浪漫时期音乐特征

十九世纪初,欧洲文学艺术普遍形成了一种新的潮流、新的风格，就是的“浪漫主义”。它是一种“势如破竹的、反对权威、传统和古典式的运动，在18世纪后期到19世纪中期横扫西方文明。”（见《简明不列颠百科全书》中译本）

在文学史上，浪漫主义一般指1830—1850年代的创作，而音乐的浪漫主义稍晚于文学，并且延续的时间较长，可以说浪漫主义在音乐的领域里，基本上贯穿整个19世纪。我们说：浪漫主义不仅是一个创作方法和作品风格的问题，而更是一个内容复杂的世界观和艺术观的问题。

在音乐方面，浪漫主义的形成是在十九世纪二十年代。它的奠基者是奥地利作曲家舒伯特和德国作曲家韦伯。前者的创作是抒情歌曲、交响乐、室内乐等，后者则主要是一个浪漫主义的歌剧作曲家。

1830年的欧洲资产阶级革命，促使各国任命革命意志的奋发和民族意识的觉醒，形成了进步的浪漫主义思潮的高涨，出现了法国的柏辽兹、意大利的罗西尼、德国的舒曼、门德尔松和波兰的肖邦等作曲家。

浪漫主义音乐具有自己的一些风格特征。浪漫主义的艺术侧重感情，理性属于次要地位，对整个世界和现实生活的各种现象，都通过个人的主观感觉来表现。因此，抒情性、自传性和个人心理刻画就成为浪漫主义音乐的主要特征之一。它反映了纯主观的个人感情，但也有一定的社会典型性。

下面我将具体谈一下浪漫主义时期的主要特点：

对音响、音色的追求是浪漫主义音乐的一个突出特点。浪漫主义时期讲求音响的丰满、和谐、充实、舒适；而且要求色彩性强，无论乐器还是人声，都追求新的音色。到浪漫主义末期，管弦乐队的人数一般达到一百人；铜管、木管、打击乐得到了更充分的使用，铜管增加了长号、大号、圆号和小号的数量也有增加；木管增加了低音巴松、低音单簧管、英国管，而短笛成了固定的成员。乐队的中音区乐器得到扩充。此外，有时还使用三角铁、竖琴等色彩性乐器。这是的乐队音响辉煌、宏伟。声乐方面，丰富的歌剧创作提供了多样的音色，男高音得到了空前的发展。这时游乐各种不同的风格，如活泼轻快、热情洋溢、充满感情的法国风格，强有力的戏剧性的歌剧男高音风格，歌剧中英雄性的男高音风格，呜咽凄凉的意大利风格，圆润伤感的俄罗斯男高音风格等等。

旋律的重要地位在古典全盛时期就已经显示出来了，到浪漫主义时期更加突出。

旋律的歌唱性、抒情性成了十九世纪浪漫风格的重要特点。在贝多芬时期，器乐音乐的主题与艺术歌曲之间，有着明显的区别。但浪漫时期，情况不同了。舒伯特及其歌曲有着很大的影响力。他的歌曲作品通过一些流浪者、失恋者、梦幻者及孤独的、无依无靠的可怜人，以自我感受的方式，生客地反映了他对黑暗社会的感受和痛苦。其中以声乐套曲《美丽的磨房姑娘》和《冬之旅》最为典型。这些作品说明了当时在浪漫主义时期音乐歌曲创作的抒情性的典型特点。舒伯特的歌曲中旋律最有个性，也是他的作品最突出的地方，当然也是此时期的创作特点的一个体现。在风格上，他的歌曲旋律有浪漫主义的甜美和忧郁风格，如《流浪者》、〈你是安宁〉。这一点领导并体现了烂漫主义时期音乐作品在旋律上的一个特点。这种歌唱性的旋律贯穿了整个十九世纪，在大型交响乐和抒情钢琴小品，弦乐四重奏以及协奏曲等等各类体裁之中得以体现。

浪漫时期的旋律结构与古典时期有所不同。古典时期较多为平均、平衡、闭合，以进为主，若有隔音跳进或大跳，均要与其反向的级进进行相平衡，形成“拱型”结构，而浪漫风格的旋律则为了表情的需要。喜欢使用大跳音程，常常是六七度，甚至四个八度的大跳和许多增减音程的跳进。为了在乐曲中进行充分的展开，浪漫风格的主题旋律本身包含多种变化的可能性。后期浪漫主义音乐的动机继承了贝多芬的传统，具有动力性和对比性。其器乐作品的旋律带有交响性的紧张度。甚至在歌剧中也得以运用。另外，采用它的旋律经常采用或模仿民族舞蹈的曲调和民间音乐的特点，构成不规则的句法或大小调音节交替等。

在节奏方面较古典时期自由了一些。最常见的是交叉节奏的使用。快速不规则的音响与稳定节拍的结合，以及两个或更多节奏型的同时使用等，都是这个时期节奏的特点。

和声调性方面。浪漫主义时期音乐中，和声的发展和变化十分突出。许多浪漫作曲家恰是以其和声的独特而显示出个性的。这是为边县丰富多样的情感所决定的，也体现欧洲文化及思维的特点。

通过调性上、音区上、和声上、的色彩性变化来刻画音乐形象，刻画个人心理状态的发展，这种力求多方面地刻画一个音乐形象的表现手法，正是浪漫主义音乐的富有特征的表现手法之一。

古典时期不大使用不协和和弦，假使使用，也大多以功能的方式出现，如增强属主的紧张度，或在转调中使用。但浪漫主义作曲家却经常使用变化音及色彩和声。他们把不协和和弦提高到了协和的地位。浪漫主义时期还开始在三和弦的基础上，用三度叠置构成九和弦、十一和弦、十三和弦等。后期则采用多种方式写出持续和弦，造成乐曲更强渴望的、寻求解决的效果。

在调性上，浪漫主义广泛使用十二个调，同时小调的地位得到了显著的提高，提供了自由运用变化音的可能性，也使音乐具有了戏剧性。当时这个时期，仍然以主调为主，但复调也占重要位置，音乐有了和谐丰满、戏剧性强等特点

善于表现个人的感情和幻想。浪漫主义作曲家交响音乐作品的思想意义特点，是善于表现个人的感情和幻想，尤其强调个人主义的体验，他们热衷于反映内心最强烈情感的爱情主题，倾心于带自传性的，不满现状的忧郁，孤独者的精神，在描绘自然景色及现实形象时，也更强调主观色彩的印记。

交响乐作品（Symphony）是西方古典音乐中的一种主要形式，由四个不同、相互补充的乐章组成，通常由管弦乐队演奏。下面将为您介绍交响乐的起源、发展及相关名作。

1交响乐的起源

交响乐起源于17世纪的意大利，并在18世纪逐渐发展成熟。最初的交响乐是为宫廷而作，包括序曲、舞曲以及演奏会奏鸣曲等等。

2交响乐的发展

随着时代的发展，交响乐开始被广泛应用于音乐会和艺术表演中。古典时期的交响乐家海顿、莫扎特和贝多芬为交响乐作曲奠定了重要基础，他们创新了音乐形式和编配技巧，交响乐也开始从宫廷走向大众。

19世纪浪漫主义音乐时期，约翰·斯特劳斯二世、查理斯-弗朗索瓦·甘达、皮奥特尔·杰拉尔多·德·拉霍夫、彼得·伊里奇·柴可夫斯基等杰出的作曲家为交响乐作品开创了新的时代。他们不仅扩大了管弦乐队编制，而且试图将情感与音乐融为一体，注重音乐的表现力和个性化。

现代音乐中，交响乐作品仍然受到青睐，诸如约翰·威廉·威廉斯、约翰·亚当斯等人的交响作品在**配乐方面也有着广泛运用。

3交响乐的经典作品

（1）海顿：《第45号交响曲》（“告别交响曲”）、《第94号交响曲》（“惊愕交响曲”）等。

（2）莫扎特：《第25号交响曲》等。

（3）贝多芬：《第一交响曲》、《第三交响曲》（“英雄交响曲”）等。

（4）柴可夫斯基：《第四交响曲》、《第五交响曲》及《第六交响曲》（“命运交响曲”）等。

（5）马勒：《第五交响曲》、《第六交响曲》（“悲剧的交响曲”）等。

（6）布鲁克纳：《第四交响曲》、“命运的力量”等。

4交响乐的演奏技巧

交响乐演奏是各类音乐演奏中要求最高的一门艺术。从第一小提琴长笛等独奏到管弦乐队的演奏，都需要严格的训练和专业的技术。

交响乐团有严格的编制，按声部划分，具体包括弦乐、木管、铜管、打击乐和键盘乐器等。每个声部都有不同的演奏技术和特殊的演

交响乐是在18世纪下半叶以后确立起来的一种大型管弦乐体裁，“symphony”一词来自希腊语“symphona”,原为“声音一起响”之意，它是一种按照奏鸣曲原则构成的管弦乐套曲形式。 交响曲的前身是巴罗克时期的意大利歌剧序曲（sinfonia)，18世纪上半叶作曲家们采用意大利歌剧序曲的快-慢-快结构谱写管弦乐作品，并将其称为交响曲。从此，交响曲逐渐取代了巴罗克风格的乐队协奏曲，成为音乐会中主要的器乐形式。　古典主义时期，交响曲得到了真正意义的确立和发展，主要归功于曼海姆、柏林和维也纳乐派。曼海姆乐派奠定了古典交响曲四乐章的基本结构，形成了快板-行板-小步舞曲-快板终曲的交响套曲形式。18世纪后半叶，维也纳古典乐派的海顿对交响曲进行了改革，发展并完善了这种形式，后来贝多芬将交响曲推向发展的顶峰。交响曲在音乐表现上具有广泛的艺术概括力和深刻的哲理性，它的结构与奏鸣曲一样，通常为四个乐章。　浪漫主义时期的交响曲有一定的发展，其特征主要表现为：内容具有文学性　标题性，曲式结构更自由，乐章数目不定（有一、二、五、六、七乐章组成的交响曲），乐队编制庞大，音响华丽而丰满，民族风格浓郁等。以舒伯特、柏辽兹、李斯特、勃拉姆斯、德沃夏克、柴科夫斯基、布鲁克纳和马勒等作曲家的作品为代表。其发展的高潮时期以维也纳为中心，集中了大量的音乐家，并以大小施特劳斯为集大成者，故此维也纳每年举办的交响乐新年音乐会通常仅限于大小施特劳斯的作品。　20世纪的交响曲受各种音乐思潮的影响，构思独特，乐队编制有大有小，音响复杂多变，风格多样。以德彪西、科普兰、梅西昂、奥涅格、欣德米特和辟斯顿等作曲家的作品为代表。