水墨画和油画相比，你认为哪个难度更大？

水墨画与油画相比，哪一种画作的难度会更大？个人认为水墨画的难度会更大一些。虽然水墨画和油画都是通过用画笔将油墨画在画纸之上，两种话说使用的画质基本释义，宣纸或者浦东的画纸为主。因此对于两种画的画料以及作画条件而言是基本相似的。但是为什么我认为水墨画会比油画更难，这是因为水墨画的色系会较为单调一些，一般以黑色，红色，绿色为主，但是油画的色系则会更多。如果用水墨画突出主题，那么在颜色方面的要求就非常的严苛，毕竟使用的颜色种类非常的少。而油墨画可以使用颜色的方式来展示画作的特点，运用绚丽的方式突出这幅画。

水墨画与油画相比，水墨画其实是更为难，突出自身的优点。因为他需要画者强大的工地，只有强大的工地。才能将画中的纹路以及线条完美的勾勒出来。让整幅画变得更为得惟妙惟肖，生动形象。水墨画可以通过色彩的层间差异来表现出画作的特点，是花更加的真实，有美感。作为中方传统的水墨画，一直遵循需要能够通过实物作画的方式。因此写生也就是产生于这种方法。但是对于有话而言，能够运用写生的方式就比较少一些，他们通常都会对应着相应的物品进行作画。并不能像我国的水墨画一样感受大自然之元气凝结成这幅画作。

因此个人认为水墨画的难度会比油墨画更加大。这是在于整个画作的精神层面水墨画所表达的精神需要更仔细地刻画对于线条勾勒程度比有话跟我的严苛。人们观察油画的时候通常都会从色彩着点，而人们观察水墨画则以线条作为分析点。

因为每种画作的基点不一样，所以导致两种话可能会产生较大的差异这种差异则需要画家们更为深厚的绘画功底来实现。

华为平板突然没有声音了？

平板外方没有声音可以尝试以下操作:

1查看设备是否显示耳机图标

如果设备未插入耳机,仍显示耳机图标,会导致外放无声。

2确保喇叭没有被遮挡

请确保设备使用匹配的保护壳、保护套,避免喇叭的出音口位置被遮挡。

3换播放音源或者播放APP后尝试

更新版本或重启设备后尝试

4获取更多帮助

如果您的设备外放仍然异常,请您联系华为消费者服务热线(950800),或者提前备份好数据(QQ、微信等第三方应用需单独备份)、携带相关购机凭证,前往附近的华为客户服务中心,获取更多帮助。相关链接如下:

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procreate笔刷水彩人像物字体素材油画书法漫画手绘插画色卡水墨怎么评价

procreate画笔大概分为以下这五种类型:硬笔刷、软笔刷、干笔刷、湿笔刷、艺术笔刷;

硬笔刷顾名思义,就是看起来偏硬的笔刷,它们的边缘比较锐利,一般用于描线和小面积上色。

软笔刷则是画出来效果比较软的笔刷,它们的边缘会有一些过渡,一般用于大面积上色和涂抹。干笔刷则多用于打草稿和阴影涂抹。湿笔刷则应用比较少,一般用于大面积上色,但纹理比较随机,不好控制。

1分钟做出酷炫字效，这14个AI超高级技巧，最后一个也太6了

有小伙伴觉得“很实用的ai技巧,提高工作效率哎!!!希望多出一些”。

这次如如老师再来分享14个超超超超级实用的AI小技巧!还在摸索Illustrator的萌新,咱们一起来探索“新大陆”吧!

对齐的正确打开方式

「水平居中」「水平左对齐」,你还在简单的使用「对齐工具」

带你学下如何花式使用「对齐工具」

1精准分布调整

还在按照固定距离,手动对齐一个个图形

「分布间距」getget!选中多个图形,再选中其中一个作为参考对象,打开对齐窗口,找到分部间距,选择分布方式,输入你想要的数值,想怎么对齐,就怎么对齐!

这里我先选中所有圆,再以蓝色圆为参考对象,输入20px,点击「垂直分布距离」,所有图形相隔20px,再点「水平居中」。

2所有图形对齐画板

除了让对象之间对齐,还可以选中所有形状,对齐至画板哦!

点击「对齐对象」右下角的「对齐」,下拉点击「对齐画板」,想图形对齐画板右边,就对齐右边!想对齐中间,就对齐中间!

3所有图形对齐某个图形

想其他对象,与你心仪的某个图形对齐别手动挪啦!

选中所有需要对齐的对象,点击其中一个图形,出现蓝色框,就可以让其他所有形状都以其为基准进行对齐了!

绘制插画,或者在制作图标的时候,这是个非常实用的功能!

4图形以画板为基准分布

如果想要对象以画板为基准分布,也可以使用点击「对齐对象」右下角的「对齐」,下拉点击「对齐画板」,然后点击「分布对象」里的任意键,就行啦!

同样,选中某个形状,你也可以用它基准,进行分布。

内部绘图

想要给物体添加上明暗关系,又觉得剪切蒙版太麻烦

可以试试内部绘图。(你也可以用来画内部的图形哦!)

选择左下角的「内部绘图」功能,就可以让新绘制的形状,镶嵌在旧形状里啦。

这样绘制图形的高光、暗部,或者内部颜色,都非常方便哦。

混合工具

提到AI的小技巧,总也绕不开混合工具的使用。在平时制作字效、海报的时候,如果添加一些渐变、荧光的效果,能让画面增色不少。

这次,就教大家一个小技巧,用混合工具制作好看的荧光字效。

先绘制两个渐变的形状,利用混合工具各点一下,就可以制作出荧光带了。

然后,用钢笔或者画笔勾出文字的路径,选择路径及荧光带,点击菜单栏里的对象-替换混合轴,就可以轻松实现荧光字效啦。

除了圆形以外,其他的形状,也可以用来制作荧光字效哦。同样的,除了字效之外,也可以用混合工具制作路径、形状的效果哦。

而这些效果,用来做banner、海报的背景,是再好不过了。

网格工具

2017年,iPhoneX的问世,不仅仅是技术的革新,在设计领域里,也给大家带来了一种新的思路,也就是用网格工具制作液体流动渐变效果。

在绘制的形状里,利用网格工具点几个点,然后用直接选择工具,选中锚点后,分别填充上不同的颜色,同时,还能调整锚点的位置,制作出液体流动的感觉。

而将这样的渐变应用在海报、banner的背景中,也可以让效果图变得更加好看哦。

自定义3D贴图

AI的3D功能,大家已经非常熟悉了吧,它经常被用来制作25D,也就是等距视角插画或者图标,但是,我们在绘制的时候,经常会碰到这样一个问题。就是,当我们对一个logo,或者形状使用3d功能的时候,整个颜色会变得非常暗,需要再次进行调色。

那么,该怎么解决这个问题呢其实非常简单,只需要点击无底纹就好了。

相应的,也可以利用自定义的贴图,制作好看的海报哦～

导出分图层PSD

噪点质感插画大行其道,纯扁平的插画已经慢慢让人觉得有点单调了,于是,AI和PS的结合已经慢慢成为许多人绘制插画时的首选了。

不过,让不少人伤脑筋的是,AI中绘制好的插画,如何导入PS中进行后续处理呢

简单!跟我操作一下步骤:

步骤1:选中所有形状,右键-取消编组

步骤2:选中所有的文字,鼠标右键,选择创建轮廓

步骤3:点击图层右上角的三条横线,选择「释放到图层(顺序)」

步骤4:点击菜单栏里的「导出为」,在下拉菜单中选择photoshop(psd),勾选上「最大可编辑性」。

这样,我们在PS中打开刚才的PSD时,就显示完整的图层啦!

后续想要添加噪点效果,只需要对每个图层单独进行操作,就可以了。

自定义笔刷

AI的自带笔刷嘛,总是有些不太尽如人意的地方。

如何自定义笔刷呢如何快速绘制出自己设定的图形呢

首先,用画笔,或者钢笔绘制好形状,选中它之后,点击菜单栏里的画笔定义,在右下角选择新建画笔。

调整数值之后,就可以利用自定义的画笔,绘制出造型啦。

设置好画笔,你就画出不少新花样,还能提升效率,减少不必要的时间!

符号喷枪工具

快速画出满天星

抬头仰望,怎么能少得了漫天星辰呢

在AI里,符号喷枪工具就能让你轻松绘制出满目星空。

只要先绘制好一颗星星,接着新建符号。

再用符号喷枪、和缩放工具,随意点击,便可以得到不错的效果了。

相应的,如果想要绘制其他的效果,比如飞溅的浪花、游散的云朵等,也可以用同样的工具实现哦。

快速制作放射线

按住shift键不要松手,先绘制一个正圆,点击菜单栏里的「效果」-「波形效果」,调整数值,就可以实现放射线的效果啦!

这个功能,也可以制作一些水波纹的效果哦,简单又好看,还不赶紧跟着练习

快速制作图纹效果

简单有趣的图纹效果,一个功能就能搞定

首先绘制一个形状,接着点击菜单栏里的「效果」-「扭曲和变换」,调整变换数值,就可以轻松实现了!

快速切割图形

只会布尔运算切割图形ai橡皮擦了解一下!

按住alt键,拖动鼠标,以矩形的形式切割形状。

这个操作适用于单个或多个对象哦!你可以利用此操作快速进行减去矩形形状的布尔运算。

按比例缩放外观

每次缩放一个一个带描边的内容,都要重新调整描边的粗细太麻烦啦!

勾选变换窗口中的「缩放描边和效果」,现在可以按原比例缩放啦!

快速重复变换

AI中变换形状后,若想重复原本的操作,无论是旋转还是移动,只需简单一步!

选中图形,复制变换,选中下一次要变换的图形,ctrl+D,可以无限重复上一步操作,设计师必备快捷键哦!

快速选择相同对象

还手动一个个,从一堆复杂、分组过多的图层中,选出相同属性的图形

选中你需要的图形,「选择」-「相同」,这里我根据外观来选想要的矩形们。

以上就是今天分享的AI小技巧!

希望对大家有所帮助

中国当代水墨是基于对传统中国画的当代发展而来一个新的艺术概念。当代水墨的字义概念上包含两层含义：其一，是指其时间上的当代范畴，具体而言是指我们当代的不同过去的当代社会、经济、科技与文化的发展状态下的时代背景;其二，是指水墨之表现元素，即是以传统中国画中最基本的水墨材质与形式。其中既有传统传承之要素，又有当下时代的文化风尚与取向，所以说当代中国水墨处于介乎于传统艺术与现代艺术之间的相互关联而又独自存在的艺术表现形态。而中国当代水墨又因其当代的时代精神文化语境则更是显现着我们当代的艺术表现特性。然而在多元时代文化的大背景中我们仔细研究与体味当代水墨与传统精神与现代艺术发展之间的关系时，似乎会感觉到当代水墨对之于传统艺术与现代艺术而言既为夹缝又是桥梁，这种近乎尴尬之状态在某种程度上又是对当代水墨自身造就了另一种发展契机。传统艺术因素与现代艺术取向存在着传统性与当代性、地域性与世界性以及文化上的东方特性与西方特性的对比、冲突与如何协调的诸多问题。此种之对比与存在促使两种文化观念的相互激烈冲突却又紧密交织。这也即是传统中国画之文化精神与当代多元文化背景下的当代艺术精神取向的相互交织与磨合。当代中国水墨的发展状态中，一方面作为中国文化精神与民族因素不能丢弃，而另一方面又需要具备当代之时代精神取向，需要兼容并蓄也需要独立自存且不失我们的民族自身性。所以中国当代水墨实际上是在这样一个传统与现代的夹缝中丛然而生，盎然而存。

传统中国画是我们中华文化精神的一个重要表现形式，其中包含着中华民族的综合而独特的文化品质，寄托着中国知识分子与文士们的最高精神追求，体现着纯粹而静穆崇高的艺术境界。然而近代中国历史上政治、经济与军事战争等原因使我们的文化被蒙上一层厚厚的沉土，比之于西方科技文化似乎表现出陈旧与落后，且也似乎显得不适时宜。以致后来的绘画界对中国画发起的近乎革命性变革。其中功过是非就历史而言自有定论，我们当代的人们似乎逐渐能够开始清晰而客观看待。然而当今西方为主体的文化大融合是当代我们的社会与文化的客观背景，我们当代的全球多元文化的交融共存以及当代社会经济与科技、文化与生活也促使着当代艺术中中国画的精神取向有新的发展。既要保留传统文化之精神或者艺术中的民族因素又要具备当代时代的精神特征与艺术风尚。当代中国艺术中带有如此使命之中国水墨便在其中承担着民族与世界、历史与现代的双重责任与压力。在当代不断进行实践与探索中的中国当代水墨实质上是承担着立基于民族而面向现代与世界艺术使命。虽然当代世界文化的多元并进使得当代艺术在取向与观念上空前自由与宽泛，激进派对中国画的时代不适宜性的批判此起彼伏，然而中国水墨艺术家并不愿意放弃中国画表现中的重要表现元素水墨。在对激进派的思想观念某种程度上的苟同之后仍然坚持了水墨的基本元素，试图以此保留我们如今从形式上为其不多的依存而又确然独特的传统因素，似乎以此可保留我们的民族性，而另外的潜在含义大概是以此西方所没有的而我们却固有的民族特产对立于当下世界纷繁之现代艺术。

当代中国水墨的发展在形式方面因为时代的当代性从而显示着非常丰富的形式面貌。而对中国当代水墨从形式上的创新与改造已成为当代水墨发展的一个普遍共识。众多当代水墨艺术家基于民族与时代苦苦追寻新的而又赋予自我个人性的表现形式。在如此追寻的队伍中更多水墨艺术家受当代西方为主体的全球化的思想意识与艺术观念的深入影响，从而试图在中国水墨中注入更多时代性与国际化的艺术精神内涵。如此一来，他们一方面把持了某种中国传统之文化基因，又能够大开步迈向了国际与世界艺术之前沿，这也便是他们的高明之处，换句话来说也就是说它们借中国笔墨之材料而去表现当代的或说西方或说是世界的文化精神。如此也是一种我们中国当代水墨艺术的一个重要特征。此中有如当代水墨艺术家中的谷文达、马艺星、刘子健、王川、梁铨等。这些艺术家一方面受过中国传统文化的教育，另一方面实质上更加欣赏的是当代艺术的世界范围的宽泛性与自由性，并不愿意遵守传统给予他们的清规戒律，思想上虽有传统的印迹而更多是充满激进的创造与变化。而这种激进的创造与变化并不是我们传统的要领而正是西方文化的重要特征。所以他们的水墨作品表现出激进之张扬与抽象，全然不同与中国传统水墨的形式以及精神内涵，而更多体现出西方现代艺术所要求之精神特征。然而此类当代水墨画家的这种理论上的艺术思维在实践表达中似乎也不可避免地存在一定的难度。当代世界文化的多元性、变化性以及自由性与传统中国之笔墨材料在表现上的局限性形成难以调和的矛盾。中国笔墨材质表现上的规范或局限性与独特性与当代艺术的自由性形成冲突。中国水墨画家一方面要不舍传统材质，另一方面也要得其现代激进之思，所以必须从中得以调和。这种调和或是一种相互的妥协，抑或是相互的屈从，很少有能够兼而得之且不舍其精要。当然这种追寻过程中的相互妥协与屈从如能得以通融，那也便是一种很具特色的创新。如此之作也会呈现出一种前所未有的新的表现形态，这种新的表现形态在当代主流国际艺术范畴内既是一种极大的标新立异却也没有远离其作者之艺术初衷，其中大概也暗合着当代西方性的国际主流艺术之发展潮流。也自然成就着当代水墨艺术的一种清醒、游离而又具时代与国际化的水墨形态。

当代水墨形式上的变革与创新是当代水墨艺术的一个共性。而对形式要求所基于的艺术家的艺术观念在当代还尚有不同。借中国笔墨以传西方与当代之思想是当代水墨艺术发展的一种潮流。而对中国传统文化给予厚望的一些艺术家在对当代艺术的纵横比较思维中，能够体会到中国传统文化精神的深厚与崇高，同时又感受着当代精神文化与生活的时代历程，于是希望通过当代之新的水墨表现形式以体现自我具中国传统文化精神与当代自我感同身受的思想情感与艺术观念。在当代文化的共融于宽泛文化背景之下，我们当代很多艺术家愈来愈能够整合以至能清晰而客观的看待自我与对方的各个优劣，所以当今愈来愈多的艺术家认识到曾经被尘封而本灿烂的中国文化。于是便进而有意于探究并去保留与试图继承这种优秀的文明。但是古人的亭台楼阁、高山流水式的时代与人文背景在历史的长河中潇然远去，只留给我们以无穷的遐想。同时当代的社会、经济、文化与生活等等又给予我们内心以现实而真切的感受。传统水墨只可寄予精神逍遥时的暂时寄息，而似乎又缺乏自身确切之体验与感受。当代水墨艺术中的水墨表现也就经历着传统与当下时代的交相织染。此类艺术家在接受当下包括西方绘画表现与中国绘画表现之综合艺术表现的学习与研究后，更愿意在中国水墨表现上吸收一些类似于西方构成与色彩等较为宽泛的艺术表现规律，以形成自我形态而又具中国传统情怀的当代水墨作品。如最早的林风眠先生便是如此之先行者，林先生虽早年留学于法国学习西方的油画与西方的现代艺术，然而他的精神与追求最终使他回归于自然山林，回归于清静与沉寂，回归于他由内而发的人性温情。他的这种艺术精神与作品所体现出来的境界也正是中国传统文化之精髓，他的作品虽形式上具有构成性与装饰性的迥然不同于传统的国画表现形式但却表现出来的意境是中国传统文化精神的本质精华。当代还有诸多神往此类表现与境界的艺术家也在不断的追求与探索自我的表现形式与艺术境界。当代尚有田黎明、刘庆和、武艺等等艺术家也在做着这方面的体味与探索，很多人在自我追求与探索中形成一些很有艺术价值与品位的水墨艺术作品。

 

 

当代水墨画：  作者：马艺星    题目：《结缘在山涧》

 

 

 

        中国当代水墨追求与传统精神的艺术家在其水墨艺术创作中虽借用了当代或是西方的一些艺术表现元素，但从精神追求上更多保留了中国文化的精神内涵，从而使得作品能在中国范围内的广大受众产生共鸣，其作品的表现性与思想性对于中国受众而言显得较为亲切而自然。而艺术观念趋于追寻与当代国际艺术潮流的中国水墨艺术作品在西方与国际会产生一定的影响，而在中国范围内的受众多少会感到一种迷惑于隔膜。所以说虽然都是中国当代水墨艺术，由于各自艺术家具以不同艺术思想与艺术观念从而形成不同的水墨艺术形态，这种不同的水墨形态形成就了当代综合而风格、面貌多样并存的当代中国水墨艺术状态。

中西方艺术

东西洋文化，根本不同。故艺术的表现亦异。大概东洋艺术重主观，西洋艺术重客观。东洋艺术为诗的，西洋艺术为剧的。故在绘画上，中国画重神韵，西洋画重形似。两者比较起来，有下列的五个异点：

(一)中国画盛用线条，西洋画线条都不显著。线条大都不是物象所原有的，是画家用以代表两物象的境界的。例如中国画中，描一条蛋形线表示人的脸孔，其实人脸孔的周围并无此线，此线是脸与背景的界线。又如画一曲尺形线表示人的鼻头，其实鼻头上也并无此线，此线是鼻与脸的界线。又如山水、花卉等，实物上都没有线，而画家盛用线条。山水中的线条特名为“皴法”。人物中的线条特名为“衣褶”。都是艰深的研究工夫。西洋画就不然，只有各物的界，界上并不描线。所以西洋画很像实物，而中国画不像实物，一望而知其为画。盖中国书画同源，作画同写字一样，随意挥洒，披露胸怀。19世纪末，西洋人看见中国画中线条的飞舞，非常赞慕，便模仿起来，即成为“后期印象派”。但后期印象派以前的西洋画，都是线条不显著的。

(二)中国画不注重透视法，西洋画极注重透视法。透视法，就是在平面上表现立体物。西洋画力求肖似真物，故非常讲究透视法。试看西洋画中的市街、房屋、家具、器物等，形体都很正确，竞同真物一样。若是描走廊的光景，竞可在数寸的地方表出数丈的距离来。若是描正面的(站在铁路中央眺望的) 铁路，竞可在数寸的地方表出数里的距离来。中 国画就不然，不欢喜画市街、房屋、家具、器物等立体相很显著的东西，而欢喜写云、山、树、瀑布等远望如天然平面物的东西。偶然描房屋器物，亦不讲究透视法，而任意表现。例如画庭院深深的光景，则曲廊洞房，尽行表示，好似飞到半空中时所望见的；且又不是一时间所见，却是飞来飞去，飞上飞下，几次所看见的。故中国画的手卷，山水连绵数丈，好像是火车中所见的。中国画的立幅，山水重重叠叠，好像是飞机中所看见的。因为中国人作画同作诗一样，想到那里，画到那里，不能受透视法的拘束。所以中国画中有时透视法会弄错。但这弄错并无大碍。我们不可用西洋画的法则来批评中国画。

(三)东洋人物画不讲解剖学，西洋人物画很重解剖学。解剖学，就是人体骨骼筋肉的表现形状的研究。西洋人作人物画，必先研究解剖学。这解剖学英名曰anatomy for art students，即艺术解剖学。其所以异于生理解剖学者，生理解剖学讲人体各部的构造与作用，艺术解剖学则专讲表现形状。但也须记诵骨骼筋肉的名称，及其形状的种种变态，是一种艰苦的学问。但西洋画家必须学习。因为西洋画注重写实，必须描得同真的人体一样。但中国人物画家从来不需要这种学问。中国人画人物，目的只在表出人物的姿态的特点，却不讲人物各部的尺寸与比例。故中国画中的男子，相貌奇古，身首不称。女子则蛾眉樱唇，削肩细腰。倘把这些人物的衣服脱掉，其形可怕。但这非但无妨，却是中国画的好处。中国画欲求印象的强烈，故扩张人物的特点，使男子增雄伟，女子增纤丽，而充分表现其性格。故不用写实法而用象征法。不求形似，而求神似。

(四)中国画不重背景，西洋画很重背景。中国画不重背 景，例如写梅花，一支悬挂空中，四周都是白纸。写人物，一个人悬挂空中，好像驾云一般。故中国画的画纸，留出空白余地甚多。很长的一条纸，下方描一株菜或一块石头，就成为一张立幅。西洋画就不然，凡物必有背景，例如果物，其背景为桌子。人物，其背景为室内或野外。故画面全部填涂，不留空白。中国画与西洋画这点差别，也是由于写实与传神的不同而生。西洋画重写实，故必描背景。中国画重传神，故必删除琐碎而特写其主题，以求印象的强明。

(五)东洋画题材以自然为主，西洋画题材以人物为主。中国画在汉代以前，也以人物为主要题材。但到了唐代，山水画即独立。一直到今日，山水常为中国画的正格。西洋自希腊时代起，一直以人物为主要题材。中世纪的宗教画，大都以群众为题材。例如《最后的审判》、《死之胜利》等，一幅画中人物不计其数。直到19世纪，方始有独立的风景画。风景画独立之后，人物画也并不让位，裸体画在今日仍为西洋画的主要题材。

史学研究:

油画艺术，在中国走完了一百多年的历程。这是它在这块土地上生根、发芽和曲折成长的历史，这是它逐渐融进中华民族血液的历史。在此以前，油彩作为一种绘画技术，早在明代就已传到中国，并在宫廷的圈子内绘制皇族显贵人物肖像，那些作品有的是外国画师描绘的，有的是由他们的中国弟子完成的。它们主要以其历史价值而不是艺术价值为人们所注意。一百多年来，油画艺术跟随中国社会经历了风风雨雨。辛亥革命、五四运动、抗日战争、解放战争、文化大革命、改革开放，这些促进或阻挠社会变革的历史事件，都给予它以洗礼，使它得到考验与锻炼。它经历了几个发展阶段：19世纪末－－1937年是第一阶段。油画传到中国后立即参与社会的文化启蒙。作为外来的艺术形式，它给中国人耳目一新的感觉，在提供新的美感的同时，推动了中国人的恩维变革与社会进步。1938——1949年为第二阶段。在抗日战争与解放战争时期，因为战争环境和物质条件的限制，油画艺术不能得到发展，但已经从事这门艺术的画家们，或在斗争生活中得到了磨练，为尔后的创作积累了素材，或在战事较少涉及的后方克服困难完成了一部分作品，培养了一批青年油画家。这时油画艺术处于逆境之中。它的暂时被压抑犹如正在蓬勃生长的树干受到了风雨无情的摧残，它变得扭曲但仍然保持着向上发展的生机。1949年中华人民共和国成立，国家的统一和民族的振兴，使油画获得发展的有利时机。1949－－1965年，虽然油画艺术受到了"以阶级斗争为纲"的政治运动干扰，艺术家的创造积极性不时受到限制甚至遭到打击，但油画还是得到了很大的发展，艺术家们创造了不少优秀的作品。当然不少作品打上了为政治服务的烙印。在1966－－1976年的文化大革命期间，油画家们和他们从事的艺术受到了无情的摧残。少量允许创作的作品也大多是为"文革"的宗旨服务的。中国油画的新生是在改革开放之后的新时期（1977年至今）。较为安定平和的政治环境，较为自由的艺术氛围，使艺术家们能较安心地从事艺术创造；较为广阔的国际间的艺术交流，使艺术家们能更多地了解当代世界的艺术信息。经济的蓬勃发展和人民生活明显的改善，给艺术家们以鼓舞和前进的动力。新时期的中国油画的历程也是很不平静的，在前进中有曲折，有起伏，遇到了不少新问题，尤其是受到了西方前卫艺术激进主义的冲击和商业化大潮的影响。但从艺术创作的势头来说，它是朝气蓬勃的，创作的成果也是丰硕的。逐渐趋向多元的观念和多样化的创作实践，是包括油画在内的新时期美术的重要特色。

回顾一百年来我国走过的道路，我们不得不把目光放在中国油画何以区别西洋画这个问题上，也就是说，不得不研究油画自从西方引进之后，中国人赋予它以哪些不同于西方的特点。

油画艺术是世界性的语言。艺术不受国界的限制而为世界各民族的人民所欣赏。从艺术角度，很难成立诸如"欧洲油画"和"中国油画"这类说法，因为油画作为一门世界性的艺术，有共同的标准，只是因不同民族的创作者在表现内容与表现手法上彼此有差异而已。因此，我们考察油画在中国发展的历史，从理论上说也必须以油画世界性的共同标准去加以衡量。可是，什么是油画艺术世界性的共同标准呢？大致上说，油画艺术有三个层面可供考查：技术的层面，形式技巧的层面和精神内容的层面。技术必须过关，必须掌握油画技术的ABC，这一点是最基本的要求。用技术表达自己的感受，描绘自己的所见、所闻、所感，有个怎样描绘、怎样表现、采用什么技巧、选用什么形式的问题。作为古典写实的油画，欧洲人有雄厚的写实造型即素描造型的基础。从印象派之后，欧洲油画逐渐转向表现性，采用象征、写意和抽象的手法，但因为有具象、写实的基础，有古典油画的渊源，在空间意识上仍然和他们的传统有一脉相承的联系，给人的感觉仍然浑厚而不显于单薄，有立体的空间氛围而不显描绘的表皮化，即使在他们自觉摆脱三维空间追求平面化时，也是如此。油画形式技巧之中另一重要的环节是色彩。作为产生在欧洲的画种，欧洲的历史、地理和人文环境培育出了油彩艺术，欧洲的自然环境、气候决定了他们的绘画优势在于油彩，而不在水墨。欧洲油画色彩的绚丽与和谐在世界艺坛上是夺目的，也培养了一代又一代油画人的"眼睛"。采用油画技术，在色彩的感觉与运用上必须达到一定的要求，必须过色彩关，掌握色彩对比与和谐的方法。技术、技巧和形式，最终是为精神内容服务的。一件艺术品成功的关键不在技术与形式技巧，而在于它包含的精神容量。精神容量有较为广泛的内容，基中最主要的是艺术作品中所反映的审美感觉的深度。凡是有深度的审美感觉，就能触动人们的心灵，不论是写人物，还是写山水、风景和静物。

用这三个标准来衡量20世纪中国的油画艺术，我们感到有不少缺憾。技术和形式技巧尚不够完善，这是明显的事实。从事油画的前辈们因为社会的动乱和不安定，没有足够的时间与精力在这方面作更深入的研究和探索，我们还需要做补课的工作。至于我们油画作品的精神容量，就整体来说，20世纪的中国油画与人生、与现实有较为紧密的联系，尽管在一个时期存在着泛政治化的倾向，那是受狭隘文艺观念与有偏差的文艺政策影响的结果。对"审美"偏狭的理解，影响了中国油画的全面、健康的发展，这是我们回顾这一段历程时不可回避的事实。可是，这时期的中国油画的精英创造也具有另一特色，它在描绘和反映现实生活方面别具一格，带有理想主义色彩和乐观主义精神。这些作品影响了中国人民的精神生活，积极参与了中国的社会变革，推动了社会前进时的步伐。这样说来，在20世纪中国这块土地上产生的油画艺术，基本上是经得起用世界性的共同标准来衡量的。我们给予它应有的评价和赞美，不是出自于狭隘的民族主义和爱国主义的心理。事实上，其他国家不带任何偏见的艺术界人士，也是给予中国油画以公允的评价的。

从艺术的角度看，中国油画它最重要的特色是什么呢？现实主义。这里有两层含义，现实的精神与写实的形式。20世纪中国的现实，中国的社会变革，使中国的许多知识分子和艺术家们，把文学艺术视为改造社会的武器。在世纪在大半时间内，艺术家们密切地关注现实，从社会生活中吸取创作资源，赋予他们的作品以现实主义精神和与此相关的形式技巧。20世纪初，当油画刚从西方传入中国时，主要形态是写实的、具象的，具有现实主义精神的。那时在欧洲已经普遍流行现代主义思潮，现实主义的油画已经开始处于被压抑的地位，可供中国人选择的是带有古典色彩的写实油画和充满激进色彩的现代派油画。因为中国留学生多在外国的艺术学院学习，接受的主要是学院的写实教育，有些人（如徐悲鸿）是坚定的写实主义者，崇尚现实主义艺术。也有人曾对现代派绘画感到兴趣，并加以学习和实践，如林风眠、庞薰琴、卫天霖等，但这些艺术家也并非是真正意义上的现代主义者。他们采取了兼收并蓄的态度，既学习古典写实油画也对现代艺术的探索比较关注，从中借鉴表现语言，或作部分地试验，如他们的一些作品采用了表现主义、野兽主义、立体主义手法。值得注意的是那时欧洲和日本的学院艺术教育已经接受了19世纪末的印象主义和后印象主义的一些观念与技巧。可以这样说，在中国留学生中即使坚持古典写实的画家，已经和19世纪欧洲地道的学院派有不小的区别。当这些画家回国之后，看到的是祖国的落后与衰败，是日本的侵入与蹂躏所造成的满目疮痍的景象。社会和人民大众需要的是他们可以看得懂和可以理解的现实主义美术。现实主义占据主流地位，现代主义受到抑制，这局面的形成是难以避免的。从社会学的观点看，这也许是无可非议的，而从艺术学的观点看到是很令人遗憾的现象。因为现代主义也是关注人生、关注现实的、并非要建立脱离社会的纯艺术殿堂。可是在文化启蒙任务尚未完成的旧中国，要人民大众接受现代主义，很难。30年代有"决澜社"等社团，想提倡现代主义艺术，都没有成功。一些热心于做现代主义艺术的油画家，也慢慢改弦易晚辙，画较为写实的画。30年代中的一个时期，许多油画家的表现手法在写实的基础上较为多样。那时，艺术环境相对宽松，对艺术创作方法较少行政干预，只是物质条件极为艰苦，艺术家们还有失业之虞。50-60年代，中国油画中的写实艺术有很强的观念性，受苏联社会主义现实主义的影响，艺术创作紧密地为当时的政治服务。为当时意识形态认可的油画作品，一般有较强的政治内容，一些有自己艺术理想的油画家（如吴大羽等）则在主流艺术之外，做自己的探索。

对这一时期的油画作品应作具体分析。那时，全国人民政治热情高涨，为国家建设事业的欣欣向荣而欢欣鼓舞。许多油画家以真诚的心态和强烈的爱国热忱，歌颂祖国的繁荣富强，歌颂人民战争的伟大胜利，歌颂工农兵英雄人物，歌颂社会新事物，并在艺术上作认真的推敲，创造出不少既有思想内容又有形式美感的作品，这是应该给予充分肯定并应给予历史评价的。这些作品是新中国的艺术硕果。不用说，在为政治服务的作品中，也有不少平庸之作，一些"假"现实主义作品。50-60年代是我国现实主义油画的丰收期。30年代留洋或在国内受教育的油画家和1949年之后成长起来的油画家，都为这时期我国现实主义画廊奉献了许多优秀作品。

假现实主义在"文革"中泛滥。从艺术角度看"文革"时期的油画，除一些艺术家冒天下之大不韪私下做的艺术探索外，公开展示的大多数作品，受制于客观的社会条件，缺乏真正的现实主义精神

自1978年至今20多年的时间，我国油画受到的两个大冲击波是，在西方现代主义艺术影响下的我国的青年前卫思潮和在商品经济大潮冲击下的艺术商品化的趋势。所谓"85新潮"，实际上是广泛引进西方现代主义的青年艺术思潮，带有激进的色彩。这种思潮的主要矛头是否定假现实主义传统。它之所以产生并且有不少艺术家表示同情或参与其中，是因为它否定的有些东西正是我们应该加以扬弃的，如虚伪的理想主义、红光亮、粉饰太平，以及艺术创作方法的程式化、陈陈相因等等，它引进的有些艺术观念和方法是我们原来较为陌生的,对我们不无启发。"85新潮"与其说在艺术创作上有多大积极性的成果，毋宁说它作为一种冲击力量，使我们更加清醒地认识到既有艺术模式的某些弊端，从而加以自觉地抑制与克服；使我们开阔眼界，看到天外有天。此外，"85新潮"一些过激、片面的口号与做法，也"歪打正着"，使我们警醒、警惕,认识到不加分析地否定一切可能造成的恶果，从而自觉地保持传统中的好东西，而不在泼洗澡水时，把盆中的婴儿也抛掉。

"85新潮"并未摧毁我国油画的现实主义传统，现实主义艺术却从中受到锤炼走向更加广阔健康的道路。与此同时，现实主义以外的流派也在新思潮的推动下得到了相应的发展空间。

商业化大潮把油画推向市场。市场的需求，使油画创作一度出现令人担心的媚俗倾向，出现了不少迎合市场、带有廉价趣味的作品。一些油画家身上存在的浮躁情绪，也和不能正确处理艺术与市场的关系有联系，有人为了打入市场不得不降格以求。庸俗廉价的假古典写实和满足于浮光掠影的描绘风情的作品一度充斥市场。但艺术市场本身有自我完善的能力，艺术经纪人、收藏家以及群众对艺术品的鉴赏能力不断在提高，艺术家也在不断提高自己作品的趣味和格调。国内的艺术市场，至少是有影响的拍卖行和画廊经售的艺术品的质量不断在改进。总的说来，艺术市场的出现给中国油画灌输了新的活力，随着时间转移，这种活力会愈发显示出来。所以，80年代以来，中国油画仍然以现实主义为主流。但是，现实主义的面貌已发生很大的变化，现实主义的观念更为开放，手法更为多样。现实主义的观念与方法与其他的流派相互辉映、相互兢争、也相互交融，出现了不少带有表现性、象征性的写实作品，出现了一些超现实的和有些荒延意味的以及有调侃及嘲讽意味的被称为"新现实"的作品，等等。进入90年代，这一趋势更为明显，现实主义一统天下的局面已成为过去，这与艺术观念与实践多元化的进程是一致的。中国油画迎来了百花争艳的春天。

20世纪的中国油画受到西方（包括俄罗斯）古典传统与当代艺术的影响，这是不容置疑的。可是在发展过程中，受本民族的现实生活、传统文化和艺术遗产的薰陶与感染，又形成了与其他民族油画艺术不同的面貌。这面貌很难一言以蔽之，但有一点是明显的，那就是有无可争辩的写意性。

艺术不同于科技，科技的引进，往往是直接的、机械的、不经变化或经过很少变化与改造。艺术的引进则不一样。它包含了两个方面：技术性的如绘画的技法，可以直接地引进采用，无须多大的变化；艺术层面的，属于创造性范畴，反映了人的审美情趣，在引进时就多少包含了创造的成分。这成分开始可能很弱，显得有些勉强不自然，但慢慢会加强，变得完善、成熟、自然起来。所以说，在艺术中，引进与创造这两者彼此是紧密相连不可分割的。引进中的艺术创造又不可避免地包含了两个方面，一是引进者们身上的民族文化沉淀与积累的自然流露，是一种集体无意识；二是引进者的自觉追求，其中有艺术家们锲而不舍的努力，但成功与否则由其秉赋、天性、气质胸襟与修养所决定。中国油画家们从李铁夫1887年进美国阿林顿美术学校学习油画起，就由这两方面的因素其所绘作品具有不同于西方画家的一些特点。当然，这里有先深入学习的过程，即较深入地掌握技术、技巧、学习西方人表达的方式，先趋同，先"像"人家，后异于人家，先在"同"上下功夫，后在"同"中求"异"。李铁夫、还有后来的徐悲鸿、林风眠、吴作人、常书鸿、庞薰琴、吕斯百、秦宜夫等，在留学期间，作品就曾得到所在学校的各种奖励。奖励的依据并非是他们作品的民族特色与个性特色，而是西方共同认定的绘画技巧标准，这就是李铁夫常常挂在口头上的"one、two、three"（一、二、三），即画面上"三度空间"的表现方法。（1）三维的，而不是平面的，这是西方古典油画在技巧上不同于中国水墨画的重要特色。在三维空间的描绘中讲究笔法上的秩序、层次、肌理所体现出来的节奏与韵律感。留学西方与日本的中国油画家在这方面均下过硬功夫，都达到一定的水平。在掌握了西方油画的基本技巧之后，这些多少受过中国民族传统文化艺术薰陶的艺术家们，很快就会自然地将油画的表现语言与中国传统艺术加以比较，并从比较中更为深入地领悟其中的艺术奥秘。 民族艺术的写意特色及其与之相关的象征性和自由抒写的方法不可能不对这些艺术有所启发，那是有别于西方写实油画的写意体系。表面上看，这两大艺术体系南辕北辙，相互对立；而深入艺术内里则会出现，这两大体系之间有内在的联系，除了你中有我，我中有你之外，写实与写意的两种语言，均是为更鲜明地表现人的精神世界和达到审美的目的。它们也都是既尊重客观自然，又重视艺术家主观表现的。只是两者的侧重点有所差异。自印象派始，西方人反思古典写实油画的得失，自觉地追求油画语言的变换与变异，往表现性、象征性与抽象性的方向进展。中国学子们在西方和日本学习时，西方油画语言的变异是巨大而深刻的，这不能不给予他们以强烈的印象。这也会驱使中国油画家们在引进西方油画时有所思考。不论是接受还是拒绝西方的新趋势，中国艺术家必须有自己的主张。这就决定了一些有思想的艺术家们回国之后艺术创作与活动的方向。坚持现实主义的代表人物徐悲鸿和主张吸收西方现代主义（早期）观念与技巧的代表人物林风眠、刘海粟，都准确地看到了当时中国艺术脱离现实、脱离人生的缺陷以及由此产生的艺术趣味低俗化的倾向。油画中的严谨的古典写实与自由表现这两种绘画语言都是中国艺术界所缺少的。引进本应该双管齐下的。因为这两种绘画语言对促进中国社会的进步，促进中国艺术的革新都有益处，对油画在中国健康地发展也都有好处。但是，这两种绘画语言在20世纪前六十年受到了不同的待遇。古典写实被社会普遍地接受，现代主义的自由表现受到了冷遇。用中国人绘画观念的落后和保守来解释这种观象显然是不够全面的。产生这种现象的主要根源在于中国艺术自身发展的特殊历程和当时社会的选择。文人画是中国和世界艺术史上的奇葩，有其不可低估的美术价值，但文人画发展到晚清，因陈陈相因之八股风气，离现实社会愈来愈远，确实存在着"舍弃其真感以殉笔墨"（徐悲鸿语）的问题。世纪之初许多仁人志士决心改革中国画，认为引进西方绘画是一种有效的途径。以徐悲鸿为首的写实派画家之何以为此执着地研究西方的传统写实艺术，是因为他们敏锐地感觉到，中国绘画"最缺憾者，乃在画面上不见‘人之活动’"。他们要借西画来振兴中国艺术，提供中国画家"发掘自然之美，并使吾国传统之自然主义，有继长增高的希望"。（2）而西方现代主义转而追求表现、象征、抽象，抛弃严谨的写实，在许多方面与中国写意文人画接近，在欧洲艺术史上是最重要的变革，由此艺术家们能更自由抒发和表达面对社会巨大变化而产生的内心感受。可是对当时缺乏写实观念和技巧的中国社会来说，对这个转折则有两种不同的看法，坚持用写实方法来补救中国画的一派，认为西方美术从古典写实转向现代抽象是历史的倒退，是艺术的颓唐，中国人应该以此为训，更坚定地走面向自然的道路，用写实的方法去表现自然。而另外一派，则持相互观点，他们也看到了中国画衰落，"降至明清，有些画人专以依傍附骥为能事，自蔽其天聪而惑以终身，不能自开生面"，可对中国画从写实转向写意，是采取肯定态度的，并看到这种转变与西方绘画走向的暗合。他们说，"至元而出‘四家’，以其高士逸笔，大发写意之论。其作品思想，不期而与欧西之现代艺术相合，改院体，界画为士体，而以写胸中丘壑为尚，实可以代表时代之精神"。（3）、在这派看来，"写胸中丘壑"与艺术面向自然这两者并非相互矛盾，他们认为写实与写意可以统一，可以并存。时代已掀开了新的一页，今天我们回顾几十年前先辈们面对中国艺术衰败局面的种种议论，深深地敬佩他们身上的社会责任感和严肃的使命感。他们的不同意见纯粹属于艺术学派之争论，这种争论对人们观念之开拓和思想之推进是大有裨益的。艺术界最怕死水一潭，最忌空气沉闷，"五四"之后的20-30年代，中国的新艺术之枝芽还相当稚嫩，但由于有争鸣的学术气氛，使艺术家的思想相当活跃，感情相当纯真，创作的手法与风格也相当多样

就我个人而言的话，我更喜欢中国的水墨画，因为水墨画，看起来非常的灵动，很有气韵，有一种中国传统的意境在里面，而西方的油画则是用丰富多彩的颜色堆砌出物体的质感。我个人会更喜欢偏灵动的画作，所以我会更偏向于中国的水墨画。

油画又称为西洋画，起源于欧洲，据相关的报道称是由荷兰人发明的。油画会采用很多颜料来进行创作，这些颜料色彩明亮而且不易褪色，并且能够充分的保证画的质感。但是这些油画保存难度非常大，因为在创作油画的时候选用的颜料都是油脂性颜料，环境的干湿变化都会影响油画的存储，甚至在有些环境中可能会出现颜色氧化或者是脱落的情况。西洋的油画主要注重写实，而中国传统水墨画则更注重意境，这也是我更喜欢中国传统水墨画的原因所在。

中国的水墨画一般是采用纯水墨所作的画，作画的工具是文房四宝的中的笔，墨，纸，砚。基本的水墨画一般都是水与墨，但后期也有做出相应的改变，出现了工笔花鸟画，它的色彩就会比较多样。但是无论它怎样改变，但其核心还是没有变，就是作画非常的注重意境。画作中会出现相应的留白，给人以遐想。水墨画中墨是主要的着色方式，所以在作画的时候用墨的多少也会给画带来不一样的展现。量的不同会带来不同的层次，看起来别有一番韵味。而且中国水墨画的意境非常的深远，虽然它不像西洋画那样注重透视，但是它所产生的留白恰恰是一个非常亮眼的技巧。而且中国水墨画大部分以自然题材为主，有非常浓厚的中国韵味。

所以对比西方的油画和中国的水墨画，我个人会更加喜欢中国的水墨画，因为中国的水墨画意境非常深远。

对于这种可以写篇论文或者写本书的问题，实在是无力吐槽了。

现而今各种绘画形式的界限和差异并没有那么分明，并不能说某种形式必须或者绝对、就是那样。现代的绘画并没有什么限制。精神内涵是一致的，都是画家心灵的表达。

从传统层面上来看，或者说浅显机械些来理解，由于绘画材料等性质的不同，漆画往往装饰味很浓，而水墨画却是摒弃外物，独重意境，油画又看重其质感、色彩、笔触等等因素。

又或可说句不负责任的话，水墨仿似人的灵魂、气质；油画好像人的骨肉五官；漆画依稀是人所穿着的华丽外衣。一个形而上，一个形而下，一个又形而外。

莫把丹青等闲看，无声诗里颂千秋。

导语：其实说起油画大家可能首先想到的是油画大师毕加索，确实他的画享誉国内外，他的抽象派的画法有很多人模仿，不过一直都很难被超越，而中国水墨画也是一种很常见的画法，算是一种写意，寥寥几笔就可以勾勒出一定的形态，“油画大师”潘鸿海：当初找到周迅，画出价值184万的人体油画，大家一定很好奇后来怎么样了，我们接着往下看。

永远保持美丽

周迅相信大家都很熟悉，她出演过很多影视剧，不是科班出身的周迅，就靠着自己的天赋和灵气揣摩出适合自己的表演方式，打动了很多人，特别是她哭着梨花带雨的模样。

周迅的演技一直以来都是被称赞，而周迅也因为明艳动人的外表的而得到很多导演的青睐，无数次出演了影视剧的女主角，不过如今随着时间的推移，周迅也抵不过时间这把杀猪刀，明显的老了，特别是出演清宫剧的时候，让人感觉灵气消失了，取而代之的是一种随处而在的沧桑感，和本身少女角色还是很违和的。

不过变老是一个自然现象，不过平心而论，以周迅现在的年纪，保养得如此年轻在普通人都不多见，不过对于明星在容貌上要求更苛刻一些，比如永远保持美丽。

卖出184万高价

周迅在没有出道的时候，曾经作为油画的模特，被潘鸿海用比较高超的绘画技艺，留下了永恒的画作。

那个时候的周迅还是很年轻和青涩的，稚气未脱的脸上还有清晰可见的婴儿肥，看起来很有灵气，不过因为没有什么名气，所以潘鸿海一下子绘画了好多幅画。

他应该庆幸，自己提前让周迅成为自己的模特，不然等到周迅开始走红之后，就不好请到了，以周迅的性格不想当模特，谁可以勉强呢，潘鸿海作为油画大师，比较可以发现人们身上最独特的美丽，当初找到周迅就是因为她的青涩美，而且他画下来的周迅的油画，有一副人体油画已经卖出了184万的高价。

艺术来源于生活，想要自己的作品可以得到更多的人喜欢，除了美丽更重要的是接地气，需要更贴近老百姓的生活，而且这样的油画更有观赏的价值和意义，更容易人们心中留下更深刻的印象。

不然的话，就算是自己画下的油画再美丽，依然让人记不住，可能看过之后就很快忘记了，而且对于艺术的大家一定要多去欣赏，可以改变我们的生活，让我们的生活充满了更多的美好。

结语：其实对于周迅来说可以被油画大师画下自己的样子，也算是一种幸运和纪念，自己可以随时欣赏自己的年轻时的样子，而潘鸿海先生就找到了自己的模特，让自己的绘画事业更上一层楼，算是一件两全其美的好事，后来潘鸿海依然在寻找灵感，去画出做美丽的油画，他没有停止自己对艺术的追求步伐，对此，荧幕前的你是如何看待的呢，欢迎下方留言评论！

油画，顾名思义，是以用快干性的植物油调和颜料，在画布亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种，作画时使用的稀释剂为干性的亚麻仁油，画面所附着的颜料有较强的硬度，当画面干燥后，能长期保持光泽。

　　颜料的遮盖力和透明性能较充分地表现描绘对象，色彩丰富，立体感比较强，油画是西洋画的主要画种之一。

　　从绘画艺术的发展历史来看，中国的国画明显要比西方的油画诞生的要早的多，但不管怎么样，西方油画和中国的国画都是在各自的文化之下生存的。

　　西方人讲究直截了当，所以，西方油画追求逼真的风格，也可以理解了,颜料不同。油画的颜料一般取材矿物质和植物，油性调和，有很好的覆盖性，而且比国画色彩多很多。

　　我国人讲究的是含蓄之美，所以我们很少看到国画中对于色彩的展示，我们不讲究过分逼真，有时候适量的掩饰反而更美。

　　绘画技巧上面，油画注重写实，而水墨画则是以写意为主，油画善于刻画物体的细节，水墨画则是通过寥寥几笔来描绘出其内在含义，水墨画是在纸上作画，这可以让墨水在纸张上能够渲染出比较独特的线条，而油画由于是在画布上面作画，所以并不能产生这么自然的渲染效果。

　　由于水墨画在色彩和线条上的特点也使得文人用来绘制山水风光，油画则更多用来绘制人像，能够惟妙惟肖的展现一个人的形态。

　　西方培养了很多宫廷画师，为达官显贵们画画，而水墨画，一支毛笔，一瓶墨水，就可以画出一片天地，那又是一种境界，这种不需要什么复杂的颜料和纸张，就可以画出一片江山的感觉真好。