例如，现代的意大利、西班牙、葡萄牙和罗马尼亚的语言都是起源自拉丁语，然后受到这些地区的居民影响而形成这些国家的语言，情况与日耳曼语在英格兰流传下来类似。

参考资料：

://baikebaidu/view/59813

谁能给我讲讲歌特的历史

钟爱的歌特 何谓"Gothic"？首先，从字面上来解释，它包含了三种意义，第一，在建筑上的哥特式建筑如大教堂（cathedral），其最大的特色就是高大的梁柱和尖拱形的天花板与结构；第二，在文学上哥特是用以形容那些以黑暗寂寞地点（如荒废城堡）为背景的奇异、神秘之冒险故事；第三，哥特也代表一种字体相当华丽的印刷或书写风格。

最早"Gothic"这个字是起于文艺复兴时期被用来区分中世纪时期（Middle Ages,5~15世纪）的艺术风格，它的源由是来自于曾于西元3~5世纪侵略意大利并瓦解罗马帝国的德国哥特族人，在15世纪时，意大利人有了振兴古罗马文化的念头因而掀起了灿烂的文艺复兴运动，由于意大利人对于哥特族摧毁罗马帝国的这段历史情仇始终难以释怀，因此为了与这段时期有所区隔，他们便将中世纪时期的艺术风格称呼为Gothic，对他们而言即意味着野蛮。仅管Gothic这个字原始上是带有负面的含义，但事实上为数可观的美丽艺术作品都在此时被创作出来。

12世纪时，由于建筑技术的精进，因而造就了大量哥特式教堂的诞生，其中最着名的就属巴黎的圣母院大教堂（Notre Dame）。当然，哥特式风格也不仅止于建筑，诸如雕刻、玻璃制品、装饰品和彩缯图稿等等，都深受影响，这类艺术创作从12世纪中到16世纪初一直绵延不断。

事实上宗教在哥特艺术上扮演着极重要的角色，不论是画家或雕刻家，在他们的作品上都喜爱以宗教为题，对于写实的题材则不甚感兴趣。 约在公元1800年左右登场的浪漫主义运动（Romantic Movement），哥特与中世纪文化再度受到人们的亲睐而得以复苏，浪漫主义可说是对于启蒙运动（the Enlightenment）理性主义（Rationali ）的反动，感性、非理性的态度是这个运动的中心，而在这个时期，哥特开始与黑暗、奇异、古怪扯上关系，事实上浪漫派的许多象征和主题都和这些哥特次文化相当类似，这时期的一些作家十分热衷于描写人心的黑暗、空虚面，性妄想、恐怖、神 的题材都在文学作品中被广泛地运用。

此外，在视觉艺术上，浪漫派的画家同样偏爱黑暗、凄凉的景致。在哥特小说中最典型的象征就是吸血鬼（vampire），经典作品Bram Stoker的「Dracula」甚至在书中加入了吸血鬼的图象，其可谓为发19世纪哥特文学以吸血鬼为题的滥觞。

时间来到1980年代，新的哥特运动在英国开始上演，哥特运动的出现或许可视为是对先前朋克文化（Punk）的反动，不论如何，哥特精神开始在音乐上展现其影响力，哥特音乐同样喜好以人性的黑暗、空虚面为题，并且对死亡亦有着浓烈的兴趣，缓慢、悲伤甚至是恐怖都是其音乐的特色，而吸血鬼再度成为这些主题的最佳象征。 除了音乐上的表现，哥特派的艺人团体亦在视觉上展现死亡美学，如脸色画以惨白，着黑色服装，或是英国19世纪维多利亚式的褶边服装，而中古世纪的废墟、哥特式建筑亦被广泛运用。

英国的哥特运动在80年代中期达到了最高峰，最具代表性的乐团为The Sisters of Mercy、The Mission和Fields of the Nephilim等。 就音乐风格来说，此时期的英国哥特音乐被称为New Wave，其在摇滚乐中加入了大量的合成器（键盘），以及前述的哥特元素，甚至也带有电子味。

而Gothic rock/New Wave在传入美国后则进一步发展出industrial的分支，着名的团体有Ministry和Nine Inch Nail等；另一方面，在欧洲则更驱向电子乐发展。 而虽然哥特音乐在欧洲各地多朝向电子乐发展，同时也有一些其他的变形，但事实上哥特式的金属乐也在90年代初期开始蕴酿，并终于在1995年由挪威名团Theatre of Tragedy的首张同名专辑昭告了哥特气氛金属时代的来临。

不过在开始谈哥特金属前，我们不得不先从毁灭金属（doom metal）讲起，doom metal是一种沈重、黑暗、缓慢、忧郁而哀伤的音乐型态，有人认为doom metal最早的起源可以追朔到Black Sabbath的首张同名专辑，及随后的专辑，不过真正doom metal风格的确立则是从瑞典名团Candlemass於1986年发表的专辑开始。相当多的doom metal团都在80年代末至90年代初期时诞生，随后的英国名团My Dying Bride更将小提琴的编制纳入其中，成为了日后凄凉派doom metal乐团借镜的先驱。

而doom metal在90年代后也开始有多方面的发展，Theatre of Tragedy便是率先将doom metal与来自gothic rock的启发，相互融合进而开创出了新一派的gothic doom metal，而TOT也可说是带起了哥特风再一次复兴的首要功臣，TOT的成功使得这股哥特金属风潮由北欧开始迅速向外蔓延。 Theatre of Tragedy的几项特色都成为此后哥特派金属的基本要素，尤其是已成为今日主流风格的gothic death，如采death metal残暴男腔（甚至是black metal的尖吼黑腔）搭配柔美女音的对唱形式，这正是 色浪漫的哥特精神，这种对比作风亦象徵着黑暗（死腔和金属乐部份）与光明、生命及爱（女音、钢琴和交响部份）之间的对抗。

而TOT女高音主唱Liv轻柔、不食人间烟火的曼妙唱腔也不知早已征服多少钢铁男子的心了。 不过欧洲各国因为文化的差异，使得gothic metal亦发展甚至延伸出许多不同的形态，除了gothic doom外，在荷兰则。

哥特式风格的具体特征和历史是什么

哥特，是来自中世纪的蛊咒。哥特文化从中世纪的兴起，几经波折发展到今天的卷土重来，有着其相应的社会历史背景。我想其中不可忽视的一点是，整个人类在20世纪都愈来愈深地感觉到生存意义的质疑。这种虚无主义的发展标榜了我们这个时代的精神特征。二战后西方文化发展过程中所出现的神学复苏的思潮即是证明。哥特风潮的回归，与其说是恰好迎合了人们的心理需求，不如说是大众有意识地发掘出了这种亚文化形态，并进一步完善了它以满足精神上的需要。

突出的哥特风格

音乐上：darkwave、gotht-echno、dark-alternative、ambiente之类的名词都是“哥特风格”。

再具体形容：黑暗的恐惧、死亡的悲伤、禁忌的爱、彻底的痛苦带来的美感，简而言之，人类精神世界中的黑暗面。

我想知道关于哥特的一切,历史,习俗,象征,死亡等

哥特人是日耳曼的部落，从公元第一世纪开始，罗马人就已经知道他们居住在多瑙河的边界地区。当匈奴人从中亚往西边迁移时，哥特人因为受到压力而从该地区撒离。他们向西迁徙到欧洲，并越过多瑙河以逃离迎面而来的游牧部落。自罗马衰落之后，中古早期的哥特人就与其他蛮族争夺西罗马帝国留下来的土地。

我们唯一知道的是哥特人来自波罗的海的葛兰岛，当他们南渡至中欧时分裂为两个群体。西哥特人在公元第二世纪时，定居于今天的罗马尼亚；东哥特人继续往东迁移到黑海的西北岸。在376年，西哥特人在匈奴人的压迫下，从今天的罗马尼亚南渡多瑙河。合计男子与妇孺的人数约有六万人。他们打败来自君士坦丁堡的罗马军队，一度定居在多瑙河南岸，然后向意大利挺进。409年时，西哥特人在国王阿拉烈的领导下劫掠罗马城，然后往北迁徙到高卢。罗马人只好让出西南部的高卢，其势力最后扩展到今天的整个西班牙。

东哥特人在匈奴人的统治下撒离，跟随同族人（西哥特人）曾走过的路线，于第五纪后期进入意大利。这项入侵行动乃受到东罗马帝国的耸恿，因为东罗马帝国想藉此消耗这些族群的力量，然后以总督的身份去统治意大利。在狄奥多里克（今天瑞士和巴尔干地区的国王）的指使下，哥特人在488年进入意大利，并在493年完全征服她。

狄奥多里克在526年死后，王国并没有维持多久。拜占庭以争取王位继承为藉口于536年派出由贝利沙鲁斯将军指挥的军队到意大利。拜占庭希望重夺意大利，并恢复古罗马帝国在西方的领土。战争一直持续，加上瘟疫和饥荒，乡间地区遭到严重破坏。在552年，东哥特人终于在意大利战败。在公元第六世纪的后期，当意大利被新来的蛮族伦巴底人入侵后，东哥特人就被消灭，幸免于难者崩散为小群体。

西哥特人在西班牙的王国就维持得比较久。在公元第五世纪后期，法兰克的克洛维把西哥特人从法国本土驱赶到庇里牛斯山以外的地区。随着克洛维去世，其王国也出现分裂，使西哥特人暂时得以喘息。711年，新的威胁来自南方。 的军队从北非渡海而来，仅用了四年的时间就把最后一个哥特王国消灭。

哥特人是史上首批能够劫掠罗马城的武力，光凭这点便令后世难忘；而古代世界的秩序也因而开始在欧洲瓦解。他们很欣赏罗马城并企图加以维护，让许多罗马文化得以留存下来。例如，现代的意大利、西班牙、葡萄牙和罗马尼亚的语言都是起源自拉丁语，然后受到这些地区的居民影响而形成这些国家的语言，情况与日耳曼语在英格兰流传下来类似。

[编辑本段]哥特文

哥特文一类印刷或手写的字体，非常华丽。

即OLD ENGLISH TEXT

哥特和洛可可都是装饰性很强的字体，他们比较重视线条，花纹的变化也采用了植物做装饰。可以了解一下18——19世纪那个时候的英国美术运动。多注意字体线条的粗细，还有就是是注意边角的设计。

哥特式建筑是11世纪下半叶起源于法国，13~15世纪流行于欧洲的一种建筑风格。主要见于天主教堂，也影响到世俗建筑。哥特式建筑以其高超的技术和艺术成就，在建筑史上占有重要地位。

哥特式教堂的结构体系由石头的骨架券和飞扶壁组成。其基本单元是在一个正方形或矩形平面四角的柱子上做双圆心骨架尖券，四边和对角线上各一道，屋面石板架在券上，形成拱顶。采用这种方式，可以在不同跨度上作出矢高相同的券，拱顶重量轻，交线分明，减少了券脚的推力，简化了施工。

飞扶壁由侧厅外面的柱墩发券，平衡中厅拱脚的侧推力。为了增加稳定性，常在柱墩上砌尖塔。由于采用了尖券、尖拱和飞扶壁，哥特式教堂的内部空间高旷、单纯、统一。装饰细部如华盖、壁龛等也都用尖券作主题，建筑风格与结构手法形成一个有机的整体。

印象派绘画(Impressionism)是西方绘画史上划时代的艺术流派，19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。19世纪后半叶到20世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制，除了这次来华展出的著名画作外，马奈的《草地上的午餐》、莫奈的《日出·印象》、凡高的《向日葵》等更是鼎鼎大名。 印象派是19世纪后半期诞生于法国的绘画流派,其代表人物有莫奈、马奈、卡米耶·毕沙罗、雷诺阿、 西斯莱、德加、莫里索、巴齐约以及保罗·塞尚等。他们继承了法国现实主义(Realism)前辈画家库尔贝“让艺术面向当代生活”的传统,使自己的创作进一步摆脱了对历史、神话、宗教等题材的依赖,摆脱了讲述故事的传统绘画程式约束,艺术家们走出画室,深入原野和乡村、街头,把对自然清新生动的感观放到了首位,认真观察沐浴在光线中的自然景色,寻求并把握色彩的冷暖变化和相互作用,以看似随意实则准确地抓住对象的迅捷手法,把变幻不居的光色效果记录在画布上,留下瞬间的永恒图像。这种取自于直接外光写生的方式和捕捉到的种种生动印象以及其所呈现的种种风格,不能不说是印象派绘画的创举和对绘画的革命。印象派美术运动的影响遍及各国,获得了辉煌的成就。直到今天,他们的作品仍然是人类最受欢迎的艺术珍宝。 印象派，也叫印象主义，19世纪60—90年代在法国兴起的画派。当时因克劳德·莫奈的油画《日出·印象》受到一位记者嘲讽而得名。1874年第一届印象派画展在巴黎卡皮西纳大道的一所公寓里举办,有31位印象派画家参展。 1874年，有一群年轻的画家在巴黎组织了一个他们自己的画展，来向官方的沙龙挑战。包括莫奈、雷诺阿、毕沙罗、西斯莱、德加、塞尚和莫里索等在内的画家们不仅有各异的性格和天赋，而且在某种程度上他们还具有不同的观念和倾向，但是，他们诞生在同样的时代，有着同样的经历，并且向同一的反对派斗争过。他们欣然接受一些杂志的讽刺文章作家封给他们带着嘲笑味道的称号——“印象派”。 《吹短笛的男孩》，又称吹笛少年，1866年 ,160x98cm ,布 油彩 ,巴黎 奥赛博物馆 ,爱德华·马奈 法国 《吹笛少年》画中描绘的是近卫军乐队里的一位少年吹笛手的肖像。画家在探索形与色的统一时，注意到人物个性特征的刻画。在色彩上追求一种稳定的、几乎没有变化的亮面，然后突然转入暗部，将人物置于浅灰色、近乎平涂的明亮背景中进行描绘，用比较概括的色块将形体显示出来。在这幅画中没有阴影，没有视平线，没有轮廓线，以最小限度的主体层次来作画，否定了三度空间的深远感。杜米埃说过马奈的画平得像扑克牌一样。 自然主义作家左拉曾在这幅《吹短笛的男孩》面前赞叹道：“我相信不可能用比他更简单的手段获得比这更强烈的效果的了。”虽然现在看来，这幅画给人带来的震撼并未见得有多强烈。然而在马奈那个时代，这幅画的好处恰恰在于叛逆，不合当时的礼教。第一没什么内容，第二没有什么深意，就是个小男孩，什么都不代表，什么都不说明。而且马奈画的时候非常快，完全变革了以前的画法！当时官方沙龙展的评委们都不愿意收这幅作品，谁又想到100多年后，这幅画市值8亿人民币。 权威评价：19世纪60年代，刚刚摆脱第一任老师库图尔的权威的马奈，又遭到同时代人的不理解，他在沙龙中经历了好几次失败。他在室内作的与实体同样大小的人物绘画给人一种奇怪的印象，遭到许多批评，例如这幅《吹短笛的男孩》，被1866年的官方沙龙展的评判委员会拒绝。 这幅画表现一个皇家卫队的年轻轻骑兵正在吹短笛，这是一种声音尖锐的木制小笛子，它用于引导士兵投入战斗，笛子的名称成了画的题目。由一儿童在画家的画室里扮演的乐师占据了画的中心位置。他清楚地显现在色调细微变化的灰底色上，画底没有给出一个确切的空间，仅仅给人一种空气在他的周围流动的印象。画家在他的肖像画中常常使用的这种中性的不可触知的背景，是受黄金时代的西班牙画家，尤其是贝拉斯克斯和牟利罗的启迪，马奈不久前去马德里旅行期间，对他们大加赞扬。由于想让被画对象看起来是孤立的，避免造成这是在游行或军事训练现场创作的印象，马奈没有加进任何轶事性背景成分。孩子、服装及短笛构成画的惟一主题。画是在画室的冷光线中完成的，这一点从投到地上的短影可以得到证实。 马奈很早就参军了，是一名水兵，他以怜悯的目光看着这个孩子兵，为因画画需要而穿上的这身行头感到骄傲。他的全部注意力都集中在这身由红、黑、白、金色装饰的完美军服和短笛的金色金属套上。用白色布带束住的乐管在男式紧身短上衣的深色呢绒上和裤子的茜红色呢上闪闪发亮，短上衣上饰有铜纽扣。紧束孩子的上半身的布带形成一道亮光，与白色的鞋罩相映衬。只有孩子的脸和手有生气，与有点僵硬、看不出细节的侧影形成明显的对照。马奈的同时代人指责这缺少厚度，处理过于简单，像是厄比纳尔城印出来的天真的民众像。背景与人物之间没有配景，也没有联系，这些也使人物显得不真实。人物用大色点处理，很像扑克牌上的人头像和日本的铜版画。马奈的《吹短笛的男孩》今天普遍受到好评，这幅画是马奈对很少被印象派画家画的军队主题的一个无视传统观念的挑战。 这幅画的朴实无华证实了艺术家的现代性，他是一切陈规之敌，他通过其作品表达一种新的世界观。“我相信不可能用比他更简单的手段获得比这更强烈的效果的了。”自然主义作家左拉在《吹短笛的男孩》面前赞叹道。 马奈简介： 马奈Adouard Manet(1832-1883)是法国印象主义画派中的著名画家，是亨利·凡汀·拉图尔的《巴迪侬画室》画作中位于中间的那个人，他对欧洲绘画的发展有重要贡献；尽管他从来没有参加过印象派画家的联合展览，仍被认为是印象主义画派的奠基人，很早就被后来的印象派画家们视为大师。这些画家比马奈年轻10岁左右。尽管马奈得到了这个尊称，尽管他与这些年轻画家保持着友好关系并同他们一起外出写生，他却始终拒绝参加印象派组织的画展。由于希望得到官方的承认，他从1859年开始定期将画作送给沙龙评审委员会审查。他参加沙龙的运气时好时坏：有时他成功地被接受，如当他于1861年在沙龙上展出一幅名为《弹吉他的人》的画作时（现存于美国纽约大都会艺术博物馆），有时又被轻蔑地拒之门外，如当他于1866年向沙龙提交一幅名为《吹短笛的男孩》的画作时。 马奈的成就主要体现在人物画方面，第一个将印象主义的光和色彩带进了人物画，开创了印象主义画风。马奈早年受过学院派的六年教育，后又研究许多历代大师的作品，他的画既有传统绘画坚实的造型，又有印象主义画派明亮、鲜艳、充满光感的色彩，可以说他是一个承上启下的重要画家。他的作品（尤其是肖像画）很自然地反映出了人物的性格和心理。《吹笛少年》用几乎没有影子的平面人物画法，表现人物的实在，从这里我们可以看到莫奈的才气和自负感。此画明显带有日本浮世绘版画的影响。 印象主义Impressionnism（1874-1886）：不依据可靠的知识，以瞬间的印象做画。画家们是抓住一个具有特点的侧面去做画，所以他们必须疾飞画笔把颜色直接涂在画布上，他们只能多考虑画的总体效果，较少的顾及枝节细部。印象主义的以粗放的笔法做画，作品缺乏修饰，是一种外表草率的画法。印象主义采取在户外阳光下直接描绘景物，追求光色变化中表现对象的整体感和气氛的创作方法，主张根据太阳光谱所呈现的赤橙黄绿青蓝紫七种颜色去反映自然界的瞬间印象，印象主义的作品选择的题材面比较广泛，无论是在城市或是在乡村，画家都试图捕捉到瞬息多变的大自然。 在艺术观点上，印象主义画家反对当时占正统地位的古典学院派，反对日益落入俗套、矫揉造作的浪漫主义绘画(Romanticism)，而是在C柯罗、巴比松画派和G库尔贝等人的写实画风的推动下，吸收荷兰、英国、西班牙、日本、中国等国家绘画的营养，同时受现代科学，尤其是光学的启发，认为一切色彩皆产生于光，于是他们依据光谱赤橙黄绿青蓝紫七色来调配颜色。由于光是瞬息万变的，他们认为只有捕捉瞬息间光的照耀才能揭示自然界的奥妙。因此在绘画中注重对外光的研究和表现，主张到户外去，在阳光下依据眼睛的观察和现场的直感作画，表现物象在光的照射下，色彩的微妙变化。由此印象主义绘画在阴影的处理上，一反传统绘画的黑色而改用有亮度的青、紫等色。印象派绘画用点取代了传统绘画简单的线与面，从而达到传统绘画所无法达到的对光的描绘。具体的说，当我们从近处观察印象派绘画作品时，我们看到的是许多不同的色彩凌乱的点，但是当我们从远处观察他们时，这些点就会像七色光一样汇聚起来，给人光的感觉，达到异想不到的效果。 由于个人的兴趣不同，印象主义画家又分为重光和色彩与重造型和素描两种类型，前者以莫奈、雷诺阿为代表，后者以德加为代表，卡米耶·毕沙罗则介于两者之间。 由于追求外光和色彩的表现，印象主义画家主要把身边的生活琐事和直接见闻作为题材，多描绘现实中的人物和自然风景。在构图上多截取客观物象的某个片断或场景来处理画面，打破了写生与创作的界限。 印象主义画家先后举办了8次展览，前两次均受到当时舆论界的猛烈抨击，以后逐渐成为具有很大影响的美术流派，并扩大到其他艺术领域。印象主义绘画在形成和发展过程中，曾得到E马奈的支持与鼓舞。 作为一种美术思潮，印象主义绘画在世界美术史上具有重要地位，它推动了以后美术技法的革新与观念的转变，对欧美、日本乃至中国的画家产生过或大或小的影响。

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