古典音乐作品里，斯拉夫风格是指什么？

什么是斯拉夫式艺术风格

斯拉夫艺术因东欧斯拉夫各民族的艺术风格而得名，其中以东斯拉夫人中的俄罗斯艺术

最有成就，也最为突出。由于斯拉夫各族大多信奉东正教，因此斯拉夫艺术也主要表现

为东欧的东正教艺术。从其历史形成过程来看，斯拉夫式艺术来自罗马式与拜占庭式艺

术风格的结合与发展。随着东、西罗马的分裂及其相继衰亡，东正教传入东欧广大地区

的斯拉夫语民族，而与东罗马帝国密切相关的拜占庭艺术则逐渐演变出斯拉夫艺术，结

果在原有基础上开始了东正教艺术的新生。二者的区别，在于拜占庭艺术基于古代地中

海世界的希腊语文化，而新兴的斯拉夫艺术则与斯拉夫语文化圈的发展变迁休戚相关。

斯拉夫建筑艺术在很大程度上受到拜占庭建筑风格的影响，因而也被人称为“仿拜占庭

式”或“晚期拜占庭式”。在其典型的教堂建筑上，斯拉夫式教堂也多采用穹顶式或八

角形加圆顶式的设计，并有着罗马式建筑的厚重之感，但在整体布局和塔顶设计上却另

有新意，显出自己独有的风格。例如，斯拉夫式教堂一般建有多层圆顶，形成大小不一

的蘑菇群状。而且，这种顶端立有十字架的圆塔建筑或是半圆形金顶，或是雕饰成葱头

式和椰壳式，因此比拜占庭式建筑显得更为富丽堂皇和观豪华。斯拉夫式教堂的早期代

表作品有建于1037年的基辅菲亚大教堂和建于1045年的诺伏哥罗德索菲亚大教堂，比较

型的代表作品则有建于1479年的沃洛科拉姆斯基约瑟夫修道教堂群体建筑，建于1475年

的莫斯科克里姆林宫内的圣母升大教堂和建于1554年的莫斯科升天瓦西里大教堂等。

17世纪来，随着彼得大帝的社会改革和对外开放政策的推行，斯拉夫筑亦受到西欧艺术

风格的影响，较典型的是巴罗克风格被引斯拉夫式门洞建筑之中，如基辅著名的劳拉修

道院巴罗克式洞等。而建于18世纪的彼得堡彼得罗·巴甫洛夫斯克大教堂楼和斯莫尔尼

教堂等，也体现出西欧宫廷艺术的风格。 斯拉夫雕刻主要依附于其建筑，与之构成密不

可分的统一，较著名的教堂雕刻作品有创作于18世纪的彼得罗·巴甫洛斯克大教堂尖塔

上的《有翼天使》雕像等。斯拉夫式宗教绘则以圣像画为主。它源于拜占庭艺术中的圣

像画传统，但已，新的突破和发展，其特点是作品更加富有人情味，而且也不局限于《

圣母像》这一题材。比较突出的作品，有15世纪著画家洛布约夫为莫斯科大天使米迦勒

大教堂创作的《大天使迦勒》圣像画。

此外，自斯拉夫各民族皈依天主教之后，也逐渐形成了斯庆式教堂音乐风格。它分为西

斯拉夫式教堂音乐和东、南斯决式教堂音乐：前者受西方教会音乐影响，采用拉丁文的

西礼仪音乐，并形成以“基辅圣礼音乐”为代表的格来哥利风，通行于东欧的一些天主

教会，后者则受拜占庭教会音乐影，并将宗教礼仪所用的希腊语译成各种斯拉夫语言，

形成了“西里尔字母”为其语言体系的教堂音乐传统，通行于东欧各地的东正教会。

一、婚礼开始前：（准备中，大家陆续来到婚礼现场的状态）

这时候可以放一些轻松的，但风格要统一。笔者的婚礼偏西式，做了所有婚纱照的带背景音乐的短篇，重复播放，背景音乐是一首钢琴曲《冬日恋歌》，还有一首是轻松一点的歌曲张栋梁的《只因为你》。

还可以参考的是：《爱之喜》《四季》这两个就属于很西式的音乐了，韩剧中的一首插曲《爱情傻瓜》，有音乐版的，很舒缓。欢快一点的可以是《大城小爱》、《一年后》、《绽放》、《冬季日记》、《恋爱频率》（一定要韩文版的噢）。

其实很多钢琴曲都很适合，可以上网搜一下。

二、新郎入场：其实用个比较舒缓的钢琴就行，因为新郎入场时间比较短。

比如：韩语歌曲《我爱你》的前面那个伴奏，个人认为就很好。（歌曲部分也可以用于交换信物）

新娘挽着父亲入场：《卡农》钢琴版，前面前奏稍稍截去几秒，感觉挺好的，因为笔者是烛光婚礼，觉得融合的很好。

三、走到花门，一对新人要走上红地毯，携手前行了，推荐瓦格娜版本的婚礼进行曲，就是前面好像教堂唱诗的那个版本。因为路程不长，也把前面很多人唱的那段前奏截掉了一段，这是个很温馨的版本。

四、新人宣誓环节：歌曲推荐钢琴曲《沐浴晨光》，宣誓完毕可以立即配上齐秦的《爱情宣言》高潮部分，一定要宣誓完毕，不然会听不清你们的话。

五、交换信物：上面说了，可以用韩语歌曲《我爱你》，笔者用的是刘德华的《婚礼进行曲》，截掉了前奏从带戒指开始，就进入歌曲部分，效果不错。

六、新人感言：新郎可以用《我喜欢肖邦》，新娘可以选择《kiss the rain》。

七、紧接着延续下来交换神秘礼物环节也是用的《kiss the rain》,因为督导说两个环节较短的话，音乐变化太多会比较乱。

ps：推荐钢琴版的《爱情**》，效果也是超级棒，很煽情。

八、父母和证婚人以及其他来宾发言，都可以用钢琴曲《ANNIE LAURIE》，不张扬，也起到衬托的作用。

九、给父母献礼物，可以用《爸妈谢谢你》

十、倒香槟：推荐《小夫妻》，因为环节比较长，整个第一段歌词都能听到，歌词很不错。节奏也比较轻松，适合这个环节。

十一、喝交杯酒：推荐《moon river》，当这时灯光暗下，两人深情对视，端起酒杯，再配上这首歌……很不错的感觉

十二、切蛋糕：觉得是个很甜蜜的事情，所以推荐欢快的歌曲，如《sweet dream》

十三、点蜡烛：推荐《我的歌为你而唱》

十四、新人互吻：推荐《你是我最深爱的女人》高潮部分。就在接吻开始一瞬间，“你是我最深爱的女人”响起，很不错。

十五、抛手捧花：应该是一个比较欢快的环节，觉得韩语歌曲《爱你多一些》很合适。

十六、婚礼完毕，新人退场，推荐《because you loved me 》

OK！！婚礼部分就完成啦！

最后就是一些酒席过程中背景音乐了，大家可以用一些不同年龄段基本上都能接受的歌曲。一般比较欢快轻松的都可以，不必在乎歌曲语言，只要节奏音乐不错就可以。

推荐几首：《暖暖》《你的香气》《for the first time》《love will keep us alive》《i believe》《i konw i loved you》《Imme Wieder》《le_papillon》《noelsanstoi》《爱你（韩）》《情书-钢琴曲》。

当然，婚礼上特定的那些音乐中比较欢快的也可以加进来

今天的文章初探了李斯特的浪漫主义精神在音乐中的体现，以及浪漫主义美学对李斯特的音乐作品一生的影响，通过对音乐情感美学和音乐表演美学两部分的浅析，进一步体现出了李斯特浪漫主义音乐美学的宗旨。希望能够帮助大家从美学角度聆听李斯特。

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浅谈李斯特的音乐美学思想

浪漫主义音乐时期在欧洲音乐史上是浓墨重彩的一笔。在这个音乐发展的黄金时代，诞生了众多璀璨而光耀于世的大师，其中有一位里程碑式的大师是我们无法忘却的，他就是――弗朗兹·李斯特。 是浪漫主义造就了李斯特这样一位在音乐史上独一无二的大师，还是李斯特为浪漫主义音乐增添了别无仅有的绚丽。

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可以说，浪漫主义在李斯特的身上得到了直观而深刻的体现，也可以说，李斯特是真正的浪漫主义斗士。 浪漫主义时期的社会思潮、人文积淀是李斯特音乐的重要表征和内在驱动力，浪漫主义时期的音乐特点、音乐表现是李斯特成功的重要因素和必然因素，浪漫主义不仅是李斯特本人的性格使然，而且决定了李斯特成为浪漫主义时期伟大的作曲家，李斯特不仅是浪漫主义音乐和浪漫主义自由的化身，而且其音乐是浪漫主义音乐丰碑中不可或缺的一座。

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浪漫主义时期，大量的炫技性的作品不断涌现。 与此同时，大量的公众音乐会和音乐节也出现了，音乐家要面对比以往更多的观众和音乐爱好者，演奏家成为乐迷的新宠，成为他们心目中的英雄。而且浪漫主义时期的演奏家非比寻常地青睐音乐会上做即兴发挥。可以想象，李斯特作品中的高难度技巧并不是真正难以逾越的峻岭，没有出现在乐谱中的现场即兴表演才是难以企及的颠峰。

1、李斯特的音乐情感美学

李斯特是浪漫主义时期的作曲家，他的艺术观点和美学主张并不脱离浪漫主义时期艺术界的一般美学宗旨。诸如崇尚感性，坚持内容突破形式的原则，重视揭示内心世界，强调个人抒情性，喜爱自传体创作题材方面倾向于神话性、幻想性和传说性，富于借古喻今的特点，追求音乐创作的哲理性、象征性、抽象性和主观性，强调民族性，音乐创作与民族解放运动相结合，继承并发展了古典乐派的基础，比较古典乐派，更为重视音乐的社会教育功能，更为重视综合在艺术方面的创新。

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李斯特在音乐史上并不是以音乐理论而著称的，但他的音乐美学思想确实是在很大程度上影响了当时和现在的音乐表演、音乐创作和各种音乐理论的发展。他在一生中撰写了大量文章和数百封信件来表达自己对于音乐美学，特别是钢琴美学的看法。如《论将来的教堂音乐》《艺术家的地位及其在社会中的生活条件》《音乐学士信札》《罗伯特·舒曼》《柏辽兹和他的哈罗尔德交响曲》《匈牙利的吉卜赛音乐》《肖邦》等都广为流传。他的钢琴美学内容广博，无论是对钢琴音乐的表演、创作、情感表现力、技法都提出了独到的见解。

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李斯特是一名注重钢琴表现形式的音乐家，但他更为重视钢琴音乐中的内在情感和表现力，他认为音乐的表现力胜过许多其他的艺术门类，而在音乐门类中，他最熟悉和擅长的钢琴又是极具表现力的乐器。他的《送葬曲》钢琴曲是在惊闻自己的祖国革命失败之后创作的，他在创作这首曲子的时候，满怀激愤，也非常有感染力。与音乐美学家汉斯立克关于音乐自律论的观点相反，李斯特始终相信音乐具是有他律性的特点的。他认为，音乐中一定要有真实的情感，而且伟大的作品都是由炽热而不朽的情感所组成的。在谈到音乐的情感问题时，李斯特认为音乐有内容，而这个“内容”正是音乐的情感。音乐的情感既是音乐的内容，又是音乐的形式。

2、李斯特的音乐表演美学

浪漫主义时期的表演美学不同于古典主义的时期，感性和主观相比较理性和客观，更居于主要地位。个人主观体验成为表演的核心内容，不论是演奏者还是观众都是如此，当时的很多演奏家习惯在表演现场即兴演奏，对原来的作品进行随意改动，而观众也对这种表演方式也赞不绝口。由于作曲家与演奏家的统一，引起了对即兴演奏和表现技巧的欲望。这两种因素事密不可分的，正因如此，作曲家的演奏能力在那时得到了空前的发展，浪漫主义信赖与喜爱即兴演奏，因为它最接近他们的即兴创作理想。

此外，注重抒情性与戏剧性的心理刻画，在表现方式上对自由、幻想与夸张地进行强调，成为一切浪漫主义艺术，也包括表演艺术的最基本特征。而浪漫主义时期钢琴表演的代表人物的确非李斯特莫属。因此他也形成了自己的钢琴表演美学。李斯特将钢琴表演置于艺术表演活动的中心地位。也就是说，在钢琴表演的时候，表演者是整个活动的关键，而非作曲家。

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李斯特会最大限度地发挥他自身的表演能力和创造个性，他不拘泥浪漫主义与李斯特的钢琴音乐于原作，甚至根据当时的形势和表演状态随意增加或改变原曲的样式。其次是强调表演者李斯特的个人技艺，认为只有技艺超群的演奏才是成功的表演。不仅仅是李斯特，浪漫主义时期的许多演奏家都具有相当高水平的演奏本领和能力，甚至被认为是天才，正因如此，演出中体现出来的技艺性是观众最为津津乐道的，也是演奏家所追求的表演美学。强调个人的主观情绪的抒发与表现，同时使用极其夸张的手法来展现激动人心的效果，李斯特侧对观众，就是为了让观众能够清楚地看到自己的表演，为自己夸张的举止和沉醉的姿态所着迷。李斯特给钢琴表演美学带来了鲜明的个性，这是浪漫主义风格具体的体现，而这种风格一直持续至今。

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李斯特的钢琴作品和美学思想不仅沐浴在这种浪漫主义思潮的和煦中，同时他用自己的才能和决心极大地推动着浪漫主义音乐的发展，极大地丰富了浪漫主义时期音乐的表现。他的音乐作品极具戏剧性，前半生中充满了尘世的浮华，后半生却又写尽了未来的前景，他既是浪漫主义的集大成者，又是启迪思考的睿智先知；他是带来鲜花、掌声的天使，又是神秘、矛盾的魔鬼。他的音乐既是浪漫主义的里程碑，又是投向未来的长矛。

弗朗茨·舒伯特（Franz Schubert，1797年—1828年）是奥地利作曲家，他是早期浪漫主义音乐的代表人物，也被认为是古典主义音乐的最后一位巨匠。他于1797年1月31日，出生于维也纳近郊的里希田塔尔。

虽然舒伯特逝世时只有31岁，他创作了超过六百首歌曲，九首交响曲以及奏鸣曲、室内乐、歌剧等等。最著名的歌曲有：《死与少女》、《摇篮曲》、《小夜曲》、《圣母颂》、《魔王》、《野玫瑰》、《鳟鱼》，以及声乐套曲《美丽的磨坊女》、《冬之旅》、《天鹅之歌》等。舒伯特以抒情的旋律闻名，而且总是能够自然流露、浑然天成。

舒伯特在生的时候，大众对他的认识和欣赏只是一般，但在逝世前已经有一百首著作被出版。他早年担任父亲学校裏的教师，辞去职位后一直没有固定的工作，经常靠朋友接济。

舒伯特死后被安葬在他生前一直相当崇拜却只见过几次面的贝多芬墓旁。

舒伯特（1797～1828）Schubert，Franz Peter，奥地利作曲家。1797年1月31日生于维也纳 ，1828年11月19日卒于同地。童年时从父亲学小提琴、从哥哥学钢琴，11岁入神学寄宿学校，开始显示音乐创作才能，歌曲《夏甲的悲叹》就是这时创作的。1814年他在父亲的学校里当助理教员，同时从事创作。1816年起专事作曲，但稿酬菲薄，生活清贫。像《流浪者》这样举世闻名的歌曲，舒伯特只拿到两个古尔盾，而出版商在40年间赚取了27000个古尔盾 。他十分崇敬路德维希·范·贝多芬，曾将所作4首法国歌曲主题钢琴变奏曲献给贝多芬，并在贝多芬病危时两次探望他，亲举火炬参加贝多芬的葬礼。他临终前一天病得神志昏迷，还发出呓语：“贝多芬不是睡在这里吗？”他的墓与贝多芬的墓相毗邻，1888年一起迁葬维也纳中央公墓，原墓地则成为舒伯特公园。

舒伯特在短短31年的生命中，创作了600多首歌曲 ，18部歌剧、歌唱剧和配剧音乐，10部交响曲，19首弦乐四重奏，22首钢琴奏鸣曲 ，4首小提琴奏鸣曲以及许多其他作品 。他为不少诗人如约翰·沃尔夫冈·歌德、弗里德里希·席勒 、海因里希·海涅、威尔赫姆·穆勒等的作品写了大量歌曲，把音乐与诗歌紧密结合在一起。他的歌曲中既有抒情曲、叙事曲、充满战斗性的爱国歌曲，也有源于民间音乐的歌曲，其中重要的有《魔王》、《鳟鱼 》、《菩提树》、《美丽的磨坊少女》、《野玫瑰》、《流浪者 》（2首）、《普罗米修斯》、《致音乐》、《迷娘之歌 》、《纺车旁的格雷欣》、《牧童的哀歌》、《战斗中的祈祷》、《剑之歌》、《战士之歌》等 ， 主要歌曲汇有3部歌曲集 ：《美丽的磨坊少女》、《冬之旅》和《天鹅之歌》。他的交响曲中较重要有第四、第五、第八、第九交响曲，其中第八交响曲是一部浪漫主义抒情交响曲，因只写了两个乐章而被称为《未完成交响曲》，第九交响曲气势磅礴，充满英勇豪迈的气概，被称为《伟大交响曲》 。 他的作品还有d小调弦乐四重奏《死与少女》、钢琴五重奏《鳟鱼》、C大调弦乐五重奏、钢琴曲《流浪者幻想曲》、《音乐的瞬间》 、降E大调即兴曲、A大调奏鸣曲和配剧音乐《罗莎蒙德》等。

早年生活和教育

舒伯特生於Himmelpfortgrund,维也纳的近郊。他父亲,弗朗茨(Franz),是一个莫拉维亚(Moravia)农夫的儿子,是一个小镇学校的校长，亦是一位业余音乐家。他的母亲,伊利莎白·维兹(Elizabeth Vietz), 在结婚前曾当过厨师娘。舒伯特连他在内，共有15名兄弟姊妹，当中包括一位早在1783年就已出生的私生子。不过这15人当中，有10名在出生后不久就病死。余下的五人除了舒伯特以外，分别是：Ignaz (b 1785), Ferdinand (b 1794), Karl (b 1796), Franz, 以及女儿Theresia (b 1801) 他们的父亲，一位正直而崇高的人，展现出相当的教育才华；他的位于 Himmelpfortgrund 的学校有着丰富的生源。他同时也是一位业余音乐家，并将自己对音乐技法的尺度传授给他的两名长子 Ignaz 和 Fredinand。

从五岁开始舒伯特开始随父亲正规学习音乐,六岁时开始在Himmelpfortgrund学校上课,并渡过他人生中比较快乐的时光。父亲教导他小提琴,兄长Ignaz教导他钢琴。当他七岁时，他已经超越了他的父兄，转为跟随 Michael Holzer，Lichtenthal 教堂的乐队长，学习音乐。可是Holzer根本教不了他，要教的内容他早就会了。所以上课的内容变成了聊天，或者经常就是Holzer目瞪口呆地看着舒伯特，吃惊的说不出话来。小舒伯特从一名学徒工那里学到更多的东西。那个学徒工曾带他去临近的一个钢琴仓库，给他以比他贫穷的家庭所能给予的更好的乐器练习机会。他的早年教育更显不足的另外一个原因是在那个年代，一个作曲家如果自己不是一个在公众面前的出色的演奏家，那他成名的机会几乎微乎其微。这样看来，他童年的音乐启蒙教育是不够他踏上音乐家之路的。

1808年八月,他考进了皇家神学寄宿学校，并在皇家教堂童声合唱团里唱歌。在那里舒伯特开始接触了莫扎特的序曲和交响曲。正是大量不断的接触各种各样的曲谱，以及经常去歌剧院听歌剧，舒伯特开始为他的后来的音乐造诣打下坚实的基础。

同时，他的天赋引起了当时顶级作曲家安东尼奥·萨列里(传说他因妒嫉谋杀了莫扎特）的注意，萨列里决定教授他作曲和音乐理论。 舒伯特早期的室内乐和有特点，后来人们知道他家在周日和节假日经常演练弦乐四重奏，他的两个兄弟拉小提琴，他父亲大提琴，舒伯特自己拉中提琴。这正是他后来为之谱曲的业余合唱的雏形。他在寄宿学校后来的时光里，又陆续写了很多室内乐，几首歌曲，一些钢琴曲片断，一首Kyrie (D31)和Salve Regina (D27), 一首风琴octet(D72/72a) - 据说是悼念他1812年去世的母亲。一首cantata (D110), words and music, for his father's name-day in 1813, 和他的毕业作品 - 生命（life）, 他的第一首交响曲(D82)。

教师生涯

在1813年底他离开了寄宿学校，同时为了避免服役便去了他父亲的学校作为底班的教师。此时他的父亲也与一位来自近郊 Gumpendorf 丝绸商人的女儿Anna Kleyenboeck再婚。其后的两年里年轻的舒伯特忍受着繁杂的工作，他倒也游刃有余。尤其是萨列里一直对他单独教授作曲。可以说萨列里是教他时间最长也是对他最有影响的老师。因为萨列里是头一个将Biedermeier（指1815－1848）风格溶入维也纳教堂音乐的作曲家，所以舒伯特早期作品有他老师的教堂音乐的特点就不足为奇了。另外萨列里用多种语言写了大量歌曲，这也对舒伯特早期大量出产歌曲给出了解释。 他的第一部歌剧-- Des Teufels Lustschloss (D84) -- 和第一部弥萨曲 -- in F major (D105) -- 都作于1814年, 同年他还写了三部弦乐四重奏，第一首交响曲no2 in B-flat major (D125)和17首歌曲，其中包括经典的Der Taucher(D77/111) 和 Gretchen am Spinnrade (D118, published as Op2)。但这些和1815年的作品数量比，就逊色了。在1815年，尽管有教课的工作，还要找萨列里上课，以及生活的很多杂事，他的产量高得让人难以置信。第二交响曲second symphony in B-flat (D125) 完成了，紧接着第三in D major (D200)。他又写了两首弥萨曲，第一首仅用了六天。三首歌剧Der vierjährige Posten (D190), Fernando (D220) 和Claudine von Villabella (D239)-- 另外两首, Adrast (D137) 和 Die Freunde von Salamanka (D326), 没有完成。 另外还有一部弦乐四重奏，四部奏鸣曲，及零散的钢琴曲，以及146 首歌曲。有些歌曲还很长。他光10月15日写了8首歌，10月19日7首。

1814年12月舒伯特结识了诗人Johann Mayrhofer: 由于舒伯特的性格，他们的友谊很快发展至亲密无间。他俩的脾气不一样，舒伯特率直，开放，阳光，Mayrhofer忧郁，沉默寡言，将人生看作对人的忍耐力的考验。他们的友谊，我们随后会看到，对舒伯特后来的帮助是多方面 。

朋友的支援

如果说1815年是舒伯特创作丰富的一年，那么1816年却是他命运转折的一年。他为歌德的诗歌魔王谱曲，为好友Spaun惊叹不已。几周后，一个家境殷实的学生Franz von Schober，因为曾经在Spaun的家里听过舒伯特的歌曲，前来拜访。他提出让舒伯特辞去学校的差事，并资助他安心进行音乐创作。这个建议可谓雪中送炭。因为舒伯特刚刚申请卢布尔雅那宫廷乐师未果，正为压抑的教职闷闷不乐。他父亲很快同意了他的决定，很快在四月末他搬到了Schober家寄宿。舒伯特曾经为了补贴家用试图教授音乐，但很快放弃，全身心的投入到音乐创作中。他后来说，"我整天都在写，每当我完成一部，马上开始下一部。"

同一时期舒伯特的朋友圈子也不断扩大。Mayrhofer介绍他认识Johann Michael Vogl，著名的男中音，他为给舒伯特扩大影响经常在维也纳的沙龙演唱他谱的歌曲：Anselm Hüttenbrenner和他的兄弟Joseph是舒伯特的忠实歌迷。出色的钢琴家Joseph von Gahy经常演奏他的奏鸣曲和幻想曲。音乐世家Sonnleithner一家，因为大儿子与舒伯特在皇家学院是同学，让舒伯特自由出入, 而且为他举办音乐聚会，这种聚会很快被称为“舒伯特圈子(Schubertiaden)”。生计对于舒伯特来说也不是问题。毫无疑问，舒伯特当时一无所有，他辞掉了教职，却也没有演出收入。而且那时没有出版商对他的作品感兴趣。但是他的仗义朋友们经常无所求的接济他。有个给他提供住处，有的提供乐器。他们一起出去吃饭，碰上谁带钱谁就付钱。舒伯特是聚会的明星，但一贫如洗。据说他有十几个外号。最有特点的一个是“什么能耐？”，更通俗一些就是“他买单？”当一个新人被介绍给舒伯特认识时，他经常这样问。舒伯特的另一个外号是“小蘑菇”。以为他只有1米57，又是个小胖子。

逝世

舒伯特的坟墓，在 维也纳中央公墓在他的创作旺盛时期，他的健康恶化。 自从1822年起，舒伯特就在和梅毒作斗争 尽管有人提出其他的病因，最终的病症很可能是伤寒症；他晚期的病状与汞中毒的病状相似，而汞恰恰是19世纪早期被用来治疗梅毒的药物；无论如何，没有足够的证据来作出确定的诊断。他于1828年11月19日死于维也纳，哥哥费迪南德的公寓里，卒年31岁。根据他的要求，死后被葬在其崇拜了一生的偶像贝多芬的墓边。 1888年，舒伯特以及贝多芬的坟墓被迁到了维也纳中央公墓，与小约翰·施特劳斯以及约翰内斯·勃拉姆斯的墓为邻。

1872年，弗兰克 舒伯特的纪念碑在维也纳的中央公园被建立起来。

       由于莫扎特的父亲是为萨尔斯堡大主教工作的音乐家，而沃尔夫冈自己也有相似的任命（起初是指挥乐队，后来是管风琴师），所以莫扎特从年轻时起就理所当然为教堂写音乐。但是，有一个显著的例外情形：他为宗教歌词谱写的作品，如：《c小调弥撒曲》、《圣体颂》和《安魂曲》，都不算在主要作品中。莫扎特的弥赛像海顿的弥撒曲。大部分是与流行的交响曲、歌剧的语汇写的。

      《安魂曲》（K626）是莫扎特最后的作品。是一部有关死者灵魂安息的弥撒。它既是莫扎特笔下第一部也是最后一部《安魂曲》……因为非常诡诈地，他在1791年12月5日正在创作这部作品的时候就去世了。

      《安魂曲》真实的故事本身就很奇怪：委托来自一位神秘使者，莫扎特后来称此人为“灰色的陌生人”。这位陌生人从未向莫扎特透露过他的身份，作曲家开始相信他正在创作自己的《安魂曲》。“实际上，这部作品是1791年7月受一位富有的贵族瓦尔赛格委托写的”，以悼念亡妻。但因莫扎特忙于创作《狄托的仁慈》和《魔笛》，所以直到病倒时进展很少。这是唐纳德·杰·格劳特在《西方音乐史》原书页码P509页的记述。但是故事又有了新的发展：瓦尔赛格伯爵请人来作一首安魂曲以悼念亡妻，一开始并没有委托莫扎特。那么会是谁呢？其实就是前文中“灰色的陌生人”他身份已经昭然若揭，他叫莱特杰普，全权代表弗兰茨·冯·瓦尔泽格伯爵（网络上的另一种译法），伯爵据说颇通音律且喜欢附庸风雅，常常出钱购买别人作品然后填上自己的名字以图流芳百世。莱特杰普是伯爵的仆人，只是莫扎特当时并不知道。而我们到目前也不能确定这部作品是否对莫扎特的死亡产生了什么影响。

        现在所知道的是作曲家当时病得很厉害，他根本无法完成这部作品。签署的手稿显示，莫扎特只完成了第一乐章，以及第二乐章、第三乐章的开头部分和第四乐章的详细草稿。

        许多天方夜谭般的说法围绕着他的死亡涌现出来——人们也许可以在真实的病例记录中发现点什么：

        官方报道的死亡原因是“重症伤寒”，但其他建议的死亡原因还包括梅毒、风湿热、感染、食用未煮熟的猪肉引起的旋毛虫病，甚至还有中毒。

       1984年的影片《莫扎特传》讲述了投毒的故事，并暗示是作曲家安东尼奥·萨列里（Salieri，Antonio）促使了莫扎特的死亡。虽然可以肯定地说这则故事完全有悖于事实，但莫扎特生命中的最后几天依然笼罩在神秘之中。

        在这里必须为萨列里大师说几句话：影片虚构了萨列里的人物性格，为了剧情需要他被安排成了一个坏人。实际上萨列里是莫扎特儿子弗朗索瓦·格扎维埃·莫扎特（Franz Xaver Mozart，1791-1844）的音乐老师。NAXOS唱片公司有小莫扎特作品的录音出版发行。“萨列里从1766年起就居住在维也纳；贝多芬还从安东尼奥·萨列里处接受过声乐创作的非正式课程”。萨列里是一位大师，主要成就在歌剧创作上。确实，海顿和莫扎特一起囊括了18世纪晚期的一切体裁，他们的作品代表了这个时期最优秀的产物。所以，萨列里在音乐史上的成就很少被提及，我们大都只能看到比较有代表性的作曲家，譬如文章的主角莫扎特。

        还有一则投毒的说法来自于共济会的投毒暗害。我们知道，莫扎特很看重他同共济会的隶属关系。（在这里很难判断莫扎特在共济会中的等级）这不仅在他的信件中有所暗示，而且特别体现在他1785年为共济会庆典所写的作品和1791年写的最后一首完成的作品《共济会康塔塔》（K623）中。莫扎特的通信中最为可怜的篇章就是那些写于1788—1791年的祈求信，那是写给他共济会的朋友和兄弟、维也纳商人米歇尔·普赫贝格的。普赫贝格感到荣幸，对莫扎特的请求总是基于慷慨的回应。

        共济会起源于欧洲的石匠行业工会。从组织形式来看，成为一名共济会会员的先决条件是你必须相信一种更高的力量。共济会的精神和有组织的宗教区别在于，他不用专门的定义或名称限定那种更高的力量。他没有稳定的神学名称……共济会使用一种更通俗的术语，如：更高的存在，伟大的宇宙建筑师。这就能使不同信仰的共济会会员能走到一起。

        共济会向所有不同种族、肤色和信仰的人开放，它提供的是没有任何歧视的兄弟之爱。整个共济会组织是一种道德体系：隐藏于预言，彰显于符号。

        所以从以上种种证据来看，在西方世界的文化传统中，莫扎特几乎不可能死于共济会的谋杀。

      莫扎特的安魂曲共分八个部分，分别是：进堂咏(Introitus)、垂怜经(Kyrie)、继叙咏（又译继抒咏）(Sequenz)、奉献经(Offertorium)、圣哉经(Sanctus)、赞美经(Benedictus)、羔羊经(Agnus Dei)、领主咏(Communio)，继叙咏又包括震怒之日(Dies irae)、号角响彻四方(Tuba mirum)、威严的君王(Rex tremendae)、慈悲的耶稣(Recordare)、羞惭无地(Confutatis)和痛哭之日(Lacrimosa)；奉献经包括主耶稣基督(Domine Jesu)和牲品与祈祷(Hostias)。莫扎特在写到Lacirmosa的第八小节时去世，在他签署的《安魂曲》手稿显示，莫扎特只完成了第一乐章，以及第二乐章、第三乐章的开头部分和第四乐章的详细草稿。但实际上更为确切的完成度为：莫扎特完成了第一部、第二部的合唱和弦乐、第三、四部只完成了合唱，帮他将全曲完成的有艾伯勒、斯塔德勒和莫扎特的学生弗兰兹·克萨维尔·苏斯迈尔（Franz Süssmayr）。这部作品后来在1792年由苏斯迈尔最终完成。他在莫扎特手稿上增加了一些器乐声部，谱写了《圣哉经》、《天主经》和《羔羊经》，并部分重复了莫扎特为先前的一个段落谱写的音乐。实际上是《垂怜经》的赋格在末乐章重复出现，据说是莫扎特本人亲自要求的。但这种说法未经考证。

        几个世纪以来，人们在自己的臆测和想象中把音乐天才莫扎特的生活描绘得穷困潦倒，认为他四处给伙伴写信以求得资助，天才的生活历经苦难，最后的归宿却是被草草掩埋于一个乞丐集中的坟墓中。但是，事实情况与人们的想象相距甚远——很大程度上还是因为彼得·谢弗的戏剧《莫扎特传》以及导演米洛斯·福尔曼由此改编**给我们的误导。

提到这部**顺便可以再加一些有趣的信息。**《莫扎特传》中，年迈被送进精神病院的萨列里时常念叨或者大叫是自己谋杀了天才莫扎特。但是历史上这样的一个类似情节确实发生过，只不过死前大叫“莫扎特”的人不是萨列里，而是马勒。不知道编剧是不是从这里面得到了创作的灵感？很值得注意。

      莫扎特诞辰250周年时，在维也纳金色大厅曾有一个展览，展出了莫扎特生命最后的十年（1781年－1791年期间，莫扎特居住在维也纳，直到35岁去世）中收到的账单和收据。这些文件表明，在维也纳音乐界，莫扎特获得的1万弗罗林（当时货币）年薪，在当时看来堪称一笔巨款。策展人奥托·比巴说“以莫扎特这样的收入绝对可以纳入到前5％的高收入人群中。在那个时代，一年500弗罗林，便可以维持一份非常舒服的上流社会生活，一个劳动者不过就是挣到25弗罗林一年。

莫扎特还能通过教授钢琴和开音乐会挣钱，同时，作为皇家宫廷乐师还有额外收入。他拥有私人的台球桌、理发师、专门的马车停车位，在维也纳，他还拥有一套7个房间组成的公寓，紧挨着大教堂。展出的文件还包括一张由莫扎特签出的800弗罗林账单，由其皇家资助人约瑟夫二世支付。莫扎特的父亲利奥波德在一封信中夸耀儿子在一场个人音乐会上挣得了1000弗罗林。“这真难以置信。”利奥波德写道。

（关于莫扎特给家人的其他通信内容，不愿在这篇文章中摘抄了。以后可以做一篇补充；因为和本文所讲的内容并没有什么直接关联，但是内容却很有趣。）

展出的信件显示，这位作曲家几次三番从朋友处搜罗钱财以支付他昂贵的旅行费用，为了躲避债主追债，他不得不一再搬家，最起码搬了11次。“我们需要把21世纪的人们从莫扎特的浪漫传奇想象中解脱出来，人们以为他是个艺术斗士，事实却是，他确实是个天才，却是个直到生命结束都敛财不止的天才。他负债累累，沉湎于赌博无法自拔，这个嗜好尚未得到证实，但是没有别的‘爱好’可以解释他为何开销如此庞大。”策展人如此总结。关于莫扎特的举债，还有人研究说，在莫扎特的年代，负债是一件稀松平常的事，部分原因是因为当时社会货币短缺。

关于《安魂曲》与莫扎特的死亡有什么直接关联，有些明显是以讹传讹的故事。莫扎特去世以后确是被掩埋在一个寻常的公墓中，与同时代普通人无异。