《风云》的主题曲，叫《真爱你的云》
天是透明的因为雨慢慢的停了
因为风轻轻吹着所以我想念你了
心是透明的因为我不想隐藏了
因为决定爱你了所以你别再怀疑了
girl真爱你了有你就无求了
若今后有选择我仍是专一的
girl真爱你了拥有就无求了
若还有舍不得就是与你分隔
天是透明的因为黑夜已过去了
因为你对我笑了所以想念很快乐
心是透明的因为有你永远陪着
因为你决定爱了所以等待也是值得
girl真爱你了有你就无求了
若今后有选择我仍是专一的
girl真爱你了拥有就无求了
若还有舍不得就是与你分隔
girl我是爱你的有你就无求了
若今后要选择你仍是唯一的
girl我真爱你了拥有就无求了
若还有舍不得就是与你分隔
若还有舍不得就是与你分隔
纵然只是一刻百年似的my girl愿你听着
这一首歌
从十九世纪末到第一次世界大战之前，在音乐史上可称为“近代音乐”时代。在这一时期，以印象主义音乐为代表的几种音乐流派，实现了音乐史上从晚期浪漫主义向二十世纪现代音乐的过渡。
一、印象主义音乐的形成
印象主义音乐产生于十九世纪末，是受“象征主义文学”和“印象主义绘画”的影响而出现的一种音乐流派。这一流派的音乐家与此前的浪漫主义音乐家有很大区别，他们并不通过音乐来直接描绘实际生活中的图画，而更多的是描写那些图画给我们的感觉或印象，渲染出神秘朦胧、若隐若现的气氛和色调。
集印象主义音乐之大成的两位音乐家都是法国人，即德彪西和拉威尔。此外，法国作曲家杜卡和意大利作曲家雷斯庇基也是印象派音乐的代表人物。
二、法国印象主义音乐
象别的法国作曲家的作品一样，德彪西的音乐是标题音乐而不是绝对音乐。十九世纪末，在法国有一派叫做“印象主义者”的画家和诗人，因此法国著名作曲家德彪西力图用音乐来达到“印象主义者”用绘画所达到的同样效果。这种印象主义艺术家所画出的并不是生活的美，而是梦幻的美，象彩虹的终端的一大堆金子那样的远处的美。在使用新的和声和音乐方面，德彪西是现代音乐的先驱。
德彪西建造他那古怪的、非尘世的音乐，主要采用的就是完全没有半音关系的“全音阶”和许多在空气中根本听不见其振动的“泛音”。他还在管弦乐队里使用各种乐器的不同组合来发出柔和的带有闪烁性的音响效果。起初人们还被他的音乐所困惑，并且不知道怎样理解它，但是一旦他们听惯了，就会非常喜欢它。
仿效德彪西的最重要的作曲家就是他的同族拉威尔了，但是拉威尔并没有象德彪西那样对全音音阶和听起来奇怪的和弦使用得那么多。大概从来也没有另一个作曲家象他那样更懂得如何从管弦乐队里抽取这么多音色的深浅明暗度的了。例如在《波列罗舞曲》中，那节奏从头到尾都是一样的，那旋律是重复一遍又一遍。在这首西班牙舞曲形式中的变化和趣味是来自拉威尔对力度的纯熟使用（从轻到响或从响到轻的变化）和对音色的巧妙结合。
三、印象主义音乐的影响
印象主义音乐是浪漫主义音乐向现代音乐过渡的桥梁之一，虽然这一乐派主要集中在十九世纪末到二十世纪初的法国，但这种风格对于近现代音乐的发展所起的作用是不可估量的。后来的二十世纪音乐中的“表现主义”、“十二音体系”以及“序列音乐”等几种流派都或多或少地受到印象主义音乐的影响。
从十九世纪末一第一次世界大战前后（可称"近代音乐"时期）
（1）晚期浪漫主义。主要作家有：理查·施特劳斯（德）、马勒（奥）、拉赫玛尼诺夫（俄）。
（2）印象主义（主张用音乐描绘从外界得来的瞬息印象，重视和声色彩）。主要作家有：德彪西（法）、拉威尔（法）、杜卡（法）、雷斯庇基（意）。
（3）表现主义（主张用音乐表现人们内心的下意识冲动或欲望、幻觉、梦魇等）。主要作家有：勋伯格（奥）、贝尔格（奥）、威勃恩（奥）、巴尔托克（匈），斯克里亚宾（俄）。（勋伯格与威勃恩又是无调性音乐的创始人，他们与贝尔格被称为"新维也纳乐派"）。
1 475年至1450年--中世纪
中世纪欧洲意识形态领域和一切艺术的是基督教。这种纯粹宗教用途的音乐只限于在教堂中由唱诗班演唱，没有乐器伴奏，是纯粹的单音音乐（不分声部，大家都唱一样的旋律），单声的圣咏后来开始在旋律线下方四度加上平行的旋律线，形成了最早的和声。
2 1450年至1600年--文艺复兴
十四、十五世纪罗马教庭在与世俗君主的政治斗争中多次被挫败，威信与势开始衰落；音乐史上的文艺复兴起始于1450年左右。到十六世纪中后期开始使用四线、五线谱记谱，教会调式逐步解体，大-小调体系逐渐形成。宗教音乐也继续发展。在16世纪后期，中世纪的调式音乐逐渐进化成以大小调为基础的调性音乐；单声�1�7�1�7乐随著古希腊和罗马衰亡而消失1000年后再次回到了历史舞台上。
3 1600年至1750年--巴罗克时代
巴罗克时代是欧洲音乐大发展的时代。大体上自十六世纪末到1750年间的音乐称为巴罗克音乐, 1750年对位法大师约翰·塞巴斯梯安·巴赫去世之年,代表巴罗克的对位法音乐可以认为以巴赫的去世而告结束巴罗克一词,原来的意思是形状不整的珍珠,巴罗克是一种新的表现形式,其特征,是不拘泥于典型美,表现比较自由,从语义上来说,如果把文艺复兴的美学观比做浑圆的珍珠,而巴罗克的美学观则是形状不整的珍珠它是宁可打破形式上的均整也要着重于表现的强度的一种形式总而言之,巴罗克的形式比文艺复兴的形式在感情上更为丰富,且具有戏剧性的起伏,而使用绘画式和幻想式的手法者为多也很能说明总是另外巴罗克音乐在技法方面的一个特征,是在整个那一时代所通用的通奏低音这就是在演奏时根据低音的旋律在键盘乐器(古钢琴、管风琴)上,按一定的规则,弹奏出半即兴式的和声伴奏巴罗克时期最重要的创造就是“对比”的概念。“对比”可以表现为各个不同的方面：音的高与低；速度的快与慢；力度的强与弱；音色的不同；独奏（唱）与全奏（合唱）等等。所有这些都在巴洛克时期的音乐结构中存在，各有它们的地位。许多巴罗克时期的音乐家使用协奏曲或复协奏曲形式，最明显而强烈的对比是当时出现的一个新的体裁叫做“单声部歌曲”（monody）
4 1750年至1827年--古典时期
1750年巴赫逝世后。大约从18世纪中后叶海顿的带助奏性声部的主调音乐至19世纪初的贝多芬晚期的开端为止的这一时期，产生了维也纳古典乐派,由三位伟大的作曲家组成,即海顿、莫扎特、和贝多芬。海顿、莫扎特和贝多芬的音乐创作及风格方面较为接近，所以三者被称为一派。而海顿在创造这种风格方面可谓开先河之人。，莫扎特紧紧追随海顿，贝多芬在其音乐方面也有其相同之处。他曾随海顿学习过作曲，在他的早期或中期创作中也体现出这些风格, 但是,在贝多芬的晚期作品中,表现出他强烈的个性,成为过渡到浪漫主义的先驱古典主义音乐得以在维也纳兴盛,维也纳乐派初期的作曲家和音乐家,为数不少,最初出现一位大师是格鲁克继而出现了海顿和莫扎特,之后贝多芬又来到此地,以维也纳为自己的第二故乡以上四人都不是维也纳出生的人他们都是被维也纳的音乐气氛所吸引来到这里,创造了维也纳古典乐派的光辉传统,并在维也纳结束了自己的生涯。
5 1827年至19世纪末--浪漫主义时期
1827年贝多芬的逝世结束了严谨的古典主义时期。19世纪上半个世纪，在欧洲产生了一种新的音乐潮流和创作风格，它的影响一直延续到19世纪后半叶。浪漫主义音乐的产生，有其深刻的社会历史背景。由此带来了从理性转向为可理解的神秘和超自然力。音乐家的眼光开始投向自然，在那里投入自己的情感。在所有艺术中，音乐被绝大多数的画家、诗人和哲学家认为是最理想的形式。这是由于音乐似乎能以最不明确的方式来表达最多的内容，而且由于它存在于时间中，因此有条件来表现感情状态中的流动、变化发展及活动。观念的变化，也带来音乐的技法方面的变化，虽然调性和声在19世纪的和声规则仍然起主导作用，但是浪漫主义的宗旨是要在调性和声系统不崩溃的情况下尽可能地将它扩展。浪漫时期的音乐由于使用变化产和附加音，大量啬没有准备的和不解决的一协和和弦，以及七和弦、九和弦、十一和弦、十三和弦的使用，调性和声扩展了。以至于到了李斯特、肖邦、瓦格纳的晚期创作，其各自通过不同途径达到调性和声的更远边缘。
6 19世纪末至20世纪初--印象主义潮流
自十九世纪末的浪漫主义的圆熟期进入二十世纪以后,音乐在各方面的表现都变得更为复杂音乐脱离了注重形式的纯音乐领域,向着标题音乐的方向发展,其最大的表现之一就是印象主义创始并完成印象主义音乐的人是以法国的德彪西为代表正如在印象主义绘画中轮廓不明确一样,印象主义音乐也不以旋律为生命,而以作为色彩和光线的和声来代表但印象主义音乐的和声已超越了古典式的和声理论,把和声当作画具一样,不管它是三和弦还是不协和弦,任意地混合使用因此即使旋律得到承认,也只是次要的或偶然的现象其作品只是模模糊糊地反映被描写的事物所散发的气氛。
20世纪的来临，运用不协和音、微分音、多调性、无调性与复节奏的诸如表现主义音乐、新古典主义音乐、序列音乐、偶然音乐、电子音乐、具体音乐、爵士音乐开始被世人所聆听，当中的代表有勋伯格、贝格、韦贝恩、布索尼、斯特拉文斯基、欣德米特、布莱兹、凯奇、哈巴、施托克豪森、格什文、拉赫玛尼诺夫、巴托克、科伊达、普罗科菲耶夫、肖斯塔科维奇、恰恰图良与布里顿等
浪漫派，也就是浪漫主义。欧洲浪漫主义思潮出现在十八世纪下半叶，首先反映在文学中，后来扩及到包括音乐在内的整个艺术领域。浪漫主义是对传统、古典模式和束缚个性的种种权威的反叛，重视个性、主观、情感的自由表现和抒发。
音乐的浪漫主义大约自十九世纪二十年代出现，直到十九世纪末，是浪漫主义迅猛发展，席卷整个欧洲的时代，二十世纪初，浪漫主义开始衰落，但仍然有少数音乐家坚持浪漫主义风格。
贝多芬是欧洲音乐从古典向浪漫时期转变中承上启下的作曲家。整体上他遵循古典形式，但已经在突破。更重要的是他已经着力于在音乐中表现他的个性，努力在人格、精神上争得独立和自由。
直到贝多芬为止，音乐家们都是在贵族的“保护”下生存的，这使他们处于依附他人的社会地位。莫扎特、贝多芬都为争取独立的社会地位付出了巨大痛苦的代价，直到浪漫主义时代，音乐家才成为自由、独立的艺术家。但精神上的自由却不等于物质上的幸福，这使他们常常处于“痛苦的自由”的矛盾之中。
浪漫主义音乐最显著的特征，是重视个人主观情感的抒发。他们的创作灵感，来自他们的情感世界，来自对大自然的微妙观感、触情生情，来自诗歌、戏剧、绘画等姊妹艺术的启迪，来自神话、传说和民间文学引发的幻想、想象。于是，标题音乐盛行起来。他们也应用古典传统的形式或曲体名称，但往往以全新的、自由的方式处理。同时，也产生了许多新的形式。例如“性格小品”就很有代表性，这是一种随兴之所至，表现某种情趣、心境、感触的小曲。
当然，他们不拘泥于传统形式，不等于完全不注意形式。他们抒发的情感也不都局限于个人生活的狭小天地。优秀的浪漫主义音乐，都有与他们的音乐内容相适应的完美的形式。而他们的音乐内容，也远远超出了个人的范围，具有广泛社会性、普遍性的道德伦理的意义。
在浪漫主义时期，出现了专门以演奏为职业的钢琴家。在这以前，作曲家与演奏家是合而为一的。就是说，钢琴曲大都是由写作乐曲的作曲家自己演奏。职业钢琴家的出现，意味着作曲与演奏的分工。分工的结果，是演奏技巧的空前提高。那种令人耳晕目眩的超级技巧，是音乐会获得成功的因素之一。适应这种需要，这时期出现许多含有高超演奏技巧的钢琴曲，与此同时，大量目的只是为练习技术的钢琴练习曲也在这个时期出现了。那位“折磨”了几代钢琴家的贝多芬的学生、李斯特的老师，车尔尼（1791—1858）的没完没了的练习曲，就写于这时期。除他外，克列门蒂（1752—1857、克拉玛（1771—1858）、莫什科夫斯基（1854—1925）等人，也都写下了有价值的技术练习曲。
总之，浪漫派时期，钢琴艺术得到全面、高度的发展。假如我们乐于平均起来计算一下，在今天的音乐厅里听到的钢琴曲目中，浪漫派钢琴曲仍然占有最大的比例。我们的漫游，也将尽可能多停留一些地方。
欧洲音乐进入浪漫主义时代的第一位重要作曲家是威伯（1786—1826）。他是德国民族歌剧的先驱人物。他也是一位优秀的钢琴家，创作了四首钢琴奏鸣曲，许多舞曲。他的广为人知的钢琴曲是《华丽回旋曲》和《邀舞》，都写于1819年。两首作品的性质也相近，都华丽、明快，在优美、轻松之中透露出浪漫主义的气息。《华丽回旋曲》的主题是：
与这首作品相比，他的《邀舞》流传的要更广些。邀，就是邀请，乐曲描写的是邀请跳舞的情景。威伯本人对乐曲给予了生动的解释，大意是：开始是一个男的很有礼貌的邀请一个女的跳舞：
这条低音区的上行旋律表达着这个男人诚恳的态度。但女的有点不好意思，也很有礼貌，不过谢绝了：
但男的又一次邀请，低音旋律又重复一次。这次，引出了两人的交谈，很自然的共进舞池。后来就是华美的多段圆舞曲了，是一听就清楚的优雅的舞蹈场面。当舞蹈音乐停止后，类似开头的音乐再次出现，这回是男的向女的表达谢意，两人友好地互相告别。这是典型的浪漫主义标题音乐。标题带有情节性音乐也沿着情节的线索发展。
舒伯特（1797—1828）是早期浪漫派又一位代表人物。他有着与莫扎特相似的天才，却经受了比莫扎特更多的困苦。他31岁早逝，仅比贝多芬晚去世一年。他是艺术歌曲的伟大作曲家，也创作了著名的交响音乐作品。他在钢琴音乐上也有建树。他一生写了十六首钢琴奏鸣曲，还有许许多多“即兴曲”、“音乐的瞬间”（这是舒伯特首创的名称）、“进行曲”等等小品。这些作品被称为性格式小品，每曲都表现一种特定的、语言无法形容的微妙的情绪和感受，展示出一个奇妙的音乐世界。他的一些小品我们都早已耳熟了，比如第二首《音乐的瞬间》，在许多场合都会听到：
这就是舒伯特在瞬息间产生的音乐灵感谱成的美丽可爱的小曲。对于这类小曲，不必费心去想“表现的是什么”，它表现的就是你听到和感到的。他的《即兴曲》也是这样。比如《E大调即兴曲》，让你的情绪、你的想象跟随着那串蜿蜒起伏迅速流动的音流飞翔就是了，肯定把你带到美妙迷人的地方：
二十世纪音乐流派有很多种，以下是一些重要的流派：
1 简约派音乐（Minimalism）：简约派音乐是一种不断重复简单音乐材料的音乐，在不断重复的过程中，音乐的旋律、节奏、和声和配器等方面会发生细微的变化。代表作曲家有斯蒂夫·赖克、菲利普·格拉斯和约翰·亚当斯。
2 拼贴音乐（Collage）：拼贴音乐是一种将不同音乐片段组合在一起的音乐，这些片段可能来自不同的音乐风格和文化背景，从而创造出独特的音乐效果。
3 电子音乐（Electronic Music）：电子音乐是一种使用电子设备创作或修改声音的音乐，它包括许多不同的子流派，如合成音乐、环境音乐、实验音乐等。
4 爵士乐（Jazz）：爵士乐是一种源于美国的音乐形式，具有即兴演奏、复杂的和声和独特的节奏感。它有许多子流派，如新奥尔良爵士、大乐队爵士、bebop、自由爵士等。
5 摇滚乐（Rock and Roll）：摇滚乐是一种源于美国的音乐形式，通常由电吉他、贝斯和鼓组成，具有强烈的节奏感和动感的表演风格。它有许多子流派，如重金属、朋克、流行摇滚、民谣等。
6 流行音乐（Pop Music）：流行音乐是一种广受欢迎的音乐形式，通常具有简单的旋律、易于跟唱的歌词和强烈的节奏感。它有许多子流派，如流行摇滚、流行电子、流行民谣等。
除此之外，还有许多其他的二十世纪音乐流派，如古典音乐、现代主义音乐、序列音乐等。每个流派都有其独特的特点和影响力，对二十世纪的音乐发展产生了重要的影响。
没有跳灯车买了，也不可以改装。
很多车友都看过《头文字D》，相信大家对高桥凉介的FC也不陌生。FC便是马自达RX-7的第二代，标志性的“跳灯”也让这台车看起来非常有特点。
跳灯流行于上世纪八九十年代，装了跳灯的车头整体感会更强，因为透明的大灯影响了车头的整体性，所以在那个时候便掀起了“跳灯潮”。
至于后来为什么跳灯会消失，那是因为碰撞标准越来越严格，翻起的跳灯会对行人进行二次伤害，最终在二十一世纪初期，跳灯退出了世界舞台。
扩展资料
跳灯在上个世纪七十到九十年代风靡全球，像法拉利、兰博基尼、以及大家熟悉的AE86都采用了这种设计。不过跳灯本身故障率高，打开后会加大风阻、风噪、发生事故也容易造成二次伤害，现在已经被明文禁止使用，所以这种设计已经是见不到了。
东方网-跳灯、立标没了，这些汽车设计元素估计以后也看不到了
东方网-消失的经典设计--跳灯
工业化和现代化进程。印象主义兴起于19世纪后半期的法国，晚期浪漫主义大概的时间在十九世纪末到二十世纪初，第二次工业革命是指19世纪中期，欧洲国家和美国、日本的资产阶级革命或改革的完成，促进了经济的发展，印象主义和浪漫晚期都发生在工业化和现代化进程加速发展的时期。
楼主似乎是在写论文
看了大家答的，所说的就是那个意思，我现在说说我的一些看法
1浪漫时期交响乐的发展及特点
浪漫早期：1810~1830年 浪漫中期：1830~1850年 浪漫的仿古典主义1850~1900 三个阶段，一般都从舒伯特开始算。虽然舒伯特的音乐仍然有很浓的维也纳古典乐派的遗风，可是也洋溢着小巧、温和、刹那间诱惑、感奋和几近不真实的幸福感，是古典之后第一股令人陶醉的浪漫气息，所以大家习惯称他为“古典的浪漫者”。韦伯也是浪漫派的代表，在经受贝多芬、莫扎特的影响后，这两位作曲家特别表现出浪漫风格的纤巧、细腻的一面。
中期的代表是门德尔松、舒曼，两人都在主观的特殊风格之外，共同传达这个浪漫时代精神，秉承了贝多芬的纯粹、绝对，发展了具有优美形式的交响曲。到了勃拉姆斯，浪漫的本质更加精密浓缩。如：在舒伯特的作品中，“浪漫的痛楚”只是在情绪上反映出来，到了勃拉姆斯则已经是感官的伤痛了。
柏辽兹及李斯特则选择性的领悟贝多芬标题描绘的启示，而发展了丰富内容的交响诗，“大自然”对浪漫时期的影响是很深的，连一向重视形式美的交响曲也不例外，这种反映有时较为直接（如：门德尔松的《苏格兰》、《意大利》交响曲），有时则较抽象（如舒曼的《春》、《莱茵》）。而强调大自然的同时、也为日后的民族主义的兴起播下了种子。
仿古典主义（也叫后浪漫主义）著名作曲家首推布鲁克纳和勃拉姆斯。布鲁克纳交响音乐的两大特色是宗教情操以及“拟管风琴声响”。主要是因为奥地利天主教19世纪过度封建保守，所以才会有布鲁克纳的清秀寡欲的交响世界之呈现。他对教义不曾疑惑的信仰，简直就是个任劳任怨的老农民，无论何种情况都没埋怨过自己的生活。这并不是说他没有矛盾，而是他懂得如何将它埋藏在心底，永不冒出。
对布鲁克纳影响最深的是瓦格纳，尤其在和声及管弦乐方面，可布鲁克纳一向习惯闭着眼睛听瓦格纳的乐剧，舞台上的一切都与他无关，他把乐剧的音乐灵性化了。勃拉姆斯虽然跟布鲁克纳同住维也纳，但二人感情不甚融合。勃拉姆斯来自德国北部的基督教家庭，他矛盾的性情是无法深埋心底的，他对燃烧在心中的烈火，因无法熄灭而感到恐惧，他寂寞而且动漾不定的心灵无法安顿，这都能从他贯有的摇摆、沉重、模糊的节奏中感受得出。
维也纳交响乐在经历了布鲁克纳及勃拉姆斯之后，唯一能将其整合并推向高潮的是站在巨人肩膀上的马勒。马勒身处颓废思潮弥漫的世纪末，现实的冲突、摩擦（生）及隐退的回忆往昔美好的时日（死），是他作品里不断交替出现的主题，那濒临神经质边缘的音乐美，一方面把后期浪漫的狂喜与炙痛表达得淋漓尽致，也为现代音乐的新任务勋伯格铺垫好了出场的红地毯。
2新浪漫主义音乐
（对于这个时期的音乐我听得不多，就听了巴伯的《为弦乐而作的柔版》、《交响曲》等）
新浪漫主义是在20世纪70年代起出现的一种流派，通常这种音乐有调性，但此时的调性并不等同于“共性写作”时期的和声、结构和调性，而是浪漫主义和现代主义的结合，用新颖的音乐语言对50、60年代盛行的过于理智和抽象音乐的序列音乐进行否定，音乐中开始强调情感的表现，以不同的程度来应用调性，注重浪漫主义风格。这就是新浪漫主义音乐。
代表人物及作品有：意大利的贝里奥和他的《交响曲》、美国的克拉姆和他的《大宇宙》、《夏夜音乐》，巴伯《弦乐柔版》、《交响曲》，罗奇伯格《交响曲》、《钢琴组曲》，德国的亨策和他的《雅各布之梦》等。
查到一些资料：
卢恰诺·贝里奥Berio, Luciano
（1925年生于意大利的奥内利亚，现在的因佩里亚）。意大利作曲家。在米兰学院师从盖迪尼(Ghedini)至1951年，然后在坦戈伍德(Tanglewood)从达拉皮科拉(Dallapiccola)学习序列技巧。1955年与马代尔纳(Maderna)在意大利广播电台共建电子音乐实验室，在该室工作至1961年。1963年赴美，在加利福尼亚执教，1965年起在朱利亚德学校执教，1971年返回意大利。作品受到序列主义、电子手法和随机音乐的影响。他独特地发展了“拼贴”技巧，借用其他作曲家的音乐片段或模仿他们的风格特征。如在《交响曲》(Sinfonia)中，贝里奥摘用了马勒第二交响曲，瓦格纳的《莱茵的黄金》(Das Rheingold)，拉威尔的《圆舞曲》(La Valse)，施特劳斯的《玫瑰骑士》(Der Rosenkavalier)中的素材。在《迷宫Ⅱ》(LaborintosⅡ)中，街头叫卖声、惊叹声和牧歌、爵士乐的因素混合在一起。另外一首拼贴作品是《独奏会Ⅰ》(Recital Ⅰ)（献给卡西Cathy），这是为他前妻，女高音卡西•伯布里安(Cathy Berberian)所作的几首作品（如《主显节》(Epifanie)和《顺序3》(Sequenza 3)）中的一首。为不同乐器所作的一系列《序列曲》(Sequenza)基本上是机遇音乐。在《圆圈》(Circles)中，歌唱者可以唱谱上标明的音高，也可以唱相近的音高，任她自选。贝里奥年青时曾在米兰一个小型巡回歌剧团中任指挥，因此，对戏剧音乐始终抱有热情，虽然他创作的戏剧作品迄今为止都是别出心裁的。
塞缪尔·巴伯Barber, Samuel
（1910年生于宾夕法尼亚州西切斯特；1981年卒于纽约）。美国作曲家。6岁时弹钢琴，7岁作曲。14岁时作为第一批特准学生进入费城柯蒂斯专科学院，1925-34年师从斯卡莱罗学习作曲，1926-31年从伊莎贝尔·文吉罗娃学习钢琴，1926-30年从埃米利奥·德戈戈尔扎学习声乐。1928年与吉安·卡洛·梅诺蒂(Gian Carlo Menotti)相识后，其友谊持久而富于成果。1933年起他的作品开始公演，最值得注意的是为阿诺德的诗《多佛海滩》(Dover Beach)配乐（他本人演唱其中的男中音声部）和他的大提琴奏鸣曲（他本人演奏钢琴部分）。1935年获普利策奖学金，1936年获美国学院的罗马大奖。同年他的第1交响曲于罗马首演，指挥莫利纳里。托斯卡尼尼于1938年指挥巴伯的《弦乐柔板》(Adagio for Strings)（原为弦乐四重奏的慢乐章）和第一首《随笔》(Essay for Orchestra)，随后几年他的作品在纽约、波士顿和费城由瓦尔特、库谢维茨基、莱因斯多夫、米特罗普洛斯、奥曼迪和梅塔指挥首演。他的四幕歌剧《安东尼和克娄巴特拉》(Antony and Cleopatra)，台本作者泽菲雷利，是纽约林肯中心的新大都会歌剧院为了于1966年9月举行开演典礼而约写的。
巴伯的音乐具有欧洲传统风格，而不是特殊的“美国味”。音乐语言比较保守，富于旋律性、优雅和华丽。在《伐奈莎》和女高音和乐队曲《诺克斯维尔：1915年之夏》(Knoxville:Summer of 1915)中可以最清楚地听出他的抒情性，他的浪漫主义则充他显示在《多佛海滩》、大提琴奏鸣曲和第1交响曲中。他钢琴奏鸣曲由霍罗维茨首演，是一首辉煌的炫技作品。几部歌剧最初反应冷淡，但听众态度逐渐转变，而协奏曲和歌曲效果极佳。
乔治·克伦姆Crumb, George
（1929年生于西弗吉尼亚州查尔斯敦）。美国作曲家。1959-64年在博尔德的科罗拉多大学教授钢琴与作曲。1965年在宾夕法尼亚大学音乐系任教，并于1983年成为该校人文学教授。音乐极有个性。早期受威伯恩影响，后对新音响感兴趣，并采用有时支离破碎、有时全凭机遇的作曲技巧，但并不追求畸形效果，他表达的思想仍然是清晰易懂的。如在1972年的一组为扩间钢琴用的幻想曲《大宇宙》(Makrokosmos)，其中用不了许多特别的钢琴手法，效果十分富有诗意。
乔治·罗奇伯格Rochberg, George
（1918年生于新泽西州帕特森市）。美国作曲家。1939-42年于纽约曼内斯音乐学校随曼内斯和塞尔学作曲；1945年就学于蒂斯专科学院，师从斯卡莱罗。1948-54年任柯蒂斯专科学院教师；1961-68年任宾夕法尼亚大学音乐系主任，1968年起任音乐教授。他曾受马勒和勋伯格的影响，其音乐发展为独特的序列主义风格，但后来又回到有调性上来。写过许多评论文章。
汉斯·维尔纳·亨策Henze, Hans Werner
（1926年生于威斯特法里亚的居特斯洛）。德国作曲家、指挥家。1942-44年在不伦瑞克国立音乐学校、1946年在海德堡求学。1946-48年间私人从师于福特纳(Fortner)；1948年在达姆施塔特跟莱博维茨(Leibowitz)学习勋伯格的十二音体系。1950年在威斯巴登任赫塞国家歌剧院芭蕾舞团音乐指导。1953年定居意大利。60年代中在政治上走向极左，此后的作品很多都反映了他的激进理想与信条。音乐风格五花八门，令人眼花缭乱，表现出他天赋的丰富想象力和不拘绳墨的性格。他不仅是一位德国作曲家，也可说是一位法国和意大利作曲家。勋伯格，斯特拉文斯基或机遇音乐的风格他用来都是得心应手。创作的主要特征是抒情而富声色美。具有丰富而细腻的声音色彩和娴熟的合唱写作技巧。
电脑里有篇有关罗奇伯格的文章（多元音乐风格的冲撞与整合
罗奇伯格钢琴组曲——Carnival Music, IV “Sfumato,” 之解析）
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《行星》组曲是一部庞然巨著，整个作品分为七个乐章，并以九大行星中的七个星球（地球和当时尚不为人类所知的冥王星除外）命名。而且乐队编制也异常庞大，启用了一般很少登台的低音长笛、低音双簧管、低音单簧管、低音大管、次中音大号等管乐器，以及管风琴和众多的打击乐器，在最后乐章中还加用了一段六声部的女声合唱（有时亦以两支独奏长笛取代）。如此众多的乐器的组合产生了丰富的音响色彩，如在“火星”乐章的一段音乐中，乐队的全奏展示出了地震山摇的气势。但也许正是由于《行星》组曲本身及其乐队编制过于庞大，这部作品一般很少全曲演奏，而通常仅演其中的三五个乐章，有时则是单独演奏一个乐章。
就《行星》组曲的意义来说，该曲与天文学无涉，而仅仅是建立在古代迦勒底人、中国人、埃及人和波斯人所熟悉的占星术之上的，关于这一点，霍尔斯特在1920年全曲公演时是这样对记者说的：“这些曲子的创作曾受到诸行星的占星学意义的启发。它们并不是标题音乐，也不与古代神话中的同名神仙有任何联系。如果需要什么音乐上的指引，那么，尤其是从广义上来说，每一曲的小标题便足以说明问题了。例如，木星带来通常所说的欢乐，以及与宗教的或民族的庆典活动有关的那种礼仪性的欢乐；土星带来的不仅是肉体的衰退，它也标志着理想的实现；水星则是心灵的象征。”
第一乐章 火星——战争使者
霍尔斯特是在1914年8月第一次世界大战爆发前夕完成这一乐章的，因此有人认为，作曲家的这段音乐是对当时迫在眉睫的战争的预言。确实，这一乐章的音乐，尤其是由打击乐器和弦乐器弓杆击弦奏出的蛮横、激昂的渐强节奏型，给人以一种咄咄逼人的紧迫感，并暗示出军队在行进。乐章的第一主题压抑而带有挑衅性，由大管和法国号奏出。
音乐开始时富有特征的弱奏（p）节奏型随着这第一主题的嘶鸣而逐渐增强力度，当它达到极强（fff）时，在铜管乐器上迸发出乐章的第二主题。这种效果可以概述如下：两支充满杀机的军队在相互逼近，到处是刀光剑影，而当它们终于接触时，一场短兵相接的厮杀不可避免地爆发了。
战争在继续，管风琴的加入把音乐推向了新的高潮，这时，B调大号和C调小号奏起了进军的号角。
然而，这并不是胜利的号角，随着木管乐器与弦乐器以低沉压抑的、呜咽般的音响在第二主题上的展开，以及各主题的残暴蛮横的再现，展开了一幅更为惊心动魄的战争场面。
第二乐章 金星——和平使者
由于上一乐章凶残的战争音乐的对比，这一乐章越发显得宁静安谧了。它使人想起了一个没有电闪雷鸣、远离战争喧嚣的世外桃源，这里到处呈现出一派和平安乐的景象。乐章一开始，法国号呈示出一支上行旋律，长笛和双簧管则以一串串和弦与之应答。
音乐的发展是极其富有诗意的：长笛与法国号上的延音犹如秋天的蝉鸣；两架竖琴的一串串和弦仿佛是清澈的溪水在流淌；钟琴与钢片琴的下行音型宛若喷涌的清泉。在这种氛围中，独奏小提琴唱起了一支动人的情歌，整个乐章随后的发展也就是建立在这个主题之上的。
第三乐章 水星——飞行使者
据说，水星是带有翅膀的信使的象征，也是窃贼的保护神，因而，这一乐章的音乐异常机敏灵活，是一首急板诙谐曲。乐章以带弱音器的弦乐器和木管乐器上快速进行的音型开始，接着，双簧管和英国管呈示出第一主题那轻捷而俏皮的旋律。可以说，这就是信使的写照，他正忙碌于走家串户，为人们带来福音与欢乐。
第二主题的旋律带有民歌风格，表现出人们为飞行使者的光临与他所带来的信息而欢庆歌舞的情景。
第四乐章 木星——欢乐使者
与其他乐章相比，这一乐章构思宏大，篇幅也较长。整个乐章可分为三个部分，第一部分从小提琴快速的碎弓中开始，在它的引导下，第一主题带着极大的热情喷薄而出，其欢乐的气势异常浩荡，似乎把天庭也震动了。
欢乐的情绪犹如一幕幕场景，此起彼落，绵亘不绝。而在这些“场景”之间，每每有一个铜管乐器奏出的欢乐的固定乐思，它像号角一般，宣告着新的欢乐的降临。乐章的第二主题是一个歌唱性旋律，由六支法国号及弦乐器组奏出。
第三主题是一支端庄的民间舞曲，先由法国号奏出，随后在木管乐器组、弦乐器组和铜管乐器组之间传递。
进入第二部分后，速度由快板转为行板，音乐也变得格外庄严，并充满着霍尔斯特所说的那种“礼仪性的欢乐”。整个第二部分由一首虔诚的颂歌构成，它那侃侃而述般的进行，使人想起教堂里唱诗班吟唱的赞美歌。
第三部分又回复到快板速度，开始三个主题的简短再现再度掀起民间节庆般的高潮后，乐草以一个雄伟的短小尾声作为结束。
第五乐章 土星——老年使者
“土星”乐章是《行星》组曲中最精彩的篇章之一，也是较常单独出奏的段落。乐章以长笛、大管和两架竖琴奏出的由两个邻音的交替构成的固定节奏作为开始，它象征着老年人瞒珊、滞重而单调的步态，同样这也是时光消逝与体力趋向衰退的写照。在这个背景上，低音提琴奏出了哀叹般的动机，它逐渐发展成由次中音长号奏出的乐章中唯一的一个主题。正如霍尔斯特明确指出的那样，这个主题不仅表现“肉体的衰退”，同时还意味着“理想的实现”。
在这个主题的基础上，乐曲展开了富有层次的变奏。这里有深沉的思虑与希望，也有葬礼进行曲般的节奏和晚祷的钟声，还有对往昔的美好幸福的追忆。
第六乐章 天王星——魔术师
这段音乐也是《行星》组曲中的精彩段落。霍尔斯特在这里运用了变幻无常的调性和配器色彩，以及力度的突兀变化等现代作曲手法，从而达到了扑朔迷离的魔幻般的效果。音乐一开始是铜管乐器奏出的一个动机，这是魔术师的形象——神秘而难以猜度，恐怖而带有不祥之兆。
乐章的主要主题是大管断奏奏出的一个中邪般跳跃疾走的旋律，它吸引了其他各乐器组加入到这一行列之中。
在这个“跛足行进”的背景上，又出现了两个主题，前者忙碌不堪，后者趾高气扬。
音乐逐渐进入高潮，忽然又戛然而止，化作短笛、长笛和单簧管上一连串琐碎的下行音型。走音鼓亢奋的节奏似乎是魔术师的新咒语，它带来了一个新的乐段，并把音乐推向了新的高潮。
忽然，管风琴上响起了一个怪诞的滑音，就像是一道闸门挡住了音响的巨流，使节奏变得低沉迟缓，使高潮化作了几个单薄的长音。这个乐章就是在这种令人不安的氛围中结束的。
第七乐章 海王星——神秘主义者
“海王星”这最后一个乐章在给人以娴静温柔之感的同时，又表现出神秘莫测与朦胧的太空景象，乐章的第一主题就是以这种色调构筑起来的。
霍尔斯特以钢片琴、竖琴和小提琴琶音的大量运用，成功地渲染出一种迷茫的神奇景象。音乐从行板转入小快板后，在人声与弦乐器和声的伴奏下，单簧管非常柔和地呈示出第二主题。
为了取得他所需要的效果，霍尔斯特在总谱上特地注明了对合唱队的安排：“合唱队应置于舞台边邻近的房间内，房门要开着，直到全曲的最后一小节，这时门要轻轻地、静静地关上。合唱队、门，以及可能需要的任何一些副指挥，都要用屏幕与听众隔开。”
（未完待续）
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