一， 鉴赏基础
1美术的基本语言元素，就是点、线、面、色，任何美术种类的任何语言表达方式都是在这四个元素的基础上形成和演化开来的。
2美术的语言表达手段，在西方绘画中就是明暗、空间、透视、构图、肌理等，在中国绘画中就是笔墨、章法、皴法等。（要求：在绘画作品中能够找出它所表达的手段）
3美术的语言规则 化与统一、对比与和谐、比例与尺度、对称与均衡、节奏与韵律。
4美术的语言方式，具象艺术、意象艺术、抽象艺术。
具象艺术：（再现客观世界）指艺术形象与自然对象基本相似或极为相似的艺术。
意象艺术：（对客观世界的主观表达）是艺术家在艺术构思的过程中，将主体的审美情感、审美认识与把握到的客观物象相融合，并以一定的艺术表现手段和规律作为媒介，所形成的存在于观念中的艺术形象。艺术意象是艺术家审美理想和审美意蕴追求的体现，是主观与客观的统一。
抽象艺术：（美术作品可以什么都不像吗？）抽象艺术指艺术形象较大程度偏离或完全抛弃自然对象外观的艺术。抽象艺术一般被认为是一种不描述自然世界的艺术，它透过形状和颜色，以主观方式来表达。抽象一词原义指人类对事物非本质因素的舍弃与对本质因素的抽取。
5美术的鉴赏方法，
第一从分析形式和形象入手 第二对内容的理解、体验 第三对内蕴的探究与领悟
基本常识（美术术语）：
美术，指占据一定空间、具有可视形象以供欣赏的艺术一般指除了建筑艺术之外的造型艺术的通称。也称“造型艺术”。按照目的可分为两大类，即：纯美术和工艺美术两类。
黄金分割，亦称黄金律、黄金比例。在一条线段上，按照最佳长短比例，将此线段分割为长段与短段，或按此最佳长短线段的比例构成一个矩形的最佳的长边与短边的比例，即构成黄金分割。
二度空间，绘画术语。指由长度和高度两个因素组成的平面空间。
三度空间,绘画术语。指由长度、高度、深度三个因素构成的立体空间。绘画中为真实地再现物象，必须在平面上表现出三度空间的立体和纵深效果。
透视,绘画法理论术语。“透视”一词原于拉丁文“perspclre”（看透）。最初研究透视是采取通过一块透明的平面去看景物的方法，将所见景物准确描画在这块平面上，即成该景物的透视图。后遂将在平面画幅上根据一定原理，用线条来显示物体的空间位置、轮廓和投影的科学称为透视学。（近大远小）
明暗 绘画术语。指画中物体受光、背光和反光部分的明暗度变化以及对这种变化的表现方法。物体在光线照射下出现三种明暗状态，称三大面，即：亮面、中间面(灰面)、暗面。
构图，造型艺术术语。指作品中艺术形象的结构配置方法。它是造型艺术表达作品思想内容并获得艺术感染力的重要手段。
色彩，绘画的重要因素之一。是各种物体不同程度地吸收和反射光量，作用于人的礼堂所显现出的一种复杂现象。由于物体质地不同，和对各种色光的吸收和反射的程度不同，使世间万物形成千变万化的色彩。人眼可以识别的色彩种类是，男人130万种女人180万种。
三原色，色彩中的三原色是红、黄、蓝。
绘画，用笔等工具，墨、颜料等材料在纸、纺织物、墙壁等上画图或作其他可视的形象
雕塑，是指以立体视觉艺术为载体的造型艺术（薛宣林定性）。雕塑是造型艺术的一种。圆雕、浮雕和透雕（镂空雕）是其基本形式。
工艺美术，通常指美化生活用品和生活环境的造型艺术它的突出特点是物质生产与美的创造相结合,以实用为主要目的,并具有审美特性 造型艺术之一。
建筑，建筑是人们用土、石、木、钢、玻璃、芦苇、塑料、冰块等一切可以利用的材料，建造的构筑物。建筑的本身不是目的，建筑的目的是获得建筑所形成的“空间”。
速写，以迅速而准确的观察力，运用简练的线条，扼要地描画出对象的神态、形体、动作等特征的一种画法。它是培养作画者敏锐的观察力和迅速把握对象特征的概括力的重要绘画手段，也是积累创作素材的重要手段。
素描，一种主要以单色线条和块面来表现物象的绘画形式。通常所为锻炼绘画基本功的手段，以训练观察和表现客观物象的形体、结构、明暗、质感、量感和空间感的能力。
中国画，汉族传统绘画形式是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上，这种画种被称为“中国画”，简称“国画”。我国传统绘画（区别于“西洋画”）。工具和材料有毛笔、墨、国画颜料、宣纸、绢等，题材可分人物、山水、花鸟等，技法可分工笔和写意，它的精神内核是“笔墨”。
油画，是以用快干性的植物油（亚麻仁油、**油、核桃油等）调和颜料，在画布亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。作画时使用的稀释剂为挥发性的松节油和干性的亚麻仁油等。画面所附着的颜料有较强的硬度，当画面干燥后，能长期保持光泽。凭借颜料的遮盖力和透明性能较充分地表现描绘对象，色彩丰富，立体质感强。
二，鉴赏内容
中国各个时期有代表性的美术家
顾恺之（348— 409 )，字长康，晋陵无锡（今江苏无锡）人。魏晋时期著名画家，精于人像、佛像、禽兽、山水等，时人称之为三绝：画绝、文绝和痴绝。顾恺之与曹不兴、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。顾恺之作画，意在传神，其“迁想妙得” “以形写神”等论点，以及提出的“六法”。流传至今的《女史箴图》、《洛神赋图》、《列女仁智图》等均为唐宋摹本。
阎立本（约601～673）， 中国唐代画家兼工程学家。汉族，雍州万年(今陕西省西安临潼县)人，出身贵族。他善画人物、车马、台阁，尤擅长于肖像画与历史人物画。他的绘画，线条刚劲有力，神采如生，色彩古雅沉着，笔触较顾恺之细致，人物神态刻画细致，其作品倍受当世推重，被时人列为“神品”。他的作品有有《步辇图》、《古帝王图》、《职贡图》、《萧翼赚兰亭图》等传世。
张萱，京兆（今陕西省西安市）人。开元（7l3～741）年间可能任过宫廷画职。流传下来的著名作品是《捣练图》和《虢国夫人游春图》。
顾闳中五代南唐画家。江南人。元宗、后主时任画院待诏。工画人物，用笔圆劲，间以方笔转折，设色浓丽，善于描摹神情意态。存世作品有《韩熙载夜宴图》。该画真实地描绘了在政治上郁郁不得志的韩熙载纵情声色的夜生活，成功地刻划了韩熙载的复杂心境。
黄筌(903-965)五代时西蜀画院的宫廷画家,〔五代•后蜀〕字要叔，成都(今属四川)人。所画禽鸟造型正确，骨肉兼备，形象丰满，赋色浓丽，钩勒精细，几乎不见笔迹，似轻色染成，谓之“写生”。与江南徐熙并称“黄徐”，形成五代、宋初花鸟画两大主要流派。今有《写生珍禽图》。
张择端（1085—1145），字正道。汉族，琅邪东武（今山东诸城）人。北宋著名画家。他的风俗画《清明上河图》，系世界名画之一，也是他的代表作，描绘当年汴京近郊在清明时节社会各阶层的生活景象，真实生动，是一件具有重要历史价值和杰出艺术成就的优秀风俗画。经过近千年的漫长岁月，至今仍完好地保存在北京故宫博物院。
范宽（据画史记载，他生于五代末，在宋仁宗天圣年间（1023－1031）年还健在。）北宋山水画家，生活于北宋前期，名列北宋山水画三大名家之一。陕西华原（今耀县）人。《溪山行旅图》、《关山雪渡图》、《万里江山图》、《雪景寒林图》是其代表作品。
赵佶(1082～1135)宋徽宗，神宗11子，哲宗弟。哲宗病死，太后立他为帝。在位25年，国亡被俘受折磨而死。确定他的真迹有《诗帖》《柳鸭图》《竹禽图》。
倪瓒(1301～1374)元代画家、诗人。初名珽。字泰宇，后字元镇，号云林居士。工诗画，画山水意境幽深。与黄公望、王蒙、吴镇为元季四家。画作有：《江岸望山图》、《竹树野石图》、《溪山图》、《六君子图》等。
徐渭（1521—1593）汉族山阴（今浙江绍兴）人。号天池山人中国明代文学家、书画家。是明代中期文人工笔花鸟画的杰出代表，著名作品《墨葡萄图》轴、《山水人物花鸟》册。
朱耷da（1626—1705），号八大山人，入清后改名道朗， 字良月，号破云樵者。汉族，南昌（今属江西）人 。明末清初画家，明亡后削发为僧。绘画以大笔水墨写意著称，并善于泼墨，尤以花鸟画称美于世。在创作上取法自然，笔墨简炼，大气磅礴，独具新意，创造了高旷纵横的风格。《孔雀竹石图》《河石水禽图》。
郑板桥，又名郑燮，是中国历史上杰出的艺术名人，“扬州八怪”的主要代表，以三绝“诗、书、画”闻名于世的书画家、文学家。画擅花卉木石，尤长兰竹。兰叶之妙以焦墨挥毫，藉草书中之中竖，长撇运之，多不乱，少不疏，脱尽时习，秀劲绝伦。代表作《兰竹石图》。
林风眠原名林凤鸣，生于广东梅县，自幼喜爱绘画。他先在蒂戒美术学校进修西洋画，后又转入巴黎国立高等美术学校深造。1927年林风眠受蔡元培之邀赴杭州创办国立艺术院（后中国美术学院）任校长。代表作《油灯花果》。
齐白石（1864－1957），汉族，湖南湘潭人，二十世纪十大画家之一，世界文化名人。号兰亭、濒生，别号白石山人，遂以齐白石名行世。在他的笔下，大凡花鸟虫鱼、山水、人物无一不精，无一不新，为现代中国绘画史创造了一个质朴清新的艺术世界。作品《群虾图》、《蛙声十里出山泉》等。
徐悲鸿（1895－1953），汉族，生于中国江苏宜兴屺亭桥。中国现代美术事业的奠基者，杰出的画家和美术教育家。自幼随父亲徐达章学习诗文书画。先后留日、法，游历西欧诸国，观摹研究西方美术。他擅长素描、油画、中国画。他把西方艺术手法融入到中国画中。他的素描和油画则渗入了中国画的笔墨韵味。他的创作题材广泛，山水、花鸟、走兽、人物、历史、神话，无不落笔有神，栩栩如生。作品《八骏图》、《愚公移山》。
中国古代、近代优秀美术作品
人面鱼纹彩陶盆 20世纪50年代在西安半坡村出土，是新石器时代陶器珍品。彩陶是在陶器表面以红黑赭白等色作画后烧成，彩画永不掉落。此盆由细泥红陶制成敞口卷唇，盆内壁用黑彩绘出两组对称的人面鱼纹。
司母戊大方鼎是中国商代后期（约公元前16世纪至公元前11世纪）王室祭祀用的青铜方鼎，1939年3月19日在河南省安阳市一片农地中出土，因其鼎内部铸有“司母戊”三字而得名，是商朝青铜器的代表作。夏、商、周时期青铜器艺术成就最为突出。
长沙马王堆帛画，中国古代画种。因画在帛上而得名。帛是一种质地为白色的丝织品，在其上用笔墨和色彩描绘人物、走兽、飞鸟及神灵、异兽等形象的图画，兴起于战国时期，至西汉发展到高峰。汉代帛画艺术成绩突出。
秦始皇兵马俑是兵马俑多用陶冶烧制的方法制成，先用陶模作出初胎，再覆盖一层细泥进行加工刻划加彩，有的先烧后接，有的先接再烧。世界第八大奇迹。
敦煌莫高窟俗称千佛洞，被誉为20世纪最有价值的文化发现、“东方卢浮宫”，它始建于十六国的前秦时期，历经十六国、北朝、隋、唐、五代、西夏、元等历代的兴建，形成巨大的规模，现有洞窟735个，壁画45万平方米、泥质彩塑2415尊，是世界上现存规模最大、内容最丰富的佛教艺术圣地。1987年，被列为世界文化遗产。
故宫位于北京市中心，旧称紫禁城。是明、清两代的皇宫，无与伦比的古代建筑杰作，世界现存最大、最完整的木质结构的古建筑群
苏州园林中国苏州城内的园林建筑，以私家园林为主，形成于五代，成熟于宋代，兴旺于明代，鼎盛于清代。占地面积不大，但以意境见长，以独具匠心的艺术手法在有限的空间内点缀安排，移步换景，变化无穷。1997年，苏州古典园林作为中国园林的代表被列入《世界遗产名录》。
外国各时期有代表性的美术家及代表性和影响力的主要美术风格和流派
列奥纳多•达•芬奇，意大利文艺复兴三杰之一，也是整个欧洲文艺复兴时期最完美的代表。他给后人留下了众多传世名画，以及其它科学领域的研究成果。他的美术作品深奥而富于哲理。主要作品《最后的晚餐》《岩间圣母》《蒙娜丽莎》等。
米开朗基罗•博那罗蒂（1475－1564)，意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家、建筑师和诗人，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表。与拉斐尔和达芬奇并称为文艺复兴后三杰。他的作品雄伟又气势恢宏。代表作品《垂死的奴隶》、《被缚的奴隶》、《摩西》、《大卫》和西斯廷天顶壁画《创世记》等。
拉斐尔（1483—1520）和达•芬奇、米开朗琪罗并称文艺复兴三杰，也是三杰中最年轻的一位。拉斐尔谢世时年仅37岁，但由于他勤勉的创作，给世人留下了300多幅珍贵的艺术作品。他的作品博采众家之长，形成了自己独特的风格，代表了当时人们最崇尚的审美趣味，成为后世古典主义者不可企及的典范。代表作油画《西斯廷圣母》、壁画《雅典学院》等。
彼得保罗鲁本斯(1577-1640) 9岁时随父母移居佛兰德斯。油画《强劫留西帕斯的女儿》、《圣乔治斗恶龙》、《阿玛戎之战》等，笔法洒脱自如，整体感强。形成了一种热情洋溢地赞美人生欢乐的气势宏伟，色彩丰富，运动感强的独特风格，成为巴洛克美术的代表人物。
杰克•路易斯•达维特（1748-1825）法国大革命时期的杰出画家，新古典主义的代表人物。也是一位重要的美术教育家，并使法国取代意大利成为欧洲美术运动的中心。他能够深刻的刻画人物的性格和社会地位。他的肖像画始终是结构严谨、找不到任何不确定的复杂和矛盾的东西，这些特点与在暴风雨般的革命年代中所形成的关于人的品质的新观念是互相适应的。代表作《马拉之死》、《荷拉斯兄弟宣誓》、《拿波伦加冕》、《拿破仑骑马像》。
欧仁•德拉克罗瓦（1798年—1863）法国著名画家，曾师从法国著名的古典主义画派画家杰克•路易斯•达维特学习绘画，但却非常欣赏荷兰画家彼得•保罗•鲁本斯的强烈色彩的绘画，热心发展色彩的作用，成为浪漫主义画派的典型代表。他的画作对后期崛起的印象派画家和梵高的画风有很大的影响。代表作《希阿岛的屠杀》《自由***民》《但丁之舟》。
让•弗朗索瓦•米勒〔1814-1875〕是法国近代绘画史上最受人民爱戴的现实主义画家。他那纯朴亲切的艺术语言，尤其被广大法国农民所喜爱。他出身于农民世家，幼年时便显露出绘画的天才，受到老师的鼓励而立志学习绘画。作品《播种者》、《牧羊女》、《拾穗》、《晚钟》等。
克劳德•莫奈（1840年－1926年），法国画家，印象派代表人物和创始人之一。莫奈是法国最重要的画家之一，印象派的理论和实践大部份都有他的推广。莫奈擅长光与影的实验与表现技法。代表作品同时也是印象主义的代表作品《日出•印象》。其他作品《卡普辛大街》《草地上的午餐》《庭院里的女人们》。
文森特•威廉•梵高（1853－1890），荷兰后印象派画家。他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。梵高的作品，如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等，现已挤身于全球最具名、广为人知与昂贵的艺术作品的行列。
巴勃罗•鲁伊斯•毕加索西班牙画家、雕塑家。法国***党员。是现代艺术的创始人，西方现代派绘画的主要代表。他是西班牙人立体主义绘画的创始者，代表作品《格尔尼卡》、《哭泣的女人、《亚维农少女》。
萨尔瓦多•达利，西班牙超现实主义画家和版画家，超现实主义绘画大师级人物。与毕加索,马蒂斯一起被认为是二十世纪最有代表性的三个画家这个时期的一些轶事，无论真实与否，都是他以后许多持续不变的形象的基础。代表作品《永恒的记忆》、《内战的预感》。
彼埃•蒙德里安（1872年-1944年），荷兰抽象派画家，风格派运动幕后艺术家和非具象绘画的创始者之一，对后代的建筑、设计等影响很大。他的画面以几何图形为绘画的基本元素。《红蓝黄的构图》、《百老汇爵士乐》。
亨利•马蒂斯是法国著名画家，野兽派的创始人和主要代表人物，也是一位雕塑家、版画家。他以使用鲜明、大胆的色彩而著名。21随时的一场意外，马蒂斯的绘画热情一发不可收拾，偶然的机缘成为他一生的转折点。用他自己的话说：“我好像被召唤着，从此以后我不再主宰我的生活，而它主宰我。”代表作品《舞蹈》、《马蒂斯夫人像》、《红色的调和，食桌上》、《弹吉他的少女》。
爱德华•蒙克(1863-1944)生于挪威的洛顿城，曾长期居住在德国柏林，表现主义。蒙克1892年来到柏林，作品因形象怪诞曾被愤怒的德国观众当场捣毁了几幅。此后他长期居住在柏林，经常与象征主义作家普斯贝佐夫斯基、剧作家斯特林堡一起探讨尼采哲学和佛洛伊德精神分析学的命题，这使他的绘画创作更带有强烈的主观性和悲伤、苦闷的情调。代表作《呐喊》、《忧郁》、《病室里的死亡》。
奥古斯特罗丹法国雕塑艺术家，他在很大程度上以纹理和造型表现他的，倾注以巨大的心理影响力，被认为是19世纪和20世纪初最伟大的现实主义雕塑艺术家，罗丹在欧洲雕塑史上的地位，正如诗人但丁在欧洲上的地位，罗丹和他的两个学生马约尔和布德尔，被誉为欧洲雕刻“三大支柱”。他一生勤奋工作，敢于突破官方学院派的束缚，走自己的路，他善于吸收一切优良传统，对于古希腊雕塑的优美生动及对比的手法，理解非常深刻，其作品架构了西方近代雕塑与现代雕塑之间的桥梁，罗丹是西方雕塑史上一位划时代的人物。作品《青铜时代》、《地狱之门》、《思想者》、《雨果》、《巴尔扎克》。
外国古代、近代优秀美术作品
埃及狮身人面像在公元前2610年法老胡夫来这里巡视自己快要竣工了的陵墓金字塔，发现采石场上还留下一块巨石。胡夫当即命令石匠们，按照他的脸型，雕一座斯芬克斯像。石一只耳朵，有二米多长。世界十大雕塑之一。
金字塔，在建筑学上是指锥体建筑物，基座为正三角形或四方形等的正多边形，也可能是其他的多边形，侧面由多个三角形或接近三角形的面相接而成，顶部面积非常小，甚至成尖顶状。吉萨金字塔世界七大奇迹之一。
希腊帕特农神庙在希腊首都雅典卫城坐落的古城堡中心，石灰岩的山岗上，耸峙着一座巍峨的长方形建筑物，神庙矗立在卫城的最高点，这就是在世界艺术宝库中著名的帕特农神庙。这座神庙历经两千多年的沧桑之变，如今庙顶已坍塌，雕像荡然无存，浮雕剥蚀严重，但从巍然屹立的柱廊中，还可以看出神庙当年的丰姿。
米诺斯的阿芙罗蒂特这一作品因为1820年发现于爱琴海中的米洛斯岛而得名。它端庄的身体，丰腴的肌肤，典雅的脸庞，娟美的笑容，微微扭转的站势，这一切构成一个十分和谐而优美的姿态。怪乎19世纪法国的雕塑大师罗丹要称这一雕像为“古代的神品”。即《维纳斯》。
巴黎圣母院大教堂是一座位于法国巴黎市中心，也是天主教巴黎总教区的主教座堂。圣母院约建造于1163年到1250年间，属哥特式建筑形式，是法兰西岛地区的哥特式教堂群里面，非常具有关键代表意义的一座。
悉尼歌剧院悉尼歌剧院位於澳洲悉尼，是20世纪最具特色的建筑之一，也是世界著名的表演艺术中心，已成为悉尼市的标志性建筑。该歌剧院1973年正式落成，2007年6月28日被联合国教科文组织评为世界文化遗产，该剧院设计者为丹麦设计师约恩•乌松。
泰姬陵，全称为“泰吉•玛哈尔陵”，又译泰姬玛哈，是印度知名度最高的古迹之一，在今印度距新德里200多公里外的北方邦的阿格拉城内，亚穆纳河右侧。是莫卧儿王朝第5代皇帝沙贾汗为了纪念他已故皇后阿姬曼•芭奴而建立的陵墓，被誉为“完美建筑”。它由殿堂、钟楼、尖塔、水池等构成，全部用纯白色大理石建筑，用玻璃、玛瑙镶嵌，绚丽夺目、美丽无比。有极高的艺术价值。是伊斯兰教建筑中的代表作。2007年7月7日，成为世界八大奇迹之一。
外国美术流派
新古典主义以复兴古希腊罗马艺术为旗号的古典主义艺术,早在17世纪的法国就已出现。在法国大革命及其政治和社会改革之前,有一场纯粹的艺术革命,这就是新古典主义美术运动。代表画家达维特、安格尔等。
浪漫主义十九世纪初叶，资产阶级民主革命时期兴起于法国画坛的一个艺术流派。这一画派摆脱了当时学院派和古典主义的羁绊，偏重于发挥艺术家自己的想象和创造，创作题材取自现实生活。代表作品有籍里柯的《梅杜萨之筏》、德拉克洛瓦的《自由***民》。画面色彩热烈，笔触奔放，富有运动感。
印象主义印象主义在19世纪60一70年代以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒是反对陈旧的古典画派和沉湎在中世纪骑士文学而陷入矫揉造作的浪漫主义。印象主义吸收了柯罗、巴比松画派以及库尔贝写实主义的营养，在19世纪现代科学技术(尤其是光学理论和实践)的启发下，注重在绘画中对外光的研究和表现。主要的印象主义画家有莫奈、马奈、毕沙罗、雷诺阿、西斯莱。
后印象主义后印象主义是法国美术史上继印象主义之后的美术现象，也称“印象派之后”或“后期印象派”，该词由英国艺术评论家并曾任纽约大都会博物馆馆长福莱提出的。代表人物有 塞尚、 高更、及梵高等。
野兽主义野兽主义是自1898至1908年在法国盛行一时的一个现代绘画潮流。它虽然没有明确的理论和纲领，但却是一定数量的画家在一段时期里聚合起来积极活动的结果，因而也可以被视为一个画派。野兽派画家热衷于运用鲜艳、浓重的色彩，往往用直接从颜料管中挤出的颜料，以直率、粗放的笔法，创造强烈的画面效果，充分显示出追求情感表达的表现主义倾向。
立体主义立体主义是西方现代艺术史上的一个运动和流派，1908年始于法国。立体主义的艺术家追求碎裂、解析、重新组合的形式，形成分离的画面－－以许多组合的碎片型态为艺术家们所要展现的目标。艺术家以许多的角度来描写对象物，将其置于同一个画面之中，以此来表达对象物最为完整的形象。物体的各个角度交错迭放造成了许多的垂直与平行的线条角度，散乱的阴影使立体主义的画面没有传统西方绘画的透视法造成的三维空间错觉。背景与画面的主题交互穿插，让立体主义的画面创造出一个二维空间的绘画特色。毕加索是其创始人。
民间美术是组成各民族美术传统的重要因素，为一切美术形式的源泉。新石器时代的彩陶艺术，中国战国秦汉的石雕、陶俑、画像砖石，其造型、风格均具鲜明的民间艺术特色；魏晋后，士大夫贵族成为画坛的主导人，但大量的版画、年画、泥塑、壁画则以民间匠师为主，而流行于普通人民之中的剪纸、刺绣、印染、服装缝制等更是直接来源于群众之手，并装饰、美化、丰富了社会生活，表达了人民群众的心理、愿望、信仰和道德观念，世代相沿且又不断创新、发展，成为富于民族乡土特色的优美艺术形式。（唐山的皮影）
美术与生活生活中的美术作品、生活中的美术现象、美术在生活中的运用。
人物代表作常识
阎立本 唐 步辇图 古帝王图
吴道子 唐 天王送子图
张悬 唐 捣练图
周昉 唐 簪花仕女图
韩滉 唐 五牛图 文苑图
梁楷 （宋） 太白行吟图 泼墨仙人图
黄筌 五代 写生珍禽图
顾闳中 五代 韩熙载夜宴图
张择端 宋 清明上河图
李嵩 宋 货郎图
苏轼 宋 枯木怪石图
赵佶 宋 芙蓉锦鸡图
马远 宋 踏歌图
范宽 宋 溪山行旅图
黄公望 元 富春山居图
倪瓒 元 六君子图
徐渭 明 墨葡萄图
曾鲸 明 张卿子像
黄慎 清 渔翁渔归图
石涛 清 淮阳洁秋图
朱耷 清 鹌鹑图 荷石水禽图
郑板桥 清 经济丛兰图
林凤眠 现代 油灯花果
齐白石 现代 蛙声十里出山泉 虾
徐悲鸿 现代 奔马 田横五百士
潘天寿 现代 雄视 记写雁荡山花
黄宾虹 现代 山水册页 湖滨山居
古元 现代 离婚诉 一湾解冻的湖水
李桦 现代 怒吼吧
董希文 现代 开国大典
达•芬奇 意大利 蒙娜丽莎、最后的晚餐 文艺复兴“三杰”
拉斐尔 意大利 西斯廷圣母 文艺复兴“三杰”
米开朗琪罗 意大利 大卫（雕塑）、西斯廷教堂天顶画 文艺复兴“三杰”
鲁本斯 佛兰德斯 苏珊娜
达维特 法国 荷拉斯兄弟宣誓 新古典主义
德拉克洛瓦 法国 自由引导人民 浪漫主义
米勒 法国 拾穗 现实主义
莫奈 法国 印象•日出 印象派
梵高 荷兰 星月夜、向日葵 后印象主义
塞尚 法国
立体剪纸是用剪纸做基本元素,将一张或多张剪纸合理地折叠、插接组装 而成。它能使剪纸呈现出多维立体的视觉效果,应用范围也随之不断拓宽。
立体剪纸既可是单色，也可是彩色的。它采用了绘画、剪刻、折叠、黏合等综合手法产生的一种近于雕塑、浮雕的新型剪纸，它吸取了现代美术的技巧，充分体现了写实与美术浪漫的特点，使剪纸由平面感变为立体化，可用于观赏造型及儿童的手工制作等。
中国剪纸是一种用剪刀或刻刀在纸上剪刻花纹，用于装点生活或配合其他民俗活动的民间艺术。在中国，剪纸具有广泛的群众基础，交融于各族人民的社会生活，是各种民俗活动的重要组成部分。
其传承赓续的视觉形象和造型格式，蕴涵了丰富的文化历史信息，表达了广大民众的社会认知、道德观念、实践经验、生活理想和审美情趣，具有认知、教化、表意、抒情、娱乐、交往等多重社会价值。
单色剪纸是剪纸中最基本的形式，由红色、绿色、褐色、黑色、金色等各种颜色剪成，主要用于窗花装饰和刺绣的底样。主要有阴刻、阳刻、阴阳结合三种表现手法。用于刺绣底样的剪纸，常用剪刺结合的手法。刺是以针尖在花纹的细部刺出小型圆点，在一些部位留出“暗刀”，可以作为刺绣时套针换线的依据。折叠剪纸、剪影、撕纸等都是单色剪纸的表现形式。
美术课程的总目标其中指出：让学生掌握欣赏与评述的方法，了解基本美术语言的表达方式和方法，形成基本的美术素养，陶冶情操，完善人格。并把“欣赏·评述”列为美术四个学习领域之一。可见它的重要性。而要陶冶情操，完善人格，实现情感态度与价值观，掌握欣赏与评述的方法，了解基本的美术语言，形成基本的美术素养，则必须通过欣赏、评价优秀的美术作品来完成。欣赏，作为美术学习活动的四个领域之一，无论是以美术欣赏教学的形式出现，还是作为美术教学过程中的一个基本环节。它贯穿于美术教学的始终，也是众多的美术教师在教学过程中难以把握的一个问题。我们往往在欣赏的过程中，不知如何去欣赏评价、审视艺术作品，甚至不知如何去指导教学。因为，它需要教师具有较高的艺术修养和文化底蕴。尤其是，当学生作品展示时，教师如何去引导学生欣赏、评价其作品，就此，本人围绕教学谈谈自己的一点看法。
首先我们有必要了解一下什么是欣赏、评价。然后，再去谈如何去引导学生欣赏、评价其作品。
1、欣赏：
欣赏，从文学艺术的角度来说，本意就是享受美好的事物，领略其中的趣味。它是欣赏者对客观纯在的美的一种主观感受。是审美主体对客观事物的美的属性的一种认识与反映及对美所作出的一种评定和判断。无论是自然美、社会美、还是工艺美，都是欣赏者对客观事物的“美”进行感受、体验、领悟，从而获得由浅入深、情景交融的审美把握，并引起感情上的激动、满足和精神上的享受。
欣赏，在其过程当中，欣赏者首先是采取肯定和赞赏的态度去面对艺术作品的。对作品的部分东西很少做出评价。如：有人说，我很欣赏西方现代派美术。这就意味着，他对西方现代派美术的充分肯定与赞赏。就象我们现实生活中，有人说，我很欣赏你的为人，我很欣赏你的服饰，我很欣赏你的气质，我很欣赏这种色彩等等。都是认为好、持有喜欢、肯定的态度的去欣赏。
2、 评价：
评价：就是评定某种事物“价值”的高低。从文学艺术的角度来说，就是指评价者从一定的立场和观点出发，对艺术作品和艺术家的成就得失、是非功过作出判断和评定。是指对作品的特点、质量、意义等等做出全面的评价，具有鉴赏的意思。也叫艺术批评、艺术评论。
比如，我们要评价一下西方现代派美术，首先，就意味着我们对这一流派持有不肯定和不赞赏的态度。只有通过对这一流派的艺术主张，及其对作品中所体现的思想内容、艺术技巧等方面，进行认真、全面、细致的分析、研究与鉴赏后，才能下结论。才能决定对这一流派的美术作品是采取肯定、赞赏，还是采取分析、批判，甚至否定的态度。只有分析了解后，才能作出正确的评定。它与欣赏有情绪、观点上的区别。因为，任何一件艺术作品，都是由形式和内容两部分构成的，它是内容和形式的完美统一。所以，评价作品的标准就有两个。一个是艺术的（专业的、形式的），一个是思想内容（内在的、主题思想）。
因此，可以说，欣赏是评价的基础，评价是通过欣赏的过程来实现的。评价可以促进欣赏。二者既有区别，又有联系，和谐统一。
一、那么，如何欣赏美术作品？
我们知道，任何一件美术作品，它都是形式和内容的完美统一。因此，我们要欣赏一件作品，首先就得从形式和内容上去欣赏。而当我们面对一件作品，首先映入我们视觉感官上的可以直接感知到的就是作品形式上的美。因此，我们在欣赏作品时，应该先欣赏作品的形式美，然后再去欣赏作品的内容美。
1、 作品形式：
我们知道，任何一件美术作品的内容，都必须通过一定的组织结构和表现手段（用某种语言来说话）表现出来，才能成为可供欣赏的具体的艺术作品。因此，用来表现作品内容的组织结构与表现手段的总和，就是作品的形式。结构和语言便成了作品形式的基本要素。
（1）结构：
“结构”，是指作品的内部构造。它是指作者按照主题思想的要求，来经营创作所用的生活资料。换句话说，它是指作者在从事创作的过程中所设计的一个蓝图。即创作前的构思。你要画什么，怎么画，采用什么形式，利用什么方法、手段。为什么这样画，这么画，表达自己怎样的思想情感，想通过作品歌颂什么？鞭挞什么？包括造型、布局和设想等等。而结构的基本环节是剪裁和布局。剪裁，是构成形象和意境的第一个环节。如，画梅花：“触目横斜千万朵，赏心只有两三枝”。即删繁取简，熔炼精华。布局，即构图，“经营位置”（大家都知道，这里我们就不谈了）。
所以说，结构，是表现作品主题思想的一个重要的手段和因素，作者只有通过好的结构，把一系列的生活资料和体验以及感受和想法等，合理的布局，才能充分的表现主题思想。如绘画，它的结构，就是通过优美的线条，生动准确的造型，丰富的色彩，奇异的材料，巧妙的构思和新颖别致的构图等构成的表现形式，来表达作者的美好创意。
（2）语言：
“语言”，新课标要求——让学生掌握基础的“美术语言”。
强调了“语言”在美术学科的重要性。我们要用美术语言，通过作品来传达观念和情感。所以语言非常的重要。
“
美术语言”：
就是指造型艺术中最基本的构成因素。如点、线、形状、色彩、结构、明暗、空间、材质、肌理等。以及将这些造型元素组合成一件完整的作品的基本原理。如多样统一、比例、对称、平衡、节奏、对比、和谐等。
也可以说，美术语言它是一种不同于文学语言符号的特殊语言。它是视觉符号。它具有一定的象征性。例如，文学作品中的语言，一个字，一个词都是一个记号。它们有着各自相对独立的意义。如鸟、语、花、香，每个字都是一个符号，每个字都有它独立的意义。如果再把它们按语法的关系将它们组合起来——“鸟语花香”一词，则更具有现实主义了。
而孤立的美术语言：如线条、明暗、色彩等，它们各自独立都不代表任何主义，只有当它们按照造型的法则去构造一种全新的创造物的时候，也就是说，只有把它们结合到一个整体的新的形象之中去，它们才有表现某种主义的作用。比如：有几个孤立的符号“○”（圆)“（”弧，“└”折线。它们各自独立时没有任何主义，当将它们组合成新的形象“苹果”时，则具有了实在主义了。（再如几个四边形构成一个房子等）
由此可以看出，“语言”，它在文艺作品中，具有一定的生动性和形象性。这种视觉语言或视觉符号，也具有一定的象征意义和艺术内涵。如绘画，它主要是用线条和色彩作为物质手段来表现空间事物的。其中“线条”（语言），它具有寄托和浓缩情感意识的无限空间。它是表现物质世界和情感世界的一种最完美的语言和手段，尤其是意笔线条，更具有无穷的包容量。线条的横竖、曲斜、刚柔、长短、疏密、方圆、粗细、波磔、轻重、阴阳、虚实、明暗、浓淡、动静、滑涩等等。线条的随机变换，审势赋形，含情达意，可以表现宇宙空间之万物。例如：卫夫人在《笔阵图》中从书法艺术的角度论述：“横如千里阵云，竖如万岁枯藤”。也就是说，一根横划，它所描绘的意会，可以让人联想到千里之遥的风云变幻，气势宏伟。一竖之中，可以表达出漫长的岁月和苍老的容颜，道出了人生历程的雪雨风霜和酸甜苦辣。此时，线条已充满了生命的活力，给人以智慧和启迪。“戈如百钧怒发”、“撇如陆断犀象”、“捺如崩浪雷奔”、“折如劲弩筋节”。
可见，这种线条的转折变化，既有它的力量感和重量感，而且运动、情态、气势、刚柔等都能充分的体现出来。这种线条是何等的表现力和想象力。这里，线条已富有旺盛的生命力。
如：横线的变幻，竖线的高矗，曲线的蠕动，斜线的滑坡，细线的瘦弱，折线的刚硬，圆线的丰满，短线的跳动，转线的回环，方线的力度，粗线的健壮，涩线的苍老等等，这些线条，它都有一定的抽象内涵显示出来，具有一定的象征性，这也正是我国五千年意象内涵深处的一种独特的思维活动和独有的线意识的神妙之处。（也是所谓的线条语言）
那么色彩也有它的象征性语言：
如红色（暖色），能给人以热烈奔放，令人振奋及温和的感受，它象征热情、喜庆、幸福、吉祥、浪漫。
蓝色（冷色），则传递一种忧郁和悲哀的情绪。给人以清凉寒冷的感觉，又有忠诚、安全、宁静的感觉（蓝天白云、碧海蓝天、月光蓝天等）。因为它是天空的色彩，所以它象征和平、安静、纯洁、理智。另一方面，它又有消极、冷淡、保守的意味。
**（暖色），具有快乐、希望、智慧和轻快的个性，给人以生命力，具有朝气，因为它是阳光的色彩，所以它象征着光明、希望、高贵、愉快。但是，浅黄表示柔弱，灰黄表示病态。
绿色：中性色，它自然、稳定、成长、忌妒。因为它是植物色彩，所以它象征平静与安全、自然、希望、生命和环保。等等，这里我就不一一的说了。
可以说，“色彩”（语言），它也可以传达人的思想和情感。不同的色彩及其完美组合，会使人感受到色彩那奇异的奥妙和迷人的旋律。或明快与忧郁，或兴奋与平静。不同色彩给人以不同的感觉和它的象征意义。面对丰富多彩的世界，画者通过对不同色彩的感受，把自己的情感和富有诗意的想象力、创造力，一起融入自己的绘画创作当中，使色彩与画者的情感交融在一起，放射出奇异的光彩。
谈到关于色彩的情感表现，我们不得不提起一个人，那就是荷兰画家凡高，凡高，他是被誉为人类给画使上最富典型的运用全部生命来倾注色彩感情的本质的画家。他以一种扭曲、旋转和极富运动笔触、在画面上堆积厚重而放大的色彩，每一笔触的排列，都在抒发他那内心的强烈激情。明确的显示了色彩自身的情感力量。给人留下了难以磨灭的生命情感印象。因此可以说，一切文艺作品的语言，它都包含着作者的情感。没有情感，作品就不能打动人，也就不能引起读者在感情上的激动。
再如，罗中立的油画《父亲》，虽然整个作品是现实主义的，但是，为了达到细节的真实性，作者采用了这种极度写实的油画造形语言，活生生地再现了那个时代，我国农村千千万万个“父亲”的典型形象。他那黝黑的皮肤、纵横深刻的皱纹、由于干渴而微启的嘴唇里仅存的几颗牙齿、额头上到处沁出的点滴汗珠、老树皮似的手和由于长期磨损而变形、变了色的指甲、受伤的手指、粗瓷劣质的大碗和对襟布褂、以及从头顶直射下来的正午强光……这些精细入微的色彩造型语言，所“倾诉”的内容，是无比丰富的。它们不仅“说”出了我们农民“父亲”几十年来的生活和目前状况，也强烈地抒发着作者内心的呼声，一定要加速现代化的步伐，要改善人民生活……这其中的深沉的思绪和复杂的感情，决不是文字语言所能穷尽的。
以上，我们对美术作品的形式（结构、语言）有了初步的了解，那作品的内容又是什么呢？
2、作品内容：
就文学艺术而言，既然艺术作品是社会生活在艺术家头脑中反映的产物，那么，艺术作品，它就必然包含着艺术家对社会生活观点和艺术家本身的思想感情两个方面的因素。也就是说，它一方面反映的是客观现实生活的某种因素，另一方面，它也反映了艺术家对他所反映的现实生活的独特感受、感动、理解、评价、和理想，甚至幻想等主观的因素。因此，艺术作品是主、客观因素结合的产物。这样，题材和主题便是构成艺术作品内容的基本因素。所以，内容，它是事物内在的各种要素的总和。
（1）题材：
题材，是作者在观察生活中所选择出来的，并通过加工、提炼后，用来表达作者主题思想的生活材料。一般来说是指作品里所描绘的人物、事物和环境等等。比如，我要画鹰，我们首先就得收集、了解有关鹰的各个方面的知识和资料。如鹰的种类、形态、结构、色彩、生活习性、生存环境，以及人与鹰——人与动物——人与自然的关系等人文精神。然后再决定去表现它，经过意念加工，从鹰的动态、神情和气质等方面去设计与刻画它，这样，才能创作出物与我合的感人作品来。（再如：画花鸟、人物、山水等等。）
（2）主题：
主题，又叫主题思想或中心思想。它是作品的全部思想，是作品的灵魂。是作者在生活实践中根据自己对生活的感受和认识，通过对题材的确定、加工、提炼而表现出来的。（所有的形式、方法、手段等都是为了突出表现主题而服务的。）
这里我们提到的作品的“主题”和作品的“标题“是不一样的。尽管有些作品的标题近似主题，但仍不是主题。如一幅以画“鹰”为题材的作品，其标题为《雄风》，若从标题上看，要表现这一标题的题材很多，可以画马、虎、狮子、公鸡等等，而作者取材“鹰”，选择“雄风”这一标题，其作者是想通过作品《雄风》来表达自己对鹰的认识与感受，使人看到它，便可以领略到雄鹰那种雄浑博大之气概，壮志凌云之胸怀，神勇无谓之气度，叱咤风云、搏击海天之风采。从而给人以震撼，给人以激励和无形的力量。也是作者通过作品所要传达的真挚情感。这才真正是作品的主题。从而使我们真正的体味到，人与动物、人与自然容为一体，形成物与我合的最高境界。
总之，我们要欣赏一幅作品，先是欣赏作品的形式美：如线条、造型、色彩、构图、构思、技法、空间和材质等。之后欣赏作品的内容美（内容美主要是作品的主题、意境。意境：是艺术家在生活中产生的一种感情，一种对美的理解和认识。在感情和认识的基础上，提炼、概括、升华而成的。所以说，意为情的升华，情为意的基础。比如，当我们欣赏一幅画，有时为其内涵的艺术魅力所吸引，并与画中的意趣、主观思想相融合，为其画外之意所陶冶、感染。从而达到情景交融、物与我合的一种诗的境界。比方说，我们看影视片，有时会被某段剧情、或某种场面所感动，以至于忘了自己，好象发生在自己身上一样，禁不住潸然泪下，控制不住自己。这就是意境的作用。所以说，一幅画
，它不是事物外在形象的单纯描写，而是把作者感受到的美和富有感染力的情思，通过富有意境的画面传达给观众，使观众领略会心。）
二、如何引导学生欣赏、评价其作品？
1． 就教学而言——评价的方式（多元化）：
（1）、自评：
★教师可以引导学生用语言表达的方式，来评述自己作品的创意以及表达自己作品创意的方式、方法等。
★教师也可以让每位学生把自己的设计意图和感想记录在画面外的地方。
★也可以用表格或问卷的形式让学生谈自己的感受。
（2）、互评：
★教师可以引导学生与同桌自由欣赏，直接用语言表达、评述其作品。
★也可以让学生交换作业，用写评语的方式互相评价，
★也可以将学生的作品全部展示，让学生谈自己喜欢的作品及其理由。
★还可以小组讨论，推选最优秀的作品。
（3）、教师评价：
★当学生在自评或互评的过程中，教师或其他学生也可以给其提出意见，帮助其完善作品及其想象。
★教师在评价学生的作品时，要善于发现每位学生作品的闪光点，要把学生的任何绘画痕迹都看作其情感运动的轨迹。因为，儿童绘画，它充满着孩子们的稚拙、天真、浪漫、想象、创造和纯朴的个性情感。他们以其欢乐、自由、独特的方式和无规则的线条、图形及色彩所构成的画面，来表达自己内心的美好世界。诉说着自己的情怀。所以，我们要尊重孩子们的个性，无论他们画什么都要视为其情感的流露，甚至乱糟糟的线条或图象等，都视为学生内心活动的真实表现，并加以渲染。尊重学生的审美感受、自身的生活经验、以及他们对周围环境的兴趣、爱好和理解等等，以此来增强学生的自信心，形成良好的个性，促进学生的身心发展。我们要支持
孩子们的原形态创作。以此保留儿童绘画的原生状态。（如：我国提倡保护非物质文化遗产。我们大家也看到了，央视第二届青年歌手电视大奖赛一个热门的亮点——就是“原声态”唱法。它强调的就是原始的、原滋原味的、民族的、不加修饰的味道。）
★教师可以把学生的作品收上来，课后统一批阅。
★也可以让学生把作品带回家，让其家长写评语。
另外，由于美术学科本身在艺术体认上的复杂性，定性分析相对比较普遍，所以，从美术学习习惯上看，往往以定性评价为主，而定性评价，多半又是评价主体（无论是学生还是教师）自身的意见。（我说他好就是好，说他不好就不好。多半是评价主题自己的主观意见。带有很大的片面性和倾向性。）
因此，我们现在提倡“质性评价”，它更能强调学生在美术学习活动中，要求评价的主、客体之间，相互交流、协商，使评价结果最大限度的被双方共同认可。
所以，我们在评赏学生作品时，有必要增加艺术批评的手法，让学生以更加主动的姿态，去评判审视其作品，并设想改变作品的某个部分，并融入自己的情感，使学生在欣赏他人作品的同时，仍保持自己独立思考的态度和能力。
（4）、可以将每次评赏出来的优秀作品，参加校内外的主题展览，或装订成册等，去扩大评价的视域。使学生的作品不仅是在班上，而且要在年级或学校，甚至走向社会等等，来拓宽视域，培养学生的自信心。
2．从整个欣赏评价美术作品的过程来看：
（1）、因为任何一件美术作品它都是形式和内容的完美统一，所以教师要引导学生通过感官可感受到的，用自己的语言简单地对作品的形式进行描述。
包括：探讨作品的材质、技法及其特征。还有色彩、线条、形状，及构成的原理（或美的原理）和作品的个性风格等。也可以引导学生分析一下美术作品的形式语言。包括构图精美、色彩鲜艳、线条流畅、材料丰富，肌理自然等等。
（2）、引导学生对美术作品的主题、意义进行探讨，探讨作品里所传达的感情、心情、主题、意义、观念和思想。
例如：你喜欢哪件作品、作品里都表现了什么，从作品中你联想到了什么，作品是用什么工具材料表现的，是怎么表现的，为什么要这么表现，作品的设计风格是什么，设计的功能是什么等等。通过教师一系列的引导学生想象、发散思维等活动，来陶冶情操，提高审美。
不过，我们都知道，中国有句俗语叫“仁者见仁，智者见智”就是说，人们的心理状态对客观事物的反映，是有所差异的。并不象镜子一样，映照的物体都相同，由于每个人的素养不同、意识不同，世界观不同、层次不同，心态不同、生活的角度不同，以及偏爱不同等等，因此，他们的视觉心理，必然有所不同。比如，农夫看月亮，说它象镰刀；船夫看月亮，说它象船；而武将看月亮，说它象弓；同样一种物象，看法不同，联想也就不同。这也正是人们在长期的生活实践中，所形成的个性。同时也说明，知识含量的不同，会影响你对客观事物的认识，产生不同的思维逻辑。
由于每个学生的阅历、层次、生活等诸多方面的情况不一，因此，教师在引导学生欣赏、感悟学生作品时，要以人为本，承认和尊重个性差异，尊重学生的独特想象，多给学生以鼓励，爱护和扶持学生，帮助学生在美术学习过程中，学会自主掌握方法，唤醒自我表现意识，培养自主能力。
我们在引导学生进行的欣赏的过程中，因为学生作品的美点很多，如构图美、构思美、造型美、色彩美、材质美等等，我们不能以一种方式，对每一个作品都面面俱到地去欣赏这些美点，否则，学生就会感到没兴趣了。那么，教师就要引导学生有所侧重的找出这些作品中最突出的、最显露的、最能引发学生审美情感的作品的形式美和内容美的结合点。
如：有时侧重历史故事的分析；（如：诗配画、插图等文学艺术方面的题材）
有时侧重构思的巧妙；
有时侧重构图和形象；
有时侧重造型、材质美的表现；
有时侧重形象造型的寓意和联想；
有时侧重整体和自然环境的关系；
有时侧重某种造型形式因素的运用等等。
总之，欣赏、评价，不是一个个体孤立的行为，而是在一种群体互动的交流环境中进行的，学生可以将自己对美术作品的感受和认识，以口头或书面的形式表达出来，与他人交流和共享。我们要在教学中，把握学生的成长规律，处理好师生间的渐变关系，要根据实际需要，不断地调整和采用多元化的赏评方法来开展教学。多为学生营造一个自由探寻究理的氛围和自由表现的机会，并以美术学习活动的多样性，促进学生全面发展。
民间美术的色彩特点：
1、程序化
民间美术不仅仅是民间世代相传的艺术习俗，还是民间沿袭的一种永恒的信念，在传承中形成了一种具有惯性的民族观念性的心理特征。色彩作为民间美术灵魂与观感的基础形式，担负展现思想、信仰与美感的责任。
色彩承载的思想与信仰在历史发展与演变中，逐步形成了民族艺术特有的模型，固定了一个民族的审美标准与情节，并沉淀在民族的心理意识中，这其中最原始的核心观念，是不会被时代变迁或文明盛衰所改变。
即便在现代文明的冲击下，民间艺术的宗教与神性淡化，其所具有的民族化的审美标准是不会改变的。这种标准是在悠久的历史生活中由无数民众经过不断的审美探索形成的。
与此同时，这些审美标准也运用其自身的美学认知和艺术经典规范民间后世的艺术追求与探索，不断浸染和启迪着后来的民间艺术的创新与发展，由此形成了永恒美学规律与经典美学特征的色彩使用法则。艺术是一种有规律的哲学，民间艺术也不例外，这很早就被哲学界所认可。
民间美术通过对色彩的不断感悟，在长期的经验积累和实践中，探索和总结出了色彩真正的赋色诀窍。经验的总结和赋色诀窍的出现使得民间美术的色彩发展在相对恒定中不断提升与进步，也呈现出类型化和程序化的审美特征。这种程序化的赋色法则通用于所有的民间艺术作品。
只有以时空的视角去审视民间美术的色彩，这样才能解析民间美术创新的程序化的赋色法则。才能让程序化的美学特征在无限时空中拥有的持久生命力。
民间美术的色彩赋色法则大多以歌诀、口诀或是顺口溜的形式传承，例如云锦的配色口诀：两晕玉白深浅红，三晕水银配大红;又如无锡泥人的上色歌诀：红得艳，绿要娇，白需净，纯色如纸映心魂等。
2、地域性
中国民间美术色彩具有地域性，但与此同时也具有一定的整体性，在民俗文化以及传统观念的影响下，民间美术色彩的地域文化特征十分显著。不同的地域文化是形成不同的美术色彩审美和喜好的关键因素。
中国国土面积宽广，加之地形丰富，由此导致了各地区的气候、环境、地形以及产物的差异明显，生活在北方与生活在南方的人民的生活习惯与文化差异是巨大的，由此也造成了民间美术色彩存在很大差异，这表现在民间美术色彩具有一定的地域划分。
下面通过不同地域年画的分析，来探视民间美术色彩的地域性。年画是我国民间最流行的美术形式之一，我国不同地域所粘贴的年画，在色彩构成上具有明显的地域特征。
例如四川绵竹地区的年画，具有造型简单、色彩填充明度高，用色艳丽，亮度高以及颜色之间的鲜对比鲜明的特点，这样更加能够达到吸引目光的效果，起到凸显过年欢乐明快气氛的作用。
又如兴起于明代的山东杨家埠水版年画，运用古老的手工操作方式制作而成，年画的题材十分丰富，特别是在色彩的运用上，主要以原色来搭配，利用粗放的色彩载体线展现出淳朴的造型风格。
其中经典的杨家埠门神年画，将大红色、**和青色作为原色使用，这样的赋色法则，将北方年画以及此地区的年画风格和色彩运用风格展现淋漓尽致。
相对于北方年画的风格，南方年画具有很大的差别，首先是构图比北方饱满，色彩也不像北方那样单一，呈现出多且杂的特点，特别喜欢运用紫红色来展现年的喜气，题材以地方生活和民间故事为主。例如桃花坞的木版年画，主要体现江南水乡的美术色彩运用特点。
从以上的分析可以看出，同为年画，不同的地区所展现出来的美术色彩是十分多样的，具有浓重的地域特征，简言之，民间美术色彩具有明显的地域性美学特征，这种特征能够更好的促进我国民间美术色彩的多样化发展。
3、象征性
从色彩学的角度来说，不同的色彩代表着不同的符号意义，简单说，就是我们通常谈及的冷色系和暖色系带来的感觉。中国民间美术色彩同样也有象征性，是将色彩看作一种符号，借以表达观念或事物。我国民间的美术色彩不仅只是感知与表现元素，而且还具有观念与象征的作用。
例如西藏地区的藏戏面具，其色彩丰富多样，不同的色彩面具代表着人物不同的社会地位，红色是权力的象征，用于位高权重的角色的面具设计；白色代表善良，多用于老者面具；绿色具有生命特点，被用于母亲的面具设计；蓝色是天空的颜色，所以天神的面具用蓝色。
又如陕西地区的社火脸谱，其色彩的运用同样具有象征意义，还形成了一定的用色口诀：红色忠勇白为奸，黑为刚直青勇敢;**猛烈草莽蓝，绿是侠野粉老年；金银二色色泽亮，专画妖魔鬼神判。这一口诀充分展现了脸谱的用色象征性。
综上所述可知中国民间美术色彩具有明显的象征性美学特征，也正因为这一特征，对非物质文化遗产保护起到重要作用。
4、装饰性
中国民间美术色彩带有典型的东方文化特征，中国民间美术赋色不仅考虑视觉效果，更注重情感与精神的融入。中国民间美术色彩虽然不是一种艺术行为，但却表现了中国民间布衣的心愿所向的一种与商业和功利无关的追求。
它是一种纯手工的、依据人民意愿的个性创造，它是一种不与机械复制相同，并且独具个性化的色彩展现。
如大胆的运用大红、大绿等色彩的阳泉面花，这样看似随意和无规则的色彩，却能运用其感性十足的特点，表达出明亮、欢乐的心境，这样的用色略显犀利，搭配的巧妙，使得色彩宛如天成，展现出一种和谐、淳朴的色彩美。
民间美术色彩具有取材随意的特性，自然的物品随手拈来，这样自然的动作形成了质朴的美术作品，运用泥巴、草、花叶等为载体制作出来的美术毫无矫揉造作的意味。材料合理的搭配，使得色彩之美淋漓尽致，这样的随意搭配，也造就了民间美术的粗犷的装饰性美学特征。
这一随意的、自然的创作理念融集了民间的美术智慧，将中国民间美术装饰性美学特征推向了极高的艺术品质。
5、我国有56个民族组成，不同民族间的文化差异很大，所以也产生了不同的民间艺术样式，形式多样，题材广泛。有年画，有泥塑，剪纸，服饰等等。民间艺术形式多样化，题材广泛。并以期热烈，质朴自由的特征显示其魅力。
中国民间美术色彩是赋色史上的一座丰碑，它所展现的程序性、地域性、象征性以及装饰性，为中国美术色彩的发展开辟了一条新的赋色道路，也是民间美术这种非物质文化遗产得以保存的基础与保障。
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