仙境传说 冷艳舞姬 技能

那个“永远的仙境”，你不会玩舞娘就乱转小白得WJ配点干嘛？误导别人咯，哼唱之音10级没想到舞娘没人会学的鸡肋舞蹈你还准备点10级啊？

练习舞蹈，勿忘我10级必满，洛奇的悲鸣1也必出，水车小屋纯粹娱乐技能，1级绝对足够。命运的塔罗牌，不要拘束我这几个有用的技能也被你忽略了。。。

LZ问的应该是洛奇的悲鸣，合奏效果就是在合奏范围内任何人都没法使用技能，主要作用是守华丽时用于封门。

《神曲》： 《堂·吉诃德》： 《麦克白》： 《可笑的女才子》：十世世纪法国古典主义喜剧大师莫里哀所作。该剧以讽刺手法描写了两个资产阶级**醉心于贵族风仪，亦步亦趋地机械模仿，附庸风雅，闹出了不少笑话。作者高超的讽刺笔法使该剧获得了极大成功，但也因此得罪了教会，曾被禁演。莫里哀生活的时代是一个从政治见解、生活习俗到礼仪谈吐都规范化了的时代，谨慎被看成最高的美德，理智被尊为对付狂妄的有力武器，优雅的礼貌被歌颂成抑制蛮风的屏障，表现热情要有克制是教育的目的，是上流人最确实的标记。但一切徒有其表的东西都在人身上培养虚伪，所以，日益觉醒的人必会向矫情、虚伪发起进攻。莫里哀作品的战斗性、现实性正是他成为一代戏剧大师的原因。不过，喜剧特有的塑造人物的方法因集中某一品性进行夸张而易流于单调，这就是所谓的扁平人物。 《忏悔录》：十八世纪启蒙思想家、优秀作家卢梭所作。卢梭渴望返回自然，崇尚不羁的自由，他认为是文明社会使人堕落，他的叛逆思想因为毫无遮掩的真诚而显得惊世骇俗。在《忏悔录》中，他赤裸裸地坦露了自己的全部“既没有隐瞒丝毫的坏事，也没有增添任何好事”，但这坦诚却不是为了证明人的“原罪”，而恰恰是为了证明人性本是美好的，正是社会环境的恶浊使人染上了恶习。尽管在这块心灵的明镜上溅有种种污斑，但这正显示出明镜本身的纯洁。这部作品一发表就引起了轩然大波，指责谩骂之声远远超过赞赏，甚至连他的启蒙友军也有许多人射来了冷箭。但就象书言道的，让每一个人同样真诚的批露自己的心灵，看谁敢对上帝说“我比这个人好！” 《野玫瑰》：十八世纪德国文豪歌德青年时期在赫尔德的引导下开始收集民歌以丰富完善自己的诗歌创作，即当时他们提出的口号“从老太婆的喉咙里把民歌抠出来”，这使他的诗一扫纤巧华丽、矫揉造作的习气，走向真挚朴素，简练明快。许多诗成为德国诗歌史上的名篇。《野玫瑰》一诗用简短的十五行诗表现了一朵花被轻狂少年采摘的可怜遭遇，主改变了原来以少年为主体，以教诲为目的的风貌，而是以野玫瑰象征的少女为主体，赞赏她的情操，慨叹她的命运。简练晓畅，富有节奏感，并吸纳了民谣体通有的故事性。全诗委婉哀伤，流露出一种怨而不怒的情绪，传达了远比字面上更多的涵义。这首诗表现了诗人化腐朽为神奇的神奇才能，把一首说教的民歌提高到一首表现一个少女命运的民谣作品。 《致杜鹃》：十九世纪英国浪漫主义诗人华兹华斯所作。华兹华斯是“湖畔派”的代表作家，反感人与人之间的金钱交易关系，向往中古时期，喜欢讴歌自然风景，简朴乡村、神秘的异国风光，通过缅怀纯朴来否定丑恶现实；主张改革诗歌语言和形式，对大自然的感受独特细腻，用笔清新，开一代诗风。本诗全篇未描摹杜鹃的具体形象，而是沉醉在梦中般去捕捉杜鹃那飘荡的、无所不在的声音，这声音织成了一个美好的幻象、一个憧憬、一种爱恋、一个甜美无比的金色乐章。有些描写看似有悖常理，其实合情合理，极巧妙地写出了春天里杜鹃四处啼叫的常见情景，以及这情景在诗人内心造成的幻觉。杜鹃已不再作为肉体存在，而是化为充满读音的声音，诗人的主体已完全融化在这种幻境之中了。 《夜莺》：英国19世纪的浪漫主义诗人济慈所作。济慈的诗歌创作取得了辉煌的成就， 在他短暂并饱受贫病折磨的一生中，生活的坎坷以及现实的黑暗都没有改变济慈积极的人生态度，他的诗歌处处表现出对美好事物的强烈追求，独到的美学理念加上丰富的想象力使济慈产生了对自然之美,人性之美的深刻感悟。济慈的名作<夜莺颂>,描述了一个美丽的幻景世界,作者在幻景和现实之间挣扎着，贯穿整篇诗歌的复杂心情是痛并快乐着，这种挥之不去的矛盾心情正是诗人人生的真实写照。济慈是个天才的诗人，他对美的感悟力和表达力特别强，借助诗歌的无形的翅膀,他能暂时忘却现实的烦恼和忧愁，追求美就是他否定丑的方法。全诗想象世界和痛苦现实的交融,有一种清冷出尘的美，散发出无可比拟的迷人魅力。 《云雀》：十九世纪英国浪漫主义诗人雪莱所作。。《致云雀》是雪莱抒情诗中的珍品。诗人以独特的艺术构思，生动地描绘云雀的同时，也以饱满的激情写出了他自己的精神境界、美学理想和艺术抱负。诗歌运用浪漫主义的手法，以云雀象征欢乐、光明、美丽。诗人运用比喻、类比、设问的方式，把云雀比作诗人、深闺中的少女、萤火虫等，还把云雀的歌声同春雨、婚礼上的合唱、胜利的歌声相比，突出云雀歌声所具有的巨大力量。诗歌节奏短促、轻快、流畅、激昂，准确而富于音乐性，节与节之间，环环相扣，层层推进，极具艺术感染力。设问首先从诗人对自己的体悟开始，游弋云端的雀鸟拥有自由的视野，却又隐身于天际的光辉，而立意之高远，又影射到普世间的生命关照，并以达观的语境带来欢欣的启迪。 《唐璜》：十九世纪英国最杰出的诗人拜伦所作。拜伦是他所身属的那个贵族阶层的叛逆者，鲁迅称他为摩罗诗人，意为“恶魔”，但这个贵族统治者憎恶的恶魔正是人民所喜爱的天才诗人。《唐璜》将他满腔热情地、辛辣地讽刺现实社会的创作目的表现得最为充分，其尖锐性使他得到的毁誉都是狂热的。诗人将古老传说中的登徒子唐璜写成了一个随着社会发展而变化的热血青年，他正视自己的情感，但绝不肯做权势代表者的玩物，他在一群披着文明外衣的“狼”中独独显得象一个“人”。塑造出这样一个形象是源于诗人自身始终对整个人类的深广的爱，对丑类刻骨铭心的憎恨和希望离开世界的悲凉都是缘于这种极致的爱，最终，拜伦以献身自由事业为这首未完成的诗续上了完美的终篇。 《巴黎圣母院》：十九世纪法国文豪雨果所作。作者以“美丑对照”的美学原则塑造了世界文学长廊中的著名人物，美的象征艾斯美哈尔达和丑的代表圣母院的敲钟人加西莫多。他们代表了人灵魂上至高无上的赤子之美，比照出了以副主教孚罗诺、卫队长法比和诗人甘果瓦为代表的人性的丑恶、无耻和怯懦。女主人公为错误的爱情忠贞不二，不异放弃生命，而加西莫多更是滴水之恩当以涌泉相报，他还加上了自己明知无望，但只有祝福的真挚爱情。此外，作者还描写了“黑话王国”这一下层民众生活群体，同情他们的际遇，赞扬了他们的义气，也没有掩饰他们的缺点。作品奇场妙景迭出，对社会生活非常熟悉又具有丰富的想象力，情节跌宕，结局感人，充分体现了它作为“浪漫主义艺术典范”的特质。 《红与黑》：是十九世纪法国批判现实主义作家司汤达的代表作品，取材于真实案例。《红与黑》的主人公于连，是木匠的儿子，年轻英俊、意志坚强、精明能干，从小希望借助个人奋斗跻身上流社会，这一点骄傲也是后来促成他毁灭的一个原因。王朝复辟后，于连通过穿上红军服从军而飞黄腾达的道路被堵塞，只好决定穿上黑色教会服装向上爬。于连是作者精心塑造的资产阶级个人奋斗者的形象，正当于连踌躇满志之际，他却又陷入了贵族阶级和教会所设下的圈套，最终被送上了断头台，成为统治阶级阴谋的牲品。该作的批判现实意义非常强烈，矛头直指最高统治者的政治勾当，在艺术上长于心理分析，尤其于连接到候爵**约会纸条后的思绪纷纷的复杂心情最是神来之笔，写得入情入理。 《欧也妮·葛朗台》：十九世纪法国批判现实主义大作家巴尔扎克所作。是法国批判现实主义文学里程碑式的作品，代表了作家在创作上的飞跃，思想、艺术完全成熟，第一次全面深刻地揭露了资本主义的黑暗。该作写出了欧洲文学史上四大吝啬鬼之一葛朗台老头的形象。他的发家史反映了资产阶级暴发户在新条件下积累财富的新特点，把矛头直指掌权的资产阶级，指出其致富靠的是损人利己，“慢半拍”是葛朗台老头的生意经，他用妻子的嫁妆贿赂监督官而买到最好的产业，又向军队承包酒的供应，从而将某女修道院的草原弄到手，他偷税漏税，营私放债，他眼里只有金子的光芒，毫无感情，甚至亲情也荡然无存。作者描写这样一个人物时，采用了夸张手法，使他成为世界文坛永恒经典。 《双城记》是狄更斯最重要的代表作之一。早在创作《双城记》之前很久，狄更斯就对法国大革命极为关注，反复研读英国历史学家卡莱尔的《法国革命史》和其他学者的有关著作。他对法国大革命的浓厚兴趣发端于对当时英国潜伏着的严重的社会危机的担忧。1854年底，他说：“我相信，不满情绪像这样冒烟比火烧起来还要坏得多，这特别像法国在第一次革命爆发前的公众心理，这就有危险。”可见，《双城记》这部历史小说的创作动机在于借古讽今，以法国大革命的历史经验为借鉴，给英国统治阶级敲响警钟；同时，通过对革命恐怖的极端描写，也对心怀愤懑、希图以暴力对抗暴政的人民群众提出警告，幻想为社会矛盾日益加深的英国现状寻找一条出路。 《玩偶之家》：挪威著名剧作家易卜生所作。易卜生代表了十九世纪北欧批判现实主义文学的最高成就，他以“社会问题剧”而闻名。以戏剧舞台来讨论法律、宗教、爱情、婚姻、妇女等重大社会问题，但重在提出，不予解答。《玩偶之家》以追朔手法描写了女主人公娜拉由一个沉醉在自我幻想中，为家庭牺牲一切的“玩偶”到发现了丈夫的自私恶俗的小人嘴脸后勇敢地决定离家出走的事件。作品批判了旧制度的卫道士，以娜拉之口对牺牲女子幸福的法律、道德、宗教提出了怀疑。以出色的心理刻画写出了娜拉转变的过程，丰富的社会内容与高度的艺术技巧完美结合，引起了戏剧史上的一场革命。 《叶甫盖尼·奥涅金》：俄罗斯著名诗人，浪漫主义的主要代表和批判现实主义的奠基人普希金的诗体小说。描写青年贵族奥涅金深感社交生活无聊，在乡下结识达吉亚娜，但误以为她是逢场作戏而拒绝了她的感情，等她婚后却又开始追求她，只得到了她“不能”的回答。主人公不满于空虚生活，陷入忧郁，他痛苦地寻找出路，但又没有实际能力，而且缺乏毅力，一切都半途而废，贵族的思想和恶习还是在他身上打下了深刻的烙印，活着没有目标，不能站在人民一面也不能站在政府一面，只能做一个多余的人，这样的贵族知识分子脱离人民是俄罗斯解放运动的一大问题。 《死魂灵》：十九世纪俄国写实派大师果戈理的代表作。普希金为这一部划时代巨著提供了创作素材。魂灵在俄语中既有农奴之意，又有魂灵之意，正好语带双关。全书正是描写了资产阶级投机者乞乞科夫想通过买卖死农奴做投机买卖的故事。通过主人公一系列软硬兼施、坑蒙拐骗的投机活动，作品展开了对官吏群丑与地主典型的描写。五个地主各有特色，其中最著名的则是欧洲文学史上的第四大吝啬鬼普枊什金，作者用极度夸张集中的手法把他写得十分传神，简直可笑，正是这“在笑声中引起注意，希企拯救邦人”的特色成为该作最大的特征。鲁迅概括为“不可见之泪痕”，对千疮百孔的俄罗斯的解剖正是希望她能健康起来。作者对乞乞科夫在批评之中还是抱有希望，并未将他作为与前两者一样的处理。 《复活》：十九世纪俄国文学家托尔斯泰所作，是俄国批判现实主义文学的最高峰。描写了女主人公玛丝洛娃在法庭与当年玩弄并抛弃自己的贵族涅赫留多夫相遇，后者因震惊后悔而展开了营救活动，而善良的玛丝洛娃也终于原谅了他。但她并未再接受他的爱情，不是因为不爱，而是爱情的伟大更在于自我牺牲，在于为对方考虑。男女主人公都有过精神上的堕落，又都达到了精神上的复活，这是作者的中心议题，不过历来为人们所看重的却是本书的批判现实方面。作品中对一片漆黑、草菅人命的司法机关和法律制度、对“人吃人”的政府和官僚机构、对与政府狼狈为奸的官方教会、对造成民不聊生的根本原因的土地私有制、对人性泯灭的社会风气都进行了批判，彻底否定了俄国现实。 《静静的顿河》：俄国作家肖洛霍夫所作，描绘了1912年至1922年间两次革命（二月革命、十月革命）和两次战争（第一次世界大战，苏联国内战争）中的重大历史事件和顿河两岸哥萨克人在这年中的动荡生活，广泛地反映了哥萨克独特的风土人情，哥萨克各个阶层的变化、广大哥萨克在复杂的历史转折关头所经历的曲折道路，以及卷入历史事件强大旋涡中的主人公葛利高里的悲剧命运。这部小说场景宏伟，画面生动；气势雄浑的战争和革命场面与细腻的日常生活场面相互转换，风景描写与人物心理变化彼此衬托；众多人物及其命运在历史事件的错综复杂中得到了深刻表现。本书塑造了葛利高里的复杂形象，整个复杂而曲折的故事以他生气勃勃的登场开始，以他的痛苦、孤寂的下场结束。全部重大而多方面的内容都是通过他坎坷、艰难和最后毁灭的一生经历而联结成一个有机整体。他的形象得到小说里最多方面深入细致的描写，在他身上倾注着作者的全部思想和艺术激情。 《百年孤独》：被誉为再现拉丁美洲历史社会图景的鸿篇巨著，哥伦比亚作家加西亚马尔克斯所作，是拉丁美洲魔幻现实主义文学作品的代表作。采用了连环、环环相套、循环往复的叙事结构来展现小镇马孔多的历史。这种环环相套的结构，恰如其分地表现了小说的一个主题：人的孤独、封闭，以及由孤独封闭而造成的落后、消亡。作者对孤独这一具有民族特性的问题作了深刻的揭示。布恩蒂亚家族一代一代，他们尽管相貌各异，肤色不同，脾性、个子各有差异，但从他们的眼神中，一眼便可辨认出那种这一家族特有的、绝对不会弄错的孤独眼神。作者花了大量的笔墨，描写那些由于愚昧、落后、保守以及情欲所造成的孤独，表现了一种因为不能掌握自身命运而产生的绝望、冷漠和疏远感。这种孤独的民族性成为阻碍民族或国家进步的一大障碍。 《追忆逝水年华》：法国二十世纪意识流小说家普鲁斯特的代表作。以独特的艺术形式，表现出文学创作上的新观念和新技巧。小说以追忆的手段，借助超越时空概念的潜在意识，不时交叉地重现已逝去的岁月，从中抒发对故人、往事的无限怀念和难以排遣的惆怅。在这本小说中，生命只是一连串孤立的片刻，靠着回忆和幻想，许多意义浮现了，然后消失，消失之后又浮现。如一连串在海中跳跃的浪花。它不仅再现了客观世界，同时也展现了叙述者的主观世界，记录了叙述者对客观世界的内心感受。普鲁斯特的这种写作技巧，不仅对当时小说写作的传统模式是一种突破，而且对日后形形色色新小说流派的出现，也产生了深远的影响。经得起时间考验的天才作品，实质上总是超时代，超流派的。《追忆似水年华》就给了我们最好的实例。 《荒原》：是艾略特的成名作，最能代表后期象征主义文学特点，成为现代英美诗歌的里程碑。全诗共《死者的葬仪》、《对弈》、《火诫》、《水里的死亡》、《雷霆的话》五章。“荒原”意象象征衰败堕落的西方社会，生死再生的意象揭示《荒原》的拯救主题及其宗教思想，暗示了现代世界的精神危机，现代人类精神文化的死亡及拯救。这首抒情长诗风格多样，表现手法不拘一格，柔和了象征主义、意象主义和玄学派的一些特点。诗中陈述与咏叹，抒情与讽刺，描绘与警句，庄严典雅的诗句、滑稽可哂的市井俗语，交织穿插为五彩缤纷的景象。大量的典故、比喻、暗示、联想、对应等象征主义手法及意象叠加，时空交错等现代诗歌表现手段，诗人用来得心应手，高度的抽象化、哲理化有机地统一起来。《荒原》在艺术表现上的不足是用典故太多，且想象、联想和暗示都带有很大的随意性，。即使艾略特加了多条注解，诗歌依然艰涩难懂。 《白鲸》：美国作家麦尔维尔所作。故事以第一人称叙述。叙述者是有时比拟为作者的伊什梅尔，他受雇于“裴廓德号”出海猎鲸，船长亚哈是个狡猾老练的水手，计划向一只前次航行中毁了他一条腿的白鲸莫比·迪克复仇。大副斯达巴克试图说服亚哈放弃复仇计划，但疯呸的老人胁迫他遵从命令。发现了白鲸后，亚哈在与之交战三昼夜，终于用鱼叉刺中莫比·迪克。白鲸被激怒，将“裴廓德号“撞沉，所有水手中只有伊什梅尔被救起，得以讲述此故事。全书只有追寻和复仇这个单一的主题，但内容却十分丰富，一是得益于作者自身的实际经验和丰富知识，二是来源于作者浓厚的宗教意识。整个作品充满了圣经的典故，作者以耐人寻味的手法含蓄深刻地写出了抗争与和谐之间的关系。 《变形记》：西方现代派文学的主要奠基人之一卡夫卡的代表作。他作品中别具一格甚至捉摸不透的东西就是那深深地蕴含于简单平淡的语言之中的、多层次交织的艺术结构。他的一生、他的环境和他的文学偏爱全都网织进那里。他几乎用一个精神病患者的眼睛去看世界，在观察自我，在怀疑自身的价值，因此他的现实观和艺术现显得更加复杂，更加深邃，甚至神秘莫测。本书描述了小职员格里高尔萨姆沙突然变成一只使家人都厌恶的大甲虫的荒诞情节，表现人的异化、人际关系的异化和人不可摆脱的悲剧命运，借以揭示人与人之间极为孤独和冷漠的实质关系，在荒诞的、不合逻辑的世界里描绘人类生活的一切活动及其逼真的细节，这正是著名小说家卡夫卡的天赋之所在。 《老人与海》：美国著名作家海明威获诺贝尔文学奖的作品。写古巴老渔夫圣地亚哥在连续八十四天没捕到鱼的情况下，终于独自钓上了一条大马林鱼，他费尽心力才杀死了它并想带回去以证实自己还有价值。但在归程中一再遭到鲨鱼的袭击，最后回港时只剩鱼头鱼尾和一条脊骨。这个简单的故事含义丰富。它是一部寓意深远的古典悲剧式的小说，也是一支感人至深的英雄主义赞歌。作为一篇干净利落的“陈述性”散文，它在海明威的全部作品中都是无与伦比的，每一字皆有用处，每一字也都恰到好处。圣地亚哥的硬汉精神讴歌了人类永恒价值，是海明威人格理想的体现，又是人类与大自然顽强斗争的象征，代表着一种健康、积极向上的精神。“人不是为失败而生的，一个人可以被毁灭，但不可以给打败”。 《地铁车站》：美国意象派代表诗人庞德最著名的作品。全诗只有两行，却耐人寻味,脍炙人口，引起了无尽的研究兴趣与争奇斗艳的翻译。有一次诗人在巴黎乘地铁，在地铁车站黑压压的人流中，偶然遇到几个美丽的面孔一闪而过，这给他留下了难以磨灭的印象。作为诗人，他安排出了两个鲜明的意象来表达当时的那种感觉：人群中一张又一张美丽面孔和湿漉漉的黑色枝条上的一片又一片花瓣。他把这次经验写成了一首三十行的诗，半年后，压缩为十五行，最终将其凝练成两行。人面和花瓣重叠在一起，起了两次曝光的效果。两行诗让人联想是无穷无尽的，这里诗人很好地体会了古典诗歌中“言有尽而意无穷”和“意在言外”的美学原则。“地铁车站”是一个特殊环境，是现代社会的一个缩影，它集中地呈现了现代社会的种种事象，但在诗人庞德的眼里却被凝练至此。 《云使》：古代印度诗人、剧作家迦梨陀娑所作的抒情长诗。七八百年前就有译本在我国流传，曾有人将其在印度文学史上的地位与我国的《离骚》相比，可见其成就之一斑。全诗分为《前云》、《后云》两卷。《前云》写小神仙药叉被贬的原由，详述罗摩山至阿罗迦的路程，借此出色地描绘了由印度中南部向北至喜马拉雅山一带的雄伟秀丽的山川和富庶繁华的城市。药叉在雨季到来时，将一片浮云作为心灵的使者，托它传递自己无恙的消息和深深的思念给妻子。赋予雨云以人的品格，说它是“焦灼者的救星”，想象新奇，情文并茂。《后云》介绍故乡、家庭、妻子，层层推进，款款而谈，想象中饱含的深情如泣如诉。作者遣词造句的精湛技艺使人惊叹，仿佛身临其境，字字珠玑，耐人寻味。 《源氏物语》：平安时期女作家紫式部创作的日本中古长篇写实小说。全书54回，近百万字。可分为两大部分：前44回写源氏极享荣华，伴随着感情纠葛的一生。这是作品的中心内容。后10回写源氏之子薰(实为三公主和柏木大将的私生子)与宇治山庄女子之间错综的爱情故事。小说历经4代天皇、跨越70多个年头，登场人物数以百计，仅主要人物就有几十人之多。《源氏物语》浸润着浓厚的佛教色彩，透过光源氏身世 、用世、玩世、超世之苦，映射出大皆空”的佛学观念。但它并不是一部宣传宗教教义的宗教性文学作品，它思想上的真正价值在于展示了平安王朝宫廷贵族的生活画面与斗争场面，折射出当时的社会现象。其艺术上最大的成功之处是塑造了源氏及众多女性形象，并通过这些形象反映了物哀、幽情等审美意向。 《飞鸟集》：印度大诗人泰戈尔的代表作之一，也是世界上最杰出的诗集之一，它包括300余首清丽的小诗。白昼和黑夜、溪流和海洋、自由和背叛，都在泰戈尔的笔下合二为一，短小的语句道出了深刻的人生哲理，引领世人探寻真理和智慧的源泉。初读这些小诗，如同在暴风雨过后的初夏清晨，推开卧室的窗户，看到一个淡泊清透的世界，一切都是那样的清新、亮丽，可是其中的韵味却很厚实，耐人寻味。包括了感情,亲情,友情方面的小诗集,描写作者自己身处其中的情况以及当时的社会。泰戈尔是信神的，但他的神不是哪一个具体的神，而是童心、纯真、自由、宽容等一切美好之物。 《舞姬》：日本近代浪漫主义作家森鸥外所作，被称为日本“浪漫主义文学的开山之作”。描写了爱丽丝与日本青年贵族医官的爱情悲剧，有一定的自传色彩。男主人公丰太郎虽自我觉醒，然而终于屈服于封建专制和家族的压力，背弃了爱情。小说所表现的个性与封建家族、自我与权力机构的矛盾已经超出功名与爱情的对立，突现了日本现代化进程中，最根本、也最具普遍意义的问题，即名作家佐藤春夫所说的“封建的人转变为现代的人”。鸥外的文体既有汉文的雄浑，又有西文的明晰，更具日文的优雅，他将三者融为一体，形成自己独特的端庄典雅、清新明丽的风格。 《雪国》：日本新感觉派代表作家川端康成所作，曾获诺贝尔文学奖。作家后期受日本古典文学和禅宗思想影响很重，对现实的态度逐渐趋于冷漠。《雪国》是这种思想变化的分水岭。《雪国》把背景设置在远远离开东京的雪国及其温泉旅馆，并以那里的五等艺妓驹子和游客岛村的邂逅为题材，表现了他们的性爱生活和游览活动。女主人公洁身自爱然而命运悲惨。川端康成探索西方现代派的创作方法，又着意融会日本古典主义传统，以富于抒情色彩的优美笔致，并巧妙地用雪国独特的景致加以烘托，创造出美不胜收的情趣和境界。川端对于作品的文学语言，要求极为严格。因此其文用语简明，描写准确。川端康成的唯美倾向和颓废倾向都很强烈，欣赏其作品时应走出那种幻而冷的气氛。

晚唐诗人杜牧，被誉为“唐朝著名十大诗人之一”，无论是诗歌还是诗词，都可以说是空前绝后，杜牧的诗歌以七言绝句出名，人称“小杜”，杜牧的家是朝廷高官，所以说从小就是个富二代，杜牧也有风流才子的名号，绯闻多也是因为对他的误会甚多。杜牧性格放荡不羁，耿直，容易与别人发生矛盾；杜牧在扬州做秘书的时候就已经被人落下了文人薄悻的恶名；杜牧被人看成是文人无行好色风流，在道德上有所亏欠。

因为杜牧的父亲身体弱，所以在官场没有什么作为便去世了，这时候杜牧的家中就开始窘迫了，以收租来维持生活，后面便进入官场，但是并不顺利，后与杜家世交沈传师，邀请杜牧到洪州担任其幕僚，杜牧也不把自己当外人，经常到沈家蹭吃蹭喝，听歌赏舞，沈家有一舞姬，让杜牧心动，两人暗生情愫，甚至一起出游，被人发现，就背世人所诟病，但是沈传师的弟弟也对舞姬有情，决定直接纳为小妾，失恋后边流落于花街柳巷。

后来遇到了淮南节度使牛僧孺派出的便衣记录在案，在日后的干部任命政审中，去了扬州，去了扬州后整日也流连于风花雪月之地，迷失在扬州二十四桥的柔波之中牛僧孺曾经暗示过他，说年轻人晚上不要太用功，要注意身体，这也坐实了他风流才子的名声。

杜牧从小便是富家公子，可能是因为住的地方是繁华之地，所以说从小公子哥去解闷的地方便是那些地方，去了扬州更是美不胜收，便沉迷于这些风花雪月，最后发现自己已经不再年轻，便追悔这么一段风流的生活，所以最大的绯闻还是他风流才子。

　　谈谈芭蕾舞传统和形成

　　法语ballet的音译,意指:①一种舞台舞蹈形式,即欧洲古典舞蹈,通称芭蕾舞。这是在欧洲各地民间舞蹈的基础上,经过几个世纪不断加工、丰富、发展而形成的,具有严格规范和结构形式的欧洲传统舞蹈艺术。19世纪以后,技术上的一个重要特征是女演员要穿特制的脚尖舞鞋用脚趾尖端跳舞,所以也有人称之为脚尖舞。②舞剧,最初专指以欧洲古典舞蹈为主要表现手段,综合音乐、哑剧、舞台美术、文学于一体,用以表现一个故事或一段情节的戏剧艺术,称古典芭蕾(或古典舞剧)。20世纪出现了现代舞以后,以现代舞结合古典舞蹈技术为主要表现手段来表现故事内容或情节的称现代芭蕾。逐渐地,芭蕾一词也用来泛指用其他各种舞蹈为主要表现手段的舞剧作品,尽管在舞蹈风格、结构特征、表现手法等方面均不同于古典芭蕾或现代芭蕾。③在现代编导创作的舞蹈作品中,有相当一部分没有故事内容,也没有情节,编导运用欧洲古典舞蹈或现代舞蹈,或使两者相结合,用以表现某种情绪、意境,或表现作者对某个音乐作品的理解等等,这些也称为芭蕾。

　　ballet一词,源于古拉丁语ballo。最初,这个词只表示跳舞,或当众表演舞蹈,并不具有剧场演出的含义。芭蕾作为一门舞台艺术,孕育于文艺复兴时期意大利盛大的宴饮娱乐活动,17世纪形成于法国宫廷,这种宫廷芭蕾实际上是在一个统一的主题下,具有松散结构的舞蹈、歌唱、音乐、朗诵和戏剧的综合表演,由专业的舞蹈教师设计,国王和贵族担任演员,女角也由男子扮演,表演场地在皇宫大厅中央,观众则围绕在大厅周围观看;演员戴皮制面具标志不同角色,故又称假面芭蕾。

　　1661年,路易十四下令在巴黎建立皇家舞蹈学院。17世纪70年代芭蕾演出开始使用黎塞留主教宫廷剧场。演出场地和观众观看角度的改变,引起了舞蹈技术和审美观点的变化,演员站立的姿势越来越外开,由此正式确定了脚的5个基本位置,这5个外开的位置成为发展芭蕾舞技术的基础。专业芭蕾演员应运而生,并逐步取代了贵族业余演员,职业女芭蕾演员也开始登台演出,舞蹈技术得以较迅速地发展。芭蕾演出从基本上是一种自娱性的社交活动逐步转变为剧场表演艺术。这个时期的芭蕾是从属于歌剧的,宫廷作曲家J�B吕利在歌剧中加入芭蕾场面,实际上是一连串舞蹈表演,剧情反而显得无关紧要,这时称为歌唱芭蕾或芭蕾歌剧。这种状况一直持续到18世纪中叶。18世纪的芭蕾大师JG诺韦尔是芭蕾史上最有影响的舞蹈革新家。他在1760年出版的《舞蹈与舞剧书信集》中首次提出了"情节芭蕾"的主张,强调舞蹈不只是形体的技巧,而属于戏剧表现和思想交流的工具。诺韦尔的理论推动了芭蕾的革新浪潮,在他和其他许多演员、编导的持续努力下,芭蕾从内容、题材、音乐、舞蹈技术、服饰等方面都进行了一系列改革,这些改革使芭蕾终于能够与歌剧分离,形成一门独立的剧场艺术。

　　在芭蕾发展史上,主要有两种美学观点一直在起作用。一种观点认为,芭蕾是"纯粹的舞蹈",16世纪的意大利舞蹈教师、《王后的喜剧芭蕾》的编导Bde博若耶认为芭蕾是"几个人在一起跳舞的几何图案组合"。这种观点完全着眼于芭蕾的形式美,几乎完全不考虑芭蕾的内容或情节,往往导致单纯追求技巧的高超、华丽。18世纪中叶以前,这种观点在芭蕾创作中居统治地位。另一种观点强调芭蕾是"戏剧性舞蹈",诺韦尔的"情节芭蕾"理论最集中地代表这种观点。他认为在一部芭蕾作品中,舞蹈要表现戏剧性内容,"情节和舞蹈设计要保持统一,有合乎逻辑的、明白易懂的故事作中心主题,和情节无关的独舞及舞蹈片段都得取消",舞剧中"不仅是舞蹈技术光辉夺目,更须通过戏剧性表现,从情绪方面感动观众"。上述两种主要观点至今仍在起作用,不少编导致力于创作戏剧性的或有情节的芭蕾作品,也有的编导热衷于无情节芭蕾,注重形式美,两类作品中的优秀剧目都是观众所欣赏的,并作为保留剧目经常上演。20世纪以来,各种文艺思潮对芭蕾创作的影响越来越明显,出现了许多不同风格的作品。

　　创作一部芭蕾作品,编导是关键人物,他根据文学剧本(或一个故事、一首诗、一部音乐作品)构思出舞剧结构或舞蹈结构,再由演员来体现。编导和演员都必须掌握芭蕾语言(或芭蕾语汇)--芭蕾技术技巧,以及运用芭蕾语言表现特定内容或情绪的能力,编导应该深谙它们长于表现什么,不能表现什么;而演员则应该训练有素,能适应并创造性地体现编导的构思,只有具备这些基本条件,芭蕾创作才能进行和完成。芭蕾结构形式有:独舞、双人舞、三人舞、四人舞、群舞等,编导运用古典舞、性格舞(舞台化的民族舞蹈和民间舞蹈)、现代舞等,按上述形式可以编出多幕芭蕾(分场或不分场,如《天鹅湖》)、独幕芭蕾(如《仙女们》)、芭蕾小品(如《天鹅之死》)等。芭蕾的这种结构形式在19世纪后期发展到高度规范化和程式化,以致影响和限制了芭蕾的发展。在20世纪编导创作的大量芭蕾作品 中,这些规范和程式已被大大突破,不断出现新的探索和创造。

　　世界芭蕾舞发展概况

　　宴会芭蕾

　　芭蕾出现于15-16世纪文艺复兴全盛时期的意大利，艺术家极力模仿古希腊的艺术风格。最早的芭蕾表演是在宫廷宴会上进行的，1489年在意大利的一个小城里，为庆祝米兰公爵和西班牙阿拉贡公主伊达贝尔的婚礼，演出了《奥菲士》。当时的表演形式与我们今天所见到的芭蕾演出绝然不同，它的每一段表演大致都与上菜联系在一起，比如模拟狩猎的表演开始以后就吃野猪肉；海洋、河流神灵出场开始吃鱼。然后，许多神话人物上场献上许多菜肴和水果，最后客人们也都参加到热闹狂欢的表演中去。这是一种把歌、舞、朗诵、戏剧表演综合起来的表演形式，可以说是芭蕾的雏形，后人称它为“宴会芭蕾”。

　　宫廷芭蕾

　　随着意大利贵族与法国宫廷的通婚，意大利的“芭蕾”演出被带入法国，1581年，在亨利三世皇后妹妹——玛格丽特的结婚庆典上演出了《皇后的喜剧芭蕾》。当时没有舞台，观众坐在三面墙壁的两层楼廊里。国王和显贵们坐在坛台上，表演则在大厅的地板上进行。编导者博若瓦叶就是受聘于法国的意大利人。内容表现女妖西尔瑟如何征服了阿波罗，但不得不向法兰西国王陛下屈服。表演是戏剧、音乐、舞蹈、朗诵、杂技的混合体。路易十四时期（1643-1715），法国芭蕾发展到它的鼎盛时期，路易十四本人喜爱舞蹈，并受过良好训练。15岁即参加宫廷芭蕾《卡珊德拉》的演出，扮演阿波罗神。

　　情节芭蕾

　　18世纪欧洲启蒙运动深刻地影响着法国芭蕾的发展。它的革新思想表现在反对把芭蕾当作供贵族消遣的装饰品，要使芭蕾象戏剧一样，表现现实生活，提倡芭蕾要有社会内容和教育意义，这就是“情节芭蕾”产生的时代背景。诺维尔代表了欧洲芭蕾革新的主流，集中体现了启蒙运动的民主主义精神，他在《舞蹈和舞剧书信集》中，提出了他对芭蕾的革新主张。诺维尔的学生——让·多贝瓦尔所创作的舞剧《无益谨慎》至今还在上演，成为当代各大芭蕾舞团的保留剧目。

　　浪漫主义芭蕾

　　浪漫主义芭蕾是芭蕾发展史上“黄金时代”，在舞蹈技巧，编导艺术以及演出形式方面都经历了一个灿烂辉煌的阶段。《仙女》、《吉赛尔》、《爱斯梅拉尔达》、《海盗》等舞剧的产生，造就了一批芭蕾人才，如佩罗、布农维尔、塔尼奥尼、艾尔斯勒等。这个时期的芭蕾特点概括如下：

　　1、内容和题材的变化。超凡脱俗的仙女、幽灵代替了神话传说和古代英雄故事中的人物。反映一种对现实不满和失望的情绪，一种追求超越尘世的对另一世界的情趣，或以死亡摆脱对现实的失望，或以一种不切实际的追求代替对生活的愿望。其中代表作有《仙女》（1832）和《吉赛尔》（1841）。《吉赛尔》汇集法兰西风格，成为浪漫主义芭蕾的顶峰，此后逐渐出现了浪漫主义和现实主义相结合的现象。

　　2、舞蹈技巧和表演都有了重大发展，脚尖舞技巧成为女舞蹈家表现手段的一个重要因素出现，男子舞蹈技巧也有了进一步的提高。

　　3、在演出形式上，采用了瓦斯灯的照明和大幕，改革了芭蕾服装和舞鞋，产生一种诗意轻盈的风格。

　　浪漫主义芭蕾的黄金时代极其短暂，从19世纪30——40年代，仅仅10多年就出现停滞枯萎的局面。从19世纪下半叶开始，欧洲芭蕾的中心逐渐移致俄国。

　　俄罗斯芭蕾

　　19世纪下半叶欧洲浪漫主义芭蕾走向衰落，复兴芭蕾的使命历史地落在俄国肩上。从40年代起，外国舞蹈家们频繁访俄。塔利奥尼父女、佩罗、圣·莱昂等人的表演和编导活动，特别是布农维尔的学生约翰逊（在圣彼德堡）和布拉斯（在莫斯科）的教学活动，向俄国舞蹈界传授了法兰西、意大利两大舞派的精华，并逐渐形成了新的学派——俄罗斯舞派。在剧目建设上，玛蒂帕和伊凡诺夫起了决定性的作用。柴可夫斯基通过《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》实现了舞剧音乐的革新，使音乐成为舞剧中塑造形象、叙述事件的基础，启发和丰富了舞剧编导的舞蹈交响化的思想。《天鹅湖》第二幕达到了舞蹈诗的高峰，被奉为交响化舞蹈的范例。以后又有格拉祖诺夫写出的《雷蒙达》（1898）、《四季》（1900），这些作品在继承浪漫主义芭蕾传统的同时体现了俄国现实主义传统。

　　20世纪初，俄国芭蕾已在世界芭蕾舞坛中占据主导地位，拥有自己的保留剧目，表演风格和教学体系，也涌现了一批编导和表演人才。此后，一批俄国芭蕾舞界的年轻人要求革新、探索新的表演手段和发展道路。戈尔斯基和福金就是他们的带头人。福金的革新思想不可能在帝国剧院内实现，他的主要作品都是在国外为佳吉列夫芭蕾团排练上演的。佳吉列夫从1909年起连续3年组织俄罗斯演出季，并于1913年成立以蒙特卡罗为基地的永久性剧团——“佳吉列夫俄罗斯芭蕾团”，在欧美各地巡回演出，影响巨大，把由俄国保存的古典传统剧目送回欧洲，促成欧洲芭蕾的复兴。该团解散后，它的成员流散欧美各国，利法尔在法国，德瓦卢娃在英国，巴兰钦和福金在美国，对各国芭蕾复兴或创建做出了重要贡献。

　　当代芭蕾

　　1929年末，利法尔成了巴黎歌剧院芭蕾舞团的常任舞蹈编导和主要舞蹈演员，一直到1958年离开，实际上进行了一次改革，例如废除了赞助人可以在芭蕾演出之前到后台去与舞蹈家们闲聊有一个世纪的古老权利。还有每周举行一次开幕式。1932年重演《吉赛尔》时，利法尔饰演阿尔伯特，他是一个才华横溢的人。法国两大编导家，罗朗·佩蒂1965年根据雅勒的音乐编导了《巴黎圣母院》，获得了辉煌的成功。莫里瑟·贝雅尔1970年编导的《火鸟》是一个最别致的作品。巴黎歌剧院芭蕾舞团的保留剧目还有《吉赛尔》、《葛蓓莉娅》、《西尔维娅》等。

　　英国芭蕾主要归功于三个伟大女性的毕生经营：在皇家剧院担任多年首席女芭蕾舞蹈家的阿德莉娜·热奈夫人；妮娜特·德·瓦卢娃夫人的不朽功业是皇家芭蕾舞团；玛莉·兰伯特夫人，是以她的名字命名的芭蕾舞团的创始人。此外还有节日芭蕾舞团、苏格兰芭蕾舞团。

　　美国没有国家芭蕾舞团，巴兰钦与林肯·柯斯坦在1933年一次会见，应邀主办美国舞蹈学校。1948年转化为纽约市芭蕾舞团，巴兰钦任艺术指导和主要编舞家，副艺术顾问是杰罗姆·罗宾斯。已经形成了一种典型的美国舞蹈风格。另一重要芭蕾舞团是美国芭蕾剧院，1940年开始活动。先后担任编导的有福金、马辛、安东尼·都铎等。还有乔弗里芭蕾舞团，阿瑟·米切尔的哈莱姆舞蹈剧院，是第一个黑人古典芭蕾舞团。

　　丹麦皇家芭蕾舞团是丹麦民族传统的优秀继承者，布农维尔一百年前创作的舞剧，仍然在哥本哈根以纯正的风格进行演出。（实际上是旧式法国风格）在丹麦芭蕾中，传统意识一向是非常强烈的。1932年哈拉尔德·兰德尔被任命为皇家剧院芭蕾指导，一直到1952年，他为法国、英国重排的《练习曲》，是对芭蕾舞技巧的一次辉煌的展览。

　　20世纪初有影响的俄国编导有戈尔斯基、普尼和福金。安娜·芭甫洛娃理想的体现了福金的构思，1905年有《天鹅之死》。

　　在俄国，十月革命后，高尔斯基坚持戏剧的表现性，使它的舞蹈演员们采取史坦尼斯拉夫斯基的方式生活于角色之中，原本产生于宫廷的芭蕾舞并没灭亡。1927年在莫斯科演出了《红**花》，是俄国第一部英雄主义的现代题材的舞剧，标志着古典学派的胜利，指出了追随的准绳，古典芭蕾博得了新的声誉。谢苗诺娃和乌兰诺娃首次登台，新创作的舞剧注重戏剧结构，更多地运用民间舞蹈来丰富舞蹈编导的语汇。俄国芭蕾开始了复兴。

　　从1581年法国演出《皇后的喜剧芭蕾》至今四百多年，芭蕾舞已遍及全世界，被公认为人类文化遗产的重要部分，成为世界性的艺术，五大洲的众多国家都建立了自己的专业的芭蕾舞学校和芭蕾舞演出团体。在当今世界上，芭蕾艺术繁华似锦，古典芭蕾和现代芭蕾，戏剧芭蕾和交响芭蕾等不同流派争奇斗艳，涌现出大批人才和剧目，很多国家逐步形成了自己的风格特色，在芭蕾舞的艺术表现上不断出现新的探索和创造。

　　如何欣赏芭蕾舞

　　欣赏芭蕾，大致上有两条思路。一条是传统的，一条是现代的。一般主张欣赏的方法与欣赏的对象相统一：即用一丝不苟的传统思路，去欣赏“早期”、“浪漫”和“古典”这三个传统时期的芭蕾舞剧、音乐型芭蕾和纯粹型芭蕾。

　　传统的欣赏思路要求观众提前半小时左右到达剧场，以便能将日常生活中的琐事和烦恼，统统留在剧场的大门外或衣帽间那个尘世的空间里，然后静下心来，全身心地投入剧场这样一个非常特殊的，与马路上的拥挤、菜市上的吵闹、单位里的纠纷、家庭里的琐事毫不相干的审美场，进入《仙女》、《吉赛尔》、《葛蓓莉娅》这样一个人造仙境，进入《睡美人》、《胡桃夹子》、《天鹅湖》这样一个梦幻世界，一连几个小时逃避一下都市的喧嚣和精神的压力。接下来，我们还可以用心地研究一下节目单，细读一下剧情梗概、有关评论、舞团简史、编导和舞者介绍等各种有关材料，寻找一下众所公认地芭蕾舞明星，想象一下另人陶醉的音乐名曲，期待一下奢侈华丽的服装和富丽堂皇的布景……

　　现代的欣赏思路对观众没有任何苛刻的要求，而是为其提供随遇而安的哲学，因为现代生活的节奏压根儿不允许观众，特别是有职业的观众提前半小时到达剧场，而是在欣赏的过程中强调观众无需任何先人之见，只需用随身携带、各不相同的理性知识来理解，用来自生活、五光十色的感性经验来参与即可。

　　这种欣赏思路认为，节目单上的东西简直就是编导们设下的圈套，或者是为弥补舞剧编导或芭蕾编舞自身的语无伦次而兜售的灵丹妙药，可看可不看，甚至最好不看！剧情到底是怎么“写”的无足轻重，成功与否只能看他台上怎么“舞”的。芭蕾舞剧说到底，还是以舞为主，以剧为辅的，否则，便无法解释芭蕾舞剧中的领衔主演们在跳完双人舞后，甚至在跳完其中的变奏后，便向观众频频施礼的现象。如果剧重于舞，这种行为岂不是出“戏”了，西方的观众和评论家们又怎能整整忍耐了一个世纪呢？

　　这种欣赏思路认为，明星可以欣赏，但用不着崇拜得五体投地，明星崇拜的风气实在显得太古典！按照自己的审美标准，而不是跟着评论家们的意见跑；寻找自己眼中和心里的明星，而不是随波逐流，这才是最最重要的。

　　中国芭蕾舞的历程

　　哈哈

　　如果说1581年法国《皇后喜剧芭蕾）的上演，一直被视为芭蕾舞剧之初始——雏形的话，芭蕾在中国的传播与发展几乎晚了3个多世纪。不过，起步虽晚，却是飞跃前进。

　　20世纪初，曾有外国的芭蕾舞团来中国演出，但规模有限。此后，陆续有俄侨来中国开办业余私立芭蕾舞学校，以上海、天津、哈尔滨等地较有影响——对中国的芭蕾启蒙教育有积极作用。毋庸置疑，芭蕾舞剧在中国的真正兴起和发展，也是在中华人民共和国成立之后，这与中国政府对一切具有世界意义的优秀文化艺术都采取积极吸纳、支持的基本方针具有密切的关系。

　　最初，对中国芭蕾具有影响力的是俄罗斯学派。从54年2月第一位苏联专家奥·阿·伊莉娜（O·A·YEALINA）应邀来京开办第一期“教师训练班”起，到58年中国上演第一部经典芭蕾舞剧《天鹅湖》，中国芭蕾实现了初创期的神速“3级跳”。在此期间，谙熟芭蕾艺术的戴爱莲也发挥了重要作用。

　　第一期“教师训练班”的学员（大都接受过一定的芭蕾训练），以半年的时间，奇迹般的完成了苏联舞蹈学校1——6年级的教学大纲，通过严格的考试全部合格。他（她）们成为同年创建的北京舞蹈学校，芭蕾专科的教学骨干。此后，在实践中不断提高，成长为真正的芭蕾教育家——培养出一批又一批优秀人才。实现“3级跳”的重要举措是边训练，边实践演出。这一时期常有著名苏联芭蕾艺术家来华演出，精湛的表演吸引了众多的观众，中国人逐渐熟悉、喜爱起这门艺术。

　　1957年在查普林的指导下中国首次完整的上演了一部芭蕾舞剧——《无益的谨慎》（LA FILLE MAL GARDEE），它是18世纪末让·多贝瓦尔的作品，具有现实主义的风格，适宜于当时中国芭蕾舞演员的实际水平，通过演出使队伍得到了提高。

　　1958年10月在古谢夫的指导下，北京舞蹈学校集中全力，成功的上演了世界著名经典芭蕾舞剧《天鹅湖》（奥杰塔扮演者白淑湘）（SWAN LAKE）全剧，引起国内外强烈反响。通过严格排练，高速度地造就了一支具有多方面人才的芭蕾舞剧队伍。如今，《天鹅湖》已在中国“落户”——成为对观众最有号召力的芭蕾剧目。59年底，北京舞蹈学校实验芭蕾舞剧团成立，这是中国有史以来第一个专业芭蕾舞团。次年，上海成立了与北京建制相同的舞蹈学校，也承担起培养专业芭蕾人才的任务，从此北、南遥相呼应，努力开拓芭蕾事业的新局面。继《天鹅湖》之后，59、60年，在古谢夫的指导下，又陆续成功地上演了《海侠》（LECORSAIRE）、《吉赛尔》（GISELLE）年轻的中国芭蕾队伍承担这两部风格不同的著名芭蕾舞剧已显得比较从容。

　　这一时期中国派出了蒋祖慧（1934——）、王锡贤（1933——）等先后到莫斯科国立戏剧学院舞剧编导系进修，成绩都很优异。回国后，蒋祖慧推出了她的毕业作——《西班牙女儿》（根据文艺复兴时期欧洲著名作家洛贝·德维加的著名诗剧《羊泉村》改编，1961年天津歌舞剧院首演；王锡贤在北京指导上演了他的毕业作《泪泉》（THE FOUNTAIN OF BAKHCH I SARAY）（根据俄罗斯诗人普希金的著名长诗改编，北京舞蹈学校实验芭蕾舞剧团首演。

　　1963年，中央歌剧舞剧院成立，学校附属的芭蕾舞剧团结束了其实验阶段，归属了国家级剧院。不久，蒋祖慧又执导了一部著名芭蕾舞剧——《巴黎圣母院》（NORTRE－DAME DERARIS）（根据法国著名作家雨果的同名小说改编，中央歌剧舞剧院首演。……短短10年间，中国的编导、演员基本上已可独立驾驭经典芭蕾舞剧的创作、排练、舞台演出了。

　　从64年起，开始了中国芭蕾舞剧的创作实践。事实上第一代芭蕾舞剧编导，大都是从学习民族舞蹈转向芭蕾专业的，他（她）们的民族文化背景，无疑有助于芭蕾舞剧民族化的探索。大型中国芭蕾舞剧《红色娘子军》（THE RED DEPACHMENT OF WOMEN）的上演，虽不是严格意义的“首开记录”，（在此之前，已有过不同类型、不同规模、不同成效的芭蕾民族化探索）却可以说是第一部最成功的大型中国芭蕾舞剧——从内容到形式都具有鲜明的中国风格、中国气派。

　　《红色娘子军》1964年首演，编导：李承祥、王锡贤、蒋祖慧；作曲：吴祖强、杜鸣心等；首演者：中央歌剧舞剧院，女主角：白淑湘饰琼花；吴静珠饰连长；男主角：刘庆棠饰洪常青；李承祥饰南霸天；主要女配角：赵汝蘅饰琼花战友；万琪武饰老四。它是根据同名**改编而成。讲述中国第二次革命时期的故事：受尽折磨的琼花，因不堪忍受地主南霸天的压迫，逃离虎口，巧遇红军党代表洪常青，经过他的引路，琼花参加了娘子军，历经磨练和考验，成长为卓越的革命战士。洪常青牺牲后，她接过红旗英勇向前。这部舞剧以震憾人心的悲壮情节，恢宏绚丽的场面，鲜明的人物形象以及海南岛的地域风情，从它诞生起，就赢得多方好评。它在芭蕾舞台上破天荒地塑造了英姿飒爽的“穿足尖鞋”的中国娘子军形象，将芭蕾的精华与中国的气派融为一体，为世界芭蕾舞坛增添了一朵奇葩。

　　由胡蓉蓉（1929——）、傅艾棣（1936——）、程玳辉（1932——）、林秧秧（1939——）创作的《白毛女》，与《红色娘子军》同期出台，平分秋色，它是中国芭蕾舞剧的又一成功探索。

　　《白毛女》（THE WHITE HAIR GIRL）1965年首演，作曲：严金萱；首演者：上海芭蕾舞团；女主角：蔡国英（A）、茅惠芳（B）饰喜儿；顾峡美（A）、石钟琴（B）饰白毛女；男主角：凌桂明饰大春；主要男配角：董锡麟饰杨白劳。它根据同名歌剧改编，讲述贫苦农民的女儿——喜儿，被迫卖给恶霸地主黄世仁抵债，不堪凌辱，逃入深山。长年风餐露宿，头发变成了白色，不知情者称其为“白毛仙姑”——（鬼）。最后她被八路军所救，与年轻时的恋人——已是八路军战士的大春团聚。歌剧《白毛女》以“旧社会把人逼成鬼，新社会把鬼变成人”的真实故事，感动了中国千千万万的老百姓。

　　这部芭蕾舞剧并未因循于原作——走捷径，而是根据芭蕾艺术特点，进行了再创造。它巧妙地运用了中国古典、民间舞的素材，以写实与浪漫相结合的方法将剧情予以芭蕾化的展现。对于剧中主要人物诸如：喜儿的纯真、甜美和变成“白毛女”后的坚韧、刚毅；大春的朴实、敦厚及参军后的英勇、干炼以及黄世仁的阴险、毒辣……等都刻划得比较鲜明、生动。

　　《红色娘子军》与《白毛女》，在中国芭蕾舞剧发展史上具有里程碑的作用。它们是“洋为中用”更深层次的实践，以其独有的中国特色自立于世界芭蕾艺术之林。集体智慧弥补了经验不足，使芭蕾中国化的探索，起点较高，起步很快。与其它舞蹈、舞剧作品的命运不同，这两部作品在“文革”中，被定为“样板戏”——是当时为数极少获准上演的两部舞剧。经受了时间与社会的检验，《红色娘子军》与《白毛女》依然葆有其艺术生命力。这两部作品都被确认为“20世纪经典”。文艺复苏期在芭蕾领域中的表现，首先是恢复西方芭蕾经典保留剧目的演出，使长期只见1“红”1“白”的广大观众，在久违多彩的芭蕾艺术之后，掀起了一阵《天鹅湖》的狂热。

　　新时期的中国芭蕾，展现出蓬勃发展的态势：

　　首先是以更开放的眼光，面向世界广泛吸收、借鉴，而不只局限于单一的俄罗斯学派的影响。从80年代初，陆续有来自英、法、德、瑞士、加拿大等国的著名芭蕾艺术家以友好交流的形式传授技艺。先后有芭蕾宿将安东·道林、著名芭蕾编导本·斯蒂文森（B·STEVENSON）等在中央芭蕾舞团指导排练了他们自己的作品：纯古典风格的男、女《四人舞》（TE－ PASDE QUIXOTE）、《前奏曲》以及著名芭蕾艺术大师巴兰钦（BALANCHINE）的《小夜曲》（SERENDE）……等，其中大部分已成为该团经常上演的保留舞目。

　　此外，十多年间，中国陆续上演了多部不同风格的西方经典剧目，如：1980年，由巴黎歌剧院芭蕾大师莉塞特·桑瓦尔亲自指导，中央芭蕾舞团演出了法国浪漫主义的著名芭蕾舞剧《希尔维亚》（SYLVIA）；1984年，由英国著名芭蕾艺术家贝琳达·赖特和尤里沙·捷尔考夫妇重新排练演出了安东·道林版的《吉塞尔》；1985年，在世界级芭蕾艺术家鲁道夫·纽利耶夫（R·NUREYEV）和芭蕾大师尤金·波里亚柯夫等亲自指导下演出了《唐·吉珂德》（DONQUIXOTE）；还有《柔密欧与朱丽耶》（ROMEO AND JULIET）（1989，罗曼·沃克执导）及《睡美人》（SLEEPING BEAUTY）（1994，麦克米伦 MAC MILLAN版，莫里可·帕克执导）……均很成功。特别是纽利耶夫以自己无以伦比的精湛技艺和对戏剧人物的深刻理解，结合中央芭蕾舞团的实际，进行了严格训练，大大促进了演员水平的提高——在中国芭蕾舞史上留下了珍贵的一页。在上述诸多国际交流活动中，戴爱莲起到了很好的桥梁作用。与此同时，北京舞蹈学院坚持学习与实践相结合的好传统，陆续上演了《葛蓓莉亚》（1979）、《舞姬》（1981）；上海芭蕾舞团上演了《那波里》（又名《渔夫与新娘》）第3幕；天津歌舞剧院复演了《西班牙女儿》（1982）；此外，于1981年组建的辽宁芭蕾舞团推出了《海侠》（1983）……这不仅丰富了群众的文化生活，而且经过世界各国芭蕾权威指导演出纯正的古典芭蕾名作，使新一代芭蕾舞人才迅速成长。

　　1980年5月 汪齐风（女、上海）参加日本大阪举行的第三届世界芭蕾舞比赛,获第十四名,为我国 夺得了第一枚芭蕾舞奖牌。

　　1982年6月 汪齐风（女，上海）、张伟强（北京）在美国杰克逊国际芭蕾舞比赛中，获表演三等奖。

　　1984年11月首届巴黎国际芭蕾舞蹈比赛，汪齐风（上海）、王才军(北京)获巴黎歌剧院发展协会奖。

　　此后，中国选手频频参加各种国际芭蕾舞大赛，表现出较强的实力。比较突出的有：

　　1985年——第13届洛桑国际芭蕾舞蹈比赛，李莹（女，北京）获第一名，徐刚（北京）获第二名；

　　1985年——第5届莫斯科国际芭蕾舞蹈比赛，唐敏（女）获最佳表演技巧奖，张伟强、赵民华分别获男

　　子双人舞和和单人舞第三名（均为北京选手）。

　　1992年——第5届巴黎国际芭蕾舞比赛潭元元（上海）获第一大奖；同年，谭元元又一举夺得第1届日本芭蕾国际比赛女子少年组金奖（中国辽宁的女选手于晓楠获同届少年组银奖）；波兰尼金

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　　宫廷舞

　　courtdance

　　古代宫廷皇室中享宴娱乐的舞蹈。大多来自民间，也有宫廷专业艺人加工创造的。内容多为帝王歌功颂德或歌舞升平，形式上比较工整华丽，结构也比较严谨，一般皆属当时艺

1古代的舞姬能不能边唱歌边跳舞

洋洋盈耳 袅袅余音 铿锵有力 风风韵韵 掷地有声 莺声燕语

绕梁三日 绵言细语 绘声绘色 黄莺出谷 余音绕梁 沉鱼出听

余音袅袅 天籁之音 婉转动听，悦耳动听，心旷神怡，沁人心肺 娓娓动听

个人觉得很难= =，你看现代演唱会跳舞最著名的明星是迈克尔杰克逊，他大部分演唱会边跳边唱都是假唱的，因为太激烈要喘，还有保护嗓子。架不住人家太强大，歌迷明知道是假唱还是蜂拥而至。

但是换个角度想，古代轻歌曼舞的，估计也没有迈克尔杰克逊那么激烈是不。喘气什么的，也许可以克服？

有些古诗词很能说明问题“舞转回红袖，歌愁敛翠钿。”“柳腰轻，莺舌啭。”“舞低杨柳楼新月，歌尽桃花扇底风。”如果不是夸张描写\虚构描写（其实诗人想象力还是很丰富的隔着几千里遥望长安看见烟尘飞舞神马的屡见不鲜= =）那就是可以边唱边跳的。

不过我很怀疑效果。皇帝啊什么的坐在高堂主位上，隔着好远一群人跳舞，还有配乐，要是独唱的话听不听得到是个问题。。要是合唱的话怎么凸显女主。。。但是如果是青百度楼舞女那种距离近的唱唱小曲，应该就是可以边唱 \ 边弹 \ 边跳的

2古代写舞姬之首叫什么

正八品： 舞圣/歌圣/琴圣从八品：御前舞师/御前歌百师/御前琴师庶八品：御前舞使/御前歌使/御前琴使正九品：御前领舞/御前领唱/御前领奏从九品：御前舞姬/御前歌姬/御前琴姬庶九品：御前舞女/御前歌女/御前琴女===========以上三斗一升========正十品：宴席度舞师/宴席歌师/宴席琴师从十品：宴席舞使/宴席歌使/宴席琴使庶十品：宴席领舞/宴席领唱回/宴席领奏正十一品：宴席舞姬/宴席歌姬/宴席琴姬从十一品：宴席舞女/宴席歌女/宴席琴姬庶十一品：舞师/歌师/琴师=======以上一斗答一升========正十二品：舞使/歌使/琴使从十二品：领舞/领唱/领奏庶十二品：舞姬/歌姬/琴姬正十三品：舞女/歌女/琴女---------------------以下为最低------------正十四品：见习舞女/见习歌女/见习琴女需要看哪个职位了。

有好多的请采纳，谢谢。

3古代歌姬舞姬等级,妙音娘子什么的

正一品尊懿舞姬/歌姬

从一品蹁跹舞姬/歌姬

正二品羽衣舞姬/歌姬

从二品曼音舞姬/歌姬

正三品鵉回舞姬/歌姬

从三品惊鸿舞姬/歌姬

正四品绿腰舞姬/歌姬

从四品康乐舞姬/歌姬

正五品公莫舞姬/歌姬

从五品铃星舞姬/歌姬

正六品踏瑶舞姬/歌姬

从六品赞佛舞姬/歌姬

正七品婉清舞姬/歌姬

从七品霓裳舞姬/歌姬

正八品巴渝舞姬/歌姬

从八品羽殇舞姬/歌姬

正九品雅乐舞姬/歌姬

从九品妙音舞姬/歌姬

PS纯手打，望采纳

4描写跳舞的古诗词

舞转回红袖，歌愁敛翠钿。

满堂开照曜，分座俨婵娟。 年代：南宋 作者：吴文英 作品：踏莎行 内容： 润玉笼绡，檀樱倚扇，绣圈犹带脂香浅。

榴心空叠舞裙红，艾枝应愁鬟乱。 水龙吟·次韵章质夫杨花词 似花还似非花，也无人惜从教坠。

抛家傍路，思量却是，无情有思。萦损柔肠，困酣娇眼，欲开还闭。

梦随风万里，寻郎去处，又还被莺呼起。 不恨此花飞尽，恨西园落红难缀。

晓来雨过，遗踪何在？一池萍碎。春色三分，二分尘土，一分流水。

细看来，不是杨花，点点是离人泪。 午梦千山，窗阴一箭，香凝瘢新褪红丝腕。

隔江人在雨声中，晚风菰叶生秋怨。