浪漫注意音乐以它特有的强烈、自由、奔放的风格与古典主义音乐的严谨、典雅、端庄的风格形成了强烈的对比。如果贝多芬的音乐只是黑白**或版画的话，那么浪漫乐派作品则像水彩画和五颜六色的油画。这一时期产生了两种不同的浪漫主义音乐流派。一种是以勃拉姆斯为主要代表的保守浪漫主义，另一种是积极浪漫主义。浪漫主义音乐时期也是欧洲音乐发展史上成果最为丰富的时期，它极大丰富和发展了古典主义音乐的优良传统，并有大胆的创新，这一时期的许多音乐珍品至今仍深受人们的喜爱和欢迎。
十九世纪初,欧洲文学艺术普遍形成了一种新的潮流、新的风格，就是的“浪漫主义”。它是一种“势如破竹的、反对权威、传统和古典式的运动，在18世纪后期到19世纪中期横扫西方文明。”（见《简明不列颠百科全书》中译本）
在文学史上，浪漫主义一般指1830—1850年代的创作，而音乐的浪漫主义稍晚于文学，并且延续的时间较长，可以说浪漫主义在音乐的领域里，基本上贯穿整个19世纪。我们说：浪漫主义不仅是一个创作方法和作品风格的问题，而更是一个内容复杂的世界观和艺术观的问题。
在音乐方面，浪漫主义的形成是在十九世纪二十年代。它的奠基者是奥地利作曲家舒伯特和德国作曲家韦伯。前者的创作是抒情歌曲、交响乐、室内乐等，后者则主要是一个浪漫主义的歌剧作曲家。
1830年的欧洲资产阶级革命，促使各国任命革命意志的奋发和民族意识的觉醒，形成了进步的浪漫主义思潮的高涨，出现了法国的柏辽兹、意大利的罗西尼、德国的舒曼、门德尔松和波兰的肖邦等作曲家。
浪漫主义音乐具有自己的一些风格特征。浪漫主义的艺术侧重感情，理性属于次要地位，对整个世界和现实生活的各种现象，都通过个人的主观感觉来表现。因此，抒情性、自传性和个人心理刻画就成为浪漫主义音乐的主要特征之一。它反映了纯主观的个人感情，但也有一定的社会典型性。
下面我将具体谈一下浪漫主义时期的主要特点：
对音响、音色的追求是浪漫主义音乐的一个突出特点。浪漫主义时期讲求音响的丰满、和谐、充实、舒适；而且要求色彩性强，无论乐器还是人声，都追求新的音色。到浪漫主义末期，管弦乐队的人数一般达到一百人；铜管、木管、打击乐得到了更充分的使用，铜管增加了长号、大号、圆号和小号的数量也有增加；木管增加了低音巴松、低音单簧管、英国管，而短笛成了固定的成员。乐队的中音区乐器得到扩充。此外，有时还使用三角铁、竖琴等色彩性乐器。这是的乐队音响辉煌、宏伟。声乐方面，丰富的歌剧创作提供了多样的音色，男高音得到了空前的发展。这时游乐各种不同的风格，如活泼轻快、热情洋溢、充满感情的法国风格，强有力的戏剧性的歌剧男高音风格，歌剧中英雄性的男高音风格，呜咽凄凉的意大利风格，圆润伤感的俄罗斯男高音风格等等。
旋律的重要地位在古典全盛时期就已经显示出来了，到浪漫主义时期更加突出。
旋律的歌唱性、抒情性成了十九世纪浪漫风格的重要特点。在贝多芬时期，器乐音乐的主题与艺术歌曲之间，有着明显的区别。但浪漫时期，情况不同了。舒伯特及其歌曲有着很大的影响力。他的歌曲作品通过一些流浪者、失恋者、梦幻者及孤独的、无依无靠的可怜人，以自我感受的方式，生客地反映了他对黑暗社会的感受和痛苦。其中以声乐套曲《美丽的磨房姑娘》和《冬之旅》最为典型。这些作品说明了当时在浪漫主义时期音乐歌曲创作的抒情性的典型特点。舒伯特的歌曲中旋律最有个性，也是他的作品最突出的地方，当然也是此时期的创作特点的一个体现。在风格上，他的歌曲旋律有浪漫主义的甜美和忧郁风格，如《流浪者》、〈你是安宁〉。这一点领导并体现了烂漫主义时期音乐作品在旋律上的一个特点。这种歌唱性的旋律贯穿了整个十九世纪，在大型交响乐和抒情钢琴小品，弦乐四重奏以及协奏曲等等各类体裁之中得以体现。
浪漫时期的旋律结构与古典时期有所不同。古典时期较多为平均、平衡、闭合，以进为主，若有隔音跳进或大跳，均要与其反向的级进进行相平衡，形成“拱型”结构，而浪漫风格的旋律则为了表情的需要。喜欢使用大跳音程，常常是六七度，甚至四个八度的大跳和许多增减音程的跳进。为了在乐曲中进行充分的展开，浪漫风格的主题旋律本身包含多种变化的可能性。后期浪漫主义音乐的动机继承了贝多芬的传统，具有动力性和对比性。其器乐作品的旋律带有交响性的紧张度。甚至在歌剧中也得以运用。另外，采用它的旋律经常采用或模仿民族舞蹈的曲调和民间音乐的特点，构成不规则的句法或大小调音节交替等。
在节奏方面较古典时期自由了一些。最常见的是交叉节奏的使用。快速不规则的音响与稳定节拍的结合，以及两个或更多节奏型的同时使用等，都是这个时期节奏的特点。
和声调性方面。浪漫主义时期音乐中，和声的发展和变化十分突出。许多浪漫作曲家恰是以其和声的独特而显示出个性的。这是为边县丰富多样的情感所决定的，也体现欧洲文化及思维的特点。
通过调性上、音区上、和声上、的色彩性变化来刻画音乐形象，刻画个人心理状态的发展，这种力求多方面地刻画一个音乐形象的表现手法，正是浪漫主义音乐的富有特征的表现手法之一。
古典时期不大使用不协和和弦，假使使用，也大多以功能的方式出现，如增强属主的紧张度，或在转调中使用。但浪漫主义作曲家却经常使用变化音及色彩和声。他们把不协和和弦提高到了协和的地位。浪漫主义时期还开始在三和弦的基础上，用三度叠置构成九和弦、十一和弦、十三和弦等。后期则采用多种方式写出持续和弦，造成乐曲更强渴望的、寻求解决的效果。
在调性上，浪漫主义广泛使用十二个调，同时小调的地位得到了显著的提高，提供了自由运用变化音的可能性，也使音乐具有了戏剧性。当时这个时期，仍然以主调为主，但复调也占重要位置，音乐有了和谐丰满、戏剧性强等特点
贝多芬是维也纳古典主义，并不是浪漫主义的开端什么的…早期浪漫主义的先驱者参考韦伯。
请不要置顶这样的错误回答误导他人，
浪漫主义受到文艺复兴的人文主义思想所影响，追求个性解放，强调个人主观情感夸张式宣泄，拒绝任何既有规则的限制，自由奔放，无拘无束。
音乐鉴赏论文 内容提要：这篇文章对音乐鉴赏的内容和特点以及它对学生身心素质和欣赏品位的提高做了比较全面的论述。从音乐的发展到流行音乐的盛行，乐器的不同介绍，著名音乐家和著名音乐曲子的介绍等等不同的方面对音乐鉴赏的必要性和对大学生素质提高的 重要性做介绍。认识到音乐鉴赏是一个人所必需的素质。 关键词：音乐鉴赏 发展 品位提升 我一直觉得音乐的世界是一种虚拟中的征服，它用不同的方式征服着不同种类的人的心情。再普通的人，不管他的知识层面如何，不管他的地域文化所带来的差异如何，他都具有一样与生俱来的能力，那就是音乐鉴赏的能力。音乐对于喜欢他的人来说只限于欣赏的品位和能力。对他的了解并不仅仅限于听上，要从各方全面了解。具有良好的音乐鉴赏能力对情感的培养和素养的提升都有很大的帮助，所谓“阳春白雪和下里巴人”不是轻而易举就能分辨出来的。 音乐是由情而发，纵贯历史，横看中西，文明的发展中总有音乐这个重要的角色去推动着，从远古的诗经的朴素到唐诗宋词的华丽和缠绵但元曲的现实和丰富，它们不仅见证着中国文学的巨大发展，加之中国传统古典乐器就成为中国古典音乐的繁荣发展史，我们不禁赞叹：古人用他们特有的智慧让我们后代人体会到了穿越历史时空的民族风格，地域风格和时代风格。“高山流水”“阳春白雪”的传世经典，一直到后来的民族音乐的盛行，中国几千年的音乐风格在经久不衰地传递着华夏民族最具特色的东方文化。 西方传统音乐以神秘浪漫为主，很多宗教思想的写照，钢琴的加盟使它越来越具抒情、浪漫、自然风格。经过中世纪时期、艺复兴时期、巴洛克时期、古典主义时期、浪漫主义时期，西方音乐的发展越来越成熟，越来越丰富。与中国古典音乐的空灵与返古相比，它所具有的浪漫是空前的。随着时代的发展，西方音乐越来越注重乐器的协奏和声调的组合，正如中西方意识形态一样，中西方音乐也呈现出它们截然不同但又各具韵味的时代和地域特色。历史的车轮转动着，承载着人类文明的不断发展，中西文化的不断交融，使音乐的风格也各自出现了变化。19世纪以来，西方音乐进入了一个新时期，经济的发展是音乐的大众化变的越来越深刻，流行音乐开始蔓延至全世界，华尔兹、波尔卡、探戈舞、布鲁斯、爵士音乐、摇滚等等，直到现在的通俗音乐，他给人的是自由的呼吸和心灵完美的感应，越来越多的流行音乐成为人们精神的港湾，它不是贵族化的奢侈而是平民化的消费，能被各种类型的人接受，成为世界范围的大众文化盛宴。处在这个时代，我们所拥有的不仅是对民族历史要了解多少，要全面发展自己，提高自己的人文素养还要对一定的音乐鉴赏能力。这就要求对音乐发展历史的了解，音乐鉴赏能力最为重要的一方面就是要对其背景的深刻理解。它不仅让我们在民族文化和不同的精神氛围下感受来自各方的熏陶，还让人对各个地域的人文、物质、感情、活动有更深一步的了解。能通过音乐这面镜子照射出更广阔的大千世界。正如要实践就要有一定的理论基础，音乐鉴赏不仅仅是会感受几首曲子听几首歌曲的事情，它是一门学问，需要从最基础的历史文化问题着手，这是音乐鉴赏最重要的一个环节，也是我们必须具备的，人人都会听歌，但又有几个人能听出其中的门道呢？ 音乐的发展使它越来越离不开乐器的发展，要有良好的音乐鉴赏能力离不开对乐器的全面的了解。在音乐这个庞大的家族里，乐器以它不可替代的地位张显着包罗万象的王者风范。中国传统乐器中最早的吹奏乐器有骨笛、骨哨等，接着的埙的发展以及管、萧、笙的发展，让古典音乐的发展更加丰富多彩。此外还有击奏乐器也极为常见，如罄、鼓。总之，时代的发展，乐器也是 一个最好的见证者。中国如此，西方更是如是。竖琴、钢琴、提琴、萨克斯、号、吉他等等，以其浪漫的声音张显着西方浪漫音乐风格。无论是埙、琴、古筝或是萧，它们所表现的是独特的中国古典文化，东方的神秘，像一个个全身散发着佳人内蕴的羞涩沉默的含羞带涩的美人。它们所给的是知己间的默契。而西方的钢琴、提琴等所散发出来的是无限的浪漫和遐想，听着那些流淌出来的声音仿佛是银色月光下的窃窃私语的情人。它们所带来的是法国葡萄酒的醇香，梧桐树的静谧，荷兰郁金香的雅致，丹麦人鱼的期望。再美的词与声音如果没有乐器的陪伴是无法打动人的听觉器官的，就像红花总要有绿叶来陪的。当然有些乐器本来就能演奏出最打动人心的音乐。古筝的《梅花三弄》、《平沙落雁》，钢琴的《命运交响曲》。乐器欣赏本身就是一门音乐欣赏，如果用乐器来代表音乐这是不为过的。在不同的乐器奏乐中我们在寻找着属于它本身所具有的那份真谛。音乐鉴赏能力的重要体现就在对不同乐器以及它所体现的思想的诠释有这深刻的体会。 音乐的本身就在于人对它的创作，它是一个客体，之所以蕴涵着独特的情感是因为人们赋予它自己的情素，伤感、快乐，一切的一切，通过人的主观的发泄并表现才有了音乐的精神灵魂所在。所以就产生了许多的著名音乐家和其创作的作品。中国的俞伯牙，西方的莫扎特，肖邦、德沃夏克、许茨等等。俞伯牙的《高山流水》是知己间的交流，师旷的《阳春白雪》，华彦钧的《二泉印月》、莫扎特的《费加罗的婚礼》，肖邦的〈革命练习曲〉等等，这些著名的作曲家和这些著名的作品无不时时刻刻向世界展示着他们的风采。音乐鉴赏能力的提高也要从这些方面培养，它们对于我们审美能力、感性思维、认知能力、判断能力、人文素养以及品位的提升都有帮助。我们不仅从中认识到文化的丰富，也无形中使感情受启发，可算是一种人文关怀了。音乐鉴赏能力的最终要从这些作品中得到提高。 现代美育提倡有机的把知识性、审美性、趣味性和道德性融合起来，良好的音乐鉴赏能力有助于我们做到这一点，它能让我们全面掌握知识、开启智慧、陶冶心灵、培养高尚人格。如：更好的理解〈欢乐颂〉能使人在轻松中寻找快乐的感觉；〈月光曲〉让人感到静谧的夜晚；革命歌曲给人战斗的力量。当今时代的特点使流行音乐成为了一种大众文化，爵士乐、摇滚、通俗以及最具代表的周杰伦风格的歌曲渗透着每一个角落，具有良好的鉴赏能力使我们能够在文化及其丰富的时代拥有评判好坏优劣的能力，能让我们去其糟粕取其精华，使个人修养得以提升。音乐鉴赏是一个人最基础的审美能力，无论是对学习还是对工作都需要我们去培养和提升。
浪漫主义是文艺创作的一种基本创作方式，最初出现在文学领域。从整体而言，音乐的浪漫主义时代是基于音乐风格而兴起的一个并不严格的时代划分，特指18世纪末至20世纪初期（可将1940年代视为一个参考下限）的一段时间。
浪漫主义音乐有几个非常具有代表性的关键词——个性、情感、自由、渴望、爱。人之所以独特是因具有独立的思想情感，而人们对于能够自由地表达思想和情感具有一种天生的需求。这些个人情感的表达最终指向的是一种遥不可及的渴望——对于浪漫主义而言，其中一种极为重要的渴望就是爱。
浪漫主义音乐的主题主要有怀旧和幻想两大类——他们极其热爱历史；而幻想是自由通往渴望的必然途径。这些幻想包括有英雄（理想的人）、童趣（自如纯朴）、蛮荒（无约束而孤独）、田园（和平安宁的归宿）等。
提到浪漫主义，不能不回顾古典主义的风格特色。浪漫主义紧接着古典主义而至，彼此之间有相当大的风格差异。古典主义崇尚的是结构感、平衡性和稳定（或者说永恒），以达到人对于整个过去，特别是基督教以前的希腊历史和文化的一种怀念。其主题是对古典文化与精神的崇敬、信仰和理解。因为文艺复兴的信念就是，我们的文艺理想在希腊时代。18世纪末至19世纪初期的新古典主义虽然核心不再是对古希腊和古罗马艺术的再现，但依旧是立足于严峻的题材进行创作。而浪漫主义崇尚的则是个人的、自由的、未来的，希望解构和不平衡。它更是个人的——你怎么想，怎么做，如何决定你的感受。它更强调个人的精神价值和对于外部世界的独立批判和思考。这一表述非常抽象，我们可以通过两位画家——雅克·达维特和卡斯帕·大卫·弗里德里希——的代表作来直观体现两种创作理念的差异。
雅克·路易·达维特 （Jacques-Louis David，1748—1825）法国大革命时期著名画家、新古典主义奠基人
贺拉斯，是罗马时代的一个家族。在古罗马共和制时期，罗马人与比邻的古利茨亚人发生战争。除了战争带来的损伤，更令人两难的是——双方历来有着通婚关系。为了避免大规模的厮杀，双方统领达成协议，各选三名勇士出来进行格斗，以其胜负来决定罗马城和阿尔贝城的最高统治权。贺拉斯兄弟被选出来与敌人进行格斗。画面描述的是老贺拉斯将武器分发给三兄弟，三兄弟伸出右手向宝剑宣誓的场景。画面构图严谨，背后的建筑渲染着古罗马式的庄严，三兄弟和老贺拉斯占据了画面的主体空间，而右下方勇士的母亲和姐妹则心如刀绞、泣不成声。这则故事和这幅画的主题思想是个人利益服从国家利益。
马拉是法国法革命时期雅各宾派主席。因患有严重的皮肤病，每天只有泡在洒过药水的浴缸中才能缓解痛苦。浴室也就成了他最经常呆着的办公场所。1973年7月13日被反对雅各宾党的保皇党分子刺杀。马拉的死激起了法国民众的愤怒，也震惊了达维特。他用极其写实的风格刻画马拉死亡的真相，画面氤氲着浓厚的悲剧性氛围。
卡斯帕·大卫·弗里德里希 （Caspar David Friedrich 1774-1840）德国早期浪漫主义画家
相较雅克·达维特的作品，弗里德里希的画作更显得个人化、无约束，找不到深刻的历史和文明的痕迹。观者的第一观感不是去仰慕，而很容易将自身代入画中人物——他在想什么？他看到了什么？他的心情如何？充满了不确定性。而其画作的指向更多是当下而非历史，而是人物此情此景所见所思所想。相较古典主义，浪漫主义没有太多典故、时政根源。浪漫主义更接近个人的内心，也可以从其绘画构图和形象勾勒角度来理解。相较古典主义构图严谨、形象丰富凝实的风格，弗里德里希更倾向于不那么真实的画面和孤独的形象，在风景方面少用华丽庄严的建筑和家具。仿佛在孤独和旷野之中，才能思考身边的一切——包括此刻和生命——的意义何在。这更接近我们大脑的辨识模式。大脑记住的并非严谨细致的如同照片的画面，而是模糊的色彩和轮廓，因而其更接近人的灵魂。
但需要注意，古典主义和浪漫主义并非截然不同，只是反映人们对于艺术和文化方面的观察角度和思考面的不同。它们共同构成了一个时代的更迭。
音乐是纯声音的艺术，人类对自然声音的遴选。只可体会和感悟，难以言说道白。所以音乐与情感，尤其是内心生活高度联系的。
浪漫主义所标榜的正好是个人的，并且在这样的一种氛围里头所进行的独立思考和构建，并形成一个广大的充满幻想的视界——在浪漫主义者看来，音乐恰恰是这样一种艺术理想的巅峰。黑格尔曾在其著作《美学》中提到：音乐是高度形而上的，是只属于精神层面的，是无私而无限的。音乐和人心的这种无限接近，使得音乐成为整个浪漫主义时期趋之若鹜的艺术理想。这一时期音乐发展极其快，也正是借此音乐真正进入寻常百姓家。
实际上浪漫主义标榜的还有“精英式的”，浪漫主义时期真正占据主流的并非我们熟知的那些伟大作曲家的作品，而是流传大街小巷的轻音乐，而轻音乐在彼时也被许多主流作曲家所批判。所以官方的浪漫主义标榜的并非大众的。
浪漫主义一词具有多种多样的含义，可以指一种艺术手法，也可以指历史上特定的一个文学流派。
浪漫主义一词源自romance，原指用罗曼语写成的中世纪英雄故事或诗歌，但如今浪漫主义一词同它原来的含义已经相去甚远。浪漫主义在文学艺术诸领域中打开了一个崭新的世界——个满怀热情、追求理想的世界，一个耽于幻想、勇于创造的世界。作为一种文艺思潮，浪漫主义本身虽然充满矛盾，但它依然取得重大的成果，推动文学艺术的进一步发展。
人们习惯于把雨果的《<克伦威尔>序》称为浪漫主义的纲领，文学史上常把雨果发表这篇序言的1827年和随后因雨果的浪漫主义戏剧《欧那尼》上演成功而达到浪漫主义发展高潮的1830年，作为古典主义同浪漫主义在时间上的分界。
关于浪漫主义，历来聚讼纷纭，莫衷一是，但有一点倒是意见一致的，那就是浪漫主义感情的激流冲垮了古典主义的理性王国。如果把古典时期的理性比作冰层，而古典主义作品中情绪的激流只能在这冰层下边翻滚，那么，浪漫主义却已经是从热情的火山爆发出的熊熊烈火了。
作为创作方法和风格，浪漫主义在表现现实上，强调主观与主体性，侧重表现理想世界，把情感和想象提到创作的首位，常用热情奔放的语言、超越现实的想象和夸张的手法塑造理想中的形象。古今中外的文艺创作自始就有这种特色。如中国屈原、李白的诗歌和吴承恩的小说《西游记》，德国的歌德和席勒、法国的雨果和乔治·桑、英国的拜伦和雪莱等人的作品中都具有鲜明的浪漫主义特色。
作为文艺思潮，浪漫主义产生并风行于18世纪末～19世纪初的欧洲。其时正值资产阶级革命的时代，资产阶级处于上升时期，要求个性解放和感情自由，在政治上反抗封建主义的统治，在文学艺术上反对古典主义的束缚。为适应这样的需要，浪漫主义思潮应运而生。
浪漫主义时期的作曲家及音乐
勃拉姆斯
约翰奈斯·勃拉姆斯，德国作曲家。
勃拉姆斯是德国音乐史上最后一个有重大影响的古典作曲家，被视为19
世纪浪漫主义音乐时期的“复古”者。他是创作与演奏并重的作曲家。但他没有进过音乐学校，靠他自己的勤奋好学、他的卓越才能和对自己所献身的事业重要性和必要性的觉悟。他的成熟的作品证明了他掌握着登峰造极的艺术技巧和才华。他的作品兼有古典手法和浪漫精神，极少采用标题，交响作品中模仿贝多芬的气势宏大，然而笔法工细，情绪变化多端，时有牧歌气息的流露，仍带有自己特点。
勃拉姆斯的音乐既反映出他德国北部故乡的朴实无华，又反映出维也纳的妩媚动人。在他的最大型作品《德意志安魂曲》中表现出了这两个方面。他出自对人类善良的信念和对德国人民的爱，紧紧依靠德国古典音乐大师——自巴赫、莫扎特、贝多芬到舒伯特和舒曼的传统，创作出足以同十九世纪末德国音乐中开始出现的一些颓废现象相对抗的包罗万象的作品来。这正是他创作的主要历史功绩所在。在德国音乐中，人们常把勃拉姆斯同巴赫、贝多芬姓名的第一个字母总称为“三B”原因概在于此。 勃拉姆斯继承贝多芬交响乐的传统，以深刻的人道主义和热烈的爱国主义精神出发，着力表现时代精神风貌和斗争生活，作品成为贝多芬之后西欧交响音乐的杰出典范。难怪人们把他的《第一交响曲》誉为“贝多芬第十交响曲”。勃拉姆斯自己也曾记叙说：“在我背后不断地听到巨人（指贝多芬）的脚步声。”勃拉姆斯写作交响曲并不追求色彩和光辉的表现，但他的乐队表现却格外精致而富有表情。在继承古典乐派交响乐的结构形式的同时，勃拉姆斯又赋予作品浪漫主义的色彩和气质。作品结构严谨，情思蕴藉，规模庞大。他还将德国古典作曲家严密的复调技术和动机发展手法运用到交响曲的创作中。重要作品还有《D大调小提琴协奏曲》，《匈牙利舞曲》第五、第六，管弦乐《学院典礼序曲》及乐作品《摇篮曲》等优秀曲目。
代表作： C小调第一号交响曲；
其他管弦乐作品：降B大调第二号钢琴协奏曲；D大调小提琴协奏曲； 声乐作品：
《德意志安魂曲》
《德意志安魂曲》：与前人的安魂曲作品相比。无论在内容或在音乐上，勃拉姆斯的《德意志安魂曲》都开创一个全新的意境，更富于人性。这一作品是勃拉姆斯最伟大的声乐作品，标志着他的音乐创作达到了一个顶峰，也使他在整个欧洲赢得了极高的声誉。《德意志安魂曲》把合唱、独唱与管弦乐完美的结合在了一起，其创作灵感来源于亨德尔的复调音乐传统。
乔治·比才——法国的自然主义者：法国作曲家
代表作：管弦乐作品：阿莱城姑娘，组曲第一号，组曲第二号
歌剧： 《卡门》
《卡门》 ：歌剧的序曲为A大调，四二拍子，回旋曲式。整部序曲建立在具有尖锐对比的形象之上，以华丽、紧凑、引人入胜的音乐来表现这部歌剧的主要内容。序曲中集中了歌剧内最主要的一些旋律，而且使用明暗对比的效果将歌剧的内容充分地表现了出来 （片段1、片段2），主题选自歌剧最后一幕中斗牛士上场时的音乐。 本剧的序曲是音乐会上经常单独演奏的曲目。
第一幕中换班的士兵到来时，一群孩子在前面模仿着士兵的步伐开路。孩子们在轻快的2/4拍子,d小调上,唱着笛鼓进行曲《我们和士兵在一起》（片段3）。在这一幕塑造了吉卜赛姑娘卡门热情、奔放、富于魅力的形象。主人公卡门的著名咏叹调《爱情像一只自由的小鸟》是十分深入人心的旋律，行板、d小调转F大调、2/4拍子,充分表现出卡门豪爽、奔放而富有神秘魅力的形象（片段4和片段5）。 卡门被逮捕后，龙骑兵中尉苏尼哈亲自审问她，可她却漫不经心地哼起了一支小调（片段6），此曲形象地表现出卡门放荡不羁的性格。还是这一幕中，卡门在引诱唐·豪塞时，又唱出另一个著名的咏叹调，为快板、3/8 拍子，是一首西班牙舞蹈节奏的迷人曲子,旋律热情而又有几分野气 （片段7）， 进一步刻画了卡门性格中的直率和泼辣。
第一幕与第二幕之间的间奏曲也十分有名， 选自第二幕中 唐·豪塞的咏叹调《阿尔卡拉龙骑兵》,大管以中庸的快板奏出洒脱而富活力的主旋律（片段8）。
第二幕中还有一段吉普赛风格的音乐， 表现的是两个吉普赛女郎在酒店跳舞时纵情欢乐的场面（片段9），跳跃性的节奏和隐约的人声烘托出酒店里喧闹的气氛。
第二幕与第三幕之间的间奏曲是一段轻柔、优美的旋律,长笛与竖琴交相辉映，饱含脉脉的温情（片段10）。
第三幕中著名的 《斗牛士之歌》，是埃斯卡米里奥为感谢欢迎和崇拜他的民众而唱的一首歌曲。这首节奏有力、声音雄壮的凯旋进行曲，成功地塑造了这位百战百胜的勇敢斗牛士的高大形象（片段11）。
第四幕的结尾，正象柴科夫斯基所说的那样： “当我看这最后一场时，总是不能止住泪水，一方面是观众看见斗牛士时的狂呼，另一方面却是两个主人公最终死亡的可怕悲剧结尾，这两个人不幸的命运使他们历尽辛酸之后还是走向了不可避免的结局。” 剧中还有一段脍炙人口的西班牙风格舞曲“阿拉贡”， 也是音乐会上经常单独演出的曲目（片段12）。
威尔第——意大利歌剧的辉煌（歌剧之王） 居塞比·威尔第是意大利杰出的歌剧作曲家，他一生创作了27部歌剧，其中一些已被列入世界著名歌剧之列，在世界各国上演。他被誉为歌剧之王。
代表作：歌剧：阿伊达（Aida)，弄臣(Rigoletto) 《茶花女》(La Traviata)
游吟诗人(Il travatore) 法斯塔夫
其他声乐作品：安魂弥撒（Requiem Mass)
《茶花女》 ：
《茶花女》是威尔第的「通俗三部曲」的最后一部（其余两部是《弄臣》及《游唱诗人》），它所获意大利人的欢迎也是不亚于《游唱诗人》。
这是根据1852年法国的作家小仲马而写成。这部歌剧充满着优美的咏叹调，其出现密度之高，使得和比才的《卡门》一样，成为美歌集一般，即使不太明白剧情，但绝对不会感到有「冷场」，所以，它也是很好的欣赏入门的歌剧．
威尔第的三幕歌剧《茶花女》于1853年在威尼斯进行首演，虽然由于各种社会原因而遭到失败，但它很快就得到了全世界的赞誉，被认为是一部具有出色艺术效果的巨著，并由此成为各国歌剧院中最受欢迎的作品之一。难怪《茶花女》的原作者小仲马要说："五十年后， 也许谁也记不起我的小说《茶花女》了，但威尔第却使它成为不朽。" 《茶花女》的意大利名称为Traviata，原意为"一个堕落的女人"（或"失足者"），一般均译作"茶花女"。歌剧描写了十九世纪上半叶巴黎社交场上一个具有多重性格的人物--薇奥列塔。她名噪一时，才华出众，过着骄奢*逸的妓女生活，却并没有追求名利的世俗作风，是一个受迫害的妇女形象。虽然她赢得了阿尔弗雷德·阿芒的爱情，但她为了挽回一个所谓"体面家庭"的"荣誉"，决然放弃了自己的爱情，使自己成为上流社会的牺牲品。
剧情：薇奥莱塔原是周旋于巴黎上流社会的名妓，为青年阿尔弗莱德真挚的爱情所感，毅然抛弃纸醉金迷的生活，来到巴黎近郊与阿尔弗莱德共同酿造爱情的蜜。但是，阿尔弗莱德的父亲乔治欧激烈反对，强要她承诺与他的儿子断绝来往。为了顾全阿尔弗莱德的家庭和幸福，她决心牺牲自己的爱情，忍受着内心的极大痛苦，重返风月场。阿尔弗莱德误以为她变了心，盛怒之下，在公开场合羞辱了她。薇奥莱塔信守对乔治欧的诺言，未向自己的情人道破真情，但患有肺病的身体承受不了这一致命打击，就此卧床不起。不久，乔治欧良心发现，把全部真情对儿子言明。但当阿尔弗莱德回到薇奥莱塔身边，她已经奄奄一息了，疾病和不公正的社会夺去了她的爱情和生命。 音乐以细微的心理描写、诚挚优美的歌调和感人肺腑的悲剧力量，集中体现了中期威尔第歌剧创作的基本特点。序曲采用第二幕中的爱情主题和下行的悲怆动机，对全剧作了提纲挈领的概括。第一幕的《饮酒歌》，是以单二部曲式为基础的分节歌，轻快的舞曲节奏，明朗的大调色彩，以及贯穿全曲的大六度跳进的动机，表现阿尔弗莱德借酒抒发他对真诚爱情的渴望和赞美，洋溢着青春的活力。薇奥莱塔的咏叹调，则表现女主人公复杂微妙的心理矛盾。前半部分表现她初次感受到爱情时内心的波动，音调诚挚、直率；后半部分表现她对爱情的大胆追述和渴望，大跳的音调反映了她内心抑制不住的喜悦。终场的二重唱，是一个感人的音乐场面，第一段中近乎口语式的急切语调，是这一对久经磨难的情人终又重逢时狂喜而激动心情的描写；第二段的分节歌洋溢着浪漫曲的抒情气质，抒发他们对爱情和幸福的向往。但后来，与阿尔弗莱德热情奔放的旋律交织一起的微奥莱塔声部中，出现了半音滑行的痛苦呻吟的音调，并逐渐发展扩大，最后占据了主导地位。威尔第应用这种对比手法，刻划了垂死的薇奥莱塔对爱情至死不渝的追求，揭示了歌剧深刻的悲剧主题，具有震撼人心的戏剧力量。
《奥赛罗》：
达到威尔第一生创作的高峰，成为真正的音乐喜剧。《奥赛罗》是继《阿依达》所作的结构突破， 而且充分发挥管弦乐队在歌剧中的作用，没有通常的曲线直接开始于风暴场景
帕格尼尼（1782~1840）：意大利小提琴家、作曲家。
曲目：1二十四首无伴奏小提琴随想曲。2第一、二号小提琴协奏曲。3摩西幻想曲。4《心中类乱》主题变奏曲。 5小提琴与吉他的奏鸣曲
普契尼（1858~1924）： 意大利歌剧作曲家。
推荐曲目：1歌剧《波西米亚人 》。2歌剧《托斯卡 》。3歌剧《蝴蝶夫人 》。4歌剧《曼侬蕾丝考》。5歌剧《西方少女》。6歌剧《杜兰朵 》。7歌剧《强尼史基基》。
小约翰·史特劳斯（1825~1899）： 奥国作曲家。
推荐曲目：1圆舞曲：《蓝色多瑙河》、《南国玫块》、《维也纳森林的故事》、《醇酒、女人与歌》、《艺术家的生涯》、《皇帝》、《一千零一夜》。2波卡舞曲：《拨奏》、《雷鸣与闪电》、《闲聊》、《狩猎》、《爆炸》。3《蝙蝠》序曲、《喜普赛男爵》序曲、《威尼斯之夜》序曲。4轻歌剧《蝙蝠》。
通常我们讲到斯特劳斯都是说斯特劳斯家族，其成员有，老约翰-斯特劳斯，代表作《拉德斯基进行曲》，小约翰-斯特劳斯，爱德华-斯特劳斯和约瑟夫-斯特劳斯。
德彪西（1862~1918）： 法国作曲家。
推荐曲目：1钢琴作品：《贝加马斯克》组曲（包括著名的《月光 》）、《版画》（三曲）、《映象》（二卷，各三曲）、《儿童天地》（六曲，包含著名的《黑娃娃的步态舞》）、《前奏曲》（二卷，共二十四曲）、《梦》、《二首华丽曲》、《欢乐岛》、《为钢琴》。2管弦乐曲：《海》、《牧神的午后前奏曲》、《三首夜曲》、《神圣舞曲与世俗舞曲》、（竖琴与管弦乐）。3室内乐；《G小调弦乐四重奏》、《小提琴奏鸣曲》、《大提琴奏鸣曲》、《长笛、中提琴与竖琴奏鸣曲》。
瓦格纳 威尔第和比才的比较
把他们三个并在一起是因为他们都在歌剧方面有着很大的成就，其次他们各自代表着一种派别。
在音乐界，风格并不是大一统的，浪漫主义中还分早期浪漫主义，民族浪漫主义，民族浪漫主义中还分意大利浪漫主义，法兰西浪漫主义。。。。。而这三只，正好代表着德国歌剧，意大利歌剧和法兰西歌剧三种风格。
瓦格纳在作品创作中非常重视器乐伴奏的效果，这正是德意志民族特色 威尔第则突出人声演唱的地位，具有意大利民族特色 比才强调语言节奏的作用，体现了法兰西民族特色 当然，要弄清这三种风格光是几句话是无法理顺的，大家可以节选三只代表歌剧中的经典片段（瓦格纳《罗恩格林》第三幕前奏曲，威尔第《茶花女》饮酒歌，比才《卡门》爱情
瓦格纳试图通过重视管弦乐团的发展将和声的活动充分变现出来进而把她转化成多种多样的戏剧效果（长喘一口气，缩句，就是说用管弦乐团的演奏表现和声活动从而体现戏剧效果）。威尔第则直接用人声来表达情感，所以他的作品通常都是热情洋溢（虽然他基本上都是写悲剧）。而比才则是将演奏和歌唱融合，用一种明快的节奏来体现戏剧效果（话说LZ在听《爱情是一只自由鸟》的时候总是有种翩翩起舞的冲动，掩面。。。）
总结成一句话，威尔第的写实风格，瓦格纳的交响戏剧，比才的抒情色彩并不是三者独立的，它们相互影响，相互交融。
瓦格纳与勃拉姆斯
倘若把具有强烈表情效果的浪漫主义音乐分成相互对立的两派，那么一派是强调表情的广度，该派代表人物有柏辽兹，李斯特，瓦格纳，我们称之为瓦格纳派。 另一派则强调的是表情的深度，代表人物有德国早期浪漫主义大师（舒曼，门德尔松。。。）以及勃拉姆斯，我们称之为勃拉姆斯派。
对于表情的广度和表情的深度，我们可以简单的用亨德尔和巴赫的区别来帮助理解。 事实上，上面所讲到的各音乐家之间的风格的差异只是为了更好的了解而做出的对比，并没有把他们放在对立的两面，而这两只却引起了音乐爱好者甚至于媒体的旷日持久的争论，真正做到了在拔高自己的同时，不忘狠狠地踩对方两脚。
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