求几首爵士风格的钢琴曲

The Crave是Jelly Roll Morton的曲子（就是**里那个黑人钢琴手）。有人说属于Ragtime的爵士，但到现在我听过的Ragtime钢琴曲大都节奏虽快但不像The Crave那种略带拉丁的感觉，而是比较轻快俏皮。最典型的The Entertainer。

还是推荐首Billy Taylor的I Wish I Knew How It Would Feel To Be Free

很经典的爵士。本想贴出试听网页的，但莫名其妙的审核让人很头疼。无奈~

你可以去diymusic里搜Billy Taylor，里面试听就这一首。

Billy Taylor有不少很好听的作品都是重奏（钢琴+贝司+鼓）比如CAG、Titoro等。不过这大师的音频网上却不多。感兴趣到Youtube去搜搜视频，我看过有CAG和Titoro的现场，很爽。

爵士的发展可以追溯到19世纪末，而我们现在常听到的爵士乐（主流爵士）是经过爵士乐自身慢慢演变而来的产物。

本期文章要与大家分享的是《爵士乐的前世与今生 · 前世》。

19世纪，法国人统治下的新奥尔良涌现了许多相对自由的黑人。而依照当地的法律，黑白人种通婚自由，促进了一批混血儿的诞生。他们从小耳濡目染，既继承了非洲黑人的传统布鲁斯(Traditional Blues)、福音(Gospel)的音乐中自由与即兴的元素，又继承了受过正统教育的白人的古典音乐中讲究谐调的元素。这变相促进了爵士乐的诞生。

新奥尔良爵士与迪克西兰爵士（New Orleans Jazz & Dixieland Jazz）：

1895年，美国路易斯安那州新奥尔良的一位小号手巴迪·伯登（Buddy Bolden）组建了一支乐队，人们通常把这一年视作爵士乐诞生的年份。在那个年代，新奥尔良的铜管乐队常常受雇于一些活动（如游行、宴会、出殡等）。这些铜管乐队不会只是单纯的重复某些旋律，但由于乐队成员大都不识谱，于是他们通常演奏一小段既定的旋律后开始即兴演奏。而即兴演奏就是爵士乐重要的一环，换句话说，即兴演奏是任何优秀爵士乐手的拿手好戏。

其实在此之前，曾有一种叫做拉格泰姆（Ragtime）的音乐逐渐流行起来，这是美国历史上最早的真正意义上的黑人音乐。1898年至1908年，拉格泰姆进入了它的黄金时期。这种以较慢的2/4拍节奏为主，切分音符为显著特点的音乐被认为是早期的爵士乐。

​虽然说通常认为1895年为爵士元年，但历史上第一张爵士唱片却出现在1917年。是一支叫做“正宗迪克西兰爵士乐队”（Original Dixieland Jazz Band）的乐队在新奥尔良录制的。而在此之前的新奥尔良爵士，我们只能从一些古老的乐谱和录影中了解。

Dixieland，顾名思义Dixie’s Land（军队露营之地），这种爵士通常是由一些白人乐手，针对军营主题进行演奏的。爵士乐手们就地取材，参照一些布鲁斯、拉格泰姆、进行曲之类进行延伸即兴演奏。由于20年代初在芝加哥盛行，迪克西兰爵士也被称作芝加哥爵士（Chicago Jazz）。

​摇摆（Swing Jazz）

19世纪20年代，随着受爵士乐影响的伴舞乐队的大量出现，有时一只乐队需要三四个号手，在这种情况下乐队即兴演奏就变得难以相互配合，将乐谱记录下来也就变得有必要了，这促进了摇摆乐的诞生。

摇摆乐的节奏通常为较快的4/4拍，因此也被摇摆乐称作是“四拍子爵士乐”。由于这种节奏活泼鲜明，人们会不禁随着它的节奏而扭动身子、翩翩起舞，所以摇摆乐常用于舞厅等一些娱乐场所。在三四十年代时，随着本尼·古德曼（Benny Goodman，“摇摆乐之王”）管弦乐队的流行，大型摇摆乐队逐渐风靡。直到1946年，摇摆乐随着大乐队时代终结逐渐没落。

​这里需要提及一下，所谓大乐队（Big Band）通常指拥有10至25位乐手编制的爵士乐团，包括旋律组（萨克斯风、小号、长号、颤音琴、伸缩喇叭等）和节奏组（钢琴、吉他、贝斯、鼓等）。

比波普（Bebop）

比波普也叫波普（Bop），是20世纪40年代初期出现的，由小号手约翰·伯克斯、古莱斯皮和萨克斯手查理· 帕克共同创立的一种激进的爵士风格。这种类型的爵士乐在摇摆乐的基础上又承袭了之前的即兴演奏，通常在演奏完第一段合奏后就开始抛弃旋律，以和声为基础进行即兴演奏。之所以说这种类型的爵士乐激进，是因为这种风格极具冒险精神，演奏速度通常也非常快（当然也不是所有都如此）。

​比波普时代堪称是爵士发展史中对演奏技术要求最高的时代，这种风格的爵士乐大幅度提高了自身的艺术性，同时大大削弱了其商业价值。此后爵士乐也彻底告别了大众音乐的范畴。比波普爵士也被认为是现代爵士（主流爵士）的先驱。

本期文章到这里就结束了，至于《爵士乐的前世与今生 · 今生》，敬请期待！

您好~！

爵士乐和古典音乐是两个艺术范畴内的概念

但除了博物馆的“古钢琴”以外 现代钢琴的构造都是一样的

古钢琴是指早期的不成熟的一些键盘乐器 也是现代钢琴的前身 主要分为：1拨弦古钢琴

拨弦古钢琴——哈普西科德(Harpsichord)在音源与演奏形式这两大特征上，都与击弦古钢琴有着完全相同的特征。就是外型上也基本一致，乃至今天我们仅从外型上难以分辨它们是哪一种琴。两种古钢琴在外型、音源、演奏特征上是一致的，但它们演奏所发出的声音效果则完全不同。这是由于激发琴弦方式的不同使然。拨弦古钢琴是在键盘的尾端装有拨弦的装置，其拨弦的拨子是以金属薄片包裹皮革制成，也有使用禽鸟的羽翎作为拨片，故也称这种琴为羽管键琴。按动音键而拨弦，十指可同时并用，弹奏出各声、复调音乐。这种激发音弦的方式有其不可克服的缺点。首先，拨弦的方式使其音量、音色难以变化，且不可克服在拨动弦时产生拨动噪音。又由于拨片在琴弦上停留的时间不可能如击弦弦槌在琴弦停留的时音那样短促(03秒)，所以琴弦不能充分振动，声音较弱而短促。这些缺点决定了它音乐表现力的不足。但其纤细而韵味十足的音色自有其独特之处，在古代的宫廷室内乐为代表的音乐形式盛行时，这种独具特色的音质有着无可替代的功能，其能在音乐历史舞台中风光300来年就证明了这一点。

2击弦古钢琴

击弦古钢琴称为科拉维科德(Clavichord)，它无论从音源、演奏形式、激发琴弦的方式都更接近现代钢琴。但是由于它的结构过于简单，一没有三级杠杆的传动方式；二没有击弦后立即脱离琴弦的装置；三不能快速连续弹奏；四没有现代钢琴所具有“软中硬”的弦槌。以上4个方面正是现代钢琴击弦机键盘的主要特征。由于上述原因，击弦古钢琴的音量小而纤细，具有一种恬淡的金属音色，有些像敲击钢片琴的声音特色，听起来也有其迷人之处。在小范围的室内乐作品中有着其它乐器所难以替代的声音效果，乃至在1709年现代钢琴问世后仍在欧洲乐坛上活跃了100多年。随着现代钢琴的不断完善、社会生活的快节奏而出现的爵士乐、摇滚乐的需要，古钢琴——似柔弱纤细而又羞涩的贵妇人——也只能归隐于现代社会舞台的大幕之后了。 自19世纪中、末叶欧洲又兴起了复古之风，欧洲各大中城市保存完好的辉煌古建筑群落、文艺复兴时期的文学、美术、音乐……等古典文化艺术长久的生命力使古钢琴又再着盛装，走上舞台。这正是我们人类在快速前进的路途之中回首望去所发现的不该丢弃的宝贵财富。于是巴洛克时期的音乐重新奏响，古钢琴又翻开了新的篇章。诚然它不占据现代音乐舞台的主流，但是我们相信，它将为我们的精神生活增添晚霞的壮美。这些古老的文化遗产当然不应被遗弃，因为它不仅为我们的生活增添了夕阳的壮美，使我们看到人类的先祖们所创造的文化，同时我们也更清醒地看到了现代乐器之丰富，现代乐器之王者——钢琴，那如日中天的辉煌。

现代钢琴的内部构造都是统一的

3现代钢琴

现代钢琴主要有两种形式：一为直立式钢琴(upright piano)，一为三角平台式(grand piano)。直立式里有标准尺寸及小号直立琴，三角平台琴则有许多尺寸，从最小到演奏会使用的大型平台钢琴。早期钢琴中还有一种长的四方形样式及直立起来的三角形钢琴。钢琴基本上有八十五至八十八个琴键，钢琴有二至三个踏板，最重要的有两个，一个在右，叫强音踏板，促使所有断音装置被解除，令任何弦被击时能自由地震动，直到踏板被解放；在左边的叫柔音踏板，是一个能造出柔和的声音的踏板。

分类: 文化/艺术 >> 器乐/声乐

问题描述:

谁能给我介绍一下爵士钢琴，还有它和钢琴的不同点？

解析:

根据外形的不同，可分为平台式的三角钢琴和立式钢琴两种。三角琴身平放，琴槌自下而上敲击琴弦；立式钢琴的主要机件为垂直装置，作为内部击弦构件的小槌竖立敲击琴弦。

按照外形尺寸，钢琴可分为大、中、小三种。

大型三角钢琴的长度为23米以上，属于演奏会用乐器，适用于大剧院、音乐厅和体育馆等大型场合，其声学品质、弹奏性能、机械灵敏度、工艺品质及使用材料等均有极高的标准。

中型三角钢琴的长度为17-23米之间，适用于演奏厅、剧场等演奏会和音乐院校等专业场合。

小型三角钢琴的长度在17米以内，主要用于家庭、礼堂及小型演奏厅等较小场合的练习和演出。

大型立式钢琴的高度为130米以上，一般用于演奏厅、小型剧场、音乐院校及一般中、小学校。立式钢琴和大、中型三角钢琴一样，具有较高的声学品质和演奏性能。

中型立式钢琴的高度为110-130米之间，适用于演奏、教学和创作。

小型立式钢琴的高度在11米以内，主要用于家庭娱乐和弹奏练习。

成人用钢琴绝大多数为88键，琴弦的工作频率为275-4186赫兹。85键钢琴现已极为罕见。

　　爵士钢琴演奏特点

　　爵士钢琴的演奏特点大致上可以分为四种：

　　第一种是"大跨度"奏法，即演奏时左手采用连续的大跳进行，形成个性鲜明的"大跨度低音"（Stride Bass），这种奏法在拉格泰姆以及早期爵士乐中经常出现。

　　第二种是"布吉－乌吉"（Boogie Woogie）奏法，它是一种快速的布鲁斯钢琴风格，对爵士钢琴有着很大的影响。"布吉－乌吉"经常采用"滚奏" ，英文叫做 Crushing 来体现它的特征。另外，它还经常以左手持续弹奏固定低音来衬托右手复杂的旋律。"布吉－乌吉"的低音音型主要有"行进"（Walking）的八度低音分解和“双音”反复两种形式。例：“行进”的八度低音分解 5 5 b3 2 | 1 1 b7 5 | 、“双音”反复。

　　第三种是“博普”奏法，它的特点是节奏支离破碎，旋律很不连贯，有时右手不时的连续奏出一连串单音音符，由于它根据比博普爵士发展而来，因此而得名。

　　另外一种爵士钢琴其实称不上演奏方法，但是在速度较慢的爵士乐中（如冷爵士）经常出现而独成一派。它的特点是采用完整或相对完整的和弦在二分或更长时值的基础上不时的加入一些切分，以此体现出慢爵士的松弛感。

　　爵士钢琴演奏关键在于即兴技巧和风格的把握，对于受过良好传统钢琴演奏训练的人来来说，不经过专门学习并不一定能弹好一首爵士钢琴风或是一首"拉格泰姆"钢琴曲，爵士钢琴即兴演奏需要一定的理论和大量的实践积累作基础。

j爵士钢琴演奏技巧

　　爵士和弦是学习爵士钢琴的基础。西方艺术音乐中使用的和弦，在爵士钢琴中都有体现，如大、小、增、减、六度、七度等等。学习如何有“摇摆的节奏”也是很重要的技艺。下一步是学习即兴演奏；这需要极高的技术，演奏者需要对钢琴熟稔于心。

　　作为独奏乐器，钢琴演奏有着极多的选择。可以用低音区演奏固定节奏型，也可以进行旋律对位。在一种名为大踏步钢琴的风格中，左手进行大幅度的跳跃。这些都可以有更复杂的变体。右手一般演奏旋律线，但也可以加入和声内容（和弦或者八度进行），还可以与左手交叉演奏；后者被乔治·希尔灵（George Shearing）经常应用。

　　独奏

　　爵士钢琴的要点之一是保持好的节拍，但也有别的诀窍，使得演奏听起来好像“两只猫在弹琴”（意指造成多名演奏者同时演奏的效果）。戴夫·麦肯那的演奏甚至被人称为“三手摇摆”。

　　第一：要有清晰、摇摆一样的韵律。可以在左手一个弱拍之后，右手立刻弹一个强拍，以模仿镲的效果。许多爵士钢琴演奏家都习惯于使用两手营造这种效果，但其实仅用左手也可以做到有些回响的效果；即用拇指弹奏主要的音，其余的手指则是装饰音。此时“摇摆”的低音旋律线就是拇指演奏出的四分音符，但中间还有许多附点或三连音的装饰效果。在谱子里，基本上从来不会把这些当中的音写下来，因为它们并非恒定不变的，而是“像鬼魂一样”不定的。因此独奏家的演奏也会有暧昧不清的感觉。为了使节奏更为明显，还可能会添加更多中间的装饰音，让旋律混在一起，形成爵士钢琴独有的摇摆效果。速度如果较快，可能会省略一些装饰音。

　　第二：让和声的变化明显。

　　第三：右手演奏旋律性内容。

　　同时满足三个要求很难，但并非不可能；亦可以将第二和第三加以整合，使右手旋律和声化。

　　另一个通常使用的方式是将手放成叉子形，两手食指、中指与拇指形成中间组，无名指和小指分别形成左右组。许多爵士钢琴家用左、中、右组分别演奏低、中、高三组旋律。亦可以用右手同时进行旋律和和声，例如演奏家巴里·哈里斯就称用左手演奏和声是过于偷懒的习惯，而更倾向于经常用右手加入和声。

　　五度循环

　　在爵士钢琴中，五度循环相当重要，提供了和声上的多样性。一般在旋律的最后四小节，都会有这样的和声进行：III, VI, II, V, I，经过四次转变回到主调。对听者而言，正确的和声进行听起来很顺畅；这样的进行一般都属于上述的四种之一。爵士乐中，通常是一小节一变。最简单的例子是同一个主调和弦可以演奏为“I - V / I”；这样在曲调中就有一个明显的波动。还可以将和声进行加以拓展，或分步进行，好像跳远运动员事先助跑一样。五度循环可以用来改编歌曲。为歌曲配和声的时候，尤其是没有特别复杂旋律线的歌曲，也可以采用部分五度循环的方式，即截取其中的几个进行模式与适合的旋律相配。

以下是几首经典的爵士音乐：

1 《Take Five》

这首歌是Paul Desmond的代表作品，是爵士乐历史上最著名的乐曲之一。它以5拍为节奏单位，以弱拍和强拍的对比为特点，具有独特的韵律感。

2 《So What》

这首歌是Miles Davis的代表作之一，是bebop音乐的代表作品。它的特点是复杂的旋律和节奏，以及使用高音和弦乐器，给人以强烈的感觉。

3 《Autumn Leaves》

这首歌是一首经典的秋日歌曲，是Swing爵士音乐的代表作之一。它以钢琴、吉他、贝斯和鼓的组合为特色，歌词描写了秋天的景象和情感。

4 《Blue Moon》

这首歌是Billie Holiday的代表作之一，是经典的摇摆爵士歌曲。它的旋律简单而优美，歌词深情而感人，是一首充满感性的歌曲。

5 《Stardust》

这首歌是Hoagy Carmichael的代表作之一，是一首经典的爵士歌曲。它的旋律优美，歌词充满诗意，表达了对过去的怀念和对未来的希望。

这些歌曲都是爵士乐历史上经典的代表作品，它们的曲风和风格各不相同，但都展现了爵士乐的独特魅力和韵味。

推荐一张专辑，Keith Jarrett的《The Melody At Night, With You》，专辑里的曲目都是抒情的爵士标准曲，或许能够为你营造那种舒缓浪漫的环境。我还想向你推荐其它两张专辑，也是Keith Jarrett演奏的，《Standards Live》和《The Koln Concert》，这些专辑可以从VeryCD上找到下载。

Thelonious Monk的《Plays Duke Ellington》也不错。

我听得不多，只能推荐自己听过并且喜欢的音乐家，希望能帮助你。

　　先给一下的“古典音乐”一词划定一下范围，大致上是指Chopin、Brahms、Mendelssohn等人及其以前的；然后再声明一下爵士乐风格变化跨度极大，在各方面都没有比较统一的范式，这里只是进行了大致总结。

　　理念

　　可以说这是两种音乐最核心的区别。

　　古典钢琴曲，它的产生方式是——作曲家在钢琴上或者凭空创作，将音乐记载在乐谱上，由自己或者演奏家进行演奏；

　　而爵士钢琴曲，多是在有乐队伴奏的情况下在事先排练的基础之上进行即兴演奏，没有官方记谱。

　　古典音乐在巴洛克时期是有非常流行的即兴方式的，即数字低音（figured bass），不过也不同于爵士，只是类似。大概到了古典主义时期这种方式就不流行了吧。

　　节奏

　　古典音乐应该说没有一个固定的节奏型，它运用到的节奏型非常多。但是在律动上多数时候会保持各种小节内节奏强弱的规律（参见乐理教材）；

　　而爵士乐主要是以swing节奏型（参见wikipedia）为基础的，在此基础之上经常有很多变化，主要是1、改变节奏重音；2、变换节拍。当然也有部以这个为基本节奏型的爵士曲目，如下：

　　曲式

　　古典钢琴曲的曲式种类繁多，从一段曲式到大型奏鸣曲式无不包含；

　　而爵士钢琴曲基本遵循曲式学中的“三部曲式”原则，即“主题-即兴-主题”。当然，爵士钢琴曲的曲式种类也并不单调，这里只是泛泛之谈。

　　织体

　　织体就是组织音乐的结构，反映到谱面上有个非常直观的图像，形态。

　　古典钢琴曲的织体在大多数时候都是以左手和弦伴奏右手旋律呈现出来的。而爵士乐中情况可分为两种20141230更正by @莫索先 ：

　　在爵士钢琴中左手和弦伴奏右手旋律不是常态，除了手大得能弹超过十度的怪物，左手更多的在用拆分的音程，尤其是整体音域处于中低音区的时候；右手兼顾旋律及很大一部分的和弦内声部。在有主题的前提下，织体如上述那样呈现；当然即兴solo的段落，左手就会变成locked hand了，这个时候才会变成左手和弦右手旋律。

　　虽然没有做过统计，但是相信古典钢琴曲在织体上的丰富程度还是略高过爵士的。其实这里折射出两者在这一点上区别不算太大。

　　不过有一点敢肯定，古典钢琴曲的织体流动是比较规律的，不会出现没过几个小节就换了几个织体的情况；

　　而爵士钢琴曲中因为节奏上的变化打破了一个相对规整的律动，使得它可以较为自由地变换织体。

　　和声

　　古典和声与爵士和声是两种区别很大的体系，和声手法区别大，对同一和弦的解释也有不同参见 《So what》曲例分析和弦相关问题？。

　　古典和声体系，又可以叫做调性和声体系，产生的历史源远流长。一个调内的每个和弦有主有副，功能地位各不相同，这也使得它的调性相对稳定，相同调性的片段可能可以持续很久；

　　而爵士和声呢，因为自身保持着一个复杂多变的调性，因此对调内的各种和弦排位没有古典音乐那样的规定。它主要靠各个调上的二级→五级→一级和弦进行来维持整个和声感觉，并在这个基础之上坐了很大的改变。

　　当然，打破这个进行模式的作品也不少，比如John Coltrane的《Giant Steps》。

　　古典和声多用三和弦与七和弦；

　　爵士和声多用七、九、十一、十三和弦。

　　爵士和声在钢琴上的运用还有一种特殊情况，就是由于乐队有贝斯手做低音，再加上复杂的和弦需要的和弦音太多但是手不见得能应付得过来，除了跟古典和声里一样省略一些和弦音，还有一种就是省略低音的声部排列（Rootless Voicing）。

　　爵士和声和的精髓全在钢琴上（也许吉他上也有），它的理论体系建立与爵士钢琴演奏技巧是密不可分的。所以在爵士和声的理论体系中，会教授到很多特定的和弦形式或者是织体，比如锁手和弦（Block Chord），比如《So What 》里面的So What Chord等等；

　　而古典和声对这种形式上的依赖较小，它教授的各种和声连接方式里存在着各种排列组合的形式。

　　调式

　　古典音乐肯定是以大小调体系为主的，偶尔借用中古调式；

　　爵士乐运用的调式材料丰富得多，有布鲁斯调式，也有中古调式、全音阶、“半全音交替”调式等等。

　　交集

　　有一种说法，叫“爵士乐是古典音乐的浓缩版”，从和声上来讲，两者都有一个非常大的跨越，只是所用的时间不同。