南京一高校用毕业生名字投影汇成星空，你觉得学校这么做浪漫吗？

南京一所高校，用毕业生名字投影汇成星空，学校这样的做法，不仅非常的浪漫，也会让2021届毕业生，对这一天终生难忘。这样美好的事情，总是发生在别人家的学校，我想这是多数2021届毕业生，内心里最大的一个感慨。

学校老师能够用学生所学专业知识，为学生送上一份由名字构成星空美景，这种浪漫礼物，已经超越了任何实体礼物，也足够让学生们感动和铭记。

用名字、投影汇成星空，创意想法很浪漫

大学校园每一年都会送往迎来，也因此有人说，大学校园是“不变的风景，流水的学生”。这些老师们，能够用毕业生名字，加上投影效果，汇聚成星空场景，本身就是一件非常浪漫的场景。

这一份浪漫不仅吸引到了全校学生目光，我想就连附近路过的人们，也会停下脚步，抬头观看这一个美丽的人造星空。光与影的结合，有了美丽的星空画面，也为2021届毕业生，送上了一份温馨而又浪漫的毕业礼物。

老师为学生用心送别，必将感动学生群体

老师们能够用心为学生，准备毕业礼物场景，并不会经常性出现。多数情况下，老师送别毕业生，就如同完成工作任务一样，没有夹带太多感情，整个过程也如流水一般有序进行。

这所高校老师，能够突发奇想，花费大力气，为学生们策划这样一份礼物。想必在日常教学工作中，和学生们的关系，也应该非常的融洽。

回想自己当年毕业时候，除了导师之外，并没有留下让我印象深刻的场景。反倒是舍友最后的话别，让我至今记忆犹新。这样温馨而又浪漫的送别礼物，必将伴随着毕业生们，踏上一个浪漫而又全新的征程。

梵高十大名画：

1、《星月夜》

梵高十大名画星空，这幅画给人一种又安静又热闹的的感觉，画作整体色调偏冷色调，大面积的蓝色，添加上快乐的橙色，用这样偏冷偏暗沉的颜色，打造出一个宁静又和谐的夜晚，大师不愧是大师。

2、《向日葵》

《向日葵》是梵高的象征，几乎每个人看到这幅画都能想到梵高，有着非常强烈的色彩对比，画中的向日葵花瓣非常有活力，透着一股生机勃勃的气息，颜色非常绚丽，是后印象主义的代表作。

3、《鸢尾花》

《鸢尾花》也是梵高十大名画之一，画中描绘的是鸢尾花非常的漂亮，背景是浓烈的**，其余颜色是和谐的蓝色和绿色，中和了**给人带来的狂热的感觉，没有了《向日葵》那种张力，让人感觉很舒服。

4、《乌鸦群飞的麦田》

《乌鸦群飞的麦田》是梵高自杀前的最后一幅画作，画中绿色的小路穿过金**的麦田走向远方的天空，而远处的天空黑色与蓝色交融，给人一种无边无际要把人吞噬掉一样。整幅画带着一种不安和忧郁的感觉。

5、《罗纳河上的星空》

《罗纳河上的星空》画的是法国南部城市阿尔的罗纳河。蓝色的星空上点缀着点点星光，与倒映在罗纳河上的灯光相映成趣，一切都是生机勃勃的，可以看出当时梵高的心情是非常愉快的。

6、《夜晚露天咖啡座》

《夜晚露天咖啡座》画中的**咖啡座和蓝色的星空形成对比，非常震撼，地板周围都是用**来渲染更有生命力，可以看出来画家的作画热情，是梵高所画的浪漫主义画作。

7、《夜间咖啡馆》

《夜间咖啡馆啊》是梵高在法国普罗旺斯所创作的一幅画，描绘的是一个咖啡馆里面的场景。夜晚的咖啡馆没有几个人，周围的设施都非常有年代感，被收藏在荷兰的克勒勒 米勒博物馆。

8，《吃马铃薯的人》

《吃马铃薯的人》这幅画描绘的是一家人努力劳作了一年，但是结果晚餐的桌子上面只有马铃薯吃，反映了但是劳动人民的困苦以及被剥削的压迫，这幅画如今被收在阿姆斯特丹的一个博物馆里。

9、《加歇医生》

《加歇医生》画的是一个在梵高生病的时候照顾他的医生，梵高为了感谢他特地画了这幅画来感谢他，画中的加歇医生单臂撑在桌子上，像是在沉思又像是因为疲惫而歇息的样子。

10、《凡高在阿尔丁卧室》

《凡高在阿尔丁卧室》画的是一个卧室的形象，卧室会让一个人有归属地感觉，梵高的这幅画也是这样的感觉，这幅画运用颜色鲜艳的色彩，让人感觉非常温暖有活力。这幅画也受欢迎，是梵高十大最著名的画之一。

你好！

《星夜》（The Starry Night）作者：文森特·梵高。

1889年，布面油画，尺寸 73 cm × 92 cm。现藏于纽约现代艺术博物馆（Museum of Modern Art，MoMA）。

《星夜》作为表现性的后印象主义画家梵高的作品，这幅画有很强的笔触。油画中的主色调蓝色代表不开心、阴沉的感觉。很粗的笔触代表忧愁。

画中景象是一个望出窗外的景象。画中的树是柏树，但画得像黑色火舌一般，直上云端，令人有不安之感。天空的纹理像涡状星系，并伴随众多星点，而月亮则是以昏黄的月蚀形式出现。

整幅画中，底部的村落是以平直、粗短的线条绘画，表现出一种宁静；但与上部粗犷弯曲的线条却产生强烈的对比，在这种高度夸张变形和强烈视觉对比中体现出了画家躁动不安的情感和迷幻的意象世界。

许多不了解梵高的朋友都会很好奇，《星夜》中画面左侧的黑色物体究竟是什么？答案是：一棵树，一棵丝柏树。

这幅油画是他所画的为数不多的，不靠直接观察对象，而用虚构的形与色，凭想像创造某种气氛的作品中的一幅。他的《星光灿烂的夜空》这幅画，画着一些入睡的小屋，丝柏从下面伸向深蓝色的天空；一些**的星与闪光的橘**的月亮形成旋涡，天空变得活跃起来。这是体现内心的、最紧张的幻想，是发泄无法抑制的强烈感情的创造性尝试，而不是对周围大自然平心静气研究的结果。

这幅画中呈现两种线条风格，一是弯曲的长线，一是破碎的短线。二者交互运用，使画面呈现出眩目的奇幻景象。这显然已经脱离现实，纯为梵高自己的想象。在构图上，骚动的天空与平静的村落形成对比。柏树则与横向的山脉、天空达成视觉上的平衡。全画的色调呈蓝绿色，画家用充满运动感的、连续不断的、波浪般急速流动的笔触表现星云和树木;在他的笔下，星云和树木象一团正在炽热燃烧的火球，正在奋发向上，具有极强的表现力，给人留下深刻的印象。

希望对你有帮助。

首先，从艺术流派上来讲，梵高是后印象派画家。也就是说在浪漫主义-->现实主义-->印象派-->后印象派-->现代艺术的其他流派（立体主义，达达艺术）等 这个谱系中，梵高和浪漫主义没有什么关系。而他最重要的贡献，是他超越了印象派画家对于“真实大自然颜色的还原”这样一个信念。印象派画家倡导在大自然中作画，画出真实的颜色。而梵高，画的却是自己内心的颜色和形态。但从画面上讲，这幅画的天空和地面都是流动的，充满了动感，而真实的、科学的夜空，本来就是流动的。梵高心中的想象，以及他画笔下的画面，都和真实的夜空契合。这是创造性的。

当然，一幅画单纯看画面去评价价值本来就是不公平的。这幅画更重要的是它其他的意义。比如反映了梵高对于生命，人生的诸多思考。具体的楼主也可以参考 banmr 斑马 这个在线网站的一些关于梵高的文章。

发现自己不太会写游记，更愿意写一些心里深处的东西。可能对于游记思考的太少吧。

我想说说来青海湖玩的感受。

这里温度很凉爽，其他地方短袖短裤，这里晚上温度只有几度，再配上点小风，要穿羽绒服。

这里星空真的很美，第一次见到这么满天的繁星。虽然满天的星星小时候在老家农村也经常见，但是还是不如这里这么震撼。

这里湖水确实很清澈，纯净自然，让人感觉很舒服。

但是也不要对这里期望值太高

这里饮食主要是牛羊肉，吃多了难免会腻。今天晚上我们就换了一家四川料理，吃点川菜换个口味。

这边管理还是相对落后，很多服务设施并不完善，现在唯一开放的景区就是二郎剑景区，但是里面非常小。我们花了88元租了一个电动车，10分钟左右就骑了一圈。让人感觉很不值。

来之前说是这边油菜花很有名，但是没有特别成规模的种植。因此没有想象中那么成片的，只有零零星星一些油菜花地。并不如想象中好。油菜花都是当地农民承包种植，进去参观拍照还都要单独收费。

青海湖虽然很漂亮，但是周边开发并不好，说实话，可玩的项目太少。目前好像就是骑马，看油菜花。而且沿湖也没有专门的参观步行道。我觉得这些方面都有待改善提高。

最后我想说一下自己的骑马经历，第一次是在最美油菜花海，我带着女儿骑的。80元很小一圈，完全不过瘾。

吃完晚饭我又带女儿去骑马。这次找了远一点的一家，我跟女儿一人骑一匹马，100元/匹。马很听话，我们绕了很大一圈，女儿骑完很开心。

有时候选择真的蛮重要的。同样是骑马，就会带给我们完全不同的感受。

　　水彩画作为绘画艺术的一个重要类型，在高等院校美术专业中是重要的专业基础课之一。在以往的教学中，水彩画的学习大都以临习传统为主。然而时代在进步、社会在发展，如何在教学中体现贯穿当代艺术的美学精神，使水彩画这种舶来的画种在中国的土地上呈现出其时代性，这是高等院校美术专业师生共同关注的问题。

一、对传统的反思

最初的水彩画出现于古埃及时代，起初是画在纸莎草纸上作为地形画。18世纪后半叶，在英国浪漫主义艺术家的努力下，水彩画在英国达到了全盛时期，这时的画家用透明颜料把自然景观的原貌表现出来。后来，水彩画很快传到了美国和欧洲其他国家，此时出现了一批优秀的水彩画家如萨金特等人，他们多数以写实风景为主，描绘的是对自然风光的热爱。水彩画传入中国已近百年，在过去百年里，出现了一批优秀的水彩画家，如老一代水彩画家李铁夫、古元、李剑晨等，新一代水彩画家周刚、赵云龙等，他们的作品都有良好的文化背景支撑。过去的水彩画的一百年是辉煌的一百年，现今的水彩画发展，需要一个或一群能扭转乾坤或引领时代潮流的画家。这种重任首先就落到了高等院校美术专业师生的肩上。

那么，高等院校的师生们以及当代水彩画家怎样才能创造出富于时代气息的作品呢？笔者认为，首先应该了解时代背景。在经济全球化、信息网络化的背景下，中国人的价值观、生存方式、行为方式、感觉方式等都发生了前所未有的变化。中国水彩的当代性是在全球性的艺术当代化的迅猛浪潮中发展的，质疑、颠覆、批判、解构和构建成为主调的时代背景，促使中国水彩界产生一些针对性的思考。中国水彩当代性必须扎根于中国文化内部的自觉，而不是挪借欧美的当代艺术。中国水彩艺术的当代性发生必须经过机缘催熟的过程。中国水彩艺术的当代性，应更多地以丰富人的心灵生活为目的，而不是为躲避而解构崇高和理想。如果缺乏艺术的当代性，必然将精神的张力引向荒芜。

正如贡布里希在谈到艺术的时代性时所说，“美的观念是随时间和地点而变化的，这说明艺术中所有的规范都是主观的。一个永恒不变的完善世界的观念，在艺术中和宗教中一样都是梦想，艺术家所剩的唯一价值就是对自己忠诚。”①当代画家应对自身观念不断更新，以此来实现自身的价值，而当代画家要实现自身的价值目标，应该对自身的观念进行更新。当代水彩要实现其当代价值，应该在当代语境下进行重建。21世纪以来，水彩画因其语汇的宽泛性、通融性、简便性等特征，正在被世界各种不同的文化所接受，并演绎、焕发出新的生命和活力。

二、当代性语境的确立

由于后现代艺术是后工业社会文化矛盾冲突涌现出的新思潮，是信息时代的文化衍生体，因此，它所呈现出的艺术主张是兼容的美学观，可以借用历史上任何一种表现手法，有宽广的自由选择的权力。当代性一方面标示出当代的时间一维性角度，同时，又显示出文化多元的多维指向性。没有当代艺术文化的辐射和浸染，作品是不容易呈现出当代性的。

相对于现代主义的超越与升华，当代性的深层意义在于，当代的发展是人类解放的期望。重新发掘人的潜能，继续解放人类的文化智性。当代水彩画要想获得当代的发展，必然要体现艺术的兼容性，更要集中体现后现代艺术的多元化特点。王维新先生在《世纪之交中国水彩画的现状和趋势》中说到：“画种的特性有其时代的相对性，在发展的进程中，画种和画种之间的交融和渗透作用，是随时代和科学进步而不断出现能为画种拓新的观念和媒材，并不断派生出新的画种来，这种发展的自然规律不以人们的意志而转移。”②当代水彩画家肩负着革新水彩艺术的使命，也必然要将水彩画材料的创新和交融带入当下新文化语境。而这种语境的确立，应是以当代意识的形成、当代语言的探索和当代体制的建立和完善为前提的，应紧跟时代步伐、捕捉时代特征、把握时代脉搏，从而体现人文关怀。纵观几届水彩美展，中国当代水彩艺术所呈现出的面貌虽比早期更加丰富多彩，在一定程度上对中国水彩的当代性有了概念性触及并形成共识，但真正能体现当代性的作品较少，很多人都是在语言上套用油画和国画的方式，运用的是纯技法的表现。和当下的艺术发展潮流相比，水彩画当代性的现状则不容乐观，许多问题值得深思。

在艺术风格、样式多种并存的时代，当代艺术追求的更多的是艺术创作思维的不断深化和艺术形式的开放性探索。水彩画要获得当代的发展，是历史的必然，必然要面对当代社会和当代人。只有正视这样的现实，以积极的状态去面对，才会取得较大的发展。

结语

在当代水彩画教学与创作实践研究中，首先，水彩画技法与形式研究应多样化、风格化、个性化。其次，营造学术氛围，加强国内外学术交流，促进水彩画教学全面发展。最后，提升理论修养，使理论更好地为教学实践服务。不断地从内涵上丰富和强化水彩语言，从外延上拓展其范围，当代水彩的审美特征才会得到更大的展现。相信当代水彩在高校美术专业师生及艺术家的共同努力奋斗下，必将迎来其繁荣辉煌的未来。

注释：

①贡布里希理想与偶像――价值在历史和艺术中的地位[M]范景中，译上海：上海人民美术出版社，1989：204

②王维新世纪之交中国水彩画的现状和趋势[G]王维新作品集香港：香港心源出版社，1999

作者单位：大庆师范学院

（责任编辑：轩蕾）

《星月夜》，不是毕加索画的，是梵高画的。

画家文森特·梵高于1889年在法国圣雷米的一家精神病院里创作的一幅油画，是梵高的代表作之一，现藏纽约现代艺术博物馆。

在这幅画中，梵高用夸张的手法，生动地描绘了充满运动和变化的星空。整个画面被一股汹涌、动荡的蓝绿色激流所吞噬，旋转、躁动、卷曲的星云使夜空变得异常活跃，脱离现实的景象反映出梵·高躁动不安的情感和疯狂的幻觉世界。 

画作解析：

《星空》描绘的就是他看到的村庄，画面掺杂着现实与梦幻。蓝色的主基调，动感的线条，高耸入云的树木，平静的村庄与盘旋的天空形成鲜明的对比。 

这暗示了梵高内心的恐慌和不安，他曾说过：“我问自己，为什么天空中的星星不能像法国地图上的黑点那样触手可及，就像我们坐火车前往塔拉斯康或鲁昂，或许我们死了就能触到星星了。” 他选择离去，并不是因为他害怕死亡，他是带着对这个世界的热爱直到死去。

他说：死亡对他来说并不是一件可怕的事情，这样他就可以去探索星空的奥秘。如今人们面对《星月夜》感受到了那份浪漫与美丽，感受到了梵高对于生活的热爱和努力。死亡对他来说并非是件坏事，回头再看看“星月夜”，仿佛就是梵高要去探索的那个神秘的星空。

印象派

印象派，也叫印象主义，19世纪60—90年代在法国兴起的画派。当时因克劳德·莫奈的油画《日出·印象》受到一位记者嘲讽而得名。1874年第一届印象派画展在巴黎卡皮西纳大道的一所公寓里举办,有31位印象派画家参展。

在艺术观点上，印象主义画家反对当时占正统地位的古典学院派，反对日益落入俗套、矫揉造作的浪漫主义绘画(Romanticism)，而是在C柯罗、巴比松画派和G库尔贝等人的写实画风的推动下，吸收荷兰、英国、西班牙、日本、中国等国家绘画的营养，同时受现代科学，尤其是光学的启发，认为一切色彩皆产生于光，于是他们依据光谱赤橙黄绿青蓝紫七色来调配颜色。由于光是瞬息万变的，他们认为只有捕捉瞬息间光的照耀才能揭示自然界的奥妙。因此在绘画中注重对外光的研究和表现，主张到户外去，在阳光下依据眼睛的观察和现场的直感作画，表现物象在光的照射下，色彩的微妙变化。由此印象主义绘画在阴影的处理上，一反传统绘画的黑色而改用有亮度的青、紫等色。印象派绘画用点取代了传统绘画简单的线与面，从而达到传统绘画所无法达到的对光的描绘。具体的说，当我们从近处观察印象派绘画作品时，我们看到的是许多不同的色彩凌乱的点，但是当我们从远处观察他们时，这些点就会像七色光一样汇聚起来，给人光的感觉，达到异想不到的效果。

由于追求外光和色彩的表现，印象主义画家主要把身边的生活琐事和直接见闻作为题材，多描绘现实中的人物和自然风景。在构图上多截取客观物象的某个片断或场景来处理画面，打破了写生与创作的界限。