[作文]我喜欢的西方浪漫派音乐家（300字即可）

这是有关西方浪漫派音乐家的一些资料，等你写作文时看看吧，兴许对你有帮助

十八世纪末19世纪初，西方历史上的一个重要的转折时期。受到社会变革的影响，人们不断增长的失望悲观情绪需要一种宣泄的途径和方法，在艺术上就表现为对主观感情的崇尚，对自然的热爱，以及对未来的幻想。首先是德国和奥地利的文学家高举反古典主义的旗帜，打出“浪漫主义”的旗号。在文学思潮的影响下，音乐上也开始出现了浪漫主义风格。在韦伯和舒伯特之后，浪漫主义音乐开始了中期的发展。其中特别是门德尔松和舒曼，肖邦这三位代表人物，在歌剧、艺术歌曲、钢琴小品甚至演奏特色上，都形成了严谨、抒情的浪漫抒情音乐学派的传统。丰富了浪漫主义音乐的成果，为浪漫主义音乐做出了极大的贡献。

felix Mendelssohn bartholdy（1809-1847）

德国作曲家，钢琴家门德尔松就像他的名字“费利克斯”felix Mendelssohn bartholdy(felix 意思是“幸运”)一样，是音乐史上的幸运儿。他的一生虽然短暂，却不曾受到过任何经济方面的困扰。他的顺利成长，得益于一个经济、精神、文化、音乐都十分丰富的家庭。幼年的门德尔松熟悉了音乐，绘画和语言学，但是最具天赋的方面还是音乐。他20岁时，开始游历国内外重要的文化名城，为其创作提供了素材，许多作品都是从旅行中得到的印象为基础写的。门德尔松的作品圆润流畅，轻松自如，如歌的旋律、幻想的形象、光彩的谐谑，都显露出他非凡的浪漫主义音乐色彩。门德尔松的钢琴曲技巧娴熟，风格自然，没有太多的强烈和炫耀。最受世人喜爱的作品是他所开创的被称为《无词歌》的48首钢琴小曲。其中不乏浪漫派特性曲的精彩之笔，有《纺纱歌》、《摇篮曲》等，其中最著名的一首是《春之歌》！堪称原生态音乐的经典之作，乐曲的伴奏部分从头至尾贯穿着竖琴式清脆的琶音音形，旋律动人，表现了人们在风和日丽的春天情不自禁歌唱的心情。门德尔松还开创了与歌剧无关的音乐会序曲。与古典时期不同的是，他创作的序曲不依附于歌剧或戏剧，独立成章，单独在音乐会的舞台上演出，采用奏鸣式的纯音乐形式，又注入了浪漫主义的风格。他的序曲《仲夏夜之梦》等都描绘了大自然的客观形象，体现了人在大自然中的主观感受，并为浪漫主义的音乐会序曲的形式树立了榜样。而他后期最成熟的器乐代表作《e小调小提琴协奏曲》更是被誉为世界上最伟大的小提琴协奏曲之一。这首无标题的音乐作品，细腻柔美，光彩照人。在大的布局上遵循了莫扎特器乐协奏曲的原则写作，但是去掉了引子，选用众人回避的e小调调性，速度的反常使用，谐谑曲个性化的处理等，表现了作曲家的机敏才智和浪漫主义的超然情趣。1843年，他又积极参与筹建了德国第一所音乐学院：莱比锡音乐学院。门德尔松用他个人的奉献，为西方浪漫主义音乐发展打下了早期的基础。

RSchumann(1810-1856)

德国作曲家、钢琴家、音乐评论家罗伯特·舒曼是19世纪上半叶西方浪漫主义音乐史上的先锋人物，他的一生代表了时代进步的倾向，给西方近代音乐以强烈的影响。舒曼出生于一个进步书商的家庭，自幼爱好文学这对他的音乐评论和音乐创作都起到了相当重要的作用。7岁开始学习钢琴，也尝试着写作乐曲。父亲的早逝，迫使他遵从母亲的愿望中断学习音乐攻读法律。20岁时放弃了法律的学习，说服了母亲，回到莱比锡立志献身音乐。他干脆住在维克老师家里，练习钢琴演奏，可是过度的勤奋练习使得他手指受伤，将梦想转入作曲。30岁时不顾老师的激励反对，娶了老师的小女儿女钢琴家卡拉拉。此后开始了创作的繁荣时期，从主要创作钢琴曲等小型作品转向了声乐曲，大型管弦乐曲、室内乐和戏剧音乐的创作。作品有《桃金娘》、《核桃树》、《诗人之恋》、《C大调第二交响曲》、《日诺维瓦》等。但是，后来由于遭受母亲、哥哥、嫂子、朋友的相继去世等一系列打击，舒曼脆弱的神经日益衰退。1854年因精神病入院治疗，于1856年7月29日告别人间，年仅46岁。舒曼堪称第一流的音乐诗人，每首作品都充满了诗意的环境，他喜欢在文学中汲取主题和形象，极力把音乐和文学相接近。他以诗人的灵感把握音乐的意境，以诗意的想象勾画人的情感。他细腻敏感的心总处于感情的漩涡中，并在波浪起伏中日渐衰弱，他只有在自己构建的世界里才能获得永恒。他没有压倒一切的力量，却有着丰富多彩的艺术手法。舒曼的音乐是一个人文知识分子内心世界的纯粹表露。对舒曼来说，音乐是灵魂的完美表现。从自觉的程度上说，舒曼比其他音乐家更意识到自己是一个浪漫主义者。无论是艺术评论还是音乐创作，都使他成为浪漫主义浪潮中的核心人物。

Fchopin(1810-1849)

波兰音乐家佛里德里克·肖邦生于华沙近郊，他的父亲尼古拉斯是法籍移民，喜爱音乐，母亲加斯蒂娜是波兰人，虽然是伯爵夫人的侍女，但受到过良好的教育，会弹钢琴。在良好的环境中长大的肖邦深爱着自己的祖国，无论生活在哪里，他都眷恋着波兰。他继承了母亲的敏感和富于想象力。7岁时，他优良的音乐素质使得父母为他找了一位钢琴教师——61岁的内尼。在5年时间里，他循序渐进教给肖邦巴赫、莫扎特的作品，为肖邦打下了坚实的音乐基础。年幼的他开始公开演奏和作曲，并告诉父亲：“通过音符，我更容易表达自己的感觉”。16岁的肖邦经过波折按照自己的意愿进入了华沙音乐学院作曲班就读，从师于华沙音乐学院院长、德国音乐家爱尔斯纳接受全面正规的音乐教育。1830年为了在音乐上有更大的建树，肖邦在家人的建议下出国深造。11月2日，肖邦携带了一抔祖国的泥土，离开华沙，从此再也没有回到祖国的怀抱。当他在路途中得知起义失败华沙陷落时，他陷入了极大的精神痛苦和悲愤之中，甚至想返回波兰参加战斗，后被友人拦住。但是这些都使他精神受到了强烈的刺激，并在创作中留下了——悲剧性、戏剧性和矛盾冲突力量，作品从情感深度到形式技法都发生了转折。在1833年和李斯特合作举行音乐会后，他集中时间进行创作，写下了大量流芳百世的作品，涉及到钢琴音乐的各种体裁：练习曲、前奏曲、马祖卡舞曲、波洛奈兹舞曲、夜曲、圆舞曲等等等等。其中《马祖卡》和《波洛奈兹》，具有浓厚的波兰乡土气息，民族精神体现得最为强烈。马祖卡体裁直接来源于波兰传统的边唱边跳豪放热情的乡村舞曲。后者最早为贵族生活中隆重的仪式队列舞，后移植到钢琴音乐中。肖邦的夜曲最富于优美的旋律和浪漫的情感，抒情又个性化。其夜曲早期深受爱尔兰音乐家菲尔德的影响，后期无论在形式还是内容上，都使之发展到一个前所未有的地步，主题严肃悲哀能容纳深刻的社会内容，音乐发展富于戏剧性和歌唱性。他的《葬礼进行曲》、《革命练习曲》情感严峻，气势磅礴，主题肃穆。肖邦将很多音乐体裁上进行了创新，使之成为独立的钢琴特性曲，并赋予了它浪漫主义的气质。在钢琴演奏上，他更是一位杰出代表。他受到帕格尼尼的影响，把钢琴技巧不断提高到新的境界。他精致的装饰音、轻盈的过渡句、自由速度等，都使钢琴艺术有了诗意。他技术娴熟，而且从不炫耀，却懂得如何更好得让技术去服务音乐。无论是乐曲创作，还是演奏技巧，肖邦都是西方音乐史上一位奇才，贡献卓著。

门德尔松对传统作曲的布局形式、乐器个性色彩的开发利用都有自己独特的见解和改革。并且利用自己在音乐届的声望，以及良好家庭环境的基础，不仅为浪漫主义音乐做出了承上启下的作业，还宣传新人，为音乐教育事业做出了巨大的贡献。舒曼不仅追求歌曲诗歌般的意境，而更侧重于情感和心理状态的表现。而且作为音乐评论家，他对音乐作品的社会功能提出了更高的要求。肖邦的艺术成就更在于他在钢琴体裁上的创新，以及钢琴技巧的提升，他的爱国情怀更是在后人心中留下了深深的印记。

浪漫主义音乐时期是欧洲音乐发展史上成果最为丰富的时期，它极大丰富和发展了古典主义音乐的优良传统，并有大胆的创新，这一时期的许多音乐珍品至今仍深受人们的喜爱和欢迎。我喜欢浪漫主义音乐，因为他们重视个人主观情感的抒发。作者的创作灵感，来自他们的情感世界，当然，他们不拘泥于传统形式，不等于完全不注意形式。他们抒发的情感也不都局限于个人生活的狭小天地，都有与他们的音乐内容相适应的完美的形式。而他们的音乐内容，也远远超出了个人的范围，具有广泛社会性、普遍性的道德伦理的意义。西方浪漫主义音乐以它特有的强烈、自由、奔放的风格与古典主义音乐的严谨、典雅、端庄的风格形成了强烈的对比。

楼上误解！莫扎特无论如何不能算浪漫主义！

浪漫主义音乐

初期的浪漫主义音乐与其它姊妹艺术一样，也是发自欧洲“启蒙时代”的思想和法国大革命的自由民主思想，它比文学中的浪漫主义要晚数十年。贝多芬的晚期作品已成为初期的浪漫主义的先驱，其后的作曲家们皆可归为浪漫派。从时代上讲，十九世纪中叶是浪漫主义音乐的全盛时期。

在古典派作曲家贝多芬、罗西尼和韦伯的晚期作品中，已经明显流露出浪漫主义音乐的风格，正是他们开创了浪漫派的先河。1800年前后出生的作曲家们，形成了初期浪漫主义的中心。后来，浪漫主义音乐经过门德尔松、舒曼、肖邦和威尔第等人的进一步完善，在柴科夫斯基、李斯特和瓦格纳的时代达到了巅峰，这些作曲家、钢琴家构成了中期浪漫主义的中心。至于马勒、理查德•施特劳斯和拉赫玛尼诺夫等近代名家的作品，则归于晚期浪漫主义音乐。

浪漫乐派在音乐史上的地位不言而喻，这一时期不但盛产伟大的音乐家，而且音乐体裁空前广泛，出现了诸如无词歌、夜曲、艺术歌曲、叙事曲、交响诗等新颖、别致的形式，是人类艺术史上的一大“宝库”。

关于古典主义与浪漫主义音乐风格的比较

海顿,莫扎特,贝多芬,古典主义三杰,维也纳古典主义最杰出的代表人物,从十八世纪中叶开始,以他们为代表的古典主义音乐开始盛行随着工业革命和科学技术的发展及法国大革命的冲击，欧洲的社会发生了深刻变革。艺术已不再仅仅是贵族所欣赏的高雅艺术，新崛起的中产阶级也成了剧场和音乐厅的观众。因此，来自民间的喜歌剧和平易生动的器乐音乐大量涌现

这个时期被历史学家和美术学家推崇为“古典”，在音乐领域，古典的风格表现在艺术上崇尚理性，音乐语言朴素精练，以严谨和谐的形式表达淳朴真挚的感情。这一时期堪称欧洲音乐史上辉煌成就。同时也影响着世界各国音乐的发展。

而18世纪末、19世纪初的欧洲资产阶级民族和民主革命时期，以奥地利作曲家舒伯特的艺术歌曲和德国作曲家威伯的歌剧为标志开始形成浪漫主义形式，一直延续到19世纪20年代。

而以萧邦、舒曼、李斯特、瓦格纳、柴科夫斯基等为代表的浪漫主义音乐强调主观性，注重个人情感表达，偏重个性化的心理的刻画，感情热烈而奔放，形式上不受拘泥，各民族音乐家的作品充满了鲜明的民族风格。

古典主义和浪漫主义的时空的界限并不明显，他们曾经共存过一段时间。而想要找到一个可以明确划分两者的定义也不是很容易的，这些定义常常因为过于简单化而忽视了很多非常重要的因素。事实上古典主义像线条一样棱角鲜明，而浪漫主义却偏重于色彩和情感，并含有许多主观和空想的元素。这是音乐给我们的直观感受。

而我想，两种音乐间的区别更多的体现在非音乐的元素上。到浪漫主义时期，作曲家在社会上的地位已有改变，他们不再是一个城市，宫廷或教堂的雇员，古典主义时期的贝多芬也只是赢得了某种程度上的独立，因为不管那些富人们多么慷慨的让他自行其是，他的大多数收入仍维系于贵族的庇护。而现在，理论上讲作曲家完全是自己的主人，实际上也就是大众的仆人，所以他们可以毫无顾及的做出大众想听到的音乐。

古典主义像木刻一样，理智，清晰，充满了逻辑思维的感觉，而浪漫主义的音乐就像水彩和五颜六色的油画一样，充满了人的各种感情，喜欢古典主义的恢弘和大气，更喜欢浪漫主义的细腻与贴心。听莫扎特的《女人心》感受“笑声与眼泪的结合”，也喜欢听舒波特的《小夜曲》，那种精致和小巧让人惊叹不已。我喜欢音乐，喜欢各种类型的音乐，他们让我感受到生活中感受不到的激情和感动，音乐让我充实，让我学着感动，音乐是有情感的，他让人哭泣，让人欢笑，让渐渐走向非我的人重新走向自我。无论是古典主义，还是浪漫主义都无法脱离的基础。

《女钢琴师的心灵之旅》

作者：[法]埃莱娜•格里莫(Hélène Grimaud)

作者简介

国际著名钢琴家。1969年生于法国普罗旺斯的埃克斯，13岁被著名的法国音乐学院录取，16岁获得雅克鲁维耶古典音乐比赛首奖，童年出版了第一张个人唱片，18岁在巴黎举办了她的第一次钢琴独奏音乐会，获得巨大成功而享誉国际，也以她的美貌给人以无限轻灵飘逸之感。

埃莱娜丰富的生活阅历和独特的天赋，使她充满了想象与灵感，成为创作的源泉。本书是继《野变奏》之后的第二部自传。

简介

埃莱娜•格里莫天生叛逆，为了发泄过剩精力才开始弹钢琴，却意外发现自己的天分，成为国际知名的钢琴家；一个偶然的机会，她在野外与一头母狼邂逅，狼竟然罕见地躺下与她亲近，从此开始了她与狼的故事……埃莱娜•格里莫，这位年轻美貌的国际天才钢琴家与狼的卫士既充满魅力，又奇特怪异；人们对她近乎迷恋。她的写作技巧和她的钢琴技巧一样出色，在这本优美的自传里，她畅谈音乐和生活，以及心灵之旅……

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法国钢琴美女“与狼共舞”

原载于2006年11月5日《纽约时报》，作者JAMES R OESTREICH，李文编译

埃莱娜·格里莫(Hélène Grimaud)，这位法国女钢琴家，1969年生于普罗旺斯地区的埃克斯。早年在埃克斯音乐学院和马赛音乐学院分别师从雅克琳·库尔坦和皮埃尔·巴比泽学琴。13岁被著名的法国音乐学院录取，师从雅克·鲁维耶。16岁获得雅克·鲁维耶古典音乐比赛首奖，同年出版了第一张个人唱片，曲目是拉赫玛尼诺夫的第二钢琴协奏曲及钢琴独奏曲。18岁在巴黎举办了她的第一次钢琴独奏音乐会，获得巨大成功而从此享誉国际。2002年成为德国DG公司签约音乐家。出版过拉赫玛尼诺夫的《第二钢琴奏鸣曲》和贝多芬的《暴风雨奏鸣曲》，其中拉赫玛尼诺夫的《第二钢琴奏鸣曲》还荣获“唱片协会”大奖。这对年轻的埃莱娜来说，是一种难得的荣誉。她现居住在美国。

埃莱娜·格里莫天生叛逆，为了发泄过剩精力才开始弹钢琴，却意外发现自己的天分，成为国际知名的钢琴家。一个偶然的机会，她在野外与一头母狼邂逅，狼竟然罕见地躺下与她亲近，从此开始了她与狼的故事，还在纽约创办了一个“野狼保护中心”，保护红狼、墨西哥狼等野生狼物种，并向公众开放，普及教育。狼成为埃莱娜的图腾，它代表着埃莱娜自由、不拘一格，又充满坚毅的性格。

她美得令人迷惑。她既是钢琴天才，又与野狼有着说不完的故事。她最喜欢弹奏勃拉姆斯的音乐，演奏中的她冷峻、悲怆；与野狼在一起时的她却又温柔、天真。她的文字感性、随性，继第一本自传《野变奏》之后，她今年又出版了一本记录心灵旅行的散记《女钢琴师的心灵之旅》。这就是法国女钢琴家埃莱娜·格里莫的传奇。

“音乐改变了我的信仰，母狼解放了我的野性”

1991年，埃莱娜·格里莫住在佛罗里达塔拉哈西的时候，一天深夜她带着朋友的狗出去散步却因此改变了自己的生活。她看到一个孤独的动物身影慢慢靠近，它的行进方式是自己从没见过的紧张和诡秘。她牵着的狗受到惊吓，逃进灌木丛中。这是她第一次遭遇狼，一匹母狼。格里莫在自己的第一本传记《野变奏》里写道：“它走到我左手边，嗅了嗅我的手。我只是伸出手指，它就把脑袋和肩膀整个藏在我手掌下。我觉得自己像是被什么东西擦出了火花，而且迅速传遍全身。它一下子让我充满了温柔。内心传来神秘的歌声，像是一种未知的野性的力量。”“我爱上了这只母狼。”她后来写道。

格里莫认为狼被当作邪恶的化身已经不下好几百年。但她不这么看。在她看来狼维持着物种的平衡，是种奇异、迷人的动物，而且可以教会人类很多东西。她觉得自己有责任改变人们对狼的误解。

1999年，她与摄影师亨利·费尔在南塞伦一起开办了野狼保护中心。这片29英亩大的地方，现在成为17匹野狼的家。其中有4匹狼，作为“形象大使”，向公众开放参观。其他13匹则与人类隔离，以便于它们最终能重返自然。“刚开放的头两年，我们一年有500名游客，现在每年有20000人前来参观。”

她的野狼保护工作在古典音乐界引起了一些非议。有人觉得她“活在她自己对野狼的想象里。”她在野狼保护上花费的时间也影响了她在钢琴事业上的精进。她自己也承认，最近三年她才真正将精力集中在音乐上，之前野狼保护中心花费了她太多时间和精力。现在的她继续在世界各地做巡回演出，与世界顶级的交响乐团以及音乐家合作。不过，2005年末，她受到新的挫折，她患上肺炎，并且导致慢性的疲劳综合症，甚至影响到了心脏。她的第一本自传《野变奏》首先在法国出版，很快成为畅销书，内容由五花八门的篇章组成。格里莫视自己是家庭、音乐世界乃至社会的一个孤独的局外人，内心充满挣扎。比如在考虑在什么地方建立野狼保护中心时，她写道：“最好是在别处，我一直希望是在别处。”

古典音乐与野狼在她的生命中究竟扮演着怎样的角色？在格里莫看来，两者都拯救了她。“音乐改变了我的信仰，”她写道：“它拯救了我。”当提及她第一次遇到的母狼，她也表示：“它也拯救了我。”创办野狼保护中心的目的，在她看来，将她从把钢琴当成工具的桎梏中解放出来，“我变得有野性了。”

格里莫1969年出生在法国普罗旺斯。6岁开始弹钢琴便表现出惊人天赋。13岁进巴黎音乐学院，成为当时年龄最小的学生。从童年开始的另一个爱好是养小动物。在钢琴填满自己的生活之前，她甚至梦想着当兽医，住在动物园里，后来又想当生物学家。“我曾经对灵长类感兴趣。”与母狼阿拉瓦的相遇，让她卷入了野狼的世界。她开始研究动物行为学，旁听大学的课程，参加会议并且造访动物专家。

此外，她精通法语、俄语、英语，对法国、俄罗斯、美国的文学、历史、哲学都有广泛的涉猎。她对音乐的热情从来都没有消退，每天都以巴赫开始一天的生活。不过，这并不妨碍她沉浸在浪漫主义的文学当中。

她也喜欢肖邦的音乐，称他是“我的作曲家”。她欣赏肖邦解放了钢琴家的左手，“创造了灵巧的音乐。”不过最贴近她的心灵的，是勃拉姆斯。她早期灌录的音乐大都是演奏勃拉姆斯这种不算年青的、非法国的、没有一点女性气息的作曲家作品，与她表面留给人的印象非常两样。“我喜欢他激烈的乐章，”她在《野变奏》中写道：“他的痛苦与阴暗，充满情绪的悲痛，以及在与世界关系中所体味出的绝望。”勃拉姆斯激烈而令人望而却步的《第一协奏曲》是她最喜欢的作品。她说自己在演奏以后几个小时，心情都很难从悲怆中恢复过来，“勃拉姆斯把悲痛表达得太完美，那种痛苦足以让你窒息”。曾经跟格里莫共事过的萨龙恩先生表示：“她一半是理智，一半是激情，是位罕见的人物。她演出前总有条理清晰的观念、计划，但在音乐会上往往自然而然地让音乐流淌出来。”

“若爱不能分享，愿我是用情至深的那个”

成功的人物不是蒙受了上帝的额外眷顾就是上世修行的福缘。埃莱娜·格里莫就是这样一个幸运的人，再没有人能比她更游刃有余地存在着，和谐的婚姻，在自己熟悉的钢琴界享誉日隆的地位，最难能可贵的是，还有一批野性未泯的狼群等着她和肖邦、拉赫玛尼诺夫交流之后去和它们一起嬉戏。

然而是不是也鲜有人这样，在拥有了凡夫俗子所艳羡的一切时来一次远眸回望。音乐成了生活的基调后，别的那些个所爱又将置身何地？音乐、孤独、爱还有那些狼群……从哪一刻开始背叛了誓言？最重要的是这个誓言是什么？这些互为包容又交错矛盾的问题缠身后，出走就成了主人公的心头重事，而这次貌似破釜沉舟的旅行就成了一次找寻上天堂的钥匙。

注定这是一次和心灵的博弈，程序式的生活既然再也给不了埃莱娜灵感和自由，一场自我放逐的旅行能带来新的呼吸吗？和美好的寓言一样，故事的开始就是结局，农夫的财宝梦开始于花果树下也终结于此，梦开始于斯结束于斯，唯一需要放逐的是疲惫的心灵，最好的良药莫过于抬头深呼吸。

展开每一段心灵的皱褶，任何人的生活都会比卢梭的《忏悔录》来得精彩，更遑论这位蜚声国际的女钢琴家。《女钢琴师的心灵之旅》是一本人物的心灵札记，各种人物的层叠和呼应都像在古早的森林里进行了一次次SPA，不管是出发伊始遇到的奥德蕾，还是那位不知姓名的教授，咖啡馆的陌生人……不是蒙受神的感召就是长了隐形的翅膀，每一段驿站里的人都像是拥有天使的梦幻色彩，若即若离，该出现的时候跃然在眼前。书巧妙地以感召的人物分为不同的章节。作为精神导师出现的教授，像一个背着礼物的圣诞老人，在引导埃莱娜做了对自由的反思、对音乐的理解之后就完成使命悄然而退。还有那个美貌和出现都颇具仙气的贝阿特里丝，她的出现更像但丁笔下的贝阿特里彩，让人对美好产生遐想联翩，而在书里她也是为了寻求无邪的境地来到这个靠近天空的地方。这与埃莱娜在音乐方面的完美境界不谋而合。

狼的出现始终更像一个隐喻，和音乐一样，她在纽约创办的“野狼保护中心”始终占据她心中重要的位置。狼几乎是她的叛逆性格的一个替身，命运有理可循。埃莱娜天生叛逆的性格自从在追求艺术的途中被抛掷出去后，再没了张弛的快乐，带着新鲜、野性、眷顾，狼让她的空间变得充满张力又活力四射，某种意义上倒成了埃莱娜的原神或吉祥物。

以作者在音乐上的声望，中国的李云迪或者郎朗或许可以和埃莱娜相提并论，但中国的艺术家们习惯了在觥筹交错的场合找寻灵感，而对于转向音乐的起源地、高原、田野显然没有兴趣。显然是路不同不相与谋，借了书中搭顺风车的教授的话，“我们是自己的命运唱出的乐曲。”

书中扉页上引用的威斯坦·休·奥登的话，“若爱不能分享，愿我是用情至深的那个”，从某种意义上，这是埃莱娜和读者已经融为一体了。

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书评1：空灵长假，灵魂探幽

埃莱娜•格里莫，曾和母狼阿拉瓦邂逅，16岁灌录自己首张的钢琴唱片，18岁举办第一次钢琴独奏音乐会，曾在全世界发行的自传《野变奏》中展露优美流畅的文字、以及细腻的思想。如今，她依然在照料一整片野生动物保护区，让野狼做真正的野狼。

这是第二本她的自传，但不是世人通常看到的那种由丰功伟绩、琐事、信件和年月日堆积起来的自传，而是纯然心灵的的历程，追问艺术和生命本质。因由这样的核心，才会有由邂逅所组成的故事，缀以众多寓言般的小故事，并用一根富有使命感的主脉贯穿首尾。这一切属于她，又决然是可以属于每一个人的。

“每一次邂逅都是必定会赢的一注色子”。女钢琴家在繁忙的演出和录音进程中疲惫不堪，偷闲放空，在非洲、欧洲或是美洲森林这三项选择里踟躇。快餐店女侍者的小故事帮她下了决心去欧洲。紧接着，在意大利乡间偶遇酷似尊师的文学教授。教授留给她的问题是，如果说您已经出色地演奏了音乐，“那您有没有更好地体验它呢？”第二天，她收到教授留下的小包裹。延续着前一天邂逅时的话题，并请她收下一只精巧的音乐盒，或者也可以转送给一个叫汉斯的德国人。至此，原本空无目的的假期不仅有了主题，还被指定了路线。

一路上，她在阿西西修道院花园里邂逅了贝阿特里丝，她照顾修道院的花园，也被花园照顾，她问道，“为什么人们再也创造不出新的乐器？”又在咖啡馆里遇到悲观的青年，质疑在痛苦和失去中还有什么自由和爱存在？再聆听了瑞士小城里的收藏家讲述音乐盒的前尘往事，老者不介意有一场世界末日，激愤地谈到各种各样的、进行时态的灭绝……这些交流暴露出不幸福的人类所特有的正反面智慧，她聆听、理解、与之辩驳的过程，正是自我探寻答案的途径。

就像迷茫者追寻神曲的暗示在命运的岔口寻觅生机，珍重每一个陌生的贵人的指点。最后她见到了汉斯，那是因车祸而失明个盲人钢琴家，“我意识到早在车祸之前我就已经失明了，我急切地想自我满足，除了工作、赞美、追求绝对的完美，近乎自我陶醉外，什么也看不见。”难道这不是女钢琴家此时的处境吗？灯光亮起来时，她发现盲人音乐家汉斯像极了一个兄弟。这是自教授后第二次“酷似”，幽灵般神秘的气氛弥漫着，在巧合、或者说文字精心设计的邂逅中迷离着，逐步趋向冷静。

长年沉浸在古典音乐富有格律和生命力的诗意中，令埃莱娜的笔触也带有恍如隔世的经典质地，如她所写，“艺术家同意将自我分解为艺术”，文字和音乐只是艺术的一部分，而艺术则与天地自然永不隔绝。在她的生命中，狼和音乐是最重要的元素，但仅仅作为音乐的媒介、或是狼厚待的对象是不够的。繁忙的日程也会造成一个人的空虚，哪怕是天才。甚至可以说，这是当代艺术家忙于创新之后最容易忽略的事实，远离了本质，附庸了技艺。经历了心灵之旅的埃莱娜带着特有的野性和自信说道：“我与钢琴生出共同的肉体，我们，钢琴与我，一同变成神兽，某种全新的人马，某种吉祥的永恒的天蝎。”体验音乐，自己就该成为音乐生命的延续。这就是她要的答案。

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书评2：拂尘之音

“我已经太长时间没有尝过漂亮出逃的滋味了。”

我想，每个人都曾有心灵尘染的迷失时刻。带着晦涩的忧愁，我们渴望挤破时间的气泡，从常规中挣脱出来，扑向一场华丽的冒险。

《女钢琴师的心灵之旅》便是一本关于出逃与回归的心灵札记。

这是法国著名钢琴家埃莱娜•格里莫(Hélène Grimaud)继《野变奏》后出版的第二本自传。在这本小传中，信笺、日记等传统要素已消隐，埃莱娜以素净的文字记述了她与几位陌生人的神秘邂逅，随性的对谈缀以精致的寓言，轻盈却不乏哲味。旅行的意义在如谜的交流中渐渐铺展，正如作者所言：“我相信我的旅程和相遇中必然藏着答案。”

一直以来，音乐与野狼都是埃莱娜最重要的生命符码。

埃莱娜6岁开始习琴只为发泄过剩精力，但却表现出惊人的天赋。她曾先后师从雅克琳•库尔坦、皮埃尔•巴比泽等多位钢琴名家，13岁成为巴黎音乐学院年龄最小的学生，16岁夺得雅克•鲁维耶古典音乐比赛首奖。18岁首次钢琴独奏会让她一举成名，从此享誉世界，由其演奏的拉赫玛尼诺夫《第二钢琴奏鸣曲》还曾荣获“唱片协会”大奖。

除却骄人的音乐履历，埃莱娜的生命轨迹还烙下“与狼共舞”的传奇标签。一次偶然机会，她与母狼阿拉瓦邂逅，却意外得到母狼的信任和亲近。“我想还狼群以它们本质的精髓，让它们重返天性——自由。”1999年，她与摄影师亨利•费尔一起创办“野狼保护中心”，保护红狼、墨西哥狼等野生狼种，并向公众普及教育。“我很怀念过去的时光，那时动物是神圣的而且会说话，人还没有忘记他永远不过是个生物，要想做得更好，就要试着去理解。”这是埃莱娜对原始野性朴素却真诚的敬畏。

汹涌的声誉附带着程式化的节奏，“我的日程表掌握在经纪人、唱片公司和新闻专员手中”，特立独行的埃莱娜无法忍受这种生活，“灵魂总是不能和躯体合拍：有时它落在后面，挂在回忆的裙裾上；有时冲在前面，忙于计划，忙于对未来的可怕的设想，沉重的算计让它窒息。”为了呼吸，她出逃去旅行，等待被开启。“展现在我面前的欧洲像是孩子们玩造房子的游戏时在地上画的方格。机遇已经扔出了他的圆饼，我单脚跳在弗朗兹•李斯特留下的足迹上，双脚落在舒曼的印迹上。”

搭顺风车的陌生教授、咖啡馆内痛苦的年轻人、阿西西修道院的贝阿特里丝……他们一个接一个走进埃莱娜的世界，睿智的交流渐渐拨散心灵的迷雾。

我最爱这段对答：

“您找到天堂的钥匙了吗？”

“我们都拥有它：它就产生于两个人邂逅的一刹那，在彼此同样的、慷慨的冲动中。”

邂逅的瞬间在埃莱娜的笔下散发出爱的气息，“我希望找回孩子的无邪，这种无邪不懂得死亡，更偏爱瞬间以及它的完整——时间的音乐，也就是寂静。”每次邂逅都是一个举重若轻的瞬间，既有爱之能量的热烈释放，又不乏沉静之美，让人感慨：“重要的是我们曾经相遇过，它创造了瞬间，创造了我们刚刚提及的珍贵时光。”

瞬间累积，爱意沉淀，正如书中所言——“爱是不断回忆的遗忘；遗忘是一种本该永恒的记忆，它留下了一条印迹——甜美又短暂的回忆，时常穿越我们的心灵，让我们沉浸在完满和喜悦的情绪中。”

旅途的终点，埃莱娜见到了盲人音乐家汉斯，“我意识到早在车祸之前我就已经失明了，我急切地想自我满足，除了工作，赞美，追求绝对的完美，近乎自我陶醉外，什么也看不见。我总是在做加速度的运动，这项运动没有带领我前进一步，却夺走了一切，包括自我。”

汉斯的坦述让埃莱娜变得坚韧，并揭开了艺术与生命的本质：“音乐的真实——甚至是生命的真实——不是模拟幸福，而是启发式地将生活的悲剧层层揭开。欢乐、幸福都只是与生活和痛苦妥协的结果，这是死亡奏出的不和谐音符。”

世间万物皆有裂缝，因此光才可以透进。

最后这场对话在黑暗中进行，开启了女钢琴师回归的心路，“只有沉默才足以表达对故事深意的敬意。就像音乐中，一部奏鸣曲的最后几个音符之后的寂静一样。”

这是一位失明者奏起的光之和弦，拂去我们每个人心上的尘埃。深夜，扉页上维斯坦•休•奥登的话又次闪光——“若爱不能分享，愿我是用情至深的那个。”

古典音乐介绍

在欧洲艺术史上有两个重要的时期，特别加以古典主义和浪漫主义。前一个时期包括十八世纪最后的二十多年和十九世纪的前几十年；另一个时期在法国大革命引起的社会和政治变动的影响下，于十九世纪的第二个二十五年中形成。当时的浪漫主义真可为无孔不入，在文学界，建筑界，艺术界等各个领域中都涌现了一大批杰出的浪漫主义者。我这档节目不想从文学、建筑等领域来探索浪漫主义，只想对浪漫主义音乐做一个简单的阐述。好了！言归正传，谈起浪漫主义音乐这是一个非常大的音乐范畴，用三言二语是不可能讲清楚的，因此我将用数周的时间，来详细地介绍浪漫主义音乐。提起音乐，我们就会联想到乐器之王——钢琴。在浪漫主义时期，随着工业革命的进行，钢琴也进行了改进，其自身采用了铸铁结构，琴弦也加粗了，这种钢琴能获得更浓厚和更辉煌的音乐，跟现在的钢琴开始接近。接下来，我用一个事实来证明这一点：如果李斯特的时代要求他有不同的表达方式，而且还因为这个时代为他提供了能产生不同效果的钢琴，这种钢琴在较早的时期是找不到。但这种比较我们只能在音乐文献中找到，在现实社会中已很难找到。以钢琴为乐器而谱写的小曲也形成了浪漫主义时期特有的风格，这种形式盛行于十九世纪头几十年，也可以认为是浪漫主义音乐的先驱。现在我将重点的谈一谈钢琴抒情小品。这种小品相当于歌曲的器乐曲，它把抒情的和戏剧性的情绪安排在一个紧密的结构里。钢琴小曲最常用的标题是：即兴曲（impromptu）、小曲（bagatelle）、间奏曲（intermezzo）、夜曲（nocturne）、新事曲（novelette）、音乐瞬间、无言歌、册页、前奏曲、浪漫曲、随想曲，还有较大规模的狂想曲和叙事曲。 舞曲类型有：圆舞曲、玛祖卡、波尔卡、埃科赛斯（苏格兰舞曲）、波洛涅兹（波兰舞曲）、进行曲和乡村舞曲。作曲家还有时会使用一些带有幻想和描述性质的标题：如舒曼的《夜晚》、《翱翔》和《幻想》，李斯特的《森林细语》和《萤火虫》。十九世纪的钢琴小品大师有奥地利的舒柏特、波兰的肖邦、匈牙利的李斯特、德国的舒曼、门德尔松、勃拉姆斯，以及他们的同代人——在发掘钢琴技术上的可能性与戏剧性方面显示了无穷无尽的独创性。总而言之，短小的抒情形式的出现，作曲家就会认为乐曲的大小不是艺术批评的标准，一首优美的，精心的创作的小型乐曲也能和一部交响乐相媲美。注：欣赏曲目：1、舒柏特《降A大调即兴曲》（OP90 NO4）舒曼《翱翔》（OP12）是《幻想曲集》中的第2首。（OP12 NO2）《升F大调浪漫曲》OP28 NO）3、肖邦《升C小调玛祖卡》（OP6 NO2）《降A大调波洛涅兹》（OP53《a小调练习曲》（OP25 NO11）《e小调前奏曲》（OP28 ON4）4、李斯特：《彼特拉克的第104首十四行诗》

浪漫主义音乐的另一种表现手法——短小的抒情形式的歌曲。歌曲的曲目包括民歌、通俗歌曲和艺术歌曲，比所有其它类型的音乐都要丰富得多。这是因为歌曲结合了旋律和人声这两个具有普遍感染力音乐因素。歌曲是以诗歌为基础，为独唱而写的短小的抒情小品。一般说来，人声的旋律是在器乐伴奏下演唱的，器乐伴奏提供和声背景和支持。一首完美的诗本身就是很完美的，不用需要有最高度的想象力。浪漫主义艺术歌曲的创造者将歌词与音乐结合得非常成功，正是由于这些音乐作品，有许多抒情诗才能得以幸存下来。接下来让我们来认识歌曲。歌曲的结构可分为两大类。在分节歌形式（strophic form）中，诗的每一段或每一节都重复同样的旋律。这是民歌和通俗歌曲中很常见的结构。歌的第一段可能是讲述一个情人的期待，第二段是他见到爱人时的欢乐，第三段姑娘的父亲粗暴地将他们分离，第四段姑娘悲伤地死去，所有这些都用相同的曲调演唱。另一种形式德国人称作“durchkompoiert”，字面意思是“全面创作的”，就是说作曲过程贯穿全曲，没有整段的反复。还有一种中间的形式，它将分节歌中的反复和全创作歌曲的自由结合在一起，有两、三段重复同样的旋律，然后在需要时就引入新的旋律，一般来说都是在高潮部分引入。舒柏特脍炙人口的《小夜曲》就是这种结构的精彩范例。尽管在各个时期（代）歌曲都处于显著的地位，但现在通过很多欧洲音乐文献记载知道艺术歌曲是浪漫主义时期的产物。艺术歌曲是在十九世纪初由诗歌与音乐相结合而创造出来的。舒柏特和他的后继者，著名的有舒曼和勃拉姻斯，使这种结合获得了如此完美的艺术效果，以致这种新风格以德文中的歌曲一词：Lied，闻名胜古迹欧洲。艺术歌曲随着抒情诗的兴起而繁荣。抒情诗的兴起是德国浪漫主义出现的标志，艺术歌曲使浪漫主义时期将音乐和诗歌结合的愿望得以实现，它包括温柔的情感或戏剧性的民谣风格。艺术歌曲中最常采用的主题是爱情、期待、大自然的美和人生中短暂易逝的幸福。钢琴在十九世纪作为普通乐器出现在欧洲，使浪漫主义艺术歌曲能够获得成功。钢琴的伴奏把诗中的形象变为音乐的形象。人声和钢琴共同创造出了富于情感的短小的抒情形式，这种形式对于业余爱好者和艺术家同样结合，也同样适合于在家庭里和音乐厅里演唱。在短时间内，艺术歌曲就获得了极大的普及，并对世界艺术做出了永久性的贡献。注：欣赏（参考）曲目：舒柏特美丽的磨坊姑娘》《魔王》致西尔维亚》舒曼《两个掷弹兵》《月夜》勃拉姆斯《要是我知道回头路该有多好》《徒劳的小夜曲》在奥地利作曲家苏佩的轻歌剧序曲的音乐声中，开始今晚的节目。在本次的节目中，我仍然接着上期的话题，继续和听众朋友一起去领略十九世纪的浪漫主义音乐。上几期节目，我已经介绍了浪漫主义的先驱音乐：钢琴小品和艺术歌曲。今晚我将重点谈一谈十九世纪浪漫主义音乐的重要组成形式之一的“标题音乐”。标题音乐是带有文字或图画联想的器乐作品，这些联想的内容由乐曲的标题或说明性的注释来提示的。“标题”只是由作曲家自由加上去的。在当时那个年代里，音乐家敏锐地意识到了他们的艺术与周围世界的联系。这种意识促使用使他们的音乐更加接近于诗歌和绘画，并且使他们的作品涉及到当时的道德和政治问题。还促使他们以一种新的方法来探讨绝对音乐（纯音乐）的形式。关于绝对音乐，我现在不想多谈什么，我会在以后介绍十八世纪古典主义音乐中，会和听众朋友一起来探讨。标题音乐在歌剧院中获得了最初的推动力。序曲作为歌剧（或戏剧）的引子，是单乐章令人兴奋的管弦乐曲。有许多歌剧序曲后来获得了像音乐会乐曲一样的普及，因而独立出来。这样便为一种歌剧没有关系的新式序曲开辟了道路。标题音乐中有一种是为戏剧写的，也很有吸引力，通常由序曲和一组在幕间及重要场景演奏的乐曲组成，这就是配乐。十九世纪的作曲家创作出了许多这类的作品，这些作品的音画法（tonepainting），性格化和剧场效果都是值得注意的。最成功的配乐作品，通常被改编成组曲。其中一些流传得非常广泛。例如，德国著名作曲家大师门德尔松为《仲夏夜之梦》所写的音乐就是这类音乐作品中的典范。随着十九世纪时间的推移，一种大型的管弦乐形式就越来越需要了，这种形式在浪漫主义时代将起的作用就像交响乐在古典时期起的作用一样。到十九世纪中叶，交响诗的创造迈出了这期待已久的一步。交响诗是十九世纪在大型器乐形式上做出一个有独创性的贡献。它是李斯特的成就，他在1848年首次使用了这个词。他的《前奏曲》是此音乐中最出名的范例。交响诗是为管弦乐队而作的单乐章标题音乐作品，它通过段落之间的对比而发展诗意，使人联想起某种情景，或造成一种情绪。交响诗还有一个非常美丽的别称：音诗。交响诗与音乐会序曲有一点重要的不同，音乐会序曲一般保留传统的古典主义的构思，而交响诗在形式上则自由得多。交响诗的形式是为作曲家所需要的大型单乐章乐曲准备的“画布”。总之，交响诗在整个十九世纪后半叶中，成为标题管弦音乐的最精致的形式。最后介绍标题音乐进入到绝对音乐的神圣领土——交响乐中。作曲家一方面尽力保留贝多芬的宏大的形式，同时又赋予它以文学内容。这样就出现了标题交响乐。著名的作品有法国作曲家柏辽兹的三部标题交响乐——《幻想交响曲》、《哈罗德在意大利》、《罗密欧与朱丽叶》、德国作曲家理查·施特劳斯《阿尔卑斯山》、《家庭》和匈牙利作曲家李斯特的《浮士德》和《但丁》都是最著名的交响乐作品。在以上的时间里，我为大家简单的介绍了标题音乐的四个组成部分：音乐会序曲、戏剧配乐、交响诗和标题交响乐，它们构成了十九世纪浪漫主义音乐引人注目的表现形式。这种表现形式强调描绘性的因素，推动作曲家努力表现具体的情感，并显示了音乐与生活的直接联系。注：欣赏（参考）曲目：柴可夫斯基《罗密欧与朱丽叶序曲》、《一八一二序曲》门德尔松《芬加尔的山洞》、《仲夏夜之梦》（序曲和配乐）;柏辽兹《幻想交响乐》、《哈罗德在意大利》李斯特《间奏曲》理查·施特劳斯《唐璜》、《查拉图斯特拉如是说》、托玛斯《雷蒙德序曲》、埃罗尔德《泽姻帕序曲》

[柴可夫斯基《一八一二序曲》]在老柴的《一八一二序曲》音乐声中开始今晚的节目。十九世纪浪漫主义音乐已是第四期了，在本期中将介绍十九世纪浪漫主义的民族主义和浪漫主义运动的音乐。民族主义者和民族艺术家是站在一起的，但民族主义者以一种更自觉的方式肯定他的民族传统。在十九世纪的欧洲，那时的政治条件促进了民族主义的发展，使之达到了在浪漫主义运动成为决定性力量的程度。征服民族的傲慢和被征服民族为自由的斗争造成民族关系的紧张，使民族情绪上涨，这种情感在音乐中找到了理想的表达方式。浪漫主义作曲家用许多方式表现他们的民族主义。一些作曲家以他们民族的歌曲和舞曲作为音乐的基础，如肖邦以他的玛祖卡舞曲、李斯特以他的匈牙利狂想曲、德沃夏克以他的斯拉夫舞曲、格里格的挪威舞曲。一些作曲家以民间传说或以农民生活为基础写作戏剧性的作品，例如韦柏写的德国民间歌剧《自由射手》、斯美搭纳写的捷克民族歌剧《被出卖的新嫁娘》，同样，还有柴可夫斯基和里姻斯基·科萨科夫写的俄罗斯神话歌剧和芭蕾舞剧。还有一些作曲家写作交响诗和歌剧，歌颂民族英雄的功绩，历史事件或祖国的美景。柴可夫科斯基的《一八一二序曲》和斯美塔纳的《我的祖国》就是这股潮流的代表作；瓦格纳的音乐戏剧对德国神话和民间传说中的神和英雄加以颂扬，特别提到的是《尼伯龙的指环》（歌特式摇滚的先驱），这个剧本是以齐格菲的生死为中心题材的庞大史诗，它也是一个代表作。（话外音：这部作品还影响了以后一个世纪的音乐走趋）民族主义作曲家常把自己的音乐与民族诗人或戏剧家的诗句结合起来，舒柏特为歌德的诗歌谱曲即属此类，还有格里格为易卜生的《皮尔·金特》所作的配乐，及柴可夫斯基的为普希金的戏剧为基础的歌剧。俄罗斯民族诗人普希金还激发了里姻斯基·科萨科夫和穆索尔斯基的创作灵感。在这种时期，民族主义作曲家能把人民的抱负以激动人心的方式表达出来，像威尔第在意大利为统一而奋斗时所作的那样，或是西贝柳斯在芬兰于十九世纪末为反抗俄国统治者而斗争时所做的那样。民族主义音乐的政治含义触动了统治者。威尔第的歌剧不得不一再修改，以适合奥地利检查官的心意。芬兰在十九世纪末、二十世纪初要求独立时，西贝柳斯那带有令人振奋的号角声的音诗《芬兰颂》被沙皇禁演。民族主义为欧洲音乐的语汇中增加了极富魅力和活力的民族风格。由于把对祖国的热爱注入到音乐中去，民族主义使作曲家能够表达出千百万人民的心愿。总之，民族意识渗透到十九世纪欧洲精神的各个方面。没有民族意识，浪漫主义运动是难以想橡的。（接上期）在这期节目中，我接着上期的话题（音乐中民族主义的兴起），和听众一起来探讨民族主义音乐中的异国情调。在音乐、绘画和文学中的异国情调显现出遥远国度里别致的气氛和色彩。不同说，浪漫主义运动大大加强了这种倾向。在十九世纪，异国情调首先表现在北方民族思慕那南方的温暖和色彩，其次表现在西方追求东方那神话般的景象。前者推动德国、法国和俄国的作曲家在自己的作品中转而表现由意大利和西班牙引起的灵感。在这类众多作品中，有俄罗斯作曲家的几个著名作品：格林卡的两首《西班牙序曲》、柴可夫斯基的《意大利随想曲》和里姻斯基--科萨科夫的《西班牙主题随想曲》、德国贡献出门德尔松的《意大利交响曲》、沃尔夫的《意大利小夜曲》和理查·施特劳斯的《致意大利》、法国作品有夏布里埃的《西班牙狂想曲》和拉罗的《西班牙交响曲》。值得一提的是比才的《卡门》也是这一领域中的杰作。俄罗斯民族乐派使东方的魅力产生了国际性的影响。由于俄罗斯帝国与波斯接壤，这种异国情调实际上是民族主义的一种形式。亚洲神话般的背景渗透进俄罗斯的音乐。里姻斯基一科萨科夫绚丽的管弦乐作品《舍赫拉查达》及其歌剧《萨特阔》，鲍罗丁的歌剧《伊戈尔王子》和交响诗《在中亚细亚草原上》，伊波利托夫一伊万诺夫的《高加索素描》，这些都属于东方色彩的作品，这些作品至今还风行于全球。一些法国和意大利的作曲家也采用异国情调：如圣一桑的《参孙与达丽拉》，德利布的《拉克美》，马斯奈的《泰伊思》，威尔第的《阿伊达》，以及普契尼的歌剧《蝴蝶夫人》和《图兰多特》。注：欣赏（参考）曲目：里姆斯基一种萨科夫：《舍赫拉查达》《萨特阔》、《西班牙主题随想曲》鲍罗丁：《伊戈尔王子》、《在中亚细亚草原上》伊波利托夫—伊万诺夫《高加索素描》柴可夫斯基：《意大利随想曲》;格林卡：《西班牙序曲》（两首）;门德尔松：《意大利交响曲》;沃尔夫：《意大利小夜曲》理查·施特劳斯：《致意大利》夏布里埃：《西班牙狂想曲》拉罗：《西班牙交响曲》比才：《卡门》瓦格纳：《尼伯龙的指环》捷克的民族乐派是由贝德利奇·斯美塔纳（1824—1884）创立的。像其它几个民族作曲家一样，斯美塔纳的一生是在不安定的政治背景下度过的。在奥地利的统治下，波希米亚动荡不定，掀起了民族主义热情的浪潮，这股浪潮在1848年的起义时达到顶点。年轻的斯美塔纳投身于爱国的事业中。革命被镇压之后，布拉格的气氛对那些被怀疑是同情民族主义者的人来说是沉闷的。1856年，斯美塔纳接受了瑞典的一个指挥职位。在国外期间，他追随柏辽兹和李斯特而转向写作交响诗。1861年，他返回波希米亚，重新开始他的民族艺术事业，并为布拉格建立一个用民族语言演出的剧院而奔波。在他的八部爱国主题的歌剧中，有几部仍在他的祖国上演。其中一部《被出卖的新嫁娘》获得了世界性的声誉。另一部同样重要的，建立了斯美塔纳声誉的作品题名为《我的祖国》，这是一部含有六首交响诗的组曲，在1874年—1879年间写成的。这些作品浸透了波希米亚美丽的乡村景色，民间歌舞的节奏，以及壮观华丽的传奇。这组乐曲中最为著名的是第二首《沃尔塔瓦河》，这是斯美塔纳在管弦乐领域里写出的最佳作品。在这首音诗里，著名的沃尔塔瓦河成了充满音乐想象的诗的象征，引起了爱国的思想。写在乐谱上的说明表明了作曲家的意图。“在波希米亚的森林深处，涌出两股清泉，一股温暖而又滔滔不绝，另一股寒冷而平静安宁。”这两股泉水汇合到一起，形成沃尔塔瓦河。“经过波希米亚的峡谷，它变成一条大河。穿越茂密的树林，那打猎的欢快声音和猎人的号角声离得更近了。它流过绿草如茵的牧场和低地，传来了庆祝婚礼的歌声和舞曲。入夜，居于山林水泽的仙女在它闪光的波浪上作乐。在水面上映出要塞和城堡，它们是往昔骑士的光浑业绩和已过去的勇武时代之光荣的见证。”这条河奔腾地流过圣约翰滩，“终于变得壮丽而平静，流向布拉格，受到历史城维瑟拉德的欢迎，”传说中古代波希米亚国王的城堡遗址在这里。“然后，它消失在诗人的视线之外。”斯美塔纳的整部作品有《维谢格拉得》、《沃尔塔瓦河》、《莎尔卡》、《捷克的田野和森林》、《塔波尔城》和《勃兰尼克山》六部分组成。对于这部作品在以后的点评中作详细的解说。接下来，继续今晚的节目，介绍另一位作家：芬兰人西贝柳基和他的《芬兰颂》。（1865—1957）西贝柳斯和德沃夏克一样，他的一生是伴随着争取民族独立的斗争度过的。十九世纪的最后几十年里，芬兰为摆脱沙皇俄国的统治而斗争。由此产生了西贝柳斯的艺术，它引起了世界的注意，宣告他的祖国的音乐艺术已经成熟了。西贝柳斯的名望主要建立脚在七部交响乐的基础上。头两部具有浪漫主义的传统，没有特别之处。以后的几部显示出向思想的简洁和结构的紧密稳定发展。在这些作品里，西贝柳斯阐述了十九世纪音乐中的宏伟主题——自然、人、命运。他的音乐语言是少有的，避免了感觉上的美丽。他挖掘了管弦乐队中的暗色彩和低音区，并采用短小、深刻而且适于交响发展的主题。他的音乐语言直截了当，精辟简练。西贝斯柳在第一个时斯里写的管弦乐作品及声乐作品表现了最为鲜明的民族风格。在十九世纪九十年代，他创作了一批交响诗，这些作品抓住了芬兰的传说和神话的精神。其中最著名的有：《传奇》（1892）、《死河的天鹅》（1893）、《列敏凯宁归故乡》（1895）和《芬兰颂》（1899）。这些作品是在沙皇压迫的年代中产生的，那时，爱国就等于是革命。尤其是《芬兰颂》抓住了解放运动的情绪，触动了当局。为了瞒过警察，这道乐曲在上演时曾冠以像《夜曲》或《即兴曲》一类简单的标题。《芬兰颂》以铜管群在低音区的吼声开始，Andantesostenuto（持续的行板）。这样在乐曲开始就奠定了挑战的情绪，接着是木管乐器模仿管风琴的段落，弦乐做出庄严的回答。它引出了以持续节奏为基础的一段Allegromoderato（适中的快板）。小号激动人心的号声像是在号召人们行动起来。民族骄傲的情绪持续下去，弦乐奏出欣喜若狂的乐句，铜管节奏鲜明的插入段予以强调。《芬兰颂》中的著名曲调初次出现是由小提琴和大提琴演奏的，虔诚而安静。这个曲调在作曲家的祖国实际上已成为国歌。在曲尾再现时，这个曲调变成凯旋的赞歌。《芬兰颂》在芬兰的地位就像《沃尔塔瓦河》在捷克斯洛伐克一样。这样的音乐只有外界的人才能进行客观的评价，因为作曲家的同胞是通过民族骄傲和民族热情的雾霭去听它的。西贝柳斯的崇拜者对《芬兰颂》的流行感到不满，认为它遮掩了西贝柳斯艺术中更加高尚的方面。尽管他们这样认为，这道乐曲不论在芬兰还是在国外都是大众喜爱的经典作品。西贝柳斯是理查·施特劳斯这一代作曲家中的最后一位幸存者，这一代人的历史作用是作为浪漫主义时代向二十世纪过渡的桥梁。虽然西贝柳斯的作品在近些年以不像本世纪三、四十年代那样大量上演了，但那些最好的作品还是在经常上演的曲目中牢固地确立了自己的地位。西贝柳斯在芬兰受到了特殊的尊敬，这是一个小国对成为世界人物的骄子给予的过分尊敬。约翰·西贝柳斯是一个真诚的，思想高尚的音乐家，他的艺术在史册上占有牢固的地位。欣赏（参考）曲名：斯美塔纳：《我的祖国》西贝柳斯：《芬兰颂》协奏曲起源于意大利，原系指一种有乐器伴奏的合唱曲，以区别没有乐器伴奏的无伴奏合唱曲。协奏曲是为独奏乐器和管弦乐队而作的，有几个乐章的大型作品（有时，独奏乐器不止一个）。独奏者是注意的中心，这种情况决定了协奏曲的风格。独奏与乐队之间戏剧性的紧张类似希腊悲剧中主角与合唱之间的关系。洪亮的钢琴，温柔的小提琴，或者是带有雄浑共鸣的大提琴都用来与管弦乐队竞争。这两种力量的对立，形成协奏曲的基本本质。协奏曲的规模可以与交响乐相比。大多数协奏曲都有三个乐奏：戏剧性的快板，通常是奏鸣曲式，之后是如歌的慢板乐章和辉煌的终曲。就像在交响乐的第一乐章中一样，协奏曲的首乐章陈述（呈示）对比的主题，将其发展和再现。但在协奏曲中紧张度是双重性的：不仅存在于对比的乐思之间，而且也存在于对立的力量之间，也就是独奏乐器与乐队之间。每一基本主题都可由整个乐队演奏，然后转到独奏部分。或者由独奏者先演奏这些乐思，再由乐乐进行阐述。华彩乐段是协奏曲特有的，它是插在乐章中间，以即兴方式演奏的富于想象的独奏段落。华彩乐段是从即兴演奏作为音乐艺术中重要因素的时候出现的，在现在的爵士乐中即兴演奏仍是如此。在独奏协奏曲中使用华彩乐段，可以造成戏剧性的效果：乐队进入休止，而独奏者开始以乐章中的一个主题或更多的主题进入幻想性的自由演奏。在十九世纪以前，演奏者往往就是作曲者，因此，这种即兴演奏可以发挥最大的才能。随着专业演奏家的兴起，即兴演奏的艺术走了下坡路，这种演奏家只阐释别人的音乐，而不创作自己的音乐。于是，华彩乐段就变成由作曲家或演奏家事先写好的了。协奏曲已成为一种“令人愉快”表达形式，它使演奏家能够显示乐器的能力和他的才能。炫技性的因素，加上感人的旋律，使得协奏曲成为音乐会中最受欢迎的形式之一。在接下来的时间我将会给听众朋友带来大家都非常喜爱的一部作品——拉赫玛尼诺夫的《第二钢琴协奏曲》。谢尔盖·拉赫玛尼诺夫虽然在二十世纪生活了很大时间（1873-1943），但他是个传统主义者，他的目光盯着浪漫主义的过去，他是柴科夫斯基的继承人。他的音乐中有大量充满感情的旋律，具有丰富的抒情意味，戏剧性的高潮和五光十色的音响。作为他那个时代的大钢琴演奏家之一，他以极高的鉴赏力轻而易举地为他所选择的乐器写作。1901年，二十八岁的拉赫玛尼诺夫完成了他的《第二钢琴协奏曲》，他并把这部作品献给了戴尔医生。这部作品也开始了这位年轻作曲家的国际生涯。这部作品带有昂扬的旋律和强烈的个人感情，使得这部作品受到人们的欢迎。第一乐章，Moderato（中速）遵循了交响乐第一乐章中的三部分的型式：呈示部——发展部——再现部。钢琴的八小节和弦引出了第一主题，一个宽广流畅的旋律，由小提琴、中提琴和单簧管展现，钢琴激动的琶音作为背景。这个乐思展宽，成为具有很大力量的抒情浪潮，在这过程中，钢琴接过了旋律，有人给它配上适当的歌词，在一段时间里成为最流行的一首歌。值得注意的是拉赫玛尼诺夫延伸一个曲调的才能，他使一个曲调上升再上升，达到顶点，然后下降，构成宽广的曲线。这是他从柴科夫斯基那里继承来的技巧。一个小结尾结束了呈示部。发展部是令人兴奋的部分。它展现了第一主题和一个副题，随着乐章的展开，副题越来越重要。拉赫玛尼诺夫把他的素材重新组合成新的型式。他使钢琴突出出来，用一个大渐强制造紧张性，引出再现部。乐队再现第一主题，而钢琴在高音区用强有力的和弦演奏副题。这一段标以Maestoso,Alla Marcia（雄壮的、进行曲似的），造成戏剧性的效果。第二主题再现时采用浪漫主义的配置——弦乐器以PPP的力度演奏震音，圆号独奏旋律。拉赫玛尼诺夫在这里表现了他强烈的内向性格。最后一段渐快、渐强、为ff的结束作了准备。拉赫玛尼诺夫属于这样一代作曲家，他们比以前的俄罗斯民族派作曲家在观点上有更多的世界性。民歌在拉赫玛尼诺夫的音乐中所起的作用远不如柴可夫斯基、穆索尔斯基或里姻斯基——科萨科夫的音乐中的作用大。实际上，这首协奏曲的慢乐章更接近德国浪漫主义的精神，也就是舒柏特、舒曼和勃拉姻斯的传统。这个乐章标记是Adagio Sostenuto（很慢、持续的），是个大型抒情沉思曲。低音木管和加弱音器的弦乐很慢地奏出和弦，先引出了钢琴的沉思旋律，然后出现长笛演奏的温柔旋律，长笛过后，单簧管与钢琴相继演奏，以连续扩展的抒情歌曲形式逐渐地走向高潮——华彩乐段，然后主题再现。这个乐章的情绪是忧郁的、沉思的。最后一个乐章，Allegro scherzando（快板、幽默的），从两个对比主题的对立中获得动力。第一个是有推动节奏的主题，第二个是感人的旋律。在开始几小节就建立了基本的节奏，它引入了华彩段，由钢琴奏得有声有乐。经过适当的扩展，双簧管和提琴演奏旋律。这个旋律表现了拉赫玛尼诺夫最开朗的性格。钢琴接着演奏这个旋律，以极为宽广的幅度展开，在富于表现力的和声上，唱出了有感染力的起伏旋律。拉赫玛尼诺夫在这里使用了他喜爱的手法：右手演奏和弦和八度音，左手在下面演奏宽音程的琶音和弦。节奏乐思详尽地发展，然后旋律再现。经过组合和又一段华彩乐段，乐曲达到了浪漫的“顶点”，这一段标记着“Macstose”（宏伟的）。乐队凯旋般地唱出旋律，钢琴用铿锵的和弦作装饰。这个乐章充分证明了拉赫玛尼诺夫是柴可夫斯基的正统继承人。他是反浪漫主义时代中一个热情的浪漫主义代言人。

1、《第14号钢琴奏鸣曲：月光》

Love is a chord in life

not a solo

爱是生命的和弦

而不是孤单的独奏曲

2、《第九号交响曲：合唱》

Music is a higher revelation

than all Wisdom & Philosophy

音乐，是比一切智慧

一切哲学更高的启示

3、《升c小调弦乐四重奏》

Music should strike fire

from the heart of man

and bring tears from the eyes of woman

音乐的魔力

使男人激情燃烧

让女人潸然泪下

4、《春天奏鸣曲》

I have never thought of writing of writing

for reputation and honour

What I have in my heart must come out

that is the reason why I compose

我未曾想过写谱，是为了名誉与荣耀

我一定要把内心深处的东西释放出来

这就是我作曲的原因

5、《第五钢琴协奏曲：皇帝》

There are and will be a thousand princes

there is only one Beethoven

公爵现在有的是，将来也不会少

而贝多芬却只有一个

6、《D大调小提琴协奏曲》

To sing a wrong note is insignificant

but to sing without passion is unforgivable

唱错了一个音符，是微不足道的

但唱歌没有激情，是不幸的

7、《致远方的爱人》

Never misjudge

the most faithful heart

of your beloved

永远不要误解你的爱人

最忠诚的心

8、《第八钢琴奏鸣曲：悲怆》

Music is like a dream

One that I cannot hear

音乐就像一个梦

而我是一个听不见的人

9、《第六交响曲：田园》

Music is the mediator between

the spiritual and the sensual life

音乐是

精神世界和感官世界之间的桥梁

10、《第五号交响曲：命运》

I will take Fate by the throat

it will not bend me completely to its will

我要扼住命运的喉咙

决不向它低头

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路德维希·凡·贝多芬（Ludwig van Beethoven，1770年12月16日-1827年3月26日享年57岁），德国著名的音乐家，维也纳古典乐派代表人物之一。他的作品对世界音乐的发展有着非常深远的影响，因此被尊称为“乐圣”。

贝多芬的主要作品以九部交响曲占首要地位。代表作有：降E大调第三交响曲《英雄》、c小调第五交响曲《命运》、F大调第六交响曲《田园》、A大调第七交响曲、d小调第九交响曲《合唱》（《欢乐颂》主旋律）、序曲《爱格蒙特》、《莱奥诺拉》、升c小调第十四钢琴奏鸣曲《月光》、F大调第五小提琴奏鸣曲《春天》、F大调第二浪漫曲。他集古典音乐的大成，同时开辟了浪漫时期音乐的道路，对世界音乐发展有着举足轻重的作用。他的《月光曲》曾以传说的形式出现在小学语文课本上。

贝多芬在音乐史的地位是极其突出的，他不仅是古典主义风格的集大成者，同时又是浪漫主义风格的开创者。作为音乐大师，贝多芬对艺术歌曲同样予以相当程度的关注，他是德国艺术歌曲创造的先驱，毕生作有钢琴伴奏的艺术歌曲六十多首，他的艺术歌曲以极其丰富的表现手法和形式来展现，表达属于全人类的情感。在艺术歌曲的领域里取得了非凡成就。

路德维希• 凡• 贝多芬（Ludwig van Beethoven，1770年12月16日-1827年3月26日，享年57岁），德国杰出的音乐家，维也纳古典乐派代表人物之一，世界音乐史上最伟大的作曲家之一。他的作品对世界音乐的发展有着非常深远的影响，因此被尊称为「乐圣」和「交响乐之王」。

贝多芬是德国艺术歌曲创造的先驱，他的音乐表达属于全人类的情感。在艺术歌曲的领域里取得了非凡成就。从1796年开始便已感到听觉日渐衰弱，1818一1827年贝多芬在耳朵失聪、健康情况恶化，五十六岁的贝多芬听觉已完全丧失。

贝多芬在音乐史的地位是极其突出的，他不仅是古典主义风格的集大成者，同时又是浪漫主义风格的开创者。征服我们的不止是音乐本身，更是他伟大的人格精神。

下面特别整理编辑，来自贝多芬的10首经典音乐作品和10句经典名言。愿你们能看护好自己最初的激情与信仰，不为生计、不为名利、不为迎合，仅为内心那纯粹的初心。