水彩画的美感

　水彩颜料色粒很细,与水溶解可显示其晶莹透明;把它一层层涂在白纸上,犹如透明的玻璃纸迭落之效果。水彩浅色不能覆盖底色，不象油画、水粉画颜料有较强的覆盖力。水彩颜料的群青、赭石、士红等色属矿物性颜料，单独使用或与别的色相混都易出现沉淀现象，巧妙运用可产生新颖的效果。

　水彩画的笔法美感

　水彩画，无论什么样的特性和门户，结尾都要通过用笔的操作来完结。作画时用笔的力度和洒脱、适意性的发扬也是构成该画种美感的条件之一。水彩画笔和中国毛笔在构造上十分相似，甚至在悬腕用笔的方法上也一样，使得绘画技法上的互相学习显得更为天然与谐和。与中国画一样，水彩画也寻求一笔而成，气脉通贯，讲究骨法和灵动，以文人之灵趣，学养质量注之笔端，刚柔相济、方圆相契，笔致随画家的心境心迹活动，也给片面体现供应了极大的可以和广大的六合。格外泼彩般的用笔，使画面虚虚实实，让人有梦想境地，更赋有浪漫情调。水彩画的用笔一要讲究笔性：体现个人的天资、修养和习气;二要讲究笔势：用笔的趋向，形状和律动，笔与笔之间气势上的节奏与关联;三要讲究笔意：笔色的方法美规矩和爱好的表达;四要讲究笔力：功底抵达一定程度天但是然能把握笔性的具体才干，呈现出用笔的张力;五要讲究笔法：正确把握用笔的规范性，把握画面的规划组合方法与构成方法，比如大，小笔触的交换运用等。

　这样，通过运笔的强与弱、迅与缓、重与轻、放与敛、奇与正等各种对比，笔力与水、色相糅，互为益彰，然后产生了水彩画洒脱洒脱的笔意美。这笔法“紧劲绵绵、循环超忽，个性逸易，风趋电疾，意存笔先，画尽意在，所以全神态也”。作画时笔的旋转往复、曲折抑扬以及疏朗、绵密、聚散、交错的进程与抒情情感的进程相适应。因为笔锋的每一作业，都紧扣着作者刹那间的心境活动。运笔舒缓，绵绵层叠，给人以安静谐和、淡远幽静之感;运笔迅疾、尖利激荡，传达出腾跃振作、波澜壮阔之意，更使画面洒脱畅神，抵达抒情适意的目的。

　水彩画的轻盈美感

　水彩画发明中，无论有意无意，宏幅巨制总是有限，而数量之多则在小幅面作品，这被看作是它的约束，其实事物的约束与优势是互为依存的。清初文人赵执信在《谈艺录》中说：“神龙者，屈伸改动，固无定体，含糊望见者第其一鳞一爪，而龙之首尾无缺固似乎所见，雕绘者反有辞矣!”艺术作品的凹凸，并不以画幅和选材的巨细作依据，相反，其魅力正在于”天边之内，瞻万里之遥;方寸之中，乃辨千寻之峻。”水彩画属轻松活络文明种类之一，所受外界制约较少，制作、运送、保藏、展览都极为便利。因而发明与交流活动颇显活络、自由。在材料记载，豪情表达等方面有方便快捷之成效。偶有感受，便可挥毫尺幅之中，是最坦率的体现。即使它不具有史诗般的意义，仍有衡量作者自身气质，才赋和才干的作用。看似漫不经意，却凝聚着作者的智慧和诀窍。水彩画的轻盈性正好填补了其他画种的空缺，格外在现代高节奏的社会生活中更有其不可代替的意义。如果从发明心理学讲，小幅面作品的不断检验，是培养作者机敏之艺术感受的好方法;对观赏者而言，小幅面水彩画的艺术功用宛如中国画的小册页，有着一起悦耳的方法魅力。

在悠久的水彩史家族里，超写实水彩画还显得有点年轻，但它在水彩画界的影响早已不容小视。随着照相技术的逐步改良，我们看到的世间景象也随之更加微观和清晰起来。超写实水彩画对景物的超精致表现将水彩推向了一个新的高度，使整个水彩画家族增添了一个新的气象，进而使水彩画得到了更好地传播。

超写实水彩画家们以自己独特而细腻的视角向我们展现出一个既熟悉又陌生的世界，和生活中无数美妙的细节。这种表现手段使我们有机会去观察更广泛的事物，去欣赏更多的世间美景。

我们的眼睛曾经被照片“欺骗”过；今天超写实水彩画再一次“欺骗”了我们，让我们傻傻地分不清是水彩画还是彩色照片。

埃里克 克里斯坦森（Eric Christensen）是一个来自享有著名葡萄酒之乡（美国加州纳帕谷）美誉的艺术家。

他的艺术才华一直令世人瞩目。他掌握的超写实水彩技巧，创作出鲜艳的色彩效果和超强质感的酒杯和酒瓶，在他的作品中展现出了高像素照片对物体表现出的玻璃质感。

克里斯坦森在水彩超写实领域中是独一无二的，事实证明，他是唯一有能力使用标准水彩创作超写实水彩作品的艺术家。

他在加州一个风景如画的纳帕谷镇中心，开了家自己的画廊。还成功地在全国性杂志、报纸和电视上做 “在酒国里生活” 的广告宣传。

克里斯坦森是个多产的画家，如今，他的作品被美国各地画廊珍藏。

早年克里斯坦森在盐湖城（犹他州）开始他的绘画兴趣；过着像个孩子似的生活，听着古典音乐，吃着 美食 ，画着各种植物。随着时间的推移，他的绘画技法已完全成熟，使他成为像每一个杰出艺术家一样专注在特殊的绘画主题和技巧上。

同时他发现对葡萄酒为主题的画产生了极大的兴趣，接着他买下了葡萄园，而他家的葡萄酒总是给他的绘画带来灵感启示。克里斯坦森称“这是他的生活方式”。

在克里斯坦森的“葡萄酒艺术”中，他善于捕捉葡萄酒浪漫的感觉，创作出唯美的浪漫视觉效果。在他诸多典型的作品中所塑造的葡萄酒主题，栩栩如生的风景和亲切的静物场景使人们爱不释手。

克里斯坦森不仅是一名著名的水彩画家，同时他也是一名美好视觉的营造着。在他美一幅的作品中，都经过了克里斯坦森的精心设置和摆放。包括食品、鲜花、水果、酒瓶、酒杯、静物，加之适当的背景设置，各种元素的合理搭配。这是克里斯坦森艺术与众不同的地方，也是其作品被广泛喜爱和收藏的原因之一。

END

我是夜雨如川，感谢您的光临，每天在这里与您分享一个我身边的故事。

 水彩画并不难学，但是想要画好水彩画并不是一件简单的事，初学者要做的就是多练多画，初学水彩画要先认识及学会使用水彩画常用的工具，接着学习轮廓起稿、运笔技巧、水分控制及色彩知识等，好的水彩画需要好的表现力、半透明质感以及易于流动的融合色泽。

水彩画的学习有一定的难度，不是一日之功，但是只要正确掌握水彩颜料的属性和运用，再加上老师的引导，自身不断的钻研，是能轻松上手的，上手之后就需要大量的练习才能提高自己的绘画水平。

画水彩画的步骤

1、准备工具

学习水彩画要准备：画架、画纸、大、中、小号的底纹笔各一支，水彩笔一支、颜料、调色盒。这些都是学水彩画要准备的基础工具。

画架方便在作画时控制画面水分，不会让整个画面显得水太多或太少，影响美感。水彩画对画纸的要求比较高。

太光滑的纸，不利于水彩的晕染，如果太粗糙，又不能表现线条的流畅，所以，画水彩画一般多用水彩纸。

水彩纸多为细纹和粗纹两种，不同的水彩纸适合不同的画法，细纹水彩纸多适用于湿画法，粗纹水彩纸多适用于干画法。对于一幅水彩画来说，工具的重要性顺序排序如下：纸＞笔＞颜料。所以，选择好的水彩纸对是否能够画好一幅画很重要。

 2、轮廓起稿

轮廓起稿多是用铅笔在水彩纸上画出底稿，构图是起稿中很重要的一部分，如果需要画较大的画面和较为真实的作品，起稿要力求准确精致，这样有助于生动的表现所画物体的轮廓。

在起稿时，尽量少用或不用橡皮擦，如果用橡皮擦过多会对纸面造成损伤，影响画面美观。如果想要做好轮廓起稿，就要在平时多注意有关素描基本功方面的训练。

3、水彩上色

掌握水彩上色的第一步就是要掌握一些基础的色彩知识，比如，不同颜色的叠加能出现什么色，同类色都有什么颜色等等，掌握了这些基础的色彩知识，才能对颜色有初步的认识。水彩上色，多用干画法和湿画法两种办法。

水彩画的干画法，是指第一遍的颜色干透后，紧接着上第二遍，第三遍，层层重叠，产生丰富的层次效果。干画法容易让画面中的色彩显得干枯，所以，用干画法画画时，要求笔毫水分饱满，滋润。

水彩画的湿画法，就是指作画过程中水彩纸始终潮湿，干掉的部分也要打湿继续画。湿画法是水彩画最基本也是最重要的画法，水色在纸上的渗透可以让色彩显得十分自然，充分体现出水彩画透明、清畅的特点。湿画法的难度较大，初学者要多加练习才能掌握。

水彩作品欣赏

1、Joseph Zbukvic：雾里看花水中望月

看水彩大师Joseph Zbukvic的画儿就一个感觉——雾里看花水中望月，美美美。寻常街道也被他画得富有诗意：他把那最不起眼的街道画得柔美动人，又在混沌之中提拎出清晰的动人之处，总能恰到好处地安排着画面的虚实与观众的目光。

2、安德鲁·怀斯：一代人的诗意与乡愁

美国当代最著名的水彩与蛋彩画家之一。他被评论为“引起怀乡之情的写实主义”，继承了写实的传统又能引发人们内心的共鸣，曾先后被三届美国总统授予荣誉勋章。安德鲁·怀斯是上世纪80年代少数在中国艺术界被推广的艺术家之一。

他的作品不同于当时流行的苏联写实画派，在当时令人眼前一亮，影响了不少年轻的中国画家，比如何多苓、艾轩等。

3、Joseph Zbukvic：雾里看花水中望月

英国国宝级浪漫主义水彩大师。在没有照相机的年代，他曾为了汲取灵感、画写生，把自己绑在暴风雪中的桅杆上四个小时，险些丧命。

他的风景画是抽象的，带有强烈的主观愿望与想象，那是激烈的、狂暴的、精彩的、速度的。他画风景，但画的更是情感。

4、Steve Hanks:水彩也可以超写实

美国水彩艺术家Steve本来是画油画的，后来对油画颜料过敏而改画水彩。没想到竟画得出神入化，成了一代名家，那些肌肤上的细腻光影，让人无比沉迷。

5、黄有维：你记忆里的故乡

他笔下的老北京胡同，你一定见过，他爱画北京胡同、山花野草、溪谷泉流等题材并有着极为独特的风格，被评为中国新写实主义水彩画的代表画家。

韩国水彩画家——Yang_on_ui

YangWonHui,韩国画家。这组关于花卉的水彩画作,清新唯美的风格,细腻丰富的色彩,让人看了心情大好

来自韩国的插画师YangWonHui,擅长用丰富的色彩描绘花卉植物,喜欢将花与花瓶结合,构图完美,将物体的质感表现得很到位

花卉是水彩初学者比较偏爱的绘画对象,更是许多水彩画师们爱不释手的创作题材,YangWonHui画笔下的花卉靓丽多彩,用色细腻丰富,充满生机

YangWonHui不仅爱花,更喜欢各式各样的容器,陶罐、玻璃瓶或是田园风的竹篮,在他的画笔下与花朵相映成趣

花朵旁放一些水果,隔着屏幕仿佛都能感受到花香与水果的香甜,令人陶醉其间

她画的花注意以瓶花为主,完美的构图,表达很到位的物体质感

她毕业于韩国弘益大学美术学院西洋画专业,擅长水彩画,题材多以水彩花卉为主,她的作品曾取得第十七届韩国水彩画协会大奖赛最高奖

在她的职业生涯中,曾多次在画廊及美术馆举办个展,她的作品也多次参加韩国义王美术协会展、韩国水彩画协会展、韩国现代美术动向展、中韩水彩交流展、韩国美术庆典外团体赛等

她曾任大韩民国美术大展评委,韩国水彩画招募大赛运营及评委,牡丹现代美术展审查委员,罗惠锡美术展运营委员,护国美术展评委,仁川美术展评委

她现任韩国水彩画协会监事,韩国美协义王支部监事

她水彩作品别出心裁的构图与构思,清新唯美的画面风格,淡雅细腻的色彩构成,变化多姿的形式美感,让人看了赏心悦目,心旷神怡

她的水彩画作品,特别是水彩花卉作品以其浪漫甜蜜与清新,色彩柔媚与靓丽的风格,深受水彩爱好者,水彩艺术家及水彩艺术收藏者,特别是女性水彩艺术家及女性水彩艺术收藏者的钟情与热爱

沉思的花姑娘——水彩插画步骤

每日忙于写稿,写完稿才有时间画画。通常画笔颜料画纸都是随身携带的。在咖啡屋临摹了一张插画,分享给大家。

1、定好主花和人物的位置,先用铅笔画出来。

2、完成所有的线稿,除了主花,其它部分都随意简单很多。

3、花瓣的背面是大红加水调的粉色,花瓣内侧是大红和土**晕染的效果。一定要湿的时候晕染,不然过渡的地方会有水痕。

4、所有花瓣都完成后,开始画叶子花苞和枝干。花苞是蓝色和深绿色晕染的效果,叶子和枝干是深绿和浅绿晕染。这样不会显得呆板。

5、女孩的头发,我先用土黄铺了一层底色,干了后铺一层黑色,再轻轻擦出高光部分。衣服用了浅蓝加水,淡淡的铺一层。

6、整体的就完成了。前面边画边拍很随意,咖啡屋灯光暗,拍出来效果没那么好,成品拍完后,手机提高了亮度,就好看很多啦～

希望大家喜欢。我们一起加油哦～

茹果水彩插画/二十四节气里可可爱爱的小动物们

分享二十四节气水彩画作,可可爱爱的小动物们

纸:宝虹中粗

笔:黑天鹅

颜料:荷尔拜因+彩铅

版权_茹果插画所有,作品请勿商用

　　水彩画作为绘画艺术的一个重要类型，在高等院校美术专业中是重要的专业基础课之一。在以往的教学中，水彩画的学习大都以临习传统为主。然而时代在进步、社会在发展，如何在教学中体现贯穿当代艺术的美学精神，使水彩画这种舶来的画种在中国的土地上呈现出其时代性，这是高等院校美术专业师生共同关注的问题。

一、对传统的反思

最初的水彩画出现于古埃及时代，起初是画在纸莎草纸上作为地形画。18世纪后半叶，在英国浪漫主义艺术家的努力下，水彩画在英国达到了全盛时期，这时的画家用透明颜料把自然景观的原貌表现出来。后来，水彩画很快传到了美国和欧洲其他国家，此时出现了一批优秀的水彩画家如萨金特等人，他们多数以写实风景为主，描绘的是对自然风光的热爱。水彩画传入中国已近百年，在过去百年里，出现了一批优秀的水彩画家，如老一代水彩画家李铁夫、古元、李剑晨等，新一代水彩画家周刚、赵云龙等，他们的作品都有良好的文化背景支撑。过去的水彩画的一百年是辉煌的一百年，现今的水彩画发展，需要一个或一群能扭转乾坤或引领时代潮流的画家。这种重任首先就落到了高等院校美术专业师生的肩上。

那么，高等院校的师生们以及当代水彩画家怎样才能创造出富于时代气息的作品呢？笔者认为，首先应该了解时代背景。在经济全球化、信息网络化的背景下，中国人的价值观、生存方式、行为方式、感觉方式等都发生了前所未有的变化。中国水彩的当代性是在全球性的艺术当代化的迅猛浪潮中发展的，质疑、颠覆、批判、解构和构建成为主调的时代背景，促使中国水彩界产生一些针对性的思考。中国水彩当代性必须扎根于中国文化内部的自觉，而不是挪借欧美的当代艺术。中国水彩艺术的当代性发生必须经过机缘催熟的过程。中国水彩艺术的当代性，应更多地以丰富人的心灵生活为目的，而不是为躲避而解构崇高和理想。如果缺乏艺术的当代性，必然将精神的张力引向荒芜。

正如贡布里希在谈到艺术的时代性时所说，“美的观念是随时间和地点而变化的，这说明艺术中所有的规范都是主观的。一个永恒不变的完善世界的观念，在艺术中和宗教中一样都是梦想，艺术家所剩的唯一价值就是对自己忠诚。”①当代画家应对自身观念不断更新，以此来实现自身的价值，而当代画家要实现自身的价值目标，应该对自身的观念进行更新。当代水彩要实现其当代价值，应该在当代语境下进行重建。21世纪以来，水彩画因其语汇的宽泛性、通融性、简便性等特征，正在被世界各种不同的文化所接受，并演绎、焕发出新的生命和活力。

二、当代性语境的确立

由于后现代艺术是后工业社会文化矛盾冲突涌现出的新思潮，是信息时代的文化衍生体，因此，它所呈现出的艺术主张是兼容的美学观，可以借用历史上任何一种表现手法，有宽广的自由选择的权力。当代性一方面标示出当代的时间一维性角度，同时，又显示出文化多元的多维指向性。没有当代艺术文化的辐射和浸染，作品是不容易呈现出当代性的。

相对于现代主义的超越与升华，当代性的深层意义在于，当代的发展是人类解放的期望。重新发掘人的潜能，继续解放人类的文化智性。当代水彩画要想获得当代的发展，必然要体现艺术的兼容性，更要集中体现后现代艺术的多元化特点。王维新先生在《世纪之交中国水彩画的现状和趋势》中说到：“画种的特性有其时代的相对性，在发展的进程中，画种和画种之间的交融和渗透作用，是随时代和科学进步而不断出现能为画种拓新的观念和媒材，并不断派生出新的画种来，这种发展的自然规律不以人们的意志而转移。”②当代水彩画家肩负着革新水彩艺术的使命，也必然要将水彩画材料的创新和交融带入当下新文化语境。而这种语境的确立，应是以当代意识的形成、当代语言的探索和当代体制的建立和完善为前提的，应紧跟时代步伐、捕捉时代特征、把握时代脉搏，从而体现人文关怀。纵观几届水彩美展，中国当代水彩艺术所呈现出的面貌虽比早期更加丰富多彩，在一定程度上对中国水彩的当代性有了概念性触及并形成共识，但真正能体现当代性的作品较少，很多人都是在语言上套用油画和国画的方式，运用的是纯技法的表现。和当下的艺术发展潮流相比，水彩画当代性的现状则不容乐观，许多问题值得深思。

在艺术风格、样式多种并存的时代，当代艺术追求的更多的是艺术创作思维的不断深化和艺术形式的开放性探索。水彩画要获得当代的发展，是历史的必然，必然要面对当代社会和当代人。只有正视这样的现实，以积极的状态去面对，才会取得较大的发展。

结语

在当代水彩画教学与创作实践研究中，首先，水彩画技法与形式研究应多样化、风格化、个性化。其次，营造学术氛围，加强国内外学术交流，促进水彩画教学全面发展。最后，提升理论修养，使理论更好地为教学实践服务。不断地从内涵上丰富和强化水彩语言，从外延上拓展其范围，当代水彩的审美特征才会得到更大的展现。相信当代水彩在高校美术专业师生及艺术家的共同努力奋斗下，必将迎来其繁荣辉煌的未来。

注释：

①贡布里希理想与偶像――价值在历史和艺术中的地位[M]范景中，译上海：上海人民美术出版社，1989：204

②王维新世纪之交中国水彩画的现状和趋势[G]王维新作品集香港：香港心源出版社，1999

作者单位：大庆师范学院

（责任编辑：轩蕾）

　　意境是中国传统美学思想的重要范畴，绘画是通过塑造直观的�具体的艺术形象构成意境，为了克服造型艺术由于瞬间性和静态感而带来的局限，画家往往通过富有启导性和象征性的艺术语言和表现手法显示时间的流程和空间的拓展。水彩画是光色的艺术，且色是光的衍生，在水彩画中应该更好地利用光，在绘画平面上创造自然、绚丽变幻的效果。扩展水彩画技法表现领域，丰富画面的表现效果，增强水彩画的艺术表现力，营造意境空间。在绘画中依据画面的需要，有意识地选择与组合光，通过对这种语言的有效运用从而达到营造意境的目的。

一、设计不同的光源色营造意境

同一物体遇到不同光源将呈现不同的色彩,不同光源的物体必然受其影响而出现不同的色彩,光源色是统一画面色调的重要因素。色调往往给人以鲜明的第一印象，起着关键性作用。色调在情调的渲染和情感的表达方面能够迅速地触及人们的心灵，使人受到感染。

色调的冷暖表达不同的意蕴,画家常会选择不同的色温来作为光线色彩，不同色温的光源色笼罩下的物体也就会呈现出不同的色调，从而使人感觉到不同的情调，如透纳的画是优美的、浪漫的，他一生所致力、追求的是光、雾、蒸汽、太阳、火光、水和反光……这些东西在他的画面上统统交织成甜蜜、美好和幸福的肉身与痛苦深刻的灵魂，运动着组成团块和升腾着的焰火，呈现出近乎抽象画的韵律感。明亮的**常常是他描绘光的主色调，如《1834年10月16日国会大厦火灾》，透纳选用橙**为光源色，通过其特殊的技法创造出了一个发光体，与天空的淡蓝形成了对比，使欣赏者能强烈地感觉到那熊熊的大火把河面和天空都照亮了。整个画面是绚丽、热烈的。

大自然中光的情态可以说是多姿多彩，随着时辰和季节的转换，光确定了万物的造型色温和气氛。为使景物沐浴在恰当的光线中，必须懂得如何用光创造出特有的情调，并将其传达给观众。光源色的选择是确定画面气氛的重要一环，笔者认为光源色不一定是本色或发光体的效果的准确记录，而是作者根据画面的需要和所要表达的情绪设计好光源色（即确定主色调），这样才能使作品引起观众的共鸣。

二、设计不同强度的光营造意境

按照审美感知选择性的原理，在美的创造特别是艺术美的创造中，将主体的感知稳定地引向对象，使无意注意转化成为有意注意，使无关的感知尽可能被抑制下去，与特定对象有关的感知高度兴奋起来，在大脑皮层的相应区域的优势兴奋中心，从而获得充分的感受。**之所以有特写镜头，绘画雕塑之所以有突出部分，舞台之所以采用追光，都是为了调动观众的注意力，引导观众进行选择。

不同强度的光能产生不同强度的对比，通过对比和阴影变化来渲染空间的环境氛围，加强画面的空间感。当空间中光线幽暗或空间处于阴影当中时，处于其中的人会感到空间收缩、紧张和压抑，反之，当空间中光线较强时，处于其中的人会感到舒畅、开敞和放松。如果介入空间的光线是点状和线状的话，那么光影的变化、交织将不仅能够赋予空间层次感，也会使空间变得丰富、活跃甚至具有神秘感。在水彩画中明暗、光影的各种组合就能表现出物与物的距离，人与物的距离。通常人们认为离眼睛越近，其明度越高，背景的东西总是很昏暗的，其实相反，前景既是最暗的也是最亮的。也就是说，光影的强烈对比才把轮廓显示得更分明。反之，背景的光影对比则消失了许多，以至整体消失在明亮的灰色里。强烈的光影对比勾勒出物体的轮廓，这就是“实”，色彩对比减弱，明暗反差较小，这就形成了“虚”，通过虚实的对比营造画面的意境氛围。

明暗虚实对比是艺术创作中常用的手段，通过对视觉心理学的研究，已证实亮部比暗部、饱和色比中性色、暖色块比冷色块更容易吸引人们的目光。在创作中，画家常运用光影对画面进行经营设置，来渲染画面的氛围，使欣赏者产生遐想。光影大师伦勃朗最擅长用强烈的明暗对比方法来渲染画面氛围。如《夜巡》,在画中他运用了聚光的效果突出刻画了两位在说话的军官，其余的人都被安排在中景和后景。把精美的细节和模糊不清的整体有机地结合在一起。画面中形成了强烈的明暗对比，给观众强烈醒目又和谐统一的印象，非常具有戏剧性，构成诗意般的动人境界。水彩画是光的艺术，通过光的运用使画面产生虚实对比，通过对比来营造意境。如透纳的《红色的瑞吉》,表现的是大自然的湖光山色。作者巧妙地运用对比手法，尤其是画面中山与水的交界部分，采用了随意自如的用笔，色彩微妙，远景的天空和云彩处理得灵逸洒脱，大面积的红紫色远山含蓄、朦胧。整个画面大实大虚、大明大暗、大冷大暖，有着朦胧、和谐 、梦幻的层次变化。如《格里松山的雪崩》是一幅惊险的画面，雪崩从天而降，势不可挡。画面中心明亮的雪崩与前景被折断了的大树根浓重的暗部形成了强烈的对比，显得鲜明突出，更增加了险境气氛。画家用急速的笔触使崩塌下来的雪块产生动态感，表现了大自然运动的生命和壮丽。又如《夕照》，夕阳投射在江面上的一道光影与前景浓重的桌椅形成一种强烈的视觉对比，让人联想到江畔的黄昏，抒情而惬意。就像诗词里描写的美景一样：“一道残阳铺水中，半江瑟瑟半江红”，传达出无尽的意境美。强烈的光影给人以明快强烈的感觉，而柔和的弱对比则给人以朦胧神秘感。这样的例子还有很多，这都是画家在客观的基础上充分运用了对比的方法对自然的表现。作品的艺术内容决定一定的形式，光影对比强弱的选择应该根据具体内容来确定，对于黄土高原雄壮巍峨的阳刚之美，以实为主的强烈对比画法就比较贴切，而面对江南水乡雨雾的那种朦胧、轻灵秀美时，以虚为主的弱对比则更适合。对光影的设计安排使形式与内容达到了完美统一。

三、设计不同方向的光营造意境

光具有线性特征，方向属性突出。依据画面物象受光方向，一般可以分为顺光、逆光、侧光、顶光、底光、散射光等。顺光，从画面前方入射的光，一般有突出物象或加强纵深的作用；侧光，是从画面侧面入射的光，物象影调明显，若很好地利用侧光光影构建画面，能较理想地表现物象的质感、体积，丰富画面层次，增强空间深度；逆光，从画面后方入射的光，往往置物象大部于阴暗中，同时能较明确清晰地勾勒出物象的线条轮廓；顶光，从画面上方入射的光，物象之投影在下；底光，从画面下方入射的光；散射光是一种较柔和的光，无明确方向性。光源的方向在显现一件物体的外轮廓和形状方面至为重要。改变光源的角度通常会使一件平平常常的东西充满魅力。

在绘画中用光的方向影响着画面的构图和气氛的营造。比如表现日出和日落，有许多画家喜欢用逆光，这样的方式可以使画面产生纵向的景深感。如克劳德・洛兰的作品《港》,帆船优美的线条与古典的建筑在日落余辉下投下长长的影子，与水面的反光相互辉映，呈现出完美的动人画面。侧光使人物或物体的体积感更强，更具有立体效果。如伦勃朗常用强烈的侧顶光来塑造人物，运用侧光在脸部形成的明暗对比来刻画人物的表情与特征。

不同方向的照明可以使阴影的特征不同，阴影对画面氛围的营造极为重要。改变光源的位置或增减光源的强度即刻会对画面的气氛产生极大影响。如胡一川的《开镣》这幅大型油画，人物造型朴素而概括，色彩单纯而热烈，构图严谨而完整，人物的组合关系层次分明。特别是画面洋溢着一种喜悦的气氛，地面上的光源是这幅作品的一大特点。前景左边的解放军战士，手提马灯，从下而上地照亮了地板与人物，特别是画面的中央下方，突出了一个巨大而冰冷的铁镣，它被画家安排在画面的这个位置，是想揭露反动势力的阴冷和残酷。翻身解放本来是一件喜悦和值得庆贺的事情，但狱中革命者的遭遇和所受到的磨难又使人产生悲戚和沉重的感觉。画家所用的光，非常恰当地解决了这个问题。局部的光亮投射在中心人物身上，使画面中暖色调暗示着自由和解放的到来，左侧背景的高墙则渲染了监狱中的恐怖与黑暗。

就水彩画而言,现代意义上的构图是指构组画面的各视觉元素在一定材质平面上的位置�性状。如光落实在画面上时的上下、左右、大小、圆缺、侧正、轻重、亮暗等及其由此衍生出的疏、密、呼应、均衡等形式状态。水彩画对光线的研究基本上是沿着油画研究色彩的道路进行的，即从明暗法到冷暖法，不同方向的光源使画面产生的投影不同，明暗的分布就会不一样，画面的冷暖比例也就不同，那么画面就会形成不同的氛围，或浓重或明亮。如怀斯的作品《女朋友》中光线透过窗户斜照在画中人物的身上，窗棂的影子在人物身上形成有趣的投影，浓重的暗部与处于强光下的人体形成强烈的对比，使画面的人物处于视觉中心，非常具有冲击力。笔者认为这是画家苦心经营的结果，通过对光与影的有序组织，画面的意境得以展现出来。

水彩语言的个性特征是形成作品信息容量的重要因素，也是水彩作品产生艺术魅力和艺术活力的重要原因。水彩是光色艺术，我们可以看到那些优秀的水彩大师对光的运用都有其独到之处，如透纳的绚烂，所以他的画充满动感；怀斯的理智，所以他的画充满了宁静与忧郁。光作为色的媒介，在绘画中准确地运用光，对光进行有意识的设计，作画过程中的随意性就会减少。光具有象征的意义，如生命、光明、理想等等；光可以表现时间：昼、夜、晨、昏。通过对光的设计运用融入作者的理想与观念，可以有效地增强作品的外延。那么融入了作者真挚感情的作品，自然会传达其意境。在水彩画中，光是通过色彩来体现的，对光的设计即是对色彩的选择与搭配。既然说是设计，那么就不是对物象的被动描摹，而是有作者的主观意识的体现。在对光的设计中，作者要考虑光色与光的投射方式、光与影的对比关系、光与影的比例及构图关系，这是对作者观念的全面阐释，这样的作品才有生命力。从对纯自然的光的描绘到具有一定指向性的光的设计，探索光作为一种绘画语言的更强的表现力。正因为如此，选择通过探讨光的设计，改变画面的构成形式以充分表达对意境的追求。在水彩画中对光的设计运用就是为了最大限度地展现时空境象而采取的表现手法，这些手法一方面使画家在意境构成上获得了充分的主动权，打破了特定时空中客观物象的局限，另一方面也给欣赏者提供了广阔的艺术想象的天地，使作品中有限的空间和形象蕴含着无限的大千世界和丰富的思想内涵。

达・芬奇说过：“请看亮光，并思量它的美吧！眨眨眼睛再看它，你就会见到本来并不在那里的东西，而原来在那里的，已不知去向。”光就像魔术师一样创造出意想不到的境界，影子则让这境界出神入化，当尝试着用不同的光影效果去表现同一个主题的时候，会有许多收获，会更深刻领悟到光影在绘画中的分量。

参考文献：

[1]克里斯托夫・欣克水彩画里的色与光[M]董冀平，译，中国青年出版社，1999

[2]艺术概论/中国艺术教育大系[M]文化艺术出版社，2006

[3]李广元色彩艺术学[M]黑龙江美术出版社，2000

[4]保尔・杰克逊水彩画技法光感的表现[M]丁伟，译江苏美术出版社，2002

[5]何政广世界名画家全集：透纳・英国水彩画大师[M]河北教育出版社，2001

作者单位：广东嘉应学院美术学院

（责任编辑：鞠向玲）