法国新艺术的代表人物是

阿尔丰斯·穆夏（Alphonse Mucha）1860724—1939714。出生于摩洛维亚（Moravia）小镇Ivancice（在现今的捷克共和国境内）一个虔诚的宗教家庭，波西米亚人，捷克画家、法国著名设计家。他童年时是摩洛维亚布鲁诺（Brno）圣彼得罗马天主教堂唱诗班的成员，这座教堂保存着丰富的巴洛克风格的艺术品，每次穆夏进入这所教堂，都会被这些美妙的艺术深深感染。

　　

　　慕夏的作品具有鲜明的新艺术运动特征，也有强烈的个人特点，他创作了大量的画、海报、广告和书的插画，同时从事珠宝、地毯、壁纸及剧场摆设等设计。在画中常出现美丽的女人穿着带有新古典主义的长袍，四周围绕着丰富的花，且在女人的头后方常会有光环。

　　

　　他的新艺术风格常被模仿，然而，这是慕夏终生不想尝试的风格；他总是坚持着一种信念，那就是与其依附着任何一种流行的设计型式，他的设计是从内心而生。他声称艺术的存在只是为了传递精神上的讯息，如此而已；因此他对他在商业艺术界得到的声名感到挫折，而希望专注于那些更为崇高的艺术，及使他的出生地更为尊贵的计划。

　　

　　慕夏在1906至1910年造访美国，接着便定居在布拉格，在那里，他为这座城市的地标及剧场增添了许多装饰。当捷克斯洛伐克在第一次大战之后独立时，他为这个新的国家设计了邮票、钞票以及其他官方文件。他花了许多年的时间创作他的杰作—斯拉夫史诗（The Slav Epic），那是一系列描绘斯拉夫人民历史的巨大绘画；他在很年轻的时候就想要完成这个颂扬斯拉夫历史的梦想。

　　

　　在法西斯主义风起云涌的1930年代末期，慕夏的斯拉夫史诗被报纸指责为反动派，当1939年德军进入捷克斯洛伐克之际，慕夏是第一个被盖世太保逮捕的艺术家。在一连串的审问中，他得了肺炎，1939年7月14日因为肺部感染而过世。穆夏的艺术生涯向我们揭示了一个真正的艺术家要将自己和时代、国家的命运融合在一起。将自己的生命和精神融入其作品中，只有这样，他的创作才会有生命，一个永恒的生命！

高阶珠宝所秉承的高雅、华美、端庄的品牌符号意义从来都是积淀在一代又一代追求高品质生活的王室名流的记忆之中。下面是我整理的珠宝设计师高阶的设计效果图。

　珠宝设计师高阶的设计效果图

　珠宝设计师高阶的设计效果图1

　珠宝设计师高阶的设计效果图2

　珠宝设计师高阶的设计效果图3

　珠宝设计师高阶的设计效果图4

　珠宝设计师高阶的设计效果图5

高阶珠宝的历史变迁

稀有金属和珠宝在早期作为珍惜资源被应用于王室贵族隆重的仪式庆典，是古代王宫贵族显示其身份地位的象征装饰品。通过对远古时代王室墓葬群和考古文献的整理，可以得知：在中国的周代就形成了等级森严的舆服制度;在13世纪的欧洲，贵族和教会对珍稀珠宝更享有普通人没法比拟的特权。

在早期社会，珠宝首饰不单单具有装饰意义，同时在盛大的场合出现，带有很强的仪式性色彩意味。直到文艺复兴时期，珠宝配饰一直沿袭了尊严和特权的表征作用。这一现象随着工业革命的到来被打破，由资产阶级引领的工业革命使欧洲社会经历前有未有的思想意识和社会阶层的阵痛，高阶珠宝首饰走下其神圣的圣坛，不再为王室贵族所专有，而是被在工业革命中新崛起的、富甲一方并同时拥有良好教育背景的中产阶级品鉴。

19世纪末20世纪初，人们崇尚自然主义的审美风尚，Joseph Chaumet是拿破仑时代的御用皇冠制作的第三代传人，他提倡的主张精致纤美的“美好时代”形式和“新艺术”设计风格统领当时法国的珠宝设计领域，影响了欧洲大部分国家，由此成就了法国在世界珠宝前沿的地位。

20世纪初期，在经历了新巴洛克、新文艺复兴和中产阶级趣味的洗礼之后，社会新兴权贵将时尚的嗅觉转向古典时期的轻巧而晶莹的花环风格，精致的铂金工艺替代了传统的厚重金银底座，自然舒缓，优美极致，冲破了新巴洛克时代的奢靡繁琐。而摆脱经过工业时代桎沟呐分夼性，由于自身生活方式和态度的改变，强调使用配饰的设计以满足日常的实用性。

20世纪20年代，巴黎的工艺展示会上正式推出了具有装饰艺术形式的、珠宝设计呈现出丰富想象力的图形，自然清新的设计元素和亮泽鲜艳的五彩珠宝完美结合，标志高阶珠宝从此迈进香艳的时代。

20世纪中叶，经济上获得独立的女性开始自己选择适合自己身份的配饰，当时的社会形势使珠宝的收藏出现两方面的变化，一是存放在保险柜中期待珠宝的保值，二是追求日常生活随时玩赏的珠宝配饰，这类首饰强调不规则和视觉上的动感，具有抽象艺术风格的珠宝逐渐过渡到单一的装饰性的目的。

20世纪70年代设计师开始有意识将时尚元素引进珠宝首饰的设计当中，时装、香水、装饰眼镜都是设计师考虑的时尚要素。而高阶的珠宝品牌依然沿用高阶客户定制的营销形式，与此同时，为了吸引更多的前卫年轻人，也为一些有高品质审美品位的人群提供价格适中的产品。20世纪80年代设计的潮流是更加激进和大胆，色泽更加明亮艳丽，形状更加新颖别致，以此来契合现代女性的朝气蓬勃的生活方式。

从对高阶珠宝的历史变迁的梳理，不难发现，高阶珠宝首饰的发展态势跟时尚风格紧密相随，并与珠宝使用材质的开发与利用，特定时代人们的生活消费观念和其他时尚领域的相互借鉴有着密不可分的互动关联，这些因素共同塑造了高阶珠宝在不同时代的样式呈现。

2022年蛇女佩戴什么好

前不久，小女迪丽热巴的新剧《爱情触手可及》开播了，剧中热巴饰演的服装设计师周放，直爽干练，不仅品味好，智商情商也是双双在线，真是让人不得不爱。

当芭珠姐还沉浸于周放姐的衣品时，热巴上周末出席活动时的新造型再次让我眼前一亮。

一身米白色抹胸长裙非常漂亮、显气质，搭配的蛇形耳环更是抢眼，御姐范儿十足。

迪丽热巴佩戴Alessandra Rich蛇形耳环出席活动

其实除了热巴，不少女明星在出席活动、红毯时都选择了蛇形珠宝。

Miley Cyrus

Bella Hadid

“蛇”和女性一直难舍难分？

女性戴上蛇形珠宝，突然就增加了魅力，其实从古到今，女性与蛇都有着难以说清的渊源。在不同的神话故事和文化中，蛇总是被赋予不同女性意象，或善良或，但她们的外表一定都是美丽的。比如东方神话故事中，有创造出主形象的人面蛇身的女娲，还有知恩图报的蛇精白素贞，这些都是正面的象征。

唐《伏羲女娲图》

当然，蛇也曾是、阴险、魅惑的象征，大家最熟悉的可能是古希腊神话中的蛇发女——美杜莎。除此之外，我们还常用到一些带“蛇”字的成语来形容女性，例如蛇蝎美人，大概是因为蛇也往往拥有美丽的花纹，却散发着致命的危险。

Caravaggio的美杜莎油画作品

珠宝界为什么把蛇宠上天？

那么蛇又是如何进入珠宝圈并且流行到了今天呢？最早的蛇形珠宝出现在古埃及时期，当时的人们认为蛇代表着忠诚和神性，在埃及法老和王后的王冠头饰上，我们就能够找到由黄金与宝石的蛇形图腾。声名显赫的埃及艳后克里奥帕特拉（Cleopatra VII Philopator）对蛇相当崇敬，她的不少珠宝上都装点着灵蛇图案。也有她是让一条蛇咬死自己来同时结束自己和埃及的生命，可见她对蛇多么敬重和崇拜了。

奥帕特拉佩戴过的黄金蛇形臂环，公元前1世纪

1962年，伊丽莎白•泰勒出演了经典的历史剧情片《埃及艳后》，中泰勒佩戴蛇形臂环，完美重现了埃及艳后的气场以及威严。她在为《埃及艳后》拍摄的宣传照时还佩戴了宝格丽的蛇形手镯腕表，蛇头画作表盘，而蜿蜒的身体则化作表带缠绕在手腕上，至今这都是宝格丽的经典号。

伊丽莎白•泰勒在《埃及艳后》中的剧照

在古埃及的珠宝刚兴起时，还出现了一种叫作“衔尾蛇”(Ouroboros) 号，呈现蛇形生物首尾相接的自噬造型，象征着再生、循环和永恒的生命，而这个号在之后的历史中依旧是无数珠宝的灵感 。

Gucci 古驰

Gucci Ouroboros系列戒指，2022 年

18K金、钻石、黑钻、红色拓帕石

虽然蛇图腾很古老，但在中世纪时期(约公元476年-公元1640年)蛇形珠宝几乎消失，因为的《经》中蛇教唆夏娃偷尝，所以人们一度对蛇元素十分反感，它被视为的象征。而从新让蛇元素流行起来的，则是女王维多利亚。

维多利亚女王与阿尔伯特亲王人物油画

维多利亚女王从小就喜欢蛇的元素，少女时代就戴过蛇形手镯。她的丈夫阿尔伯特亲王送给她的订婚戒指也是一条灵蛇。她将这样的蛇形视为无止尽的爱情的象征，还曾固执地将蛇的图腾视为自己的，无论是在正式会议上还是婚礼上，都要佩戴了“蛇”才能安心。

维多利亚风格蛇形耳环

18K金镶嵌钻石、

而在女王这位时尚Icon的推崇下，蛇形珠宝逐渐由戒指延伸到手镯、胸针和帽针，久而久之，佩戴蛇形珠宝自然成为了维多利亚时期的风潮，时髦女郎都很喜欢佩戴，蛇形珠宝的出镜率在这一时期可谓达到了顶峰，这种影响也辐射欧洲。

维多利亚时期 蛇形绿松石项链

伦敦佳士得拍品

古埃及时期的蛇形珠宝主要用黄金打造，而维多利亚时期的蛇形珠宝非常有特色，它们往往在蛇身镶嵌了各种宝石，绿松石尤为常见。但在1861年阿尔伯特亲王去世后，带有悼念意味的暗色宝石材质逐渐取代，镶嵌煤精、硬橡胶玛瑙、黑檀木、石榴石的蛇形珠宝变得更为多见。

维多利亚风格的胸针，约1880年

镶嵌珍珠、钻石、黑珐琅

到了19世纪末20世纪初的新艺术运动时期，珐琅工艺的流行起来，使用了珐琅材质的蛇形珠宝在造型上更加贴近自然。其中更具有代表性的珠宝艺术家有Georges Fouquet、René Lalique等等。

René Lalique珠宝作品 九头蛇

Icon的作用不容小觑

女性对经典珠宝的诞生和往往有不可或缺的作用，除了上面提到过的伊丽莎白•泰勒，二十世纪中期的拉丁美洲女星•菲利克斯（Maria Felix）也是其中之一。她日常装扮十分有特色，经常会将家乡风格和高级时装混搭在一起，就是她更爱的异国风情Style。而且她酷爱收奢华珠宝而且对野性自然有着疯狂的热情，她是卡地亚的忠实顾客，还曾经委托卡地亚以她的宠物鳄鱼为原型，定制了一条鳄鱼项链，后来成为她极具标志性的珠宝了。

Maria Felix佩戴蛇形卡地亚项链

而在那之前，1968年时，•菲利克斯还向卡地亚定制了一条铂金镶钻蛇形项链，整条项链为钻石和珐琅铰接式，完美地展现出微微发光的起伏蛇鳞，这种装置结构可以使项链柔软灵活，还能伸展到不可思议的长度，太精巧了！这件之作也为卡地亚之后的蛇形珠宝作品提供了源源不断的灵感。

Cartier卡地亚为Maria Felix定制的蛇形项链，1968年

Cartier 卡地亚

Eternity蛇形项链，1997年

同样是在1968年，宝诗龙首款以Serpent命名的系列也应运而生了，这是Boucheron先生致敬爱妻Gabrielle的作品，代表了永恒的爱情、呵护和幸福。

Boucheron 宝诗龙

蛇形项链

黄金、粉色、橘色、蓝宝石及无色钻石

后来宝诗龙再次推出Serpent Bohéme系列珠宝，将复杂的蛇形珠宝化作极简的现代抽象作品，采用水滴造型来比拟蛇头，毋庸置疑，蛇也已然成为宝诗龙标志性的设计了。

Boucheron 宝诗龙

SerpentBohème图案戒指（大号款）

爱时尚的小女们对•弗里兰（Diana Vreeland）肯定不陌生，这位时尚界和fashionista心目中的皇太后，用天马行空又大胆的理念和独到眼光，创造了《Vogue》的黄金时代，不仅如此，她还曾担任《Harper’s BAZAAR》主编，绝对算是时尚教母级的人物。她对蛇也十分痴迷，她还在回忆录里写道：“不要忘记蛇……蛇应该在所有的手指上、所有的手腕上及所有的地方上……蛇是古埃及守荷鲁斯首饰上的花纹。我们看到多少都不足够……”

•弗里兰（Diana Vreeland）曾经定制过一条宝格丽的腰带，并且别出心裁地当做项链戴在脖子上！在当时看，真的是新意、时髦绝顶了！

Diana Vreeland佩戴蛇形项链腰带

宝格丽还曾于2010年重新复制了这个项链腰带，玫瑰红与白色结合的珐琅纹饰，高贵优雅又十分奢华。

Bvlgari 宝格丽

Serpenti系列腰带，1970年

曾被Diana Vreeland收

除了这件珠宝，宝格丽在品牌发展历史上还有数不胜数的蛇形珠宝之作。蛇之所以会成为宝格丽最重要号之一，是因为宝格丽的创始人Sotirio Bvlgari是希腊人，家族为躲避土耳其才到了意大利。蛇在希腊神话中有非常重要的象征，于是作为希腊人的Sotirio Bvlgari在20世纪40年代就已经先于很多珠宝商把蛇元素运用在了手镯腕表上，抢占了先机。

Bvlgari 宝格丽

Serpenti手镯表，1958年

现为私人品

Bvlgari 宝格丽

典古董系列Serpenti项链，1969年

蛇形珠宝火爆至今，到了近些年就又多了些别的身份，2022 年时火爆全球的泰勒•斯威夫特（Taylor Swift）的单曲《Look What You Made Me Do》中就满是它的身影。为了拍这部“蛇性”满满的MV ，霉霉集齐了几乎所有跟蛇有关的珠宝，也是蛮拼的，涉及的品牌和珠宝款式也是超多的。

面对手撕对象的“蛇”的讽刺，霉霉这次直接大大方方地以蛇女造型出镜，针对各种Diss霸气反击。高居王座的霉霉身上挂满了经典的Bvlgari蛇形珠宝，将所有的“黑子”（蛇）踩在脚下，全身女王的标配，就是霸气！

Taylor Swift MV中佩戴蛇形戒指

除了最经典的蛇女王造型，霉霉的许多其他新造型也都“蛇性”满满。芭珠姐印象最深的就是这套皮衣配双蛇耳环的造型了，摇滚性感女王路线谁不说句绝！

Taylor Swift MV中佩戴Borgion双蛇耳环

回顾这些女性与蛇形珠宝的渊源，有人为它的灵性、神秘趋之若鹜，也有人独爱它的媚、狡黠，但它始终盘踞在追求美的女性的身旁，并与大自然着最亲密的 ，让人心生敬畏。从古埃及出现的之一枚蛇形珠宝开始，灵蛇变幻了千百种姿态，而这一经典意象给东艺术家们带来的是无尽的创作可能，所以就格外的受欢迎吧！

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芭莎珠宝传媒 内容

未经 ，

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以上就是与2022年蛇女佩戴什么好相关内容，是关于珠宝的分享。看完属蛇一生有几次婚姻后，希望这对大家有所帮助！

古董珠ncsc是古董珠国家认证系统的意思。古董珠宝是指1850-1950年之间具有百年历史的珠宝精品。

欧美国家，一般规定：

· 100年历史以上的珠宝才算古董珠（Antique Jewelry）

· 20年-100年间属于古着珠宝（vintage Jewelry）

· 20年以上不足100年的可称为Vintage/ Estate，· 300年以上的珠宝，可称为远古珠宝，由于年代久远，鲜有流传，一般也只有在博物馆里才能见到，所以我们一般讲的古董珠宝，都是300年以内的。

2 划分依据：

说到西洋古董珠宝，一般人可能以为是按照使用材料，配饰种类来划分。其实，专业上来说，是按照他们的历史时期来划分的。

3 划分特色：

既然讲到300年以内的西方文化和历史，不得不提英国在其中扮演的举足轻重的角色。这也就不难理解：很多珠宝的分类，是以英国各个君主的名字和执政时期来命名和划分的。

4 划分时期：

· 维多利亚 (1830s-1900s)

· 新艺术运动（1890-1914s）

· 爱德华 (1901-1915)

· 装饰艺术风格 (1920-1939)

· 新古典时期风格（1935-1950）

5 时间重叠问题

业界对各个时期的开始和结束的具体年份，略有分歧，各阶段时间点上略有重叠。艺术史上，一个思潮的结束迎来另一个思潮的开端，两种风格在时间线上有所重叠，是非常正常的。有时候两个时期的作品，也会出现类似的风格和设计，但是从欣赏角度来说，不需要锱铢必较。

　　这是一个跨界的商业奇才，也是一个很有才华的画家，多重身份都很成功，为你简单介绍一下他本人！

　　欧群叶是个另类，不是在珠宝行业里，而是在国家政府机构的公务员里。

　　曾经做过政府公务员、拍卖行职员、客串老师等职业的欧群叶毕业于中国地质大学珠宝学院。硕士，首饰设计师，古玩收藏爱好者。喜爱中国传统文化艺术，余暇爱好绘画和收藏古董艺术品，吸古纳西，寻求中西文化、世界与民族在首饰艺术和其他工艺品上的结合点，提倡“新传统、新首饰”，“重回手工艺”的设计观念。现专门从事个性化的艺术首饰和金银器的设计与制作，以及珠宝文化宣传和古玩收藏。

　　创办欧金匠的时候欧群叶去山西西南的小乡村里辛苦了半年之久，而在此前他刚刚失去了远赴美国跟随著名首饰艺术大师丹尼法兰西攻读艺术硕士的机会。半年后，欧金匠北上，建立自己的根据地。至此，欧金匠珠宝设计品牌与欧群叶的名字在中国珠宝首饰行业内得到认可并声名远播，中央电视台、上海电视台、西藏电视台、《精品购物购物》、《瑞丽·服饰美容》、中国宝石、中国黄金报等数十家媒体对其做了专栏报道。

　　欧群叶一直都崇尚东方文化中的传统艺术，他在“‘红磨坊’中看巴黎新艺术时尚”一文中提到关于东方文化对西方新艺术的影响力，他说东方文化和艺术对欧洲新艺术的影响是显而易见的，在19世纪西方理性艺术走入穷途末路之时，许多艺术家将目光投入到东方这个神奇的领域，并从中吸收营养。东方人追求线条的美感，和形式的优雅，在新艺术时期的首饰作品可以充分感受到，同时中国的景泰蓝技术在新艺术时期的首饰设计中，重新得到开发和利用。

KvetaPacovska（柯薇巴可维斯基）的简介和作品？

捷克的老奶奶图画作家——柯薇·巴可维斯基,她的作品永远闪耀着充沛的童趣和鲜艳的天真。柯薇·巴可维斯基于1928年7月28日生于捷克共和国的布拉格,而后她在布拉格应用艺术学院(AcademyofAppliedArts)的艾弥儿·斐拉(EmilFilla)教授门下求学,专攻自由图像艺术、绘画、概念艺术及书籍,并于1952年毕业。在1961年到2000年间,她举办了近五十场个人画展,并于60年代开始发展物理立体艺术品的绘本,她的大型绘画和平面雕刻在世界各艺术馆和画廊演示,著作更翻译成各国文本。直到50岁时她才开始儿童插图创作,她最先画的,是一些格林童话和安徒生童话。后来,她将创作方向转向绘本,将此种媒体加以发挥,使其能与孩子产生互动。她的绘本多次获得各种国际奖项,包括1983年布拉迪斯拉发的金苹果奖(TheGoldenAppleatBratislava),1988年巴塞罗纳卡泰罗尼亚插画奖最高奖(TheCataloniaGrandPrixatBarcelona),1991年德国少年文学奖(TheGermanChildren'sLiteratuerAward),以及1992年安徒生插画奖(TheHansChristianAndersenMedal)。

柯薇·巴可维斯基现居于布拉格,并在当地从事艺术创作工作。

风格和技巧:

柯薇·巴可维斯基的作品风格介于多样性的平面艺术和插画之间。她对色彩有着深入的钻研,她擅用纯红、绿、蓝、黄等鲜艳平涂的色彩搭配其夸张变形的设计。使得其笔下的人物或动物造型,产生出强烈的视觉效果。由于具备深厚的美术专业背景、长久从事纯艺术创作的经验以及对现代艺术绘画思潮的了解,她能清楚地掌握对自己适合并需要的表达形式。她内心奔涌的情感和丰富的想像力藉由惊人的创作显现出来。除了活泼强烈的色彩特质外,柯薇·巴可维斯基还常结合使用其他的材质(如各种类型的纸张的拼贴)以及单色的线条笔触,将丰富的想象力加诸于各种令人难以置信的作品中。这些综合的表现形式形成了她带有童趣的独特的浪漫个人风格。单看这些活泼鲜艳、原创性的作品,很难想像它们是出自现年已七十一岁的“老人家”之手。

作者自述:

“我做的这一系列书,我叫它们‘摸一摸’,对我来说,这是个重要的尝试,因为它不仅仅是用眼睛来看的,也可以用手来触摸,感觉一个数字或者一个字母的形状,它还可以用来玩游戏,所以也可以说,你可以用你所有的感官来感受它。”

“每一种颜色对我来说,都是最好的,在我的一本书里,一只蜗牛因为自己没有颜色而抱怨不已,它大喊大叫,要找到它们,最后它找到了一大堆的颜色,并且和读这本书的人一起发现了,黯淡的颜色和明亮的颜色是怎样创造出白天和黑夜的感觉来的。”

作品简介:

这位拥有一颗童稚心灵的艺术家的主要作品,有《小小花国国王》、《午夜剧场开锣了》、《奇妙的字母》等等。

上面的这幅画叫《卖火柴的小女孩》(LittleMatchGirl)为安徒生的著名童话作品,由巴可维斯基以其独有的绘画风格再度予以一种全新的诠释,让我们看到了用绘本解析名著的无限可能性。

绘画与商业插画之间的关系

绘画范畴很广,主要是指平面视觉美术作品。

插画是绘画的一个分类,因插画有较强的内容针对性,比如书籍插画、广告插画,所以从绘画中分出来成为单独一个门类。

商业插画又是插画的一个分类,主要是以绘画需求来分,多应用在商业用途,比如广告、宣传等,包括现在常见的影视、游戏。

这里不想提这几种绘画是否有贵贱之分,因为只要是具有一定审美意义,对内容表达清晰的美术作品,都有其自身的价值。好的作品和金钱没有必然联系,勿需对商业插画嗤之以鼻,旅居法国的捷克插画师阿方斯·慕夏就是一位很出色的商业插画师,但他的作品非常清新高雅,具有很高的审美水平。

绘画作品因其不同的用途而分为不同的门类,这些门类之间本身没有贵贱,使他们有“贵贱”之分的是一些对艺术门类有误解的观众,作为插画师,不必对此有任何心理包袱,只要作者合理发挥自己的艺术创造力,商业插画也可以是优秀的绘画作品。

单就绘画来看,主要是传统美术范畴,使用的材质也往往是传统绘画工具,如素描、水彩、版画、油画之类。

插画还是脱胎于传统美术绘画,材质与传统美术基本一致。

但商业插画经过许多年的发展,已经从传统美术技法扩展到高科技美术技法,也就是常说的CG插画,作者可以将完成的传统美术方法绘制的作品输入电脑进行修改做成CG,也可以直接用电脑软件进行绘制,直接完成一幅CG插画。目前很多领域都需要CG插画,特别是国外影视行业,需要大量影视画面概念设计,这些插图多使用CG完成,其艺术风格多样化,画师功底也非常扎实,作品相当出色,所以很多业内人士(包括本人)喜欢收集一些优秀CG插画师的概念设计图稿作为收藏,用来借鉴学习。

春天宜慕夏：阿尔丰斯·慕夏的艺术风格丨慕夏与新艺术运动

即便没有听过阿尔丰斯·慕夏的名字,也多多少少观赏过他的画作。

画中有典雅清新的色彩,装饰性花环,飞扬的长发和错综复杂的植物图案,这些丰富的自然主义装饰及抽象元素,呈现了隐喻、象征主义与现实性的结合。

比如这组名为鸢尾、百合、石竹、玫瑰的花系列石版画就是许多艺术爱好者的心头所爱。

ㄏ盗惺婊

众所周知,阿尔丰斯·慕夏是活跃于19世纪末的捷克艺术大师。

不论是慕夏的同辈人,还是把他视为新艺术运动标杆的后辈,都认为时运成就了慕夏。

因为他幸运地结交了当时巴黎艺术界最受瞩目的明星莎拉·伯恩哈特女士,同时,海报这种精细的造型艺术表现手法也为他的成功推波助澜。

《莎拉·伯恩哈特之日》石版画

队鹈吩又,1896年

如果要解读慕夏华丽曼妙的艺术风格,那么理当从他的海报入手。

赞美美人

海报艺术的兴盛始于1894年底《吉思梦妲》发表后,这是一幅高达两米的彩色石版画海报。

莎拉·伯恩哈特在《吉思梦妲》中的造型,摄影

淖陨扯乩实幕婊,1896年

《吉思梦妲》采用了竖幅版式,不仅能呈现出人物的全身,也自然地展现出吉思梦妲的高大形象。

平面化处理是这幅作品的一个特色,慕夏并不追求空间的纵深感,因此利用视觉效果把画面中的女主角推向观众。

海报中人物的姿势源自戏中具有代表性的一幕。

在复活节游行中,吉思梦妲身着一袭华服,手执棕榈叶,神态庄严肃穆。

《吉思梦妲》,石版画

1894年

刺绣毛皮披肩笔直下垂,显得她的肩膀宽大,与裙摆上跳动的图案形成对比,裙摆占据了海报的下半部分。

唯一的人物位于画面中央,而海报的上方和下方都绘有文字,包含演出名称、女主角及演出地点的信息。

画面中的拱门仿佛为女主角带上了光环,进一步突出了她的庄严而白皙的脸部,这种表现手法在慕夏后来的作品中多次出现,这里的装饰图案参照了镶金片的拜占庭马赛克镶嵌画。

就这样,现实主义与效仿传统风格同时出现在一幅作品中,它们完美交融,产生新的美感。

莎拉·伯恩哈特《茶花女》剧照

1880年,摄影

无论是莎拉本人还是评论家和观众们,都对慕夏的海报艺术十分心动,莎拉也和慕夏非常合得来,于是他们又进行了第二次合作——《茶花女》。

《茶花女》海报,石版画

1896年,慕夏基金会

对于《茶花女》的创作,慕夏更加游刃有余,他采用了《吉思梦妲》的构图方式,只是棕榈叶被替换成了茶花树枝。女主角的面部表情凝固,但白色的裙摆轻舞飞扬。

值得一提的是,这幅作品的装饰性并不在于人物的服饰,而在于极具诗意的背景。

玫瑰组成一道天穹,画面中缀满了银色的星星,玛格丽特·戈蒂埃洁白的身影跃然纸上。

线条的节奏

如果观赏过慕夏的作品展览,一定对那些围绕着柔软的身体的装饰图案、浓密而流畅的发丝、轻盈的裙衫上或宽大或密集的裙褶印象深刻,它们构成了慕夏的图像语言。

《梦想》,装饰板,石版画

1897年,慕夏基金会

慕夏通过夸张的线条营造出活力及流畅感,利用已有的女性形象和植物界元素,创造出一个具有阿拉伯风情的装饰艺术世界。

将女人的头发描绘成装饰图案的头发处理也随之成为他作品的标志并大放异彩。

1897年,曾经给予过慕夏莫大支持的《羽毛》杂志委托慕夏绘制年历。

于是,慕夏创作了一个极其精致美丽的东方女孩:她纤长的侧影像一位苏丹王妃,正静静坐在密札浦或戈尔康达的金色大殿的门槛上。

《星座》,石版画日历

1897年

画中的年轻女子露出半身,侧身示人,佩戴着大量东方首饰,十二星座符号围绕着她的脸庞。

慕夏用变幻的曲线来刻画这位虚构美人的长发,越到发尾越是夸张,还画上了植物花纹的画框。

这幅作品丰富的装饰性、富有诗意的性感胜过慕夏此前的所有作品。

使用线条流畅的发丝幻化成阿拉伯式花纹,这样的画法同样引领了商业海报。

例如,它出现在慕夏于1897年设计的JOB卷烟纸上,这款商业海报一问世就被人们视为杰作。

《JOB圈烟纸》海报,石版画

1897年,慕夏基金会

慕夏绘制了一位女性的半身像,她看起来无精打采,躲在错综复杂的发丝后面。

发丝形成一张具有装饰效果的网,烟从女人手中的香烟袅袅升腾,两者交相辉映,与充满拜占庭风情的马赛克背景融为一体。

如此性感地展现一件消费品的功能,慕夏是第一人。

在其他商品海报中,慕夏回归了为莎拉设计的海报形式,充满了象征主义的美感与意象。

如果不是海报上的字母,我们可能很难理解广告要传达的信息。

《从摩纳哥到蒙特卡洛》海报,石版画

1897年,慕夏基金会

比如这幅《从摩纳哥到蒙特卡洛》,这是慕夏受巴黎-里昂-地中海铁路公司的委托而设计的,创作于1897年。

在世纪之交,巴黎-里昂-马赛铁路公司一度是“出发去度假”的代名词。

背景中的山峦暗示了列车驶向的目的地蔚蓝海岸,它仅占据画面中很小的部分。

画中的年轻女子凝视上方,双手托着下巴,沉醉于眼前的景色,她显然代表了春天。

然而,如果进一步观察,就会发现传递广告信息的细节。

例如位于海报对角线上的大型植物花环,它旋转、动感的形态仿佛在铁轨上全速行驶的火车车轮,因此而切合铁路公司的主题。

历史长卷与理想主义的悲怆

作为海报设计师,慕夏擅于突出人物及物体的轮廓,并运用细腻、明快的色彩,这些方法能有效简化图像。

慕夏自拍照

1896年

然而,他暂时告别了这类创作,因为他获得了一个独一无二的机会——为1900年巴黎世博会波斯尼亚和黑塞哥维那馆设计墙面装饰。

展馆是一座田园村舍般的建筑,土耳其风格,深灰色塔楼、红色屋顶、外突的阿拉伯式遮窗格栅、拱顶走廊、带有镶嵌图案的蓝墙,独特的配色令人着迷。

通过这个机会,慕夏把自己的艺术才能施展到了更广阔的地方,他的历史题材绘画几乎达到了史上最杰出的水平。

《波斯尼亚和黑塞哥维那馆的壁画》(局部)

1900年巴黎世博会,布面蛋彩画

屠,奥赛博物馆

他不出几天就完成了第一稿设计图:

“墙面装饰的主体为三幅绘画长卷,它们覆盖了整间大厅的墙面。位于下方的壁画上画满了花卉图案,中间的那幅更宽,讲述了波斯尼亚和黑塞哥维那的历史,上方的那幅取材自波斯尼亚传说。”

《波斯尼亚和黑塞哥维那馆的壁画》(局部)

1900年巴黎世博会,布面蛋彩画

屠,奥赛博物馆

这组由12幅绘画组成的历史长卷以3幅反映史前文明的绘画开头,结尾则描绘了反映波斯尼亚的多种宗教信仰的三组人物,这组绘画展现了慕夏丰富的内心世界,也得以一窥他对民族的炽热之心。

因为同样取材于历史历史及现实,很多人将慕夏的大型画作《斯拉夫史诗》与波斯尼亚和黑塞哥维那馆的装饰壁画联系在一起。

慕夏正在绘制《斯拉夫史诗》的第六幅作品

《塞尔维亚国王艾蒂安·杜尚加冕为皇帝》

1924年

然而事实上,《斯拉夫史诗》与“慕夏风格”毫无关系。

“慕夏风格”指的是用阿拉伯花饰描绘人物和植物,并将两者融为一体。

这种风格显然并不适合叙事性绘画,它所表达的含义模糊,并非所有人都能理解。

因此,为了使画面的叙述清晰易懂,必须放弃美学手法。

《斯拉夫人民在原来的国土上》,布面油画和蛋彩画

《斯拉夫史诗》第1幅作品

1912年,慕夏基金会

慕夏对于《斯拉夫史诗》的表现手法融合了现实主义、浪漫主义和象征主义,即使他清楚,从美学的角度来说,很难让观众接受同一主题的系列绘画,这种古典的方法并不受现代艺术待见。

《向大摩拉维亚帝国介绍斯拉夫礼拜仪式》

《斯拉夫史诗》第3幅作品

1912年,慕夏基金会

“我希望这里能出现一些立意高远的东西,犹如管风琴的旋律般回荡在穹顶下。”

这样的信念指引着慕夏。

《斯拉夫史诗》的创作始于1910年(即奥匈帝国统治的末期),贯穿整个二战时期,于1928年完成,为捷克斯洛伐克共和国十周年献礼。

《俄罗斯废除农奴制》,布面油画和蛋彩画

《斯拉夫史诗》第19幅作品

1914年,慕夏基金会

整组绘画由二十幅巨大的画作组成,慕夏选取了一系列历史人物和事件,以此回顾斯拉夫人的历史。

为了完成这项恢宏的创作,慕夏大量借助摄影,他走遍了巴尔干半岛、东欧,对斯拉夫人的历史、文化、服装进行实地考察,并用照片记录。

它们组成了丰富的纪实素材库,为人物、服装、装饰的设计提供了很大的帮助。

模特儿为《斯拉夫椴树下的欧兰第纳誓言》摆造型

1925年至1926年,慕夏基金会

其中,有些照片拍摄于工作室中,工作室里搭起了画面所需的场景,有些照片则严格按照学院派的传统方法拍摄而成。

通过男、女模特儿的表现,慕夏不仅抓住了主要人物的肢体语言,还观察到人物的情绪表达,他们使画面生动了起来。

《斯拉夫椴树下的欧兰第纳誓言》,布面油画和蛋彩画

《斯拉夫史诗》第18幅作品

1926年,慕夏基金会

《斯拉夫史诗》是慕夏的心血之作,他渴望在精神上团结他的斯拉夫同胞,相信艺术的启迪力量能推动人性的进步。

慕夏与新艺术运动

20世纪初,在巴黎风靡一时的“新艺术”风格中,阿尔丰斯·慕夏大放异彩、受人追捧。

他的大型壁画、名伶海报、华美插图等作品均极具个人风格,线条优雅,色彩丰富,人物甜美。因而,慕夏当之无愧地成为新艺术运动的先驱者。

在这本内容翔实、配图精美的书中,菲利普·蒂埃博从绘画、海报、插画、家具、珠宝等方面回顾慕夏令人赞叹的创作生涯,以及他与当时新艺术派艺术家之间的故事。

《慕夏与新艺术运动》

[法]菲利普·蒂埃博

2020年2月

华中科技大学出版社-有书至美

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捷克国宝级艺术家慕夏为首的18位艺术大师,100余幅“新艺术运动”全彩经典作品,沉浸式体验为新时代而生的“崭新艺术”。

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