巴洛克和洛克克时期的艺术家及其作品

巴洛克：巴洛克早期重要的音乐形式是单声部歌曲（相对于前一个时期复调音乐而言）以及与此相联系的体载歌剧与清唱剧，强调语音与音乐的紧密结合，在歌剧中还有布景的效果。

巴洛克建筑是17～18世纪在意大利文艺复兴建筑基础上发展起来的一种建筑和装饰风格。其特点是外形自由，追求动态，喜好富丽的装饰和雕刻、强烈的色彩，常用穿插的曲面和椭圆形空间。

巴洛克一词的原意是奇异古怪，古典主义者用它来称呼这种被认为是离经叛道的建筑风格。这种风格在反对僵化的古典形式，追求自由奔放的格调和表达世俗情趣等方面起了重要作用，对城市广场、园林艺术以至文学艺术部门都发生影响，一度在欧洲广泛流行。

是洛可可吧：人们通常用来装饰的奇特的漩涡性和贝壳形而得名。流行于18世纪的法国。此风格中布歇的作品用来描绘王室成员、贵族、贵妇人的奢侈生活和情趣。

夏尔丹的作品表现下层市民生活。

音乐的巴洛克时期通常认为大致是从1600年至1750年，即从蒙特威尔地开始，到巴赫和亨德尔为止。

1750年，对位法大师约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的与世长辞，标志着巴洛克巅峰的对位法音乐的终结，也标志着巴洛克时代的终结。之所以称这一时期为巴洛克，是由于一时期音乐表达的技术及方式基本上有它一定程度的共同点，所以用此名词来标志，并无特殊的意义。巴洛克（Baroque）一词来自法语，追本溯源是葡萄牙语barroco，意谓形态不圆的珍珠。是巴洛克末期评论家们在评论此一时期的音乐时所首先使用的，而且一般含有贬意，指粗陋曲、奇异的、夸张的音乐。巴洛克之后古典主义时期的音乐家们趋于将音乐语言简化和规范化，在他们看来，巴洛克音乐过于夸饰而不够规范。

因此巴洛克一词被评论家用来指十七世纪及十八世纪前期的艺术及音乐作品。现在，随着时间的推移，我们可以用更为深入和细致的历史眼光来看待这一时期的音乐，巴洛克不复有粗陋和毛糙的含意，但是比之巴洛克前后的音乐作品，它确实存在着夸饰和有些不太规律化的特征。文艺复兴时期的艺术讲究清晰、统一和协调。但至十六世纪末期，艺术中感情的因素日益增加，明净清澈和完美的形式被表达感情的需要所压倒。

在美术中可以从卡拉瓦乔（1573-1610）的色彩浓烈的、戏剧性的绘画中看到。在音乐上我们也早已从马伦齐奥、杰苏阿尔多的牧歌以及道伦德的古歌曲中看出端倪，而他们的下一代则更往前发展了。要制造出这些强烈的效果，必须发展一种新的音乐风格。一般地说，文艺复兴时期平稳的复调音乐已不适合新时期所需要的特色。巴洛克时期最重要的创造就是“对比”的概念。文艺复兴时期的音乐进行流畅，各个声部（通常为四至五个声部）相互交织，同步进行。1600年以后这种织体日渐少用，只有在教会音乐中才能见到，这是因为教会音乐受传统及固定的礼拜礼式所束缚，因此是最为保守的。

“对比”可以表现为各个不同的方面：音的高与低；速度的快与慢（快与慢的段落对比或快慢声部间的对比）；力度的强与弱；音色的不同；独奏（唱）与全奏（合唱）等等。所有这些都在巴洛克时期的音乐结构中存在，各有它们的地位。许多巴洛克时期的音乐家使用协奏曲或复协奏曲形式（此词本身意味着明显的对比因素），这种形式的基本特点是织体的变换，有时用一个声部（独奏）或几个声部，有时用较大的群体合奏。最明显而强烈的对比是当时出现的一个新的体裁叫做“单声部歌曲”（monody），它是一种独唱歌曲，大致是在上面有一个流畅的人声声部，配以琉特琴或羽管键琴的伴奏，伴奏的进行较为缓慢，这一体裁的代表人物（在某种程度上可以说是创造者）是作曲家兼歌手卡奇尼（Caccini，约1545-1618）在他划时代的作品《新音乐》（Le nuove musiche）歌集中，人声的旋律依循歌词的意义，变化极大，在节奏和织体上可以从很简朴到非常富有装饰性；而且又与几乎固定不变音型的伴奏声部形成对照。

卡奇尼属于佛罗伦萨的“卡梅拉塔会社”（一个由音乐家、诗人、贵族组成的团体）成员，他在十六世纪七十至八十年代接触到将古希腊音乐中表现感情的观点加以再创造的概念，这个团体遵循这个概念采用了“单声部歌曲”的形式。上述“伴奏”这个词，在文艺复兴时期音乐中几乎不用考虑，作为一个观念，它属于巴洛克时期，它意味着乐器声部之间的地位不同。

事实上巴洛克音乐最重要的特征是它的伴奏部分即通奏低音。通奏低音演奏者在羽管建琴或管风琴（或拨弦乐器琉特琴或吉它）上奏出低音声部，上面标出数字指示他应演奏的填充和弦。通奏低音经常由两个人演奏，一人用大提琴（或维奥尔琴或大管）一类可延长音响的乐器演奏低音声部，另一人演奏填充和弦。

这种使用通奏低音的织体是：上面一个人声或乐器的旋律声部，底部是一个低音乐器，中间填以和声，这是典型的巴洛克音乐的风貌。上面的声部也常有用两个的，有时是为两个歌手写的，有时是两把小提琴（此时即称三重奏鸣曲），此种结构在巴洛克音乐中也很典型，特别是通奏低音不能或缺，说明由低音产生和声的概念对于巴洛克音乐是如何重要，是它的中心。这个概念的出现并不突然，在十六世纪中已有将低音声部区别于复调音乐中上面其他几个声部线条的，但只是到了巴洛克时期这种风格才清楚地确定下来。

与上述的变化一起，而且是有关的，是放弃复调（更精确地说，复调音乐成为一种老式的方法，几乎只用于教会的某一类音乐中）。重视和声必然导致在一首乐曲中出现和声进行的若干终止点，这些终止点称终止或收束，是由于某一种标准的一系列和声进行而形成的。与此相关的是节奏的进行，在声乐中，旋律要表达歌词的情感，必须按照（甚至夸张）语言的自然节奏；在器乐中（包括一些声乐，特别是合唱曲）有用舞蹈节奏的。由于低音用了舞蹈音乐的节奏型，加速了调性感觉的发展以及向某一个特定的音进行的趋向性。

与此同时，新乐器种类的出现加速了这个进程，其中最重要的乐器为小提琴族系。当时维奥尔琴的发音适合复调音乐的清晰但却缺乏节奏的动力感，而小提琴洁净明快的运弓以及其演奏辉煌技巧乐曲的能力适合演奏舞蹈节奏的音乐，与单声部歌曲相比更有发挥技巧的能力。声乐风格与器乐风格的交替进行是典型的巴洛克的手法，巴洛克音乐中有这样两种不同风格的交替进行是为了新奇和效果。

巴洛克早期重要的音乐形式是单声部歌曲（相对于前一个时期复调音乐而言）以及与此相联系的体载歌剧与清唱剧，强调语音与音乐的紧密结合，在歌剧中还有布景的效果。单旋律音乐中不使用对位，其形式是由旋律与低音相结合发展起来的，如分段歌形式，回族曲结构，在反复出现的低音声部上的变奏。在乐器方面也有相应的发展，如适合于演奏通奏低音组合的乐器，以及替代维奥尔琴族系的小提琴等，小提琴族系乐器更灵活而且能演奏较高的类似人声的音域。

洛可可风格

洛可可风格是一种建筑风格，主要表现在室内装饰上。18世纪20年代产生于法国，是在巴洛克建筑的基础上发展起来的。

洛可可风格的特点是：室内应用明快的色彩和纤巧的装饰，家具也非常精致而偏于繁琐，不像巴洛克风格那样色彩强烈，装饰浓艳。德国南部和奥地利洛可可建筑的内部空间非常复杂。

洛可可装饰的特点是：细腻柔媚，常常采用不对称手法，喜欢用弧线和 S形线，尤其爱用贝壳、旋涡、山石作为装饰题材，卷草舒花，缠绵盘曲，连成一体。天花和墙面有时以弧面相连，转角处布置壁画。

为了模仿自然形态，室内建筑部件也往往做成不对称形状，变化万千，但有时流于矫揉造作。室内墙面粉刷，爱用嫩绿、粉红、玫瑰红等鲜艳的浅色调，线脚大多用金色。室内护壁板有时用木板，有时作成精致的框格，框内四周有一圈花边，中间常衬以浅色东方织锦。

洛可可风格反映了法国路易十五时代宫廷贵族的生活趣味，曾风靡欧洲。这种风格的代表作是巴黎苏俾士府邸公主沙龙和凡尔赛宫的王后居室。

具体的：

巴洛克艺术特色及其代表人物

巴洛克1)是17世纪广为流传的一种艺术风格，它的名称由来，说法不一:A一说来自葡萄牙或西班牙语，意思是不圆的珠子B又一说来自意大利语，有奇特，古怪或推论上的错误的含义。C这个名称在当时含有贬义，是18世纪古典主义理论家对上一个世纪一种艺术风格的称呼。(2)巴洛克艺术产生于16世纪下半期，最早产生于意大利，是为教会服务，被宗教利用的(3)具有以下特点:<1>豪华的特色:既有宗教的特色，又有享乐主义色彩。<2>是一种激情的艺术:打破理性的和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，强调艺术家的丰富想象力。<3>强调运动:运动与变化是巴洛克艺术的灵魂。<4>关注空间感和立体感。<5>综合性:强调艺术形式的综合手段。<6>浓重的宗教色彩:宗教题材在巴洛克艺术中占主导地位,远离生活和时代的倾向。(4)巴洛克艺术大师贝尼尼:A意大利巴洛克艺术中最著名的雕刻家，建筑家，画家。B《大卫》:表现了运动中的人体和不可遏止的激情。C《阿波罗和达芙娜》:表现了运动中的人体，人体轻盈，优美，有一种乘风向上的感觉。D雕刻顶峰的是:圣德列萨祭坛:描写的是一个宗教传说，带有世俗的色彩，反映了作者的人文主义思想，表现了人类对美好生活的追求和渴望。E肖像雕刻:反映了世俗的情趣。

代表洛可可雕刻最高成就的是受蓬帕杜夫人赏识的两位艺术家：皮加尔和法尔科奈。

让-巴蒂斯特·皮加尔(1714～1785)访问过意大利，是争取罗马大奖——王家绘画雕刻学院为优秀学生提供赴设在罗马的法兰西学院进修而设立的竞赛奖，失败之后自费去的，足见他对意大利艺术的向往。他在罗马作的《系鞋带的墨丘利》小稿，在他1741年回巴黎时，为他赢得进入王家绘画雕刻学院成为院士的荣誉，而且以此稿完成的云石像连同他的另一件作品《要墨丘利传信的维那斯》一起，被路易十五当作礼物赠给了普鲁士国王腓特烈二世。他为蓬帕杜夫人工作了十年，以她为原型作寓意像的《妆扮友谊之神蓬帕杜夫人像》和《爱神拥抱友谊之神》非常精彩，他把这位艺术保护人表现得既高贵又亲切，既聪慧又迷人，他有别于同代雕刻家的地方是他也追求其它艺术风格，如在他去世前完成的《拔刺少女》，追随希腊古风，为他一生的创作画出句号。他的这一面，在其学生乌东的艺术中得到了发扬。

与皮加尔齐名且是对手的艾蒂安——莫里斯·法尔科奈(1716～1791)，也和皮加尔一样出自让-巴蒂斯特·勒穆瓦纳门下，也在罗马大奖争夺中败阵。但他安心留在法国而未赴意大利“朝圣”。他终于成为洛可可雕刻最杰出、最典型的代表人物。他曾受命于蓬帕杜夫人，领导了著名的赛夫里陶瓷工厂，又接受俄国女皇叶卡捷琳娜二世的委托作《彼得大帝骑马像》。

法尔科奈的灵气和秀气，无人可及，他把法兰西雕刻的优雅柔美风格推到了顶点。他凿下的年轻女性，个个都是娇小玲珑，苗条婀娜，风流妩媚，充分体现法兰西的品格，而且她们不再是吉拉东的宁芙，虽然娇美却尚不许凡人触动，而是以玉温香馨的青春之体在邀人爱怜了。法尔科奈的作品不但造型生动，而且人物情态丰富细腻。蓬帕杜夫人的时代造就了他。

洛可可风格是宫廷艺术，它起源于上层社会的需要。大部分制造这种艺术品的工匠在个人生活中是与它完全无缘的。比如塞夫里皇家瓷厂的瓷器，被用于国家的社交场合，就像今天的英国皇家将它们用于欢迎来访的外国元首的国宴上。洛可可装饰风格本身就成为这种盛宴场合的特色。塞夫里瓷器的设计由国王亲派的法尔科奈、布歇等艺术家完成，具体制作的工匠们没有钱也不能在日常家庭生活中使用它，只有那好赶时髦、朝三暮四的贵族使用。

这种制造和消费特有循环圈，促成了贵族互相攀比的风气和设计走向极端奢华的两种现象。18世纪堪称是马车的黄金时代，达官贵族都拥有代表自己权势和等级的马车，相互攀比、竞相争艳。具体表现为：选用最上乘的木料做骨架，马车的款式奇异，以曲线居多，纹样多以植物为主，穿插一些优美神话故事为题材的装饰画，色调常以红、黄为主，再以金色统一整体，以昂贵的造价获得华丽气氛。这充分显示出贵族的审美情趣，同时，我们也为匠师们用自己的智慧和双手创造出如此精妙的作品而赞叹不已。

我们从现代的角度审视18世纪的洛可可艺术，应该说蓬帕杜夫人是那些喜欢豪华风格者的代表人和组织者，有“众望所归”的特征。所以，才有洛可可风格作品出现后在贵族引起“共鸣”的时尚。也可以说，贵族们崇尚华丽的风气，诱发了洛可可艺术。当时上层社会的男男女女无不热心并亲自参加工艺活动，以至于这些举动有的达到令人讥笑和荒诞不经的地步。16世纪，当衰败的瓦卢瓦王的国王查理九世答应送给西班牙国王一支他亲自制作的枪时，那位西班牙大使为之惊诧不已。18世纪，路易十六的妻子玛丽成天抱怨他的丈夫沉湎在他的作坊中，甚至无暇顾及妻子，路易十六在他的作坊中潜心钻研的是钟和锁的奥秘。在这两例中我们似乎瞥见了那些把命运强加于他们身上的角色不相适应的悲剧性人们。这些人在体力劳动中发现了一个聊以自慰的世外桃源。但这对于不理朝政的帝王来说却是不祥之兆。

另外，洛可可风格也在17、18世纪的法国音乐作品中发生影响，但远不如在造型艺术上那样显著。法国作曲家F库普兰所作、深受国王路易十四欣赏的许多室内乐和哈普西科德曲，多玲珑纤巧，装饰华丽，与当时的建筑式样、室内修饰以至于家具构成等各方面在风格上颇有共同之处，这些作品常被认为是洛可可风格在音乐上的早期反映。法国作曲家 L-C达坎所作的许多哈普西科德曲也多带着洛可可色彩,特别是命名为《杜鹃》的更为典型。法国作曲家 J-P拉莫所作的许多芭蕾舞曲,以和声手法新颖著称，在风格上也属于洛可可一类。

洛可可风格迅速地由法国流传至欧洲各国。在德国，GF亨德尔和巴赫等一代人的某些作品中，也都受到一定程度的影响。如亨德尔的《弥赛亚》中一些装饰富丽的复调写法，JS巴赫的《勃兰登堡协奏曲》中某些变化多端的片段甚至在J海顿和WA莫扎特的一些逗人喜爱的轻松小品中，有时也还存在着洛可可的余音。

意大利作曲家D斯卡拉蒂留下的 600多首哈普西科德曲都非常精致，装饰富丽，是具有明显的洛可可风格的作品。这种风格延续至18世纪路易十五时代达到高潮，18世纪后期逐渐消亡。

风靡一时的奇想多变的洛可可风格随着蓬帕杜夫人的亡故而终止，被路易十五另一情妇杜巴利夫人倡导的新古典主义而取代。但是，洛可可风格的璀璨之处，自有它超时代艺术生命力所在，现代人都公认它是19世纪下叶新艺术运动的前奏。而那些幸存的艺术精品，至今还散发着光芒，并向人们述说着那个岁月的时尚和人们不知道的故事。

　　说到欧洲古典音乐，不能不提到中世纪伊丽莎白时期，格里高利时期的音乐，其中，占主导地位的是宗教音乐！当时的人们对基督的信仰与崇拜，直接影响到了当时社会的政治与音乐，当时的音乐，只是纯粹的宗教用途，只限于在教堂中演唱，没有乐器，但是，却对今后的音乐发展起到了重要的作用！

　　到了1450年，欧洲音乐开始进入了文艺复兴时期，因为当时的欧洲政治的不稳定，教廷的威信与势力开始衰弱，资产阶级萌芽，为了适应当时社会的发展与人们的新思想，音乐开始宣扬以人为本的思想，所以在各个领域里都开始了文艺复兴运动，也就是在那时，欧洲传统的大小调式逐渐形成！

　　欧洲到了1600年开始，进入了一个大发展的时期——巴洛克时期，那时候不仅产生了象大家所熟知的巴赫，亨德尔等伟大的作曲家，歌剧，协奏曲，奏鸣曲等题材相继被创造发展出来。

　　当欧洲音乐进入古典时期后，也就是在1750年巴赫逝世后，欧洲复调后继无人，乐风转向简洁实用的主调，那时候，出现了三位音乐大师：“交响乐之父”海顿，“神童”莫扎特，以及“乐圣”贝多芬！音乐的主题也从延续几个世纪的宗教音乐，逐渐变成富有丰富哲理内涵的古典音乐！

　　在1827年贝多芬逝世后，结束了严谨的古典主义时期。当时的欧洲正在接受浪漫主义的洗礼，当时的作曲家把作曲当作抒发内心情感的手段，对音乐的审美也有了进一步的发展，产生了炫技等音乐表现手法！如当时的帕格尼尼，李斯特等就是那时红极一时的演奏家！音乐表现，风格也日趋丰富，出现了一些以民族音乐语言进行创作的民族作曲家，如芬兰的西贝柳斯，挪威的格里格，俄罗斯的五人强力集团等，都是民族乐派的伟大作曲家～

　　时间进入19世纪，出现了以德彪西为首的印象派音乐！音乐表现极具色彩化，和当时的绘画风格有相同之处！

　　在浪漫主义后期，也就是欧洲调性体系发展到了最辉煌也是最后的时期，我不得不提到拉赫马尼诺夫，马勒等作曲家，他们把欧洲传统作曲法发展到了极致，当然也包括新的尝试，出现了象马勒第八交响曲《千人合唱》这样的宏大的作品。再者，就是斯特拉文斯基，他的新古典主义崇尚复调和对位法，采用多调性，为以后的传统作曲法到先锋音乐的过渡起到了至关重要的作用！

　　时间到了十九世纪末，二十世纪初，音乐又有了突破性的发展，以韦伯恩为开始的作曲家打破十二音作曲法，抛弃了近400年的欧洲调性体系，发明了十二音序列，之后无调性等音乐形式出现，如当时的勋伯格就是代表！在世界大战之后，科技更加发达，人们的思想也更加丰富，出现了电子音乐，以及国家间的文化交流不断融合，产生了更加丰富的音乐形式，更加多元化！在1945年后的音乐被称为先锋音乐，这时候的音乐已经动摇了人们对音乐的美的看法，也更加理论化，产生了象无声音乐，噪音，微分音等人们无法理解的音乐形式！

　　注：按广义的古典音乐定义：从17世纪到19世纪的专业音乐创作来看，印象派音乐和现代音乐皆不属古典音乐之类；若按严格的古典音乐定义，则古典是指海顿、莫扎特、贝多芬等人的音乐作品。

　　中世纪时期

　　（Medieval Period）（1450年前）

　　这一时期主要是罗马天主教会所保存的在教堂中广为演唱的单声部歌曲集。大多用于两种礼拜仪式：一是弥撒，歌词为纪念基督最后晚餐及其献身事迹，这是教 堂仪式的中心；二是日课，就是修道院每天咏唱的八课圣事，主要以诗篇为主。 推荐：GREGORIAN CHANT

　　巴洛克时期

　　（Baroque）（约为公元1600—1750）

　　这一时期的音乐是现代演奏会的先河。作曲家手下的巴洛克音乐带有显见的特性: 华丽、复杂、藻饰、扭曲, 著重于超现实和雄伟宏奇, 这些特质都能彼此融会贯通。如果说文艺复兴时代(以及后来的古典时代)代表著井然的秩序和澄澈的表现, 那么巴洛克时代 (及后来的浪漫时代)就是代表著骚动、不安和疑虑。四声部的和声, 以及加上文字指示和弦的「数字低音」 (figured bass) 都产生于巴洛克时代；旧有的教会调式消逝, 大小调音阶系统和沿用至今的相关调性之崛起, 是巴洛克时代大事。另外, 节奏思想也在这个时代萌芽, 也就是在音乐曲谱中加入小节线。这些形式日后直接衍生为奏鸣曲、交响曲、协奏曲、前奏曲与变奏曲。不过巴洛克时代也不乏一些自由的曲式--如触技曲、幻想曲、序曲和主题模仿(古幻想曲) 。

　　古典主义时期

　　（Classical）（约公元1750—1820）

　　因为这一时期的三位代表性人物：海顿，莫扎特，贝多芬的生活与创作主要都在维也纳，因此又被称为“维也纳古典乐派”或“维也纳古典主义音乐”。此时期作家中，莫扎特的小夜曲、嬉游曲等都很具亲和力。海顿的第一、二号大提琴协奏曲也会是很适合入门者欣赏的曲目。至于贝多芬的作品，轰轰烈烈的音响俯手可得，个人比较欣赏他的小提琴奏鸣曲《春》、钢琴奏鸣曲《悲怆》、《热情》、《月光》。

　　浪漫主义时期

　　（Romanticism）（约为公元1820—1900）

　　这一时期的音乐更注重表达人的精神境界与主观感情，对自然景物的表现也愈加突出，创作上对民族和民间音乐的利用更加重视与频繁。19世纪中后期出现了以振兴本民族音乐为己任的民族乐派。在音乐体裁上出现了新的器乐独奏体裁，如夜曲，即兴曲，叙事曲，谐谑曲，幻想曲与无词歌等。此时期作品风情万种，各自独具特色，入门曲目有舒伯特艺术歌曲精选、《美丽的磨坊少女》；肖邦夜曲、钢琴协奏曲第二号；门德尔松小提琴协奏曲、钢琴协奏曲第一、二号；华格纳歌剧序曲集；布拉姆斯交响曲第一、三号；柴可夫斯基小提琴协奏曲第一号、钢琴协奏曲第一号；拉赫曼尼诺夫钢琴协奏曲第二号、《帕格尼尼主题与变奏》；拉罗《西班牙交响曲》；拉威尔钢琴协奏曲G大调。

　　20世纪的作品有布列顿的《青少年管弦乐指引》、《小交响曲》，斯特拉文斯基的《保钦奈拉》、《彼得洛希卡》，以及普罗科菲耶夫的钢琴奏鸣曲第七号、钢琴协奏曲第一号。在此推荐德国作曲家亨德密特的《韦伯主题交响变奏曲》、《画家马席斯》交响曲，以及美国作曲家科普兰的《马术竞技会》、《一个平凡人的号角》。

嘿嘿，我把刘萍老师上课讲的代表艺术家及其主要的代表作品给你~~!巴洛克:鲁本斯——《下十字架》《劫夺吕西普斯的女儿》《玛丽美第奇的生涯》委拉斯凯兹——《教皇英诺森十世像》《宫女》伦勃朗——《夜巡》、《杜普教授的解剖课》、《戴金盔的男子》雕塑家、建筑家贝尼尼——《圣女德列萨》罗可可美术:华多——《热尔桑画店招牌》《发舟西苔岛》布歇——《浴后的狄安娜》《蓬巴杜夫人》弗拉戈纳尔——《秋千》巴洛克美术特点巴洛克（Baroque）这个词语的意大利语义为奇形怪状、矫揉造作；葡萄牙语义是很大而形状不匀称的蚌珠。人们借用巴洛克这个词来嘲弄具有这种风格的艺术。在当时具有贬义，当时人们认为它的华丽、炫耀的风格是对文艺复兴风格的贬低，但现在，人们已经公认，巴洛克是欧洲伟大艺术风格之一。巴洛克艺术无论是建筑、雕刻、绘画都强调运动感、空间感、豪华感，有时还带有宗教的热情和神秘。巴洛克艺术的重要特点：1、有豪华的特色，既有宗教的特色，又有享乐主义的色彩。2、是一种激情的艺术，打破了理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家的丰富想象力。3、它极力强调运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂。4、它很关注作品的空间感和立体感。5、它具有综合性，强调艺术形成的综合手段。6、它有着浓厚的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导地位。7、大多数巴洛克艺术家有远离生活和时代的倾向。17世纪巴洛克艺术在建筑方面最有代表性的两个人物是：弗波罗米尼和乔凡尼洛伦茨贝尼尼。贝尼尼的重要雕刻代表作有：《阿波罗与达芙妮》、《圣女德列萨》等。罗可可艺术风格的特点洛可可(Rococo)艺术风格产生于法国18世纪。“洛可可”是法文“岩石”的复合词，意思是此风格以岩石和蚌壳装饰为其特色。是巴洛克风格与中国装饰趣味结合起来的、运用多个S线组合的一种华丽雕琢、纤巧繁琐的艺术样式。洛可可风格是宫廷艺术，这种风格是由于当时一些不严格遵循法国古典主义法则的因素而产生的，它并不是意大利巴洛克风格的必然后果。罗可可，是贝壳工艺的同义语，由此引申一种纤巧、华美、富丽的艺术风格或样式。它反映出上流贵族的审美理想和趣味，18世纪欧洲流行的主流艺术样式路易十四时代的官方古典主义以庄严、华丽、沉重的外貌、深刻的思想为其特征；而罗可可及其传统以艳丽、轻盈、精致、细腻和表面上的感官刺激为追求。表现在建筑艺术上是造型的比例关系偏重于高耸和纤细，以不对称代替对称，频繁地使用形态与方向多变的曲线和弧线，排斥了以往那种端庄和严肃的表现手法。在室内常用大镜子作装饰。在装饰纹样中，大量运用花环和花束、弓箭和箭壶以及各种贝壳图案。色彩明快，爱用白色和金色组合色调。在室内装饰和家具配置上，造型的结构线条具有婉转、柔和、造型优雅和安逸等特点。

原帖：拜占庭艺术 和 哥特艺术都是出于中世纪时期啊。

但是拜占庭艺术是东罗马帝国的艺术，东罗马帝国就是现在的土耳其的伊斯坦布尔，而哥特艺术是北欧的野蛮人——哥特人带来的艺术，主要发生地点是法国。两个的代表作品都是教堂。拜占庭式教堂——圣索菲亚大教堂，哥特式的教堂是 巴黎圣母院。

巴洛克艺术是17世纪在欧洲兴起的一种艺术风潮。特点是强调 华丽剧场感 和 强烈的肉欲,以及运动感和宗教感。表现内容以宗教故事和宫廷人物为重。代表人物是雕塑家 贝尼尼 的《阿波罗与达芙妮》，画家 鲁本斯 《帕里斯的评判》。

巴洛克艺术与前两者艺术时间相差数百年，如果说共同点的话就是都强调 浪漫的夸张和宗教感吧。

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补充内容

巴 洛 克 艺 术

巴洛克是17世纪广为流行的一种艺术风格，这个名称出现于18世纪，是古典主义艺术理论家对于上一个世纪的一种艺术风格的称呼。巴洛克美术产生于意大利，后来扩展到整个欧洲，尤其是天主教流行的国家，此后又随着宗教的传播，影响远及拉美和亚洲一些国家，我国圆明园里就有巴洛克风格的建筑。

巴洛克艺术的主要特征大致可以概括为一下几点：

第一，是它的华丽性，由于服务的对象主要是教会上层人物和贵族，故而力求奢华是它的一大特点，巴洛克的建筑、绘画、雕刻都显得十分壮观、豪华。

第二，是它的浪漫性，巴洛克艺术具有浓郁的浪漫主义色彩。文艺复兴时期的美术强调理性的宁静与和谐，而巴洛克美术则强调非理性的无穷幻想，极力打破和谐与平静，巴洛克的雕刻和绘画都充满了紧张的戏剧气氛。

第三，是它的激情性，巴洛克美术作品总是充满激情的，有着强烈的感情色彩，作品往往反映了作者内心的感情世界——悲伤、欢乐、神秘、恐惧等。巴洛克美术不仅外形令人激动，它的内容也是骚动不安的，这与当时动乱不宁的时局有关。

第四，是它的运动性，即它的外在形式上强调运动感，运动可以说是巴洛克艺术的灵魂。一幅画、一件雕塑、一座建筑物都似乎是一瞬间的闪光，它在不断地运动着，有着强烈而复杂的节奏和旋律。巴洛克美术作品中，常见的是它那强烈的明暗对比，而光线的复杂变化更加强了事物的动感和不稳定性。

第五，是它的空间性，文艺复兴时期的美术作品基本是上平面的，而巴洛克美术则非常重视表现空间和立体感，建筑和雕塑作品也是这样，强调层次和深度，尽量打破平面。

第六，是它的宗教性，巴洛克艺术与天主教有着密切的关系，在作品的题材方面，一般多表现殉教、幻觉、神秘的故事和情节。巴洛克美术并未放弃神话题材，不过从比重上看，宗教题材还是占主要地位。

第七，是它的综合性，巴洛克美术十分强调综合的特点，而且有多种综合的形式。一种是建筑和雕刻、绘画的结合；另一种是建筑物本身各个部分的综合，此外巴洛克建筑特别讲究与周围环境的综合。并且巴洛克美术和文学、戏剧、音乐之间的关系也非常密切，文学的题材、戏剧的效果、音乐的节奏和旋律，这些都是贝尼尼等人最热衷追求的东西，而且在他们的作品中常常得到反映。

第八，是它有一定的背离现实生活的倾向，这也是巴洛克艺术非常主要的缺陷之一，这种倾向连最杰出的巴洛克艺术大师贝尼尼和鲁本斯都不可避免。有些巴洛克艺术家过分超凡脱俗，远离现实生活，不重视刻画人物的内心活动。

拜 占 庭 艺 术

巴西尔二世皇帝像拜占廷美术的最大特点是其装饰性、抽象性和宗教寓意。现在存世的拜占廷美术作品大多是教堂中的镶嵌画、壁画和绘画手卷，题材包括耶稣、圣母与圣子、天使和天使长、历代圣人、历代皇帝和主教，以及天堂和地狱的题材。马赛克镶嵌画多为装饰性的，平面构图公式化，善用光辉耀目的颜色，主色为金色和蓝色，间以白、紫、蓝、黄、粉红、绿、红、黑等颜色的图案。 拜占廷的圣像大多用木头制成，上面用小块马赛克或颜料拼出图案，加以金银、珐琅、象牙装饰，镶嵌珠宝。拜占廷圣像艺术对后来俄罗斯、希腊等东正教国家的宗教美术有很大影响，波斯帝国的细密画技术也来自拜占廷马赛克圣像的细密镶嵌技术。 除了宗教主题外，还有一些拜占廷绘画手卷反映了军队、战役、日常生活、动植物和其他题材。 拜占廷的镶宝石珐琅金边玛瑙盘，法国卢浮宫藏品拜占廷文化的另一个特殊之处是其精湛的奢侈品和金银制品工艺。现存于世的拜占廷珍宝（大多是13世纪十字军攻陷君士坦丁堡后劫掠到西欧的文物）反映了拜占廷工艺的高超水平，其中包括镶嵌金丝的丝绸地毯、玛瑙和雪花石膏的黄金圣餐杯；圣餐用的金盘子和餐具；黄金和红蓝宝石封面的福音书；象牙和珐琅做成的镶板及法物箱；金银大烛台；护身符和刻有宗教故事的挂件；丝绸织造的绣金法袍；黄金和马赛克的圣像等。 拜占廷人相信，上天的力量显示在皇帝和教会的金银珠宝上。皇宫和圣索非亚大教堂越是豪华，就越能证明每位基督徒所期盼的来世生活的高贵，因此皇宫和索非亚大教堂成了巨大的珍宝库。1204年，十字军和威尼斯人在圣索非亚大教堂里面发现了1700多座黄金、珍珠、宝石和珐琅做成的小型圣坛，40000多个金银香炉和圣物盒，以及堆积如山的其他财宝。 威尼斯圣马可教堂的帕拉多霍祭坛在存世的拜占廷工艺品中，最精致的是现存于威尼斯圣马可教堂的帕拉多霍祭坛组雕（PalaD'Oro），由黄金、珐琅、珍珠和宝石制成。976年，威尼斯总督委托拜占廷工匠制作了祭坛的中心嵌板，1105年又订购了更多的珐琅嵌板。第四次十字军东征时，威尼斯军队将圣索非亚大教堂和许多修道院的圣像劫到威尼斯，添加到祭坛上。 拜占廷的丝绸制品也是帝国最贵重的商品之一。拜占廷帝国最初的蚕种和养蚕技术在查士丁尼大帝时期从中国走私而来，随后在希腊南部建立了国营的养蚕工业。丝绸生产和纺织由政府严格控制，严禁进行价格投机，或将丝绸专用的紫红色染料出口到国外。紫色丝绸服饰和地毯为皇族专用，其他的丝绸织物则用刺绣技术织出精致的图案。查理曼大帝下葬时身穿的寿衣就是用拜占廷丝绸制成的。到14世纪，随着纺织工艺进一步改进，又出现了图案更加复杂的锦缎，上面织满金丝和银线，被做成礼服、圣坛罩布、帷幔、窗帘、壁毯、地毯，并成为拜占廷帝国对外政策中的重要贡品。

1、 早期：贝多芬、凯鲁比尼、韦伯、帕格尼尼、罗西尼、贝利尼、多尼采蒂、舒伯特、彻尔尼。

2、 前期：门德尔松、肖邦、舒曼、李斯特、白辽士、梅耶贝尔。

3、 中期：威尔第、瓦格纳、奥芬巴赫、布拉姆斯、小约翰·施特劳斯、布鲁克纳、弗兰克、古诺、比才、圣-桑。

4、 民族乐派：格林卡、柴可夫斯基、斯美塔那、德沃夏克、西贝流士、阿尔贝尼兹。

5、 后浪漫主义：福莱、马勒、理查·施特劳斯、拉赫玛尼诺夫、埃尔加、格拉祖诺夫。

浪漫主义乐派是继维也纳古典乐派后出现的一个新的流派，它产生在十九世纪初。这个时期艺术家的创作上则表现为对主观感情的崇尚，对自然的热爱和对未来的幻想。艺术表现形式也较以前有了新的变化，出现了浪漫主义思潮与风格的形成与发展。

扩展资料：

历史

浪漫派时期的音乐则可以从1813年ETA霍夫曼论述贝多芬的浪漫主义精神开始，到1914年勋伯格提出“不协和音的解放”为止。

浪漫派时期的音乐比起之前的巴洛克时期以及古典时期的音乐更注重感情和形象的表现。相对来说看轻形式和结构。浪漫时期的音乐往往富于想象力，相当多的浪漫时期音乐受到非现实的文学作品的影响，而有着相当大的标题音乐成分。

浪漫主义音乐强调多样性，发展和声的作用，对人物性格的特殊品质进行刻画，更多地运用转调手法和半音。贝多芬是浪漫主义音乐的先驱，浪漫主义歌剧的代表是瓦格纳，钢琴音乐的代表是李斯特。

浪漫主义音乐对曲式结构进行了极大的丰富与扩充，出现了诸多小型曲式结构，例如小品曲、幽默曲、叙事曲、阿拉伯风格曲、音乐的瞬间、随想曲、浪漫曲、间奏曲或即兴曲等。

浪漫主义音乐体现了影响广泛和民族分化的倾向，在法国出现了柏辽兹，意大利的罗西尼，匈牙利的李斯特，波兰的肖邦和俄罗斯的柴可夫斯基。浪漫主义音乐在马勒和勃拉姆斯时代式微。

浪漫时期的音乐在晚期出现了更多不同的乐派，包括法国的印象乐派（德彪西、拉威尔）和欧洲各地的民族乐派（西贝柳斯、斯美塔纳、强力集团等）等。

一般可以这样分的：

一、中世纪时期（1450年前）：单声部教堂音乐为主，以格利高里圣咏为代表

二、文艺复兴时期（1450－1600年）：音乐的理论和实践发展，多声部复调音乐盛行，器乐开始兴起

三、巴洛克时期（1600－1750年）：巴赫、维瓦尔第等著名音乐家诞生，音乐理论有了长足发展。器乐曲盛行，数字低音、调性体系等概念出现。这是一个承前启后的时期

四、古典主义时期（1750－1820年）：这一时期的音乐单纯、明朗、优美、均衡为主要特点，数字低音已经舍弃不用，表现手法丰富，奏鸣曲等各种曲式确立。莫扎特是这一时期的典型代表。

五、浪漫主义时期（1820－1910年）：现在说的古典音乐作品中的绝大部分出现在这一时期。这一时期诞生了大量作曲家和优秀的作品。贝多芬是古典主义末期、浪漫主义初期的代表。浪漫主义时期特点是音乐开始有标题，作曲家不再纯粹追求音乐美感，而是表达个人情感，呈现以德奥为主流，民族、地域风格各具特色的趋势

六、20世纪（1900－现在）：新古典主义、新浪漫主义、印象主义等近现代音乐流派出现

。

巴洛克（Baroque)是一种代表欧洲文化的典型的艺术风格，这个词最早来源于葡萄牙语（BARROCO),原意指不规则的珍珠。意大利语（BAROCCO)中有奇特，古怪，变形等解释。作为一种艺术形式的称谓，它是16世纪的古典主义者对16世纪下半叶开始出现在意大利的，背离了文艺复兴艺术精神的一种艺术形式。 

特点       巴洛克风格以浪漫主义的精神作为形式设计的出发点，以反古典主义的严肃、拘谨、偏重于理性的形式 ，赋予了更为亲切和揉性的效果。巴洛克风格虽然脱胎于文艺复兴时期的艺术形成，但却有其独特的风格特点，它摒弃了古典主义造型艺术上的刚劲，挺拔，肃穆，古板的遗风。追求宏伟，生动，热性，奔放的艺术效果。巴洛克风格可以说是一种极端男性化的风格，是充满阳刚之气的，是汹涌狂烈和坚实的。多表现于奢华和夸张和不规则的排列形式。大多表现于皇室宫廷的范围内，皇室家具，服饰和皇室餐具器皿和音乐等。

其代表人物是意大利雕刻家贝尼尼．他最终完成了圣彼得大教堂．这一时期的重要建筑有巴黎凡尔塞宫，路易十四广场，胜利广场．这些都集中体现了巴洛克风格，也体现拥有雄厚财力的统治者好大喜功，唯我独尊的浮夸作风

洛可可艺术风格其特征是：具有微细、轻巧、华丽和繁琐的装饰性；运用C形、S形或漩涡形的曲线 和轻淡柔和的色彩。影响及于十八世纪的欧洲各国，为腐朽没落的封建贵族服务。在十八世纪上半叶，成为风行欧洲的主要倾向。 

　　它在形成过程中，曾受中国清代工艺美术的影响，在庭园布置、室内装饰 、丝织品、瓷器、漆器等方面，表现尤为显著。 

　　建筑方面，以法国巴黎苏比斯府第（ Hotel de Soubise） 和德国波茨但无愁官为代表。 

　　绘画方面法国代表人物有 

　　华铎(Antoine Watteau,1684-1721)、 

　　布雪(Francois Boucher,1703-1770)、 

　　法兰哥那(Jean-Honore‘ fragonard,1732-1806)为代表。 

　　代表作品 

　　洛可可美术最卓越的代表是华铎的《发舟西苔岛》又译《舟发西苔岛》、《乘船去西特尔岛》。 

　　画中题材是取自当时的一个歌剧，描写一群贵族男女，梦寐以求地幻想有一个无忧无虑的爱情乐园。

德拉克洛瓦

“浪漫主义狮子”德拉克洛瓦（1798～1863年）。德拉克洛瓦知识广博、黄绿色 作者:格哈德·里希特情感丰富，擅长音乐，有很高的文学素养。他重视色彩的热烈奔放，认为“色彩是绘画的主角”。他明确提出，要用色彩去塑造形体，而不是如古典派那样在画好的“素描”上“填”颜色。他在1824年首次展出的《希阿岛的屠杀》，描绘了土耳其侵略军在希阿岛大肆掠夺和屠杀手无寸铁的希腊平民的暴行，表达了画家本人对希腊人民的声援与同情。1830年法国“七月革命”爆发，德拉克洛瓦创作了有深刻历史意义的油画《自由引导人民》。德拉克洛瓦的《沙达纳帕路斯之死》、《猎狮》、《阿拉伯人与马》等都是浪漫主义画派的杰作。

借里科

借里科（1791～1824）。法国画家。1791年9月26日生于里昂，1824年1月26日卒于巴黎。青年时代就喜欢画马。曾和E德拉克洛瓦相识，崇拜P·P·鲁本斯、米开朗琪罗和巴洛克美术。21岁时画的《轻骑兵军官》获金质奖。1819年《梅杜萨之筏》引起轰动，这幅反映由于法国政府的过失而使战舰梅杜萨号在非洲触礁沉没的事件，表现了他对人类命运的关注和人道主义精神。该画的出现，引起了各艺术流派的兴趣：新古典主义者研究他的构图和空间处理，浪漫主义者则为画面所具有的强烈感情和悲剧性力量所震撼，而写实主义者对他的题材的真实性备加称赞。热里科一生留存油画191件，素描180余幅，石版画100幅，雕刻6件。他的艺术风格的广泛性和复杂性，预示着浪漫主义、写实主义和早期印象主义的出现。

约瑟夫·透纳

英国浪漫派代表人物约瑟夫·透纳（1775～1851年）。透纳一生画了大量海洋风景画，他通过对海洋上光与空气效果的研究，创造了自己独特的风格。看他的画，观者的心情往往难以平静。画中的阳光、烟霞、水气、浪雾……好像是由纯粹的光的韵律所组合的。他的《贩奴船》、《商船遇难》、《最后一次归航》等，都表明他的海景画已达到炉火纯青的阶段。透纳对光色和空气变化的注重与悉心研究，对后来的印象主义派画家有着明显的影响。

吕德

法国浪漫主义风格的雕塑家吕德（1784～1855）。吕德摈弃了18世纪末19世纪初法国雕塑界流行的形式主义，提倡富于动态和激情的风格。他的代表作是巴黎凯旋门上的高浮雕《马赛曲》，重现了1792年法国人民保卫祖国的历史场面。