协奏曲的分类？

协奏曲虽然比较普遍采用三乐章的套曲形式，但这也不是一成不变的。个别协奏曲有四个乐章(如肖松的《小提琴与钢琴二重协奏曲》和勃拉姆斯的《第二钢琴协奏曲》等)，也有的只有两个乐章(如米亚斯科夫斯基的《大提琴协奏曲》等)。还有一种单乐章的协奏曲，在协奏曲创作中占有更为重要的地位，这是匈牙利作曲家李斯特首创的一种新型协奏曲，接近于交响诗。这种单乐章协奏曲的结构比较复杂，例如李斯特的《第一钢琴协奏曲》虽然只有一个乐章，但是其中明显有四个段落，相当于交响曲的四个乐章，而用统一的主题把这不同的段落串连起来。一般说来，协奏曲总是由独奏乐器和乐队组成的，但也有例外。例如，肖邦的《小提琴与钢琴二重协奏曲》就不用乐队伴奏，而改用一个弦乐四重奏；李斯特的《悲怆》协奏曲则用钢琴以代替乐队；还有的甚至只有独奏声部，如巴赫的《意大利协奏曲》就只用一架钢琴独奏；舒曼也把他的一首钢琴奏鸣曲叫做《无乐队参加的协奏曲》。此外，有些为独奏乐器和乐队而写的作品，例如弗兰克的《交响变奏曲》、里姆斯基-柯萨科夫的《俄罗斯主题幻想曲》和拉赫玛尼诺夫的《帕格尼尼主题狂想曲》等、虽然不叫做协奏曲，却近似协奏曲这一体裁。

协 奏 曲

协奏曲是为独奏和交响乐队而写的一种多乐章大型作品，在这种体裁的作品中，独奏者在乐队的紧密配合下，得以把他所固有的艺术技巧发挥到淋漓尽致的境地。协奏曲(Concerto)一词源自拉丁文Collcertaye，原意是在一起竞争或比赛，也就是两种因素既竞争又协作的意思。协奏曲作为一种新的音乐体裁，最初是在十七世纪的意大利出现的。

协奏曲起先是一种声乐体裁，主要用于教堂中，叫做Concertida chiesa(教堂风格)，它发展成多乐章的作品，很像组曲，但风格更严肃些。十七世纪末，意大利作曲家托列里(Torelli，1658-1709)把协奏曲带出教堂，他所创作的"室内协奏曲"叫做Concerto

da camera(宫廷风格)，规模很小，有时只有两个小提琴加一个低音提琴。当时的这种协奏曲、都有从整个乐队分离出个别乐器以相抗衡的倾向，这种分离出来的小群乐器，或者是几件弦乐器、几件管乐器、键盘乐器，或者任何乐器的组合，一般叫Coceytino (主奏乐器)，余下乐队的大部分叫做ripieno(辅奏乐队)，这二者的结合组成了巴罗克时期的大协奏曲(collcerto grosso)。大协奏曲的创始者除了托列里之外，还有科列里(Corelli，1653-1713)和亨德尔，但是当时他们并未能确定这类大协奏曲的特点，包括乐章的数目，在他们的这类作品中多少还只是一些内容不同的乐章自由转换，其中舞曲形式占居优势。

在科列里的某些协奏曲中，已经开始从乐队中分离出一件乐器--小提琴，使它成为听众所瞩目的中心。这种倾向促使大协奏曲逐渐朝着小提琴协奏曲的方面而发展。但是，小提琴协奏曲这种新体裁的创建者，应该说是意大利作曲家和小提琴家维伐尔第(Vivaldi，1685-1741)。维伐尔第写了大约四百五十首协奏曲，其中有三百首是小提琴协奏曲。维伐尔第确立了协奏曲的三乐章套曲形式--前后两个乐章是快速进行，而夹在当中的第二乐章则缓慢如歌；但是在他的小提琴协奏曲中，他只让小提琴演奏独立的旋律；而没有给它充分的技巧性装饰。独奏声部在协奏曲中的主导地位，是十八世纪下半叶在莫扎特的古典协奏曲中才最终取得的。

莫扎特协奏曲共有四、五十首，除了大提琴和长号外，他为乐队中的每一种乐器都写过协奏曲。莫扎特的大部分钢琴协奏曲虽然已被遗忘，但其中的优秀协奏曲却不乏这一体裁的范例；在莫扎特成熟时期的协奏曲中，独奏声部不但善于同乐队相竞奏，而且往往成为竞奏的得胜者。莫扎特所奠立的古典协奏曲，是三乐章套曲的范型，这种协奏曲的外表同交响曲有点相似，只是它只有一个中间乐章，而交响曲则有两个。像交响曲一样，协奏曲的第一乐章最为扩展，而且多半用奏鸣曲形式写成；但是它同交响曲第一乐章也有差别：首先，协奏曲的第一乐章往往有两个呈示部。我们知道，在一般奏鸣曲或交响曲的第一乐章中，呈示部总要反复一遍--原原本本没有丝毫变化的复奏；我们说协奏曲有两个呈示部，并不是指这种反复的形式，协奏曲的两个呈示部有着实质上的差异。协奏曲的第一个呈示部近似前奏，只由乐队奏出，在这里两个主题都用主调陈述，而且它的呈示都比较紧凑、压缩，好像还只处于胚胎阶段似的，有时个别主题甚至还暂不露面--总的说来，作者这时候好像有意贮存音乐形象的强大表情力量，留待独奏乐器去发挥似的。到第二个呈示部，独奏乐器加入进来了，乐章的基本主题由独奏乐器充分予以揭示。这时，不但乐章的第二主题按奏鸣曲形式的基本要求转入新调，而且连呈示部的连接段和结尾段也都成，为技巧辉煌的段落，它既丰富了呈示部的对比素材，又衬托出富于旋律性的基本音乐形象。类此的"双呈示部。秦鸣曲形式，是古典协奏曲的第一个特点，早期浪漫主义作曲家也袭用这种结构，但是从门德尔松开始，这种形式便废弃不用了。其次，为了丰富独奏声部和为独奏者提供炫技的场所，协奏曲的第一乐章总有一长段华彩乐段的穿插，这华彩乐段以乐章的基本主题素材为基础，由独奏者单独表演，这种表演有时是即兴性的，即听任演奏者尽情发挥，所以作曲者只在乐谱上指出华彩乐段插入的地方，而不把这段音乐写出。但是由于即兴发挥有时会破坏乐曲的统一，所以，在贝多芬之后，这种华彩乐段一般都由作者亲自写出。协奏曲的第二乐章通常总是慢速度的，便于独奏乐器抒发其歌唱性特点。为此，作者有时还为它冠以浪漫曲(Bomance)或小歌(Canzone)等小标题。最后乐章时常带有活跃欢快的特性，往往用奏鸣曲形式或者回旋曲式。所谓回旋曲是由一个基本主题素材同其他各种不同主题交错构成的，由于音乐常常回到基本主题上来，因此有了"回旋"(Rondeau)的名称，这种曲式可以标明为ABABA或ABACADA。

继莫扎特之后，贝多芬的协奏曲在音乐史上具有重要的地位。贝多芬深化协奏曲作品的戏剧性内容，加强了独奏声部与乐队之间的有机联系，并使其中的主题素材具有真正的交响发展，因此贝多芬的协奏曲全然不同于在他之前的那些同类作品。

协奏曲虽然比较普遍采用三乐章的套曲形式，但这也不是一成不变的。个别协奏曲有四个乐章(如肖松的《小提琴与钢琴二重协奏曲》和勃拉姆斯的《第二钢琴协奏曲》等)，也有的只有两个乐章(如米亚斯科夫斯基的《大提琴协奏曲》等)。还有一种单乐章的协奏曲，在协奏曲创作中占有更为重要的地位，这是匈牙利作曲家李斯特首创的一种新型协奏曲，接近于交响诗。这种单乐章协奏曲的结构比较复杂，例如李斯特的《第一钢琴协奏曲》虽然只有一个乐章，但是其中明显有四个段落，相当于交响曲的四个乐章，而用统一的主题把这不同的段落串连起来。一般说来，协奏曲总是由独奏乐器和乐队组成的，但也有例外。例如，肖邦的《小提琴与钢琴二重协奏曲》就不用乐队伴奏，而改用一个弦乐四重奏；李斯特的《悲怆》协奏曲则用钢琴以代替乐队；还有的甚至只有独奏声部，如巴赫的《意大利协奏曲》就只用一架钢琴独奏；舒曼也把他的一首钢琴奏鸣曲叫做《无乐队参加的协奏曲》。此外，有些为独奏乐器和乐队而写的作品，例如弗兰克的《交响变奏曲》、里姆斯基-柯萨科夫的《俄罗斯主题幻想曲》和拉赫玛尼诺夫的《帕格尼尼主题狂想曲》等、虽然不叫做协奏曲，却近似协奏曲这一体裁。

协奏曲在它的历史发展过程中，是作为交响音乐的一种相当大众化的体裁出现的，因为在协奏曲中。又有乐队的强大力量和丰富色泽，又有独奏声部辉煌的技巧表演，这是交响性同辉煌技巧的结合，它使协奏曲这种体裁得以满足不同听众的要求，成为广大听众所易于接受和爱好的一种体裁。

　　艺术歌曲（Art song）：18世纪末19世纪初，欧洲盛行的一种抒情歌曲，通称艺术歌曲。它包括：（1）歌词多半是采用著名诗歌；（2）侧重表现人的内心世界；（3）多采用钢琴伴奏；（4）表现手段及作曲技法比较复杂。

　　前奏曲(Prelude)：是一种自由结构的短曲，常放在具有严谨结构的乐曲或套曲之前作为序引。如巴赫的《平均律钢琴曲集》。

　　练习曲(Studi)：分为两种：（1）一种为乐器演奏的技术训练而创作的乐曲，常有特定的技术上的目的，如车尔尼；（2）一种为音乐会练习曲，由前者派生出来，并逐渐演变为一种炫技性的艺术作品，如肖邦，李斯特，德彪西，斯特里亚宾等。

　　波兰舞曲(Polonaise)：最初是为贵族的沙龙用作伴奏之用的，后来被城市作曲家移植到钢琴音乐中。肖邦笔下的这种体裁是三拍子，中速的，形式上对称严谨，有浑厚的钢琴织体。

　　奏鸣曲(Sonata)：一种多乐章的器乐套曲，也称“奏鸣曲套曲”。由三、四个相互形成对比的乐章构成，用一种乐器独奏或一种乐器与钢琴合奏，其中各乐章的基本特点和曲式结构为：第一乐章为快板，用奏鸣曲式；第二乐章为慢板，用变奏曲式，复三部曲式或自由的奏鸣曲式；第三乐章为小步舞曲或谐谑曲，用复三部曲式；第四乐章为快板或急板，用奏鸣曲式或回旋曲式。

　　协奏曲(Concerto)：一件乐器或两件乐器与管弦乐队竞奏，Concerto一词两意：一为“竞争”；一为“同心协力”。由此可看出协奏曲的特征。在第一乐章的结尾部分设置有华彩段，强调独奏演员的技巧。

　　16世纪出现教堂协奏曲，18世纪末独奏乐器协奏曲基本定型，莫扎特创作了不同独奏乐器的协奏曲，确立了沿用至今的协奏曲曲式结构。19世纪初，贝多芬运用叫乡音乐的协作手法，将协奏曲的艺术水平提高到了一个新的高度。协奏曲一般由三个乐章组成，第一乐章快板，采用奏鸣曲式，并常殿以华彩乐段；第二乐章多为抒情的慢板；第三乐章快板，一般用回旋曲式或奏鸣曲式。第二和第三乐章之间，有时也插入华彩乐段。此外，也有单乐章的协奏曲作品。

　　交响诗(Symphoic poem)：一种单乐章的管弦乐曲，由李斯特首创，他提倡将文学与音乐相结合，使用标题提示听众，李斯特创作了13首交响诗，其后有众多作曲家运用这种体裁进行创作，如斯美塔纳，理查•施特劳斯等。交响音诗、交响音画、交响童话、交响幻想等都属于此类。

　　交响曲(Symphony)：充分发挥各种预期的功能和表现力来塑造音乐形象，并以交响乐队来演奏的大型套曲形式。

　　序曲(Overture)：歌剧、清唱剧、舞剧、其他戏剧音乐和声乐、器乐套曲的开始曲。斯卡拉蒂——意大利式序曲；速度为快—慢—快；吕利——法国式序曲，速度为慢—快—慢；18世纪后古典主义序曲大多采用奏鸣曲的戏剧结构。19世纪浪漫主义音乐家把序曲发展成为一种独立的标题性管弦乐欣赏。

　　变奏曲：是对一个音乐主题进行一系列的变化和反复所构成的音乐作品。依变奏手法的不同可分为严格变奏曲（含固定低音变奏曲和装饰性变奏曲两种）和自由变奏曲两类。变奏曲可以有一个音乐主题，也可以有两个音乐主题（即二重变奏曲）

　　华彩乐段：意大利正歌剧中独唱者在咏叹调处即兴发挥的段落，后来在协奏曲乐章的末尾处常插用此段落，通常是由独奏者一人完成。华彩乐段的演奏比较自由，难度也较大，演奏者可在此充分发挥其演奏技巧及乐器的表现性能。华彩乐段最初是由演奏者即兴表演，后来成为作曲家创作作品的组成部分。

　　组曲：由若干相互对比的乐章连接而成的管弦乐曲或钢琴曲，其中的各曲具有相对的独立性，的国古典组曲通常由同调的阿库萨基四首舞曲组成。近代组曲有从歌剧、舞剧、戏剧音乐或**音乐中选出若干段乐曲而辑成的，也有标题交响组曲等。

　　套曲：是包括若干乐曲或乐章的成套器乐或声乐曲，用套曲曲式结构。器乐套曲主要有古典组曲、近代组曲、奏鸣曲、交响曲、协奏曲和交响诗等，如斯交响诗套曲《我的祖国》。

　　古希腊音乐的形态特征(旋律、节奏、织体、调式体系)

　　旋律与节奏：古希腊的音乐是以诗、乐、舞三位一体为主的音乐艺术（实际上萌芽阶段的音乐艺术基本都是如此，音乐并不是以声音的形式独立存在的。如中国的“葛天氏之乐”）。其中诗的地位远高于乐，所以旋律和节奏都受到歌词抑扬顿挫和长短节奏的影响。

　　所谓的织体，可以分成三类，即单声织体（只有一条单旋律），复调织体（两条或两条以上的旋律同时出现），主调织体（也称作和声织体，即一条旋律加上和声）。古希腊和古罗马时期的音乐艺术属于极为初级的阶段，因此还是单声织体。

　　调式体系：此时的调式都是一部落名称为名，为八度或者双八度音节从上至下排列，以四音列为基础单位。在古希腊音乐理论家看来，每一种调式都有不同的伦理特性，如亚里士多德认为：多利亚调式是坚定、富于男子气概的，弗里几亚调式是可以激发热情的，利第亚调式则带有感伤的意味。（有趣的是中国古代的音乐家所处的地带与古希腊罗马相距甚远，二者没有面对面的交流，但是也同样认为音乐具有伦理特性……后来这种特性被人们所忽视，直到现在音乐治疗的出现，人们才意识到音乐的这一功能，虽然其重要性还没有被广泛地重视，我相信在不远的将来，音乐治疗这一至今还没有被重视的方式将会十分流行）。

　　古希腊主要的音乐体裁（各自的形式特征；与文学、宗教仪式、生活的关系）：

　　荷马时代的英雄史诗（《伊利亚特》和《奥德修》等），宗教崇拜音乐（如太阳神和酒神颂歌），希腊悲剧和喜剧，独唱抒情诗歌，竞技比赛中的合唱（实质上并不是多声的齐唱）及舞蹈音乐、器乐独奏曲。

　　西方音乐以七弦琴(lyre)作为音乐的标志乐徽。 七弦琴(lyre)，又名里拉琴。

　　西洋音乐主要指欧洲的音乐，由于欧洲历史上统治阶层比较重视音乐，因此许多音乐家都得到资助和保护，发展出比较完善的音乐理论。目前西方的音乐理论在全世界的音乐界占有主导地位，欧洲音乐界发展的记谱法和作曲的程式得到世界的公认。

　　西方音乐分为以下8个阶段：

　　1古希腊罗马时期的音乐

　　时间约为公元前3200年~公元400年。这部分的音乐资料只能从考古而来，从发掘出的绘画、雕塑及少量流传下来的诗歌文学与哲学著作可以进行了解，但几乎是不可能聆听与欣赏。有资料统计这一阶段残存下来的乐谱还不到10件，但是从残存下来的雕塑等诸多文化遗产可以看出曾经存在过的辉煌与成就，古希腊的大哲学家都曾对音乐进行过讨论与研究，这被后人视为西方音乐之源。

　　在公元前12世纪~前8世纪荷马时期的两部史诗反映了古希腊的音乐文化。史诗本身既是文学作品又是音乐作品，它由职业弹唱艺人“阿埃德”用一种叫基萨拉的乐器伴奏吟唱。

　　公元前776年，古代奥林匹克运动会开始举行，在比赛时常伴有音乐，后来产生了音乐比赛。

　　公元前7世纪~前6世纪，斯巴达把音乐作为国事活动与教育的重要手段，使音乐得到了进一步的发展。

　　公元前146年后，古罗马征服希腊后，它的文化主要受益于希腊，同时又吸收了叙利亚、巴比伦、埃及等国的文明成果。

　　2中世纪时期的音乐

　　西元476年罗马帝国瓦解后，希腊、罗马文明变趋衰微。 日耳曼人统治欧洲西半部，历史上称为“黑暗时期”，也就是“中世纪时期”。

　　教会是当时人们的生活重心，具有政治、经济、文化的重要地位，艺术家在宗教中生存，因此当时艺术与宗教息息相关。

　　这时期的音乐活动受到基督教影响很大，音乐多以宗教仪式或歌唱颂歌为主，以功能为重，例如格雷果圣歌。 歌词多是采自圣经。

　　特色是旋律高低起伏变化小，缺乏和声基础，表现朴实。

　　对中世纪音乐贡献最大的是米兰主教安布罗斯和教皇格里高利一世。

　　公元390年左右，安布罗斯推行对圣歌的双声合唱，引入和声，并准许非僧侣、教士的俗人参与演唱。是教会音乐得以发展和普及。

　　公元590年-604年在位的教皇格里高利一世，编出一套用于庄严礼拜的曲目，并用法律形式规定在祈祷仪式中必须有音乐，形成一整套格里高利圣咏，成为宗教创作的典范，后来又发展出记谱法，虽然尚没有小节线和五线谱，但使用高低位置记谱的方法为五线谱的发明提供了基础，这种记谱法只有四行线，每行前面有三个菱形谱号，结尾有一个菱形谱号提示下一行音高，基本是五线谱的雏形，但不能表示节奏。还成立了培养歌手的学校，在教会势力范围内大力推行音乐，使教会音乐在10世纪以前成为欧洲的主要音乐形式。

　　3文艺复兴时期的音乐

　　文艺复兴时期约为公元1450-1600年，在中世纪“新艺术”的基础上，更加追求人性的解放与对人的内心情感的抒发与表达。这时的音乐家在人文主义思潮的推动下，对复调音乐进行了发展和变革，声乐与器乐逐渐分离而独立发展。这一时期五线谱已得到完善，印刷术也运用到曲谱上，这都使音乐的传播更加便利和广泛。这一时期有以下几个较有影响力的乐派：

　　尼德兰乐派

　　主要音乐活动在尼德兰的一批音乐家。创作内容多为弥散曲与经文歌等宗教音乐，也有世俗音乐。代表人物有迪费、若斯坎、汴舒阿、奥凯格姆等。

　　威尼斯乐派

　　在1530-1620年间的一个器乐乐派，其特点是音响气势宽广宏大、对比效果鲜明。创作内容有铜管乐与弦乐的重奏曲、管风琴的前奏曲、幻想曲与托卡塔等。代表人物有维拉特、A加布里埃利等。

　　罗马乐派

　　此时期的一个专门创作服务于宗教作品的乐派，以无伴奏合唱的形式为主。代表人物有帕莱斯特里纳、GM纳尼诺、F索里亚诺等。

　　4巴洛克音乐

　　巴洛克音乐指欧洲在文艺复兴之后开始兴起，且在古典主义音乐形成之前所流行的音乐类型，延续期间大约从1600到1750年之间的150年。

　　巴洛克（Baroque）一词来源于葡萄牙语“Barocco”，意指形态不够圆或不完美的珍珠，最初是建筑领域的术语，后逐渐用于艺术和音乐领域。在艺术领域方面，巴洛克风格的特征是精致细腻的装饰以及华丽的风格，造成这种现象的主因，是因为巴洛克时期是贵族掌权的时代，富丽堂皇的宫廷里奢华的排场正是新的文化以及艺术的发展中心，而这个大环境的改变也直接的影响到了音乐家的创作。十七、八世纪宫廷乐师所写的音乐作品，绝大部分是为上流社会的社交所需而做，为了炫耀贵族的权势以及财富，当时的宫廷音乐必定得呈现出炫耀的音乐以及不凡的气度，以营造愉悦气气氛。

　　巴洛克音乐的特点是极尽奢华，加入大量装饰性的音符。节奏强烈、短促而律动，旋律精致。复调音乐（复音音乐）仍然占据主导地位，大小调取代了教会调式，同时主调音乐也在蓬勃发展。于是复调的和声性越来越明显。复调在 JS巴赫时代发展到极致。

　　数字低音及即兴创作是巴洛克重要的部分，并且管弦乐团编制尚未标准化。

　　5古典主义音乐

　　古典主义音乐指的是1730－1820年这一段时间的欧洲主流音乐，又称维也纳古典乐派。此乐派三位最著名的作曲家是海顿、莫扎特和贝多芬。

　　古典主义音乐承继著巴洛克音乐的发展，是欧洲音乐史上的一种音乐风格或者一个时代。这个时代出现了多乐章的交响曲、独奏协奏曲、弦乐四重奏、多乐章奏鸣曲等等体裁。而奏鸣曲式和轮旋曲式成为古典时期和浪漫时期最常见的曲式，影响之深远直至二十世纪。乐团编制比巴洛克时期增大，乐团由指挥带领逐渐变成一种常规。现代钢琴在古典时期出现，逐渐取代了大键琴的地位。

　　随着法国大革命对社会造成的冲击，作曲家的生计也受到影响，由最初依赖宫廷、教会供养转变为独立的经营者。

　　6浪漫音乐

　　浪漫主义主要用于描述1830—1850年间的文学创作，以及1830—1900年间的音乐创作。

　　浪漫主义音乐是古典主义音乐（维也纳古典乐派）的延续和发展，是西方音乐史上的一种音乐风格或者一个时代。

　　浪漫主义音乐比起之前的维也纳古典乐派的音乐，更注重感情和形象的表现，相对来说看轻形式和结构方面的考虑。浪漫主义音乐往往富于想象力，相当多的浪漫主义音乐受到非现实的文学作品的影响，而有着相当大的标题音乐成分。浪漫主义的因素，则包含在从古至今的音乐创作当中，而不仅仅局限于某一个时代，因为音乐创作本身，就是想象力的一种表现，而浪漫主义恰恰是想象力的最佳体现。

　　贝多芬是古典主义音乐的集大成者和终结者，也是浪漫主义音乐的先行人，浪漫主义音乐抛弃了古典音乐的以旋律为主的统一性，强调多样性，发展和声的作用，对人物性格的特殊品质进行刻画，更多地运用转调手法和半音。浪漫主义歌剧的代表是韦伯，音乐的代表是舒伯特。

　　浪漫主义音乐体现了影响广泛和民族分化的倾向，在法国出现了柏辽兹，意大利的罗西尼，匈牙利的李斯特，波兰的肖邦和俄罗斯的柴科夫斯基。浪漫主义音乐在瓦格纳和布拉姆斯时代逐渐走入历史。

　　7现代音乐

　　现代音乐，也称现代古典主义音乐（20th century classical music)，是指自1900年起至今，继承欧洲古典音乐而来的一个音乐纪元，音乐门派繁多，风格多样。在此之前，现代音乐有两大源流：古斯塔夫·马勒与理察·施特劳斯的后浪漫乐派、和德布西的印象乐派。其分派下音乐种类更是繁多，包括了如布列兹的序列音乐、极简音乐，Steve Reich和Philip Glass使用简单三音和弦，Pierre Schaeffer的具体音乐，Harry Partch、Alois Hába和其他人的微分音音乐，还有约翰·凯吉的机率音乐。

　　在现代音乐之前，作为前继者的欧洲古典音乐家如巴托克·贝拉、马勒、理察·斯特劳斯、浦契尼、德布西、艾伍士、艾尔加、荀白克、拉赫玛尼诺夫、普罗高菲夫、史特拉文斯基、肖斯塔科维奇、布瑞顿、柯普兰、尼尔森等人。当时古典音乐也和爵士乐相互影响，有音乐家能同时在两个领域作曲者如盖希文及伯恩斯坦。

　　现代音乐一个极重要的特点是开始有所谓传统及前卫之分别，它们的音乐原则在一方占极其重要性者，在另一方往往不是那么重要或不被接受。例如魏本、卡特、瓦瑞斯、米尔顿·巴比特等人对前卫领域有重要贡献，但是，在此领域外就常常被攻击。随着时间，前卫的概念已经逐渐的被接受，两个领域彼此之间的分野不再那么壁垒分明，并且出人意表的，这些开拓性的技巧常常被流行音乐所引用：Beatles、平克·佛洛伊德、迈克欧·菲尔德、超脱乐团、电台司令等等耳熟能详的歌星，还有许多**使用的配乐。

　　必须注意的是，这篇文章仅仅提领出二十世纪音乐的大纲，所提到的音乐家在一个方面做出贡献，并不代表他只在该领域发挥。例如史特拉汶斯基在他作曲家生涯的不同时期，他同时被认为是浪漫乐派、现代乐派、新古典主义、以及序列音乐的成员。

　　二十世纪的经济和社会型态对音乐也有重大的影响力，世界在工业化时代有了逐渐进步的录音和回放设备，从录音带到CD到DVD，有了广播和电视，以及整个资本主义脉络的内嵌。十九世纪的人大多自己创作音乐，或者在音乐会上听到音乐。

　　8新世纪音乐（英语：New Age music）又译作新纪元音乐，是一种在1970年代出现的一种音乐形式，最早用於帮助冥思及洁浄心灵，但许多后期的创作者已不再抱有这种出发点。另一种说法是：由于其丰富多彩、富于变换，不同于以前任何一种音乐；它并非单指一个类别，而是一个范畴，一切不同以往，象征时代更替诠释精神内涵的改良音乐都可归于此内，所以被命名为New Age，即新世纪音乐。