现代舞的舞蹈特点与现状

现代舞的舞蹈特点与现状

　现代舞作为一种能够通过强烈的肢体动作反映舞者思想与心理特征的舞种，对现代人的审美追求和思想深化有着重要意义。下面我为大家搜索整理了关于现代舞的舞蹈特点与现状，欢迎参考阅读，希望你喜欢!

　现代舞的舞蹈特点与现状

　在19世纪末的欧洲，掀起了一场文艺复兴运动，面对着种种巨变，那个时代的人们何以自居怀特兄弟，爱迪生，居里夫人，马可尼等这一大批的科学家以机器生产代替了上帝造物;达尔文以类人猿的面孔无情的取代了造物主义的完美形象;而弗洛伊德又把人最隐秘的内心一层层剥开。科学时代的到来给人们一次次撞击，人们从迷信和无知中被惊醒，开始追问我是谁，从哪里来，到哪里去的问题。信仰危机带来了叛逆的萌芽，而现代舞则在叛逆之中找到了自我。艺术家们不得不让步于新奇的思想和更为狂暴的形式，以便紧跟时代的步伐，现代舞在此时诞生了。

　一、现代舞的起源及其舞蹈特点

　(一)起源。

　现代舞起源于19世纪末的欧美，它是一种与芭蕾有巨大差异的舞蹈系别。现代舞以反对古典芭蕾的旧思想为美学观点，主张舞蹈作品贴近生活，不要单一的追求形式和技巧，模仿他人乏味的动作。而是要以贴近自然的生活，进行舞蹈作品的创作，表达出我们内心的真实感情，着重突出舞蹈艺术要体现现实生活和表达个性，由此发展出了诸多流派。现代舞创立者是美国的舞蹈家伊莎多拉邓肯，邓肯反对古典芭蕾的训练方式，她觉得这种训练方法会把人变成畸形的物体。她欣赏人们自然的纯朴和纯真，主张“肢体动作要表达出内心的感情，动作不仅仅是动作，而是舞者真实感情的流露”，真挚地、自然地表达人的内心世界。

　(二)现代舞的风格流派

　1、现代舞创立时期及表现主义流派。在19世纪末期，现代舞是由反对古典芭蕾而创立的，它的思想主要强调以人体的解放追求人性的解放和自由，贴近现实生活和自然生活，表现人的真实情感和内心世界，在其创作作品中，探索直爽的情感表现，其艺术特征有很强的自身性。现代舞在创立时期伊莎多拉·邓肯、圣—丹尼斯等人做出了很大的贡献。我们往往把这一时期归纳为表现主义流派。

　2、现代舞发展时期的技巧流派舞蹈。在现代舞发展时期的舞蹈作品中，主张舞蹈形式要让步于功能，舞蹈作品要表现当代人的价值和意义。在舞蹈作品中，把感情的抒发作为整个舞蹈的出发点。在实验中，鼓励个性鲜明的风格特点，使舞蹈作品的技术和舞蹈动作突出个个性，但又不失整体性。其中最具代表性的流派有如下几个：心力表现派、韩福瑞技巧、放松技巧、何顿技巧。

　3、现代舞发展时期的新先锋派舞蹈。“新先锋”就是当代舞蹈家们开辟出前人没有走过的道路。在现代主义社会这个大背景下，现代舞艺术也开始逐渐的变化。在新先锋派舞蹈作品中要求现代舞的舞蹈动作进一步解放，以自我为中心，能够表现自我的价值，认为现代舞的主要艺术形式是自我和封闭。莫斯·坎宁汉是新先锋派舞蹈的代表人物，流行音乐天王迈克尔·杰克逊的主要舞蹈风格也是新先锋派舞蹈。

　4、舞蹈剧场时期的后现代派舞蹈。后现代派舞蹈起源于欧洲的剧场艺术形式，主张舞蹈再度返回戏剧和表现主义的传统，不能只以追求技术为前提，提出来我们为什么要去舞蹈，舞蹈是为了什么。现代舞在这个时候开始吸收人文主义精神。现代芭蕾也就是在这个时候诞生了。

　二、现代舞的现状及地位意义

　(一)现代舞的发展趋势。

　现代舞发展出许多派别，每个派别都有自己独特的审美观点。有的认为舞蹈不应该只是刻意的模仿，而是要有自己的主题，舞蹈作品要和自然相统一，舞蹈动作的要有连贯性;有的则是提出打破传统理念，让舞蹈者自然的表现;有的主张现代舞的舞蹈结构如实体现现代社会的精神形态。在20世纪中期，出现了一种新的形式，现代舞和古典芭蕾不再相互排斥，开始理性地相互学习和借鉴对方的优点，来充实自身。古典芭蕾开始学习现代舞多样的呼吸和训练方式，同时也在借鉴现代舞在自然感情表达发面的有点。现代舞也开始借鉴古典芭蕾理论体系的系统性和规范性，从古典芭蕾中借鉴了许多形式美的要素。

　(二)现代舞在舞蹈体系中的意义及地位。

　现代舞的诞生，是舞蹈史上的一个重要阶段。现代舞的诞生为舞蹈体系注入了新的元素，它的出现，给舞蹈赋予了新的涵义，顺应了时代发展的脚步，它在舞蹈体系中有着举足轻重的地位，是舞蹈体系中不可缺少的一部分。现代舞追随心灵召唤自然、单纯、自由，并带着内在和谐和独特的个性，这对舞蹈的前程是一种怎样的照亮。

　现代舞对艺术原创性的肯定，提高了舞蹈作为严肃艺术的定位，使舞蹈艺术不仅迈入人类的精神深度，并不断向人类的精神广度延展。现代舞使舞蹈重返本源：它使舞蹈从一种僵化，呆滞的东西，变成运动、光明和快乐，使人的精神得以解放，回归自然。现代舞张扬了舞蹈独创性本质，它揭示了人的本能与自我，在遵循这种本能的欲望时而创造舞蹈艺术的动态形象，带着鲜明的个性。舞蹈者的肢体不再只是机械模仿的工具，不再把空泛的美作为舞蹈的终极目标。因此，舞蹈艺术的独创性本质大大地得以伸张。

　现代舞的诞生是历史与文化结合的统一，它是舞蹈体系中的新鲜血液，在舞蹈体系中有举足轻重的地位。现代舞是以推陈出新、严格探索为目标，因此我们要以宽容的心态去包容它，用包容的眼光去欣赏它，在欣赏现代舞的时候要有独特思维和自我判断能力，把握住作品创作者的内心情感和作品背景。所以，把握住创作者的情感和创作作背景，有助于我们更好的去欣赏和理解现代舞。现代舞是一门形式感比较强的舞蹈，它打破了理想的古典审美原则和方法，体现出人对自然真实美的向往。

　现代舞详细介绍

　现代舞的特点与技巧

　1现代舞的基本特点

　⑴现代舞的生活观是宽容大度，乐观向上，随遇而安;它的艺术观是求同存异，“八仙过海，各显神通”。美国现代舞第三代大师默斯-堪宁汉曾说过：“如果你不喜欢别人的作品，那就编一个自己喜欢的好了。”

　⑵量的概念在现代舞中是第一位的。格莱姆的“巨匠”桂冠应该说是由无人匹敌的180部舞剧和舞蹈构筑起来的。她的同窗也曾指出：“你想编一个出色的舞蹈吗那么，先编出100个糟糕的再说吧!”

　⑶美的概念在现代舞中早已不是唯一的追求;而在现代美学中，美更不是至高无上的概念。因此，美或者不美，不应是衡量现代舞作品高低的唯一标尺;格莱姆初出茅庐时，她那带棱带角，更带着对即将到来的新时代之敏感的抽搐动作，曾被当时报界辱骂成“要么是癫痫突然发作，要么是分娩迫在眉睫”。但是几十年之后，当整个世界都在运用她那痉挛性的表情方式之时，她的“收缩-放松”(Constraction-Release)动作原理则被当做是新时代的号角和新美学的代表了。

　⑷新与旧的概念在现代舞中不是绝对的是非关系。尽管新的不一定总比旧的好，但新的每每比旧的更有趣，更能唤起人们的注意。

　⑸对现代舞作品，应该尽力避免是非曲直的判断，尤其是在看远离传统观念的后现代舞时更应如此。舞蹈是离经济基础和意识形态距离较远的审美学，而不是伦理学。

　⑹对现代舞作品，尤其是对那种以实验为目的的新作品，包括学生的习作，最好不做价值高低的判断，而应以竭力挖掘其创造的潜力，理解其创造的动机为根本宗旨。

　⑺一切舞蹈创作归根结底，都是在有意无意地探索“舞蹈是什么”这样一个哲学和美学命题。

　⑻可舞性这个在古典舞中地严重问题，在现代舞中完全不成立，因为现代舞的概念如此宽泛，因为大自然在现代舞者的眼里无一不是在跳舞，因为人的每种行为和每个动作无一不是在跳舞。美国现代舞第三代大师保罗-泰勒说：“我们缺少的不是动作，而是发现那些能为自己的目的出色服务的动作的眼睛。”

　⑼思想性和哲理性一直是现代舞蹈家的重要特征之一。而不再是那种只会模仿，而不思创造的艺人和匠人。

　⑽有必要弄清现代舞的宗旨是大胆的实验和严肃的探索，而不是廉价的讨好或技术的炫耀。

　2现代舞的六大技巧

　葛兰姆技巧

　玛莎·葛兰姆(Martha Graham)以“收缩与延展”(Contraction & Release)为其动作原理，技巧训练著重于收缩下腹部肌肉以凝聚动力，再将此动力发放以延伸动作至更远、更高、更长。地板训练包含坐姿、跪姿及躺姿;站立动作以重心移转、平衡及延展为主;流动组合以走、跑、跳、转以及三拍子的变化为主要的训练诉求。

　韩福瑞技巧

　杜丽丝韩福瑞(Doris Humphrey)以“跌落与复原”(Fall & Recovery)为其动作原理，技巧训练以摆荡(swing)；与重心转换(weight shift)时所产生的动力为主，形成“起动、滞留、落下、再起”的弧形动作循环。韩福瑞的动作训练模式，也可以引申至宇宙万物间周而复始的现象，是为舞蹈技巧训练蕴含人生哲学的重要范例。

　李蒙技巧

　荷西李蒙(José Limon)为韩福瑞的嫡传弟子，其技巧训练原理建基于韩福瑞技巧之上，再注入李蒙个人的钻研心得。除了保留以摆荡与重心转换的“跌落与复原”基础外，李蒙技巧更加强调动作的圆滑顺畅，以及肢体各部位的分解动作练习，李蒙视肢体各部位为单一乐器，当全身活动时，就犹如一场交响乐一般，多种乐器共同演奏动人的旋律。

　何顿技巧

　现代舞列斯特·何顿(Lester Horton)是著名黑人舞蹈家艾文·艾利(Alvin Ailey)的启蒙老师，在何顿死后，艾利成为何顿技巧的主要继承人。何顿技巧著重肢体线条的延伸、拉长，也试图挑战人体平衡的难度，因此多有单点著地而其它肢体部位朝反向伸张的动作训练。何顿的动作灵感多数来自原始族群或古代遗迹的形象。

　放松技巧

　发源于60年代的美国纽约市下城，由当时活跃于杰德森教堂(Judson Church)的年轻人，不断探索与实验肢体的潜能，经由接触即兴衍生而成的形式。肢体的活动型态与动作的动力既不过度使用，也不全然放松，而是任其形成一股延续不断的精力，使得肢体从某一动作延展至下一个或数个动作。

　活用运动生理学及解剖学的知识，延展技巧可以使肢体在最省力的状况下，让全身的骨骼、肌肉贯连合一，完成一连串的肢体动作。

　自由形式

　当后现代舞蹈(Postmodern dance)于二十世纪的60年代兴起后，固定形式的现代舞技巧训练便逐渐受到前卫舞蹈艺术家们的批判，转而以自由发挥作为动作训练的主要形式。除了突显教授者的个人风格外，自由形式的肢体训练也包含对于时间、空间及能量的各种探索，通常是从日常生活的基础行动如走、跑、跳、转、蹲、滑等衍进而成。

　几种现代舞的介绍

　爵士舞

　爵士舞是随着爵士乐的产生在美国五十年代末期，六十年代初兴起的一种舞蹈形态。它不拘泥于形式，伴随着富有动感和节奏的音乐自由的舞动，让人从身体到心灵上都获得充分的释放。爵士舞是一种急促又富动感的节奏型舞蹈，其主要目的是娱乐别人也娱乐自己。不虚饰的表现形式和舞蹈时散发出的愉悦气氛极具感染力。几乎每个人都能掌握它，它可以帮助矫正形体，展现优美体态，特别适合对自身形体不满意的朋友学习，而且爵士舞的表演空间很广。爵士舞是愉快、活泼、有生气的一种舞蹈。其特征是可自由自在的跳，不像传统的古典芭蕾局限于一种形式或遵守固有的姿态，又不像的士高舞那种完全的自我享受，它在自由之中仍有一种旋律的存在。在舞蹈技巧上，爵士舞应用了芭蕾舞的动作位置和原则、踢踏舞的技巧和灵敏性、现代舞的身体收缩与放松、拉丁舞的摆臀以及东方舞蹈的上半身挪动位置等等，将多种舞蹈的精华容入其中，从而展现其自身的舞蹈魅力。

　街舞HIPHOP

　街舞是一种民间舞蹈，兴起于20世纪80年代的美国黑人青少年，是美国黑人“嘻哈文化”(Hip-Hop)的组成部分。由于这种舞蹈出现在街头、不拘于场地器械，所以称为街舞，并且具有极强的参与性、表演性和竞赛性。在逐渐的发展中，街舞青少年形成了一种共同的思想理念和行为方式，他们以街舞来张扬自我个性，展示青春 活力和激情，表达勇于进取的生活态度，他们强调的是“做自己，享受生命，勇于挑战”的理念。街舞包括三大类：霹雳舞(Breaking)、嘻哈舞(Hip-Hop)、疯克舞(Funk Style Dance)。

　酒吧热舞

　DIRTY DANCING，也译做热舞，辣身舞。前卫、新潮、时尚，属於一种充满活力与外放性的舞蹈，动作火爆，热辣，具有非常强的感染力，送胯、扭腰、身体呈波浪形扭动，透露着妩媚与性感。迪厅领舞动作大多源于热舞技巧来实现领舞工作，使用性和观赏性比较强。这种舞蹈适合酒吧领舞、现代流行的漫摇吧、迪吧、酒吧等演艺场所使用的一系列舞蹈。

　迪吧领舞

　Dancer就是那些在都市迪厅、慢摇吧、演艺吧等娱乐夜场，在高架舞台上领舞的女孩，她们衣着前卫，发型新潮，舞姿奔放，她们以最煽情的形体动作和舞蹈语汇，带动迪厅的热烈情绪，把舞场气氛推向狂潮极点。

　现代舞的发展历史

　19世纪末期，欧洲古典芭蕾单纯追求形式与技巧的倾向越来越严重，不仅影响整个舞蹈艺术的发展，而且也阻碍其自身的发展。内容与题材仍旧停留在神话传说、王子公主的范畴之内，与现实生活的距离越来越大，成为舞蹈反映社会现实生活的巨大障碍。正是处于这种危机中，现代舞便应运而生。

　现代舞蹈的种类，按照舞蹈的特征来划分：

　一、专业舞蹈;古典舞芭蕾舞;民族舞;民间舞;现代舞;踢踏舞;爵士舞。

　二、国际标准舞：

　1、拉丁舞(伦巴、桑巴、恰恰、斗牛、牛仔);

　2、摩登舞(华尔兹、维也纳华而兹、探戈、快步、狐步舞)。

　三、时尚舞蹈；迪斯科；锐舞；街舞；芭啦芭啦；啦啦队舞；热舞劲舞；按照舞蹈的表现形式来划分：独舞、双人舞、三人舞、群舞、组舞、歌舞、歌舞剧、舞剧等。独舞，由一个人表演的完成一个主题的舞蹈，多用来直接抒发人物的思想感情和揭示人物的内心世界。双人舞，由两个人表演共同完成一个主题的舞蹈。多用来直接抒发人物的思想感情的交流和展现人物的关系。

　三人舞，由三个人合作表演完成一个主题的舞。根据其内容可分为表现单一情绪和表观一定情节，以及表现人物之间的戏剧矛盾冲突等三种不同的类别。群舞，凡四人以上的舞蹈均可称为群舞。一般多为表现某种概括的情结或塑造群体的形象。通过舞蹈队形、画面的更迭、变化和不同速度、不同力度、不同幅度的舞蹈动作、姿态、造型的发展，能够创造出深邃的诗的意境，具有较强的艺术感染力。

　组舞，由若干段舞蹈组成的比较大型的舞蹈作品。其中各个舞蹈有相对的独立性，但它们又都统一在共同的主题和完整的艺术构思之中。歌舞，是一种歌唱和舞蹈相结合的艺术表演形式。其特点是载歌载舞既长于抒情，又善于叙事，能表观人物复杂、细腻的思想感情和广泛的生活内容。歌舞剧，是一种以歌唱和舞蹈为主要艺术表现手段来展观戏剧性内容的综合性表演形式。

　舞剧，以舞蹈为主要艺术表现手段，并综合了音乐、舞台美术(服装、布景、灯光、道具)等，表现一定戏剧内容的舞蹈作品。

　现代舞的风格流派

　奠基时期

　在世纪之交，现代舞由反对古典芭蕾而创立，其思想主要强调以人体的解放与自由追求人性的解放与自由，带有浪漫主义和理想主义色彩。在艺术创作中，探求奔放的情感表露，其艺术带有较强的主观性。这一时期的主要代表人物有伊莎多拉；邓肯，露丝。圣。丹尼斯。泰德。肖恩，马丽。魏格曼等人。无论是邓肯的“自由之舞”，还是圣丹尼斯对东方舞蹈形式的运用及宗教哲学思想，他们虽各有其美学主张与艺术实践方式，但总体上是以拉班所建立的系统理论为中心的表现主义流派。和其他表现主义的艺术主张一样，宣扬感觉第一，把直觉看成是认识世界的唯一；方法。维格曼是表现主义舞蹈的代表者，她的舞蹈还有一个最突出的特点，就是企图切断舞蹈从属于音乐的关系，使舞蹈作为一种艺术而独立存在。

　早期状况

　在这一时期的现代舞艺术，观点上主张形式追随功能，价值观上注重揭示人的价值和尊严，揭示时代精神和现实生活。在艺术创作中，把感情表露意义上的表现作为艺术创作的本领。在艺术思想上主张真实反映世界，不仅反映人性的善，也揭露人性的恶等。在探索上，注重个人风格，并创作出个性化、系统性的动作体系和技术流派。其中最具代表性的流派有如下几个：

　心理表现派：玛莎．葛兰姆的“收缩与延展”(Contraction&Release）为其动作原理。主要思想在揭示人类内心阴暗面，强调“内省”心理。她强调舞蹈家应“以身体形象客观地表现自我信念”，“舞蹈应该剥开那些掩盖着人类行为的外衣”，“揭露出一个内在的人”。

　象征派：韩福瑞技巧以「跌落与复原」（Fall&ecovery）为其动作原理，她认为这既包含着人类动作的全部范围，又是一切戏剧性效果的根源。如人在暴力前倒下就必然要撑持起来反抗等，这种冲突就存在于这些动作之中。

　人本主义舞蹈：荷西．李蒙其技巧训练原理建基于韩福瑞技巧之上，再注入李蒙个人的钻研心得，视肢体各部位为单一乐器，全身活动时，就犹如一场交响乐一般，多种乐器共同演奏动人的旋律。

　放松技巧：由于不断探索与实验肢体的潜能，经由接触即兴衍生而成的形式。

　何顿技巧：作灵感多数来自原始族群或古代遗迹的形象，例如古埃及的二度空间式壁画中之形体，便演变为其基本动作训练之一，主张“对世界传达出自己的身份和传统的骄傲”。

　这些流派和技巧极大丰富现代舞的内涵，使之发展到了一个新的高度和阶段，并代表了当时世界上的价值取向和艺术思想。

　新先锋

　新先锋派舞蹈所谓“新先锋”，意思是开创前人没有走过的艺术道路在二十世纪中后期，现代舞艺术受到后现代主义的影响，其艺术带有明显的后现代主义倾向。在艺术观念上主张进一步的解放身体，认为舞蹈艺术的形式是自足与封闭的，能够自我表达与检验。热衷于形式主义观点，认为形式就是一切，动作本身既是目的，而非传情达意的手段。在艺术创作中，体现为以非理性与直觉进入，拒绝向观众解释自己的作品“你看到的就是你看到的”。倾向于反传统，反美学、反文化、反理性、反艺术、反舞蹈。甚至瓦解舞蹈的要素，在编舞技巧上进行各种试验的，将其它领域的概念引入创作作品，创造了一系列的编舞方法。出现了立体派、抽象派、动力派等流派，技巧方面则形成了自由形式。当后现代舞蹈（Postmodern dance）于二十世纪的60年代兴起后，固定形式的现代舞技巧训练便逐渐受到前卫舞蹈艺术家们的批判，转而以自由发挥作为动作训练的主要形式。突显教授者的个人风格外，自由形式的肢体训练也包含对于时间、空间及能量的各种探索。

　这一时期的代表人物是莫斯。坎宁汉（Merce Cuninghan）及其机遇舞蹈派：他反对人们一贯认为“舞蹈动作必须有含义”这一基本要求。他说：“在我的舞蹈艺术中是没有包含什么想法的”。其艺术方法是追求“偶得动作”。任何动作都可以成为舞蹈的一部分。他认为人类生活常被习惯所束缚，如果在编舞中使用偶得成分，就有可能发现人类最本能而又最吸引人的动作方式。流行音乐之王迈克尔·杰克逊（Michael Jackson）的主要舞蹈风格之一也是现代舞。

　抽象派：抽象派的现代舞是以抽象的语言去表现所谓纯粹的精神世界，追求新奇、怪诞：代表人物艾尔文尼古拉斯。他认为：人类最伟大的天赋本能是他们的抽象思维能力和超然存在的能力。

　后现代

　主要源于欧洲的舞蹈剧场艺术，追求再度返回舞蹈的戏剧传统和表现主义的传统，不以技术完美为前提，在在以人的肢体如何舞动，而注重的是人类为什么舞蹈，舞蹈开始以另一种方式注入人文气息。而现代芭蕾也是这一时期现代舞的流派之一。

　舞蹈剧场

　舞蹈剧场：代表人物是德国的皮娜·包希。舞蹈剧场原指一种古典芭蕾与新舞蹈结合，并能够完整表达剧情的舞蹈。她的艺术特色主要有三个：

　1、破碎的舞蹈剧场

　2、对两性与暴力的深刻表现

　3、对重复的偏爱在这里，主要关注的是人为何而动，为何而舞，揭示的是两性永远互动的主体，表现出来的是终极的人文关怀。

　现代芭蕾：现代芭蕾亦是现代舞当中的流派之一。它是介乎现代舞和古典芭蕾之间的一；种形式，在观念上是现代舞，但技巧上还是芭蕾。现代芭蕾最早的代表者是K约斯，他原来是拉班的学生与合作者。他当过芭蕾演员，因此他实践；把两者结合是有基础的。

　现代舞的特征

　现代舞的特征：

　概括起来说现代舞的特征就是没有特征。它迫切地追求个性、时代性与原创性。一代又一代的现代主义舞蹈家们不停地在花样翻新上下功夫，以标榜自己在舞蹈上的新发现。美国现代主义舞蹈家海伦·汤米尼斯概括现代舞的与众不同之处时说：“不存在普遍的规律，每一个艺术家都在创造自己的、法典。”

　在具体的舞蹈创作实践中它的特征大致体现为：

　1、舞蹈也可以不表现“自我”，而只是一种“纯动作性”的表演。

　2、有了动作就有了一切，不要求动作体现什么内容;

　3、尽量排除舞蹈创作人员在创作中的主观作用，使创作不受意识的支配，而具有最大限度的任意性;

　4、舞蹈以内容失去客观性为高，含义模糊，观赏者认为表现了什么就表现了什么;

　5、舞蹈走向非舞蹈化，把人们生活中任何的动作都当做舞蹈﹔

　现代舞的审美主张：

　现代舞的主要观点是反对古典芭蕾的因循守旧、脱离社会生活和单纯追求技巧的形式主义倾向，主张摆脱古典芭蕾舞过于僵化的动作程式的束缚，以合乎自然运动法则的舞蹈动作，自由地抒发人的真实情感，强调舞蹈艺术要反映现代社会生活。它反映了现代西方社会矛盾和人们的心理特征,故被称为“现代舞”。

　现代舞的艺术追求：

　现代舞强调舞蹈家必须使肉体与灵魂结合，主张肉体动作必须发展为灵魂的自然语言。也不顾及已经存在的任何一种舞蹈形式以及公认的舞蹈法则，不受形式美规则的限制，并不断从大自然和民族文化中获得灵感，任意设计任何舞蹈样式。在剧情设计上也有很大突破，不塑造人物形象，不表现故事情节，不表现生活场景，表现抽象的观念，表现“自我”，表现内心的冲动，表现本能，表现潜意识，表现直觉、幻觉和梦境。

　现代舞的技术动作：

　现代舞最伟大的技术理论的奠基者就是格雷厄姆，她根据人体动作的基本原理建立了自己的艺术理论和技术原则，她提出：在跌倒和复起、平衡与不平衡之间构成舞蹈动作的规律。她的技术理论中心是呼吸。她研究了人体在呼和吸之间的形体变化，认为舞蹈家可以用呼吸推动身体的旋转、跳跃和跌倒、撑起。为现代舞派建立起一套较为完整的训练体系的人是匈牙利人鲁道夫·拉班，他创造了一种被称为自然法则的训练方法，把人体动作的构成归纳为：“砍、压、冲、扭、滑动、闪烁、点打、飘浮”等八大要素，认为正确处理各要素之间的关系，就能组成各种动作。到了后现代舞蹈，自由发挥成为舞蹈动作训练的主要形式，除了突显教授者的个人风格外，自由形式的肢体训练也包含对于时间、空间及能量的各种探索。

　现代舞的音乐特点：

　现代舞反对音乐的“独裁”，主张创作“自由自主的舞蹈”，他们之中致力于切断舞蹈从属于音乐的关系，确立没有音乐的舞蹈。此外，他们把肢体的每一个部位都视为乐器，当全身活动时，就犹如一场肢体交响乐演奏的动人旋律。因此，在现代舞中，有没有音乐、是什么音乐、用什么样的乐器都显得不那么重要了。

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　　本文为大家介绍东北民歌相关音乐基础知识。 东北民歌是指流传于东北三省汉族小调的统称，它的歌词是东北人民生活语言的诗化。由于地理、语言、生活习性养就了东北人豪爽的气质，在民歌中往往得以充分体现。东北民歌中有些曲调是受地方戏二人转唱腔的影响，所以显得非常富有地方色彩，生动活泼，反映了劳动人民开朗的性格和丰富的生活情趣。东北民歌的特点一般音调比较高亢嘹亮，旋律宽广，气韵悠长，声音运用上也比较刚直。《东北风》、《月牙五更》、《摇篮曲》及《小拜年》已成为具有东北代表性的民歌，久唱不衰，深受人们的喜爱。随着时间的推移，东北民歌也越来越显示出它独特的艺术风格及魅力。 东北民歌可分为三大类：山歌、歌舞曲、萨满调 山歌 山歌又分“长调、“短调”，“长调”高亢刚健，节拍自由;“短调”曲调平稳，节奏规整。 歌舞曲 歌舞曲大多为一领众和形式。 萨满调 萨满调是为请神、跳神、祭祖、葬礼时唱的歌，曲调吟诵式，多为领和。鄂伦春民歌为五声音阶。以宫调式、羽调式居多。他们最喜爱的民歌有《额呼兰德呼兰》，是一首歌颂大自然的歌。 内容方面 “感于哀乐，缘事而发” 东北民歌的内容常常是人民生活的真实写照和思想感情的直接流露。它唱出了人民的痛苦和欢乐，记述了黑土地上的人民在不同历史时期的生活和精神面貌。也具有强烈的时代感，而且还具有鲜明的阶级意识和强烈的阶级感情，爱与憎的倾向总是鲜明得毫不隐讳。旧社会，劳动人民深受三座大山的压迫，过着牛马不如的生活，日寇的铁蹄践踏东北三省。那时黑土地上的人民生活在水深火热之中，这悲惨的情景在东北民歌中体现着，如《煤黑子苦》就反映了劳动人民的苦难生活，表现了东北汉子对现实生活的强烈不满，对自由幸福生活的向往。 解放后广大劳动人民又创作出许多唱翻身，唱解放，歌唱领袖，歌唱***，歌唱自由幸福生活的歌曲。如：《新东北风》、《翻身五更》等。 在东北民歌中有许多歌曲是与生产劳动实践密切相关的，如节奏鲜明的劳动号子：《哈腰挂》、《拨粮包号子》、《打路基歌》等，有的直接反映劳动的场面、劳动的情景、劳动的心情，也反映广大劳动人民勤劳勇敢、不怕困难，充满人定胜天的必胜信念，如：《姐妹上场院》、《卖饺子》、《生产忙》、《气死龙王》等。也有反映现实生活、表达爱情及地方习俗的歌曲。如：《摇篮曲》、《瞧情郎》、《反对花》、《回娘家》等。 东北民歌，孕育在这片黝黑的土地上，孕育在豪爽、乐观的东北人的血液里，它们把人们劳动中的苦与乐、生活里的喜与悲，把民俗、情趣、青山、秀水，把小伙子、俊姑娘那份羞答答的爱用欢畅的、粗朴的、奔放的、柔婉的腔调唱出，织出了一幅幅色彩浓烈独具地方风味的民俗画面。新货郎、瞧情郎、乌苏里船歌等，每一首歌里都散发着黑土地上的玉米香，每一句歌词里都透出东北人的豪气。 调式方面 东北民歌以小调为主，以宫徵调式为多，也有商羽调式。 如：《东北风》、《放风筝》、《翻身五更》、《庆新年》、《小看戏》、《回娘家》、《摇篮曲》等均为徵调式，《丢戒指》、《卖饺子》、《秀云肩》、《小拜年》等均为宫调式;《茉莉花之二》、《正对花》等为商羽调式。东北民歌总体上给人以明朗、活泼的感受。 旋律方面 东北民歌的曲首往往是同音反复、或使用重复的表现手法，二者也常常叠用，继而用“加花”或“放宽”或“紧缩”等手法。 东北民歌在旋法上常出现四度旋律音程的同时，更突出使用小三度音程，旋律性较强，节奏规整。人民很善于运用音乐的表现因素，短小简练的手法，创造出鲜明、准确而生动的音乐形象，表现深刻的内容和思想情感。 东北民歌旋律清新明朗，节奏规整，接近自然语言形态，多采用2/4拍，形象准确生动，充满着生机与活力，有浓郁的地方特色。 在表现手法上还有这几个突出的特点： ①运用四季、五更、十二月等来取缀多段唱词，形成分解歌的形式。例如《正对花》、《反对花》、《翻身五更》，以此表现出人民较高的创作才能及艺术性。 ②衬字衬词的使用是东北民歌的特点，如：《小看戏》表现出东北人特有的诙谐、风趣。 ③舌尖颤音贯穿全曲，加上模仿锣鼓声所使用的衬词，淋漓尽致地表现出东北民歌“活”“俏”“浪”“逗”的特点以及高超的演唱技巧。如《正对花》。 有时歌词中方言的运用，更突出了东北的地域特征，听起来让人有亲切感。 艺术价值 东北民歌表达了东北人民勇敢的精神、勤劳的作风及火热的情怀。它凝聚着东北人民的智慧，是关东人民的杰作，东北民歌在我国的民间歌曲中占有重要地位，有很高的艺术价值。 1、东北民歌深受人们的喜爱 东北民歌王郭颂继承丰富和发展了东北民间音乐，赋予它鲜明的时代特征和新的生命。同时，他又通过自己独具特色的演唱，把东北民歌和具有东北地域风情的创作歌曲介绍给了全中国乃至世界许多国家和地区的人民，使东北地区的音乐在中国和世界音乐园地里更为光彩夺目。 2、东北民歌促进了“二人转”及东北大秧歌的发展 传统音乐的五大类(即民歌、歌舞音乐、说唱音乐、戏曲音乐、民族器乐)从来都是互相影响和吸收，互相丰富互相促进的关系。但从基本的方面看，民歌又是其他各种音乐的基础。东北民歌也影响促进了东北的二人转、东北大秧歌。两者都从民歌中吸取材料。 3、经典器乐曲源于东北民歌 独奏曲《赛马》与《江河水》20世纪60年代初问世以来，风靡全国，轰动海外，成为我国二胡的经典曲目。其中《江河水》这首乐曲是黄海怀将同名的东北民歌《江河水》移植改编为二胡独奏曲，该曲悲愤的旋律如泣如诉，催人泪下。在1965年拍摄的**大型音乐舞蹈史诗《东方红》中，以一盲公卖孙女的悲惨场面，配以二胡独奏曲《江河水》的悲愤旋律，深刻地表现了旧社会中国人民的苦难生活。此曲和《赛马》直到今天，仍然盛传不衰。而《江河水》已被选入人民教育出版社全日制普通高级中学教科书之中。又有许多演奏家将东北民歌《摇篮曲》、《回娘家》、《月牙五更》、《瞧情郎》分别改编为小提琴曲、唢呐独奏、板胡曲及爵士乐等，让人耳目一新。随着现代化的电声乐队的发展，东北民歌又有新的演绎，为东北民歌注入了新的生机。 4、东北民歌的精髓滋润艺术家的创作 八十年代创作的歌曲《我爱你塞北的雪》(王德词刘锡津曲)描绘了万里雪飘的北国风光，塑造了北方人纯洁、崇高的精神境界，旋律宽广而婉转。《十五的月亮》(石祥词、铁源曲)赞颂了军人及军人的妻子为祖国守边防，甘于奉献的精神，旋律优美而细腻。还有《在那桃花盛开的地方》、《想给边防军写封信》、《辽河水从我家门前走》这些歌曲，一问世就深受人们的喜爱，广为传唱，家喻户晓，如今已成为经典之作，久唱不衰。细细品味，旋律中都吸收了东北小调的味儿。这些艺术家们在创作的过程中也许是有意的，也许是无意的，但是，这种艺术精髓已潜移默化地影响了在黑土地上成长起来的艺术家们的创作。 新时代，《大辽河》、《东北人都是活雷锋》、《过河》、《家在东北》这些创作歌曲唱遍大江南北，也无不吸收了东北民歌的精髓。 由沈阳歌舞团创作、演出的大型舞蹈系列剧《月牙五更》是曾获得文化部颁发的“文华奖”和中宣部“五个一工程”奖的舞蹈艺术精品。它以东北民间广为流行的同名民歌《月牙五更》为主旋律，并以鲜明的关东舞蹈风格，描绘了关东大地人民群众世世代代拼搏向上的生存意识，构成了一幅幅多彩、情趣盎然、美丽纯情的生活画卷。该舞剧曾在中南海演出，并先后在上海艺术节、杭州艺术周、香港“神州艺术节”等艺术盛事上演出，受到国内外舞蹈艺术家的高度评价。再一次展示了关东人民乃至整个中华民族文化的精神风貌。

在我心目中，歌手里面张碧晨才是清唱天花板。

张碧晨有着扎实基础，知道自己的技术特点，在适合自己的作品类型里，能几乎碰到该类型的天花板，但同样，不适合她的作品也不少。

单说机能，张碧晨中低音算优秀，高音的胸混为主部分是她本人黄金音区，高音极限和一众硬核女歌手差距明显，但不过分炫技完全够用。

张碧晨最抓人的高音，是C5到F5，胸混比例较大的音区，厚度足够，情感充沛，气息十足。

目前最高混声是G5，再高就是头声和假声，而不是头混声。

我觉得她还能更高，但目前水平，再高没有实际意义，声音单薄且拉扯明显。并且因为咬字特点，可能也有个人状态因素，她的胸混有的时候很通透，有的时候感觉支撑不足，有些发紧 ，这种发紧并完全不是随着音高而增大，有的时候她的F5很通透，有的时候C5却发紧。

她的气息是足的，现场从来没有气虚气短，声音细小而飘的情况。

再说咬字，她的咬字很独特，用大家的说法，就是“韩式唱腔”，这种唱腔对大部分歌曲的诠释都有促进作用，有情感充沛，快要溢出的感觉，并且天然适合爵士风，比如《红玫瑰》，但是有两个缺点

第一，少部分歌曲真的不适合，比如她翻唱过周杰伦《搁浅》，效果很不好。

第二，状态不好的时候，比常规唱法听起来会更加车祸，感觉气息和节奏大乱，听起来像跑调，细听还没跑。

还有两个不是问题的问题，就是男女合唱的时候，她的嗓音很难和大部分男歌手有很搭的感觉，要么听起来像搅局的，要么像各唱各的；并且，那些模板式的泛泛的编曲，很难适合张碧晨。

总之，她有着属于自己的定位，唱功完全够用，能驾驭自己的作品，也有秀唱功的余地。

如果不向上和国内外机能怪们比，起码在同行的衬托，完全称得上优秀。并且她的歌曲，好听，符合大众审美，这是难得的一点。

这一晚是全中国实现百年梦想的时刻，是中国二零零八年最精彩的一晚。八点的奥运会开幕式，是多么激动人心呀！

“咚咚咚……”这是倒计时表演。二千零八个鼓手，用手敲击着似鼓又不是鼓的乐器，还能发出白色的亮光。这个方阵好似多米诺骨牌，一下子从这边亮到了那边，又在一瞬间从那边亮到了这边。突然，整个方阵从上空看变成数字倒计时。三十、二十、十、九……每一下都是那么令人激动，令人吃惊，为什么会出现这些闪闪发光的数字呢？

看！那天空中出现了二十九个脚印，象征着二十九届奥运会的举办。这时，在场地中心，出现了一张画卷，真是一个奇迹。这幅奇妙的画卷展现了中国的灿烂文明。水墨山水画、古诗、茶、文房四宝、太极、四大发明，都一一展现。最有趣的是四大发明之一——活字印刷。一个个小盒子，上面刻着中国最早的文字。后来，一个个小盒子上下伸缩，成了从古至今的三种“和”字。最后还冒出了一朵朵桃花，绽放着笑脸，美极了！

当二百多个国家的运动员入场后，是最为精彩的圣火传递。当李宁拿着奥运火炬，“飞”上了天，在铺满祥云的“路”上奔跑着，他跑过的“路上”，是火炬在各地地区传递的许多精彩片段，李宁把火炬台点燃，熊熊圣火在燃烧时，全场一片欢呼。『本文由第 一·范 文 网wwwDiyiFanwenCom整理，版权归原作者、原出处所有。』

奥运会开幕式上，还有刘欢与莎拉·布莱曼一起唱的《我和你》，那歌，好似山泉真动听。

开幕式，是奥运会的一大亮点，接下来让我们为奥运健儿们加油吧

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　　蓝调的分类

　　1912 年，WC Handy 发表了第一篇蓝调作品“Memphis Blues”。但即使在那之前，蓝调已经作为美国少数原创艺术形式之一慢慢形成。蓝调实际上是非洲西部旋律和乐感加上欧洲北部的乐器和乐风的结合。然后再加入民谣和福音音乐，早期的蓝调如此形成——不管天份多少，谁都可以用随便什么乐器搞出音乐来——当然其中吉它和钢琴是最普遍的乐器。蓝调的先锋们——传奇乐手有 Robert Johnson,Muddy Waters 甚至 BB King ——精湛的演奏包括技术上的娴熟和创意上的神秘。经典的蓝调是 12 小节形式的，把重复的曲调通过人声和乐器的即兴而作演奏出来。这是一个有巨大影响的音乐流派，它对摇滚乐的形成起重大的作用。蓝调也被无数的非黑人乐手采用，如吉它之神 Eric Clapton，连连上榜的 Bonnie Raitt，还有后来居上的 Jonny Lang。

　　德克萨斯蓝调 (Texas Blues)

　　德克萨斯蓝调发展于 20 世纪 20 年代，很大程度地从乡村音乐过度，只是滤去了鼻音。它节奏松散，也称“德克萨斯拖拍”，在拍子后面拖摆一点。歌词方面，摆脱了“强作愁”的主题。德克萨斯蓝调常用传统的旋律，一把吉他而不是吉他合奏。然而，德克萨斯蓝调在二战后趋向电子化，主要受 Clarence "Gotamonth"Brown 的影响，他们在管乐部分用电吉他独奏表演。其后，T-Bone Walker 和Stevie Ray Vanghan 继续保持了拖拍的节奏和轻松的德州传统。

　　城市蓝调 (Urban Blues)

　　城市蓝调的歌词充分反映了都市生活。“城市蓝调”一词最初是为了与乡村蓝调区别，到四十年代逐渐形成自己的风格。城市蓝调包含了 Louis Jordan 的跳跃蓝调到爵士的最新花样，包括了 Percy Mayfield 和 Ray Charles 的带有城市化的感觉的低吟。

　　早期美国蓝调 （Early American Blues）

　　这一范畴包括蓝调的最早录音。从 WC Handy 到 Robert Johnson。这种唱片质量通常并不那么理想，但充满着深切感情，绕梁三日。

　　原声蓝调(Acoustic Blues)

　　不插电即是原声。原声不一定专指原声吉他。此类蓝调指所有非电子乐器演奏的蓝调——从吉他、班究（五弦琴）到口琴、发声铁罐。各地有各地的曲风——芝加哥、三角洲（Delta）、新奥尔良、德克萨斯、等等；也有各种音乐风格——滑音型、爵士型、指拨型、等等。二十世纪前叶的大师 Big Bill Broonzy, Lead Belly 和 Blind Lemon Jefferson 被认为是原声的，还有更现代型的 Keb' Mo', Taj Mahal 和 John Lee Hooker。

　　民谣蓝调 (Folk Blues)

　　民谣蓝调可追溯至 19 与 20 世纪交界的小酒吧音乐和晚间小庆典的原声风格。它产生于南方从德克萨斯到三角洲的影响，被许多人认为是美国最原创的音乐。尽管早期美国蓝调也同样的深入大众，但真正把人们带入小酒吧间跳舞的是民谣蓝调。是 Lead Belly 和其后的 Sony Terry 和 Brownie McGhee 将民谣蓝调的风格延传下来，而 90 年代的吉它手 Ben Harper 成功地再现了这一风格而又没被认作为复古分子。

　　孟菲斯蓝调 (Memphis Blues)

　　当 WC Handy 写“Memphis Blues（孟菲斯蓝调）”时，他根本没有想到这个词的深远影响。孟菲斯蓝调的两大派系中的前一种是在 20 世纪 20 年代的Beale Street 初生，从众多“陶瓶乐队（jug band）”和综艺表演衍生而出，Memphis Jug Band 的弦乐风格和 Memphis Minnie 和 Frank Stokes 的粗旷而又时常滑稽的风格而备受欢迎。这种孟菲斯蓝调的早期形式发明了一种演奏方法：主音吉他在一曲中有一“段”特殊演奏——这种方法至今已成为标准方法了。后一种孟菲斯蓝调是在 50 年代前期开始的一种电子风格，是更响亮而又激进的蓝调。乐手们采用了扩大的、失真的吉他和较重的鼓声，对今天的大多数蓝调艺人有更直接的影响。

　　爵士蓝调 (Jazz Blues)

　　爵士蓝调有着坚实的蓝调根基，但又吸收了富变化而又稍快的爵士音乐。这类音乐家们通常把爵士乐的即兴演奏特点掺进了经典的蓝调音乐三和弦结构。爵士蓝调包括从钢琴师 Mose Allison 以爵士为主的作品，到吉它手 Lonnie Johnson 的扎实的蓝调，还有 Ray Charles 的激情荡漾而又博采百风的钢琴蓝调。

　　纽约蓝调 (NY Blues）

　　成熟的纽约蓝调吸收了跳跃蓝调、摇摆、Bebop 和早期的节奏蓝调中的精髓。它在 40 年代摇摆时期绽开，当时 Lionel Hampton 的大型乐队用上了蓝调歌手和强烈的节奏。 正当呐喊的 Big Joe Turner 影响了摇滚乐，Erskine Hawkins 和Eddie “Cleanhead”Vinson 把大众的蓝调和受高度尊敬的摇摆爵士联系到一起。

　　新奥尔良蓝调（New Orlean Blues）

　　顾名思义即知，蓝调决不是笑嘻嘻地找一番乐子（英语“蓝调”blues有忧伤的含义）。但于此——并非绝无仅有——新奥尔良蓝调稍稍有别。它带有加勒比韵律（尤其是伦巴）和一些美国南方音乐色彩，只在派对聚会上才有用武之地。此类别可轻松休闲，也可捶胸跺脚地豪放，有Fats Domino 和 Professor Longhair 等出色艺人，用了号和即兴发挥的钢琴伴奏。

　　灵魂蓝调 (Soul Blues)

　　一种传统蓝调和 60 年代灵魂音乐的快速旋律的熔合物，灵魂蓝调是涵盖两种传统的艺人。以标准的蓝调乐队为基础——钢琴、吉它、贝斯、口琴和打击乐——有时加入节奏蓝调曲调的管乐，灵魂蓝调的音乐家们延伸了传统的界线，又保持了灵魂乐的根基。Etta James, Bobby "Blues" Bland 和 Jonnie Taylor 都曾是灵魂蓝调的佼佼者。

　　钢琴蓝调 (Piano Blues)

　　各种时期的爵士型、蓝调型音乐、即兴的演奏，只要是用钢琴演奏的蓝调，那就是钢琴蓝调。钢琴蓝调的范畴包括从 Count Basie 和 Rossevelt Sykes 到 Ray Charles, Dr John 甚至是福音音乐的祖师 Thomas A Dorsey。

　　沼泽蓝调 (Swamp Blues)

　　因路易丝安那州的沼泽而得名。沼泽蓝调慢悠悠地，用口琴、吉他演奏，出现过伟大的 Slim Harpo。经掺入新奥尔良的节奏与蓝调的韵律、加上回声和延迟的电吉他效果，沼泽蓝调可悠扬如 Lonesome Sundown 和 Lightnin‘ Slim，活泼如Lazy Lester 的口琴。

　　综艺蓝调 (Vandeville)

　　在综艺表演的最初年代，众多剧院因偏好白人戏而忽略了黑人演出（颇具讽刺意义的是，他们实际上却常上演一些模仿黑人老套形象的滑稽戏）。因为主流的排斥，黑人艺术家们组成了自己的圈子，在美国为数不多的场所上演专给黑人观众看的剧目。这些综艺表演通常包括滑稽戏、魔术、舞蹈等，但最引人注目的当数蓝调歌唱表演——出现了一批如 Ma Rainey 和 Bessie Smith 的歌手。综艺表演要求表演者超越唱歌地取悦观众，于是加入了戏剧和舞蹈的成分，使黑人综艺表演更深地吸引了观众。综艺表演中的佼佼者 Butterbeans and Susie 因他们的特别的喜剧表演和精湛的蓝调二重唱久负盛名。综艺蓝调在 20 世纪 20 年代处于颠峰状态。

　　经典女性蓝调 (Classic Female Blues)

　　女性在 1920 年开始接触蓝调。有歌手如 Ma Rainey 和 Bessie Smith，她们创作了许多尖锐而又自信的作品。以后的音乐家如 Billie Holiday 则降低了尖锐性，但同样真实地反映了她们的生活与关系。

　　三角洲蓝调 (Delta Blues)

　　三角洲蓝调大多用一原声吉他演奏，是蓝调的一种原形。其代表人物包括富有传奇色彩的Robert Johnson, 芝加哥蓝调的缔造者 Muddy Waters，口琴师 Sonny Boy Willianson II 和蓝调之王 John Lee Hooker。得尔他蓝调用充满热情的歌词和人声，通常独奏，也有一些小的组合，如 Willianson 的各种组合，也曾有过灌录。

　　电子蓝调 (Electric Blues)

　　只要插了电，就是电子的了。虽然电子蓝调以电吉他的使用为标志，它也同样以电贝司为标志——拾音器（用来放大原声乐器的一种装置）被装到倍大提琴和原声吉他中。从战后的悲曲大师 Little Walter 到电吉他人 Smokey Wilson 和 Eddie Kirkland 都是电子蓝调传统的代言人。

　　口琴蓝调 (Harmonica Blues)

　　由 Sonny Boy Williamson II, Lazy Lester 和 Jimmy Reed 倡导——然后由Little Walter 和 Junior Wells 带入 20 世纪后期——口琴蓝调以蓝调口琴为核心。Little Walter 在芝加哥发展了该风格的电子版，而 Slim Harpo 在路易斯安那演奏连颈口琴。在以后的几年中，Paul Butterfield 和 Bob Dylan 把口琴融入到民谣、摇滚和蓝调复古。

　　跳跃蓝调 (Jump Blues)

　　在摇摆年代，大型乐队爵士、蓝调、福音音乐和“布吉沃吉（Boogie-Woogie）钢琴”全部结合起来，成为“跳跃蓝调”。Cab Calloway 唱新鲜有趣的歌曲时，更强调了旋律。Slim Gaillard 则“说”唱出另人捧腹的超现实主义歌曲（通常是关于食品），而他的乐队应和着喊叫着。Louis Jordan 也掌握了这种高能量的跳跃蓝调，同时 Louis Prima 又结合了 Louis Armstrong 的人声变化和小号技巧。跳跃蓝调的西海岸版很大程度地受比较轻松的 Nat Cole 的爵士三人组影响，用老练的音乐和歌词代替了强劲的能量。受正规古典音乐培训过的歌手、钢琴家 Charles Brown 就是西海岸的最佳代表。跳跃蓝调影响了节奏蓝调（R&B）和摇滚使成为美国派对的主流音乐，后来又成为 90 年代摇摆复兴的主要元素。

　　现代蓝调 (Modern Blues)

　　现代蓝调是一个广泛的概念，包含所有现代的蓝调艺术家们，他们虽然未能见到传奇的老派蓝调艺术大师，但遵循了他们的步履。现代蓝调既用原声吉他，又用电吉他，结合从摇滚到流行到民谣的多种元素。有些蓝调纯粹主义者或闭门造车的音评人会说现代蓝调只是些简单的模仿者；但他们实际上在尊重过去艺人的基础上融会了创意、天赋和更现代化的感官。Stevie Ray Vaugan 在生前一直被认为是独特的蓝调复兴主义者（1990 年他直升飞机遇难而亡），其后又有 Robert Cray 和Keb' Mo'。

　　什么是摇滚乐？自摇滚乐产生起就一直困扰着人们，随着历史的演进，它最初的含义和今天已经相去甚远。如果我们来谈什么是摇滚乐，首先应该考虑的是读者对象。因为对于目前中国的摇滚乐欣赏者来说，的确有必要谈一下摇滚乐的概念及其划分标准；但是对于摇滚乐的创作者来说，更重要的是强调音乐和人，不是摇滚乐的概念。

　　摇滚乐是在西方的文化历史背景下产生的，自它产生到现在，几十年来西方乐评家和摇滚艺术家对摇滚乐下过无数的定义，但是这些定义仍不能取得人们一致的的认同。这种情况，在中国也不可避免地出现了。因为任何理论的严谨性都是相对的，不是绝对的，所以中国摇滚音乐家对什么是摇滚乐这个问题的回答同样也是众说纷纭。

　　什么是摇滚乐呢？就其产生而言，它是黑人节奏布鲁斯和白人乡村音乐相融合的一种音乐形式；就其使用的乐器而言，它是以吉它、贝司、鼓为主，加上大功效的音响和诸多效果器来表现音乐的形式；就其风格而言，它分为布鲁斯（BLUES）、摇滚（ROCK AND ROLL）、重金属（HEAVY METAL）、朋克（PUNK）、放克（FUNK）、雷鬼（REGGAE）、说唱乐（RAP）、等等；除此以外，摇滚乐还有演唱、舞台设计、灯光效果等方面的特点。但是这些特点加起来，只是摇滚乐的形式而已。 提到摇滚乐，不可回避的是它内容上的属性，也就是摇滚精神。我们说今天对摇滚乐的认识存在混乱，实际指的就是对这种精神的认识不能统一。无论乐队是否承认他们在表现摇滚精神，但是音乐总是存在精神的，无非是对精神的理解和表现有所不同。梁和平曾强调这种精神就是反叛意识、斗争意识、批判意识；崔健认为这种精神就是反抗一切让人丢失自己的东西；而丁武则认为这种精神可以通过音乐的情绪来表现，不一定让歌词那么尖锐。其实他们三个人的说法并不矛盾，我们将这三点合起来看，思路反倒清晰了。

　　摇滚精神说的哲学一点就是人类追求生存自由的一种精神；说得能通俗一点就是通过音乐来反大众化的东西，因为顺从大众的就是失去个性的、媚俗的和流行的。如果人们简单地把摇滚精神理解为愤怒，理解为反传统，是不合中国实际的。 我们将摇滚乐形式上的标准和内容上的标准两者合一，就得出了今天区分摇滚乐和流行音乐的标准。

　　古人说“诗无达诂，类无定准”，对于划分摇滚乐也一样的。有些作品是很难说清它是摇滚乐还是流行音乐的。臧天朔的《心的祈祷》，就其音乐成分来说，流行音乐的成分更多一些。但是在摇滚音乐会上演唱时，却增加了歌词的摇滚成分。这种情况下，关心音乐是否能够真正打动你，比关心一首歌是属于哪种音乐类型更为重要。 任何一群人都不可能是完全一样的，他们一定存在着种种差异。他们对人生的态度是不一样的，甚至是截然不同的。其中有背负十字架的苦行者，也有承担荒诞的快乐者。不同的人生态度自然产生出不同的音乐。我只想提醒欣赏者注意他们的音乐有着本质的不同。

　　他们有些人是把摇滚乐作为工具，来表达自己的观点。这种人如果不拿摇滚作为工具也会拿起另一种工具，因为他们在这个世界上生存内心的感触很丰富，时常有骨鲠于喉一吐为快的生理反应。这种人不仅是摇滚乐中的英雄，也是人类中的杰出者。 另一些人则是以音乐为重。他们喜欢这种音乐超过了其他任何音乐形式。他们不强调作品的思想性，而强调音乐必须成其为音乐。他们好象血液里面就需要这种音乐，必须每天在这种音乐里浸泡着、吸吮着，才能感觉到自己的存在。他们大多才华横溢，对音乐的执著令人感佩。

　　还有一些人颇有赶时髦的嫌疑，他们的作品没有内容，思想性和音乐性都很差。我宁愿认为他们的生活感受还不清晰，音乐风格还没有建立，也不想指责他们在用赝品和垃圾来欺世盗名。

　　巴洛克时期，音乐艺术得到了前所未有的迅猛发展。并且促成了后来的洛可可（Rococo）艺术的兴起。这一时期的音乐以德、意、法等几个国家最具代表性。

　　早期摇滚乐/根源摇滚（Rock & Roll/Roots）：主要包括早期摇滚乐、山地乡村摇滚（Rockabilly）、冲浪乐（Surf）、车库摇滚（Garage Rock）、酒吧摇滚（Pub Rock）、根源摇滚（Roots Rock）、美国传统摇滚（American Trad Rock）、英国传统摇滚（British Trad Rock）等风格。

　　流行摇滚（Pop/Rock）：主要包括英国戏院音乐（British Musichall）、噪音爵士（Skiffle）、青春偶像（或青少年偶像，Teen Idol）、布瑞尔大厦流行曲（Brill Building Pop）、女子乐团（Girl-Group）、泡泡糖摇滚（Bubble -gum）、不列颠入侵（British Invasion）、Mod、迷幻乐（Psychedelic，或作Psychedelic Roch，迷幻摇滚）、喜剧摇滚（Comedy Rock）、欧洲摇滚（Euro-Rock）、欧洲流行曲（Euro-Pop）、拉丁摇滚（Latin Rock）、成人非主流流行摇滚（Adult Alternative Pop/Rock）等风格。

　　民谣/乡村摇滚（Folk/Country Rock）：主要包括乡村摇滚（Country-Rock）、民谣流行曲（Folk-Pop）、民谣摇滚（Folk-Rock）、歌手/词曲作者（或歌手兼词曲作者，Singer/Songwriter）等风格。

　　重金属/硬摇滚（Heavy Metal/Hard Rock）：主要包括布鲁斯摇滚（Blues Rock）、布吉摇滚（Boogie Rock）、酸摇滚（Acid Rock）、硬摇滚（Hard Rock）、魅力摇滚（Glam Rock，或Glitter Rock，又译作华丽摇滚）、南方摇滚（Southern Rock）、舞台摇滚（Arena Rock）、重金属（Heavy Metal，简写作HM）、不列颠金属（British Metal）、流行金属（Pop-Metal）、和“头发金属”（Hair Metal）、速度金属（Speed Metal）、激流金属（Thrash）、死亡金属/黑金属（Death Metal/Black Metal）、Grindcore、前卫金属（Progressive Metal）、吉他大师（Guitar Virtuoso）等风格。

　　艺术摇滚/实验音乐（Art-Rock/Experimental）：主要包括艺术摇滚/前卫摇滚（Art Rock/Progressive Rock）、德国摇滚（Krant Rock）、爵士摇滚（Jazz- Rock）、实验摇滚（Experimental）、新前卫摇滚（Neo-Progressive）、噪声摇滚（Noise-Rock）等风格。

　　软摇滚（Soft-Rock）：主要包括流行曲（Pop）、软摇滚（Soft Rock）、当代成人音乐（Adult Contemporary）等风格。

　　朋克/新浪潮（Punk/New Wave）：主要包括原始朋克（Proto Punk）、无浪潮（No Wave）、朋克（Punk）、核心朋克（Hardcore Punk，又译作硬核）、新浪潮（New Wave）、后朋克（Post-Punk）、合成器流行曲（Synth Pop）、劲歌（Power Pop）、新浪漫主义（New Romantic）、Oi！等风格。

　　节奏布鲁斯/灵歌（R&B/Soul）：主要包括节奏布鲁斯（Rhythm and Blues，简称R&B）、Doo Wop、灵歌（Soul）、摩城音乐（Motown）、芳克（Funk）等风格。

　　非主流摇滚/独立唱片（Alternative/Indie-Rock）：主要包括非主流音乐乡村摇滚（Alternative Country-Rock）、非主流舞曲（Alternative Dance）、非主流金属（Alternative Metal）、非主流流行/摇滚（Alternative Pop/Rock）、英式摇滚（Brit-Pop）、Chamber Pop、Cocktail、Cowpunk、梦幻流行曲（Dream-Pop）、芳克金属（Funk Metal）、哥特摇滚（Goth-Rock）、脏摇 滚（Grunge）、独立唱片（Indie Rock）、工业噪声摇滚（Industrial）、工业噪声舞曲（Industrial Dance）、工业噪声金属（Industrial Metal）、Jangle-Pop、Jungle/Drum ’N Bass、低保真摇滚（Lo-Fi）、曼彻斯特摇滚（Madchester）、新迷幻乐（Neo-Psychedelia）、新西兰摇滚（New Zealand Rock）、Paisley Underground、后脏摇滚（Post-Grunge），后摇滚/实验音乐 （Post-Rock/Experimental）、Psychobilly、朋克复兴（Punk Revival）、流行 朋克（Punk-Pop）、说唱金属（Rap-Metal）、Riot Grrrl、Shoegazing、Ska-Metal、Ska-Punk、太空摇滚（Space Rock）、Third Wave Ska-Revival，城市民谣（Urban-Folk）等风格。

　　Hip Hop

　　B-BOY

　　其实B-Boy（Breaking Poping Locking）的开始早在1983年就已经有了。在那时候，我们称之为“霹雳舞”。但，这种于国外的文化，目前在国内还只能称作为一种“流行”无法融入真正的生活，所以迄今仍无法将之延续下去，而且当时信息有限，能真正了解此文化的人并不多，正因为如此，对于这种文无法完善地教授给下一代，所以到了1987年Breaking，就形成了一种没落的状态甚至沦为一种过时的流行话题。“霹雳舞”在国外理所当然是种文化，但，到了国内却没几年就变成了历史。

　　虽然Breaking停摆了一段时间，但是在八0年代末九0年初却出现了许多新的舞蹈团体（此时Old School已渐渐形成New School）。其实国内在这个阶段的舞蹈类型还没有分得很清楚，玩地板Breaking的人变少，而是以Locking、Poping为主，这时信息的来源是日本。在九0年代中的时候New SchooL兴旺，Old school也大有人在，但真正能持续下去的人并不多，在此时期存在的几乎都是老面孔。到了九0年代末期，“街舞”的风潮兴盛，才有再度引起了媒体的注意。

　　Graffiti

　　我们经常在黑人**中常看见车站地铁甚至火车厢外被画上一些奇形怪状的字，那就是喷画与涂鸦。这些色彩鲜明的图案，代表了画家对于自己的立场或是对社会的看法、现象等等。然而利用喷漆瓶并不简单吗，真正的喷画家是把喷漆瓶当作画笔，在原本不可能出现画作的墙上、地上等地方作画。出名的喷画家更可以跟服装结合，掀起服饰流行风气。依照风格、字体及色调的不同，世界各地的喷画家，各自设立自己的文化及天地，正符合了Hip Hop独一无二且无法模仿的精神。

　　DJ

　　DJ在Hip Hop领域里，无庸置疑占了极重要的角色。因为不管是B-Boy或者是MC，都需要DJ来辅助，否则等于是瞎子一样。

　　在美国1967年时，有位从牙买加金斯顿移民到美国纽约布朗士区的传人物，叫做Kool Herl，当时是他最早把两个唱盘（turntable）及混音器（mixer）摆在一起，及独创“刮唱片”（scratch）的动作。所以当时吸引了很多的人在街头欣赏他表演。然而他在一次的酒吧斗殴中不幸失去双手，被誉为“The founding Father of Hip Hop”的Herl不得不停止表演并退出了乐坛。随后，更多DJ纷纷成名，如：Afrika Bambaataa、Grand Master Flash等人，他们把自己的DJ想法及先进的技巧，融入音乐制作，产生了当时红遍街头巷尾的舞曲，如：Plant Rock、The Message……等。

　　所以DJ发展至今，已并非是纯粹做些mixing或scratch的技巧而已。在在这几年的趋势中，DJ已跨越到音乐制作领域，不少还亲自担纲制作人，如乐队Pete Rock & CL Smooth，Pete Rock即是该乐团的DJ兼制作人，乐队Gangstarr的DJ Premier也是如此。国内DJ的角色尚未被重视，是因为国内乐界认为DJ并无正规的音乐素养，所以做出的作品也是上不了台面的；但无论如何，DJ本身的想法及先进的技巧，是值得饿肚子也要继续的“信仰”。

　　在一般人的印象当中，常见“DJ”常常会把手放在唱盘（turntable）上的黑胶唱片（LP）来回刷动，另一只手在混音器（mixer）上的CROSS FADER（控制左右唱盘的声音）反复不停地切换。其实这种动作正确名称叫做“Scratch”。Scratch是一种在节奏中或一首歌曲里做类似唱歌般的组合，然后增加其变化性。然而不只是单单有“scratch”而已，还有一种用2张一样或是不一样的唱片，也是在一定的节奏上，去做变化，而这个技巧称为“Battle”。这两种技巧都是“Hip Hop DJ”比较常使用的方式，然而在“scratch”和“battle”里，没有一定的规范，每一位DJ都有自己的特色（free style）。其实，它们在国外已经风行20余年，自成为一种特殊的文化了，而且还有举办一些大大小小的比赛，其中就有极具公信力的比赛，叫做“DMC”。它源自于八0年代初，当时是由一群热爱音乐的DJ俱乐部（类似行会的组织）名叫“DMC”（DJ Mix Club）。一直到现在，DMC在世界各地（美、英、加、澳洲、日本、香港等等）几乎都有举办比赛。然后再由每个地区的冠军，一起比赛争取世界冠军（类似奥林匹克的比赛模式）。在比赛里每个DJ一直都把自己最好、最新的技巧，在比赛中展现在来。在DMC里也造就了不少知名的DJ，像“Mixmaster Mike”、“Q-Bear”和香港的“DJ Tommy”等等。目前在国内这种类型的DJ一直以来都是存在的，只是他们发展的空间太小了，参与的人相对也就越来越少了。所以不管是哪一种类型的DJ，没有一个群体的支持，他们是不可能发展下去，最后形成一种新文化的。

　　MC

　　MC就是最能带动气氛的那个人，但这不一定是黑人。“MC”的原义Micphone Controller，也就是“控制麦克风”的人。所以有许多的人饶舌歌手都会给自己的艺名前面加个“MC”什么什么的，比如前几年很出名的MC Hammer。经过多年的传承，现在的MC需要具备多方面的能力，比如要能带动气氛，能主持、能RAP、能即兴饶舌（free style）。他不只是表演者，也兼俱了Hip Hop文化的讯息传达者的功能，所以从他的表演内容和形式尚可分不同域及派别的表演型态，例如东岸、西岸、非主流等。当然，一个具有鲜明个人色彩的MC，更能进一步的带动口头禅、音乐以及服装的流行，这点也可以由那么多的黑人歌手代言服饰品牌窥见一二。在国内，当MC是很不容易的，因为国内尚没有那么多的制作人水持这种表演类型，顶多在PARTY上看见表演会觉得新鲜，但是以目前情歌满天飞的情形看来，要发动Rap的市场比较难。从R&B着手会容易得多。但是目前能在自己的作品中加入一些旋律及唱功的MC，在国内少之又少。其实，大部份的MC还是希望大家能以“玩”的角度出发，才是黑人音乐真正的元素。唯有充满喜感、快乐。才能在目前“情歌至上”的音乐市场中，求得发挥的空间。

　　乡村音乐

　　早期乡村乐（Early Country）

　　早期商业作的乡村音乐是与美国南部18、19世纪大不列颠移民带来的传统民歌谣一脉相承的。但早期乡村乐并不坚持口头叙事的传统，而是经常用小提琴这种乐器奏出旋律，代替人声的作用。乡村音乐家John Carson把这两种传统结合了起来，在1923年他的"78"这首歌中既演唱又演奏，被认为是早期乡村乐的第一首畅销单曲。

　　这一时期最负盛名的组合无疑是The Carter Family（卡特家族）----他们对乡村音乐发展的重要性怎么描述都不为过。他们是南部民谣传统的坚守者。他们被认为是"乡村第一家"（The First Family of Country Music），他们的那首歌《Will the Circle Be Unbroken》就象"野花"《Wildwood Flower》一样是乡村音乐的典范，并第一次把Maybelle Carter的极富感染力的吉他风格介绍给人们。The Stoneman of Galax，Virginia也是早期乡村乐的先驱者。

　　Jimmie Rodgers，"乡村音乐之父"。他把大众对乡村音乐的接受度提高到一个新的水平，并且是流行音乐史上最具影响力的歌手之一。他那独一无二的嗓音和为潦倒者写的歌词给它带来了全国性的知名度。由此，他为乡村乐打下了一个崭新的牢固的基础。他在那短暂的录音生涯（1927-33年）的原创，他的歌唱和写曲风格，即使是现在也并未过时。

　　牛仔音乐（Cowboy）

　　牛仔音乐来源于美国人对大西部的迷醉，这还体现在好莱坞的**里。乡下人现在变

　　成了打扮漂亮、精神抖擞的牛仔男孩和牛仔女郎，唱着来自乡间的浪漫歌曲。展示着孤独

　　大草原中的浪漫景象。西部片中总会拍一个自由的牛仔在一天的辛劳后围着篝火旁唱歌，追逐着长途汽车的情景