中国饮食审美的九个要素有哪些？

中国烹饪历史悠久，也是中华民族创造的灿烂文化之一。根据考古学家的考证，中国烹饪历史是漫长的发展过程。早期人类的生存靠较小的兽类和集采果实充饥维持生活。得到食物也不加工，都是生吃吞食。特别是兽类食物连毛带血一起吃，这阶段叫做“茹毛饮血”时期。后来随着社会的发慌人类有了进步，懂得扒皮去毛，采火烤着吃。由低级生活向前又迈进一步。所以中国饮食文化的形成，大体上分为五个阶段：萌芽时期、形成时期、发展时期、繁荣时期、鼎盛时期。

第一阶段：萌芽时期（主要是旧石器时期），当时火的应用有：自然火、存火种、人工取火; 熟食的加工方法有：烧烤、地下挖坑加热、石板烹法。

第二阶段：形成时期（主要是新石器时期），陶瓷烹器的产生，加工熟食有了新方法，从面有了固定的餐具、炊具，开始有主食与菜肴分开加工的方法。

第三阶段：发展时期（夏、商、周时期），铜器烹饪时期： 发明了冶金工艺制作铜餐具， 炊具有了高温的烹调方法； 厨膳格局有了分工：加工地方与用膳分开、有了五味调和的方法； 食品营养在饮食中有了初步的认识： 五谷为养——稻、粟、黍、麦、菽；五畜为益——牛、羊、鹿、犬、兔；五果为助——枣、李、杏、栗、桃；五菜为充——葵、林、韭、蓿、葱。

第四阶段：繁荣时期，秦汉至南北朝的烹饪时期：原料繁多——小麦粉、蔬菜、豆制品、植物油；熟食遍例——酒食兼营的酒店、各种大大小小的酒楼；高温速烹——焯水、吊汤、蒸、煮、炒、炉烤；贵言族席——烤鸭、烤鹅、蒸猪头、大菜、品种多；中外交流——中餐传入日本、南亚、印度次大陆，同进也引进西方饮食；食疗方法——用茴茴豆子、砂仁、榆仁酱、荜拨、豆豉。 随至南宋朝的烹饪时期：规模扩大、造型精美；经营多样化、菜式明朗化；分工明确、各有绝技。元、明、清三代的烹饪时期：元朝有中外饮食交流，主要与南欧、西亚、中亚；明朝烹饪食发展速度加快，有南北交流，开始北移；清代时期，满族入主中原，从康熙到嘉庆一百多年是清代盛世；又南下，野菜开发、封密大铁锅、煤行、清真馆、西餐等。

第五阶段：鼎盛时期，近代、现代烹饪时期，辛亥革命以后，中国烹饪进入一个新的时期，市场出现了仿古膳菜，一些宫绅家厨也进入市场。如：谭家菜的创世人——谭宗滩系广东南海人，清朝末期的宫僚，一生酷爱珍膳美食。谭宗浚之子谭珍青，讲究饮食胜过其父。谭宗浚任官时到过江南、四川等地，对各地菜都有研究。后来进京成功地将南方菜与北方菜的相互融合成为独创一派的地方风味特色佳肴。

美，是指能引起人们美感的客观事物的一种共同的本质属性。人类关于美的本质、定义、感觉、形态及审美等问题的认识、判断、应用的过程是美学。

由于人的审美是由于各种综合的因素形成的，所以对美的标准也有所不同。

人之所以需要审美，是因为世界上存在着许多的东西，需要我们去取舍，找到适合我们需要的那部分，即美的事物。

审美的范围

审美的范围极其广泛，包括建筑、音乐、舞蹈、服饰、陶艺、饮食、装饰、绘画等等。审美存在于我们生活的各个角落。走在路上，街边的风景需要我们去审美。

坐在餐馆，各式菜肴需要我们去审美，当然这些都是浅层次上的审美现象，我们需要审美，研究审美，更应从高层次上进行探讨，即着重审人性之美。我们不断追问自己的心灵，不断提高自己的审美情趣。

审美是在理智与情感、主观与客观的具体统一上追求真理、追求发展，背离真理与发展的审美，是不会得到社会长久普遍赞美的。

周总理在病中，还常常会见外宾，后来连脚也肿了，原来的鞋都不能穿，工作人员劝他穿拖鞋接待外宾，总理不同意，叫人制作了一双特制的布鞋，以备接待外宾时用。这告诉我们：社交场合，必须注意服饰美。

服饰美的最基本要求是穿戴端庄大方。社交场合和日常生活场合是有区别的，日常生活场合衣衫可以随便一些，而社交场合则不能。从高标准看，服饰美就要使服饰与周围环境相协调。与自己身份相协调，与节令相协调。郭沫若说：“衣裳是文化的象征，衣裳是思想的形象。”老年人社交场合注意服饰美，也是一种思想美的反映。

做为服装设计师首先要热爱艺术、把握流行，再次要有深厚的艺术造诣，扎实地绘画功底。又要有一种理想——创造自己独有的艺术世界，希望美梦成真，敢为人先的时尚理念，是时尚的探险者、弄潮儿，对服装情有独钟，对普通的面、辅料有一种独特的欣赏。 那么做为一名服装设计师应具备哪些技能，应掌握哪些知识呢？有人认为，服装设计很简单，翻翻画报、杂志，这儿找一个领子，哪儿找一只袖子，东拼西凑，如此而已；有的人则认为只要会做衣服就可以搞服装设计了；还有人认为只要会画时装画，就可以当设计师了。事实上，第一种“设计师”的作品往往是各种毫无关联的服饰部件堆砌在一起的“大杂烩”；第二种“设计师”往往被束缚于自己那一点制作工艺技能中，无法应变于飞速发展的市场需求；第三种“设计师”往往只会画作品，由于不大懂如何才能做出来，所以，画的作品中无法实现的居多。可见以上三种观点均有些偏颇。搞服装设计要经常借鉴前人的成功之作，要从优秀的作品汲取营养和设计灵感，但绝不等于拼凑和照搬。裁剪、制作技术是服装设计的重要基础，是表达设计意图的重要手段，但并不等于学会裁剪和制作衣服就是学会设计了，正像学会演奏钢琴的技巧并不等于会作曲，学会砌墙并不等于会建筑设计一样。会画时装画只是掌握了一种表达设计意图的工具而已。从上述服装设计的过程中可以看出，在整个设计过程中，画设计图仅仅是设计的开始。不懂得如何实现自己的设计意图，只会“纸上谈兵”者，是无法在激烈的市场竞争中生存的，事实上，现在只会画时装画的“设计师”是找不到工作的。　　但是，上述三种观点分别从一个侧面说明了服装设计所需掌握的知识和技能。 一、设计师的知识结构1、借鉴的本领原始借鉴又称模仿，如：虔诚地模仿（敬畏他人）、竞争地模仿（超人一等）、忧虑地模仿（与别人相同而不落伍，过时）、三位一体地模仿：直接模仿（小孩模仿大人，猴子学吸烟）、间接模仿（积累、总结、比较、记忆等）、创造性模仿（取优创新、批叛的继承）。其实服装设计就是敢为人先的创造与发明、大胆设计、大胆改造，大胆实用新工艺，新材料、新科技的全过程。服装设计的构思阶段，在某种程度上，实际上是在头脑中进行样式的选择。设计是一种创造，但不是发明，前无古人后无来者的设计是不存在的。因此，设计就必须要借鉴前人。服装设计更是如此，因为服装的变迁过程是连续的，不间断的，每一种服装都处于人类服装文化史的变迁途中，都是承前启后的。要借鉴前人，就必须虚心地学习和研究前人的成就和经验。就服装设计来讲，首先必须学习的是服装史，因为要想在设计中准确地把握现在的流行，就必须了解服装过去的变迁过程，掌握变迁规律。要想在设计中超越前人，就必须先学习前人的历史经验和传统技巧。不仅要学习中国服装史，而且还要学习西方的服装史，还要研究世界各地现存的民族服装。特别是对我们中国人来讲，为了在设计上赶超世界先进国家，真正与国际接轨，不仅要了解我们自己的历史，更要花力气去了解西方服装的变迁经过（因为现在国际服装的流行与西方服装的变迁一脉相承）。这样，面对形形色色的国际流行，在吸收和借鉴时，才会有自己的见解和主张，而不是盲目地照搬和抄袭。另外，借鉴还要注意广度，除了古今中外的服装文化外，其他领域也要尽量去涉猎和学习。因为服装是一种综合性的文化现象，涉及到社会科学和自然科学的各个领域。设计师的工作内容又是复合型的，既要能把握当时当地的历史潮流和市场变化，又要对自己和竞争对手的实力了如指掌，还要有能力和实力组织生产，实现自己的设计意图，为企业带来利润。因此，设计师要有广博的修养和丰富的经历，要热爱生活，对一切事物都很感兴趣，要有强烈的好奇心。这样在设计构思时，才能广开思路，广泛借鉴。只有“站在巨人的肩膀上”，才能设计出高于前人的作品。这就是借鉴的重要性。2、 设计的能力预测→收集信息→策划→开发计划→设计与制作→销售→信息反馈→总结。（往返进行）设计是一种造物的过程，有了好的构思后，接着就是如何来完成和实现这个构思，把设计构思画在纸上，不能说是设计的完成，那仅仅是设计的开始。服装设计效果图是设计构思的视觉性表达手段之一，而这个设计构思能否实现，还有待于运用具体的衣料，通过一定技巧的裁剪、制作工艺来探索其实现的可能性。因此，作为设计师，如果衣料的性能、裁剪方法和制作技术等实际操作技能一无所知的话，其构思肯定是不着边际的，经常看到许多设计效果图画得挺美，但实际上不可能做出来的，或者即使勉强做出来也无法穿用（或因没有考虑开口而穿不进去，或穿上根本动不了，迈不开步，抬不起胳膊，弯不下腰）。可见，掌握裁、制作的基本技能对于设计师不仅十分必要，而且必不可少。事实上，许多设计的技巧，设计的感觉，不在纸面上，而在实际制板、裁剪和缝制的过程中。服装上所谓的“线条”和“造型”，也绝不是纸面上的线和形，而是立体上的三维空间中的线和形，这种感觉只有在三维空间的实际训练中才能提高。无论是巴黎的高级时装设计师，还是一般成衣企业的设计师，除了用绘画的形式表达自己的设计意图外，主要是在立体的衣服造型上来把握设计的。因此，无论是巴黎的高级时装店协会附属服装学校，还是纽约的FIT（纽约时装工科学院）以及日本的文化服装学院，在培养设计人才时，制板、裁剪和制作技术都是学员们必修的一门主要课程。3、深厚的艺术造诣服装设计即是一种产品设计，也是一种艺术创作。因此，广泛的艺术修养对于服装设计师就显得至关重要。曾被誉为“时装之王”的法国高级时装设计大师克里斯羌·迪奥尔就是具备了建筑、绘画、音乐等多方面知识的一位时装界的巨匠，他的弟子伊夫·圣·洛朗也是一位艺术才华横溢的天才，从圣·洛朗的作品中，可以看到他设计灵感来源之广，可以感受到当代艺术大师们的影响：热情奔放的西班牙风格，华美多姿的俄罗斯情调，单纯豪放的非洲风格，端庄鲜明的中国风格，还有那古典味浓郁的委拉斯凯兹式的婚礼服、色彩明朗的毕加索风格，简洁明快的蒙德里安冷抽象艺术和波普艺术等，都在其作品中有着独特的运用和发挥。现在活跃于国际时装舞台上的设计大师三宅一生、戈尔齐埃、谬葛莱等，也都是一些艺术才华出众的艺术家。深厚的艺术造诣决定了设计师们无穷的创造力。4、丰富的市场经验，如：面、辅料市场：本地区内、外面料与辅料的市场。资料信息市场：时装信息、流行趋势、设计师手稿资料。成衣市场：品牌、批发与零售。服饰市场：首饰、配饰、美容护肤等。生产一线市场：制作、洗水、制衣、整染、印花等。作为一种产品设计，服装设计效果的优劣不是靠某位专家来评说的，而是由市场来检验的。因此，设计师如果对自己所服务的目标市场一无所知，那将非常危险，因为其设计投产后很可能不被市场认可而造成积压，给企业带来巨大的经济损失，甚至使之倒闭。设计师应保持自己的个性和独特的设计风格，但这并不等于无视市场的需求。设计师与画家不同，不能孤芳自赏，一定要时刻注意把握市场的新动向，在保持自己的设计风格的基础上，一定要站在消费者的立场上，每个细部都经营到位，这样才能在激烈的市场竞争中立于不败之地。

个性美的形成，本质上是由于科技革命、经济发展、人们生活水平的提高、人文理性的张扬所致。其中，人文理性的张扬最为重要。个性美，就是服饰适应不同文化层次的人们审美的特定要求，在款式、色彩、质料、工艺上，体现消费者的年龄、职业及其文化层面的个性化差异，不拘一格，注重特殊性，反对雷同、单一。表现个性化的手段很多，主要是通过款式、色彩、质料、工艺方面的创新、变化，实现多样化。

服饰的内在美来源于服饰的文化底蕴和科技含量，靠设计师对社会经济、生活、社会人文以及不同群体的洞察深度和消化理解，寄驻于消费者的精神追求。

服饰是一种文化，它反映着一个民族的文化水平和物质文明发展的程度。下面是懂视小编给大家搜集整理的服饰礼仪的规范原则文章内容。希望可以帮助到大家!

服饰礼仪的规范原则服饰打扮虽说由于每人的喜好不同，打扮方式不同，产生的效果也不同，因此也成就了五彩斑斓的服饰世界，但我们根据人们的审美观及审美心理还是有一些基本的原则可循。

整洁原则

整洁原则是指整齐干净的原则，这是服饰打扮的一个最基本的原则。一个穿着整洁的人总能给人以积极向上的感觉，并且也表示出对交往对方的尊重和对社交活动的重视。整洁原则并不意味着时髦和高档，只要保持服饰的干净合体、全身整齐有致即可。

个性原则

个性原则是指社交场合树立个人形象的要求。不同的人由于年龄、性格、职业、文化素养等各方面的不同，自然就会形成各自不同的气质，我们在选择服装进行服饰打扮时，不仅要符合个人的气质，还要突现出自己美好气质的一面，为此，必须深入了解自我，正确认识自我，选择自己合适的服饰，这样，可以让服饰尽显自己的风采。要使打扮富有个性，还要注意：首先不要盲目追赶时髦，因为最时髦的东西往往是最没有生命力的。其次要穿出自己的个性，不要盲目模仿别人。如看人家穿水桶裤好看，就马上跟风。而不考虑自己的综合因素。

和谐原则

所谓和谐原则则指协调得体原则。即选择服装时不仅要与自身体型相协调，还要与着装着的年龄、肤色相配。服饰本是一种艺术，能掩盖体形的某些不足。我们要借助于服饰，能创造出一种美妙身材的错觉。不论是高矮胖瘦，年轻的还是年长的，只要根据自己的特点，用心地去选择适合自己的服饰，总能创造出服饰的神韵。

着装的TPO原则

TPO分别是英语Time、Place、Occasion三个词的缩写字头，即着装的时间、地点、场合的原则。一件被认为美的漂亮的服饰不一定适合所有的场合、时间、地点。因此，我们在着装时应该要考虑到这三方面的因素。

着装的时间原则，包含每天的早、中、晚时间的变化;春、夏、秋、冬四季的不同和时代的变化。着装的地点原则是指环境原则。即不同的环境需要与之相适应的服饰打扮。着装的场合原则是指场合气氛的原则。即着装应当与当时当地的气氛融洽协调。服饰的TPO原则的三要素是相互贯通、相辅相成的。人们在社交活动与工作中，总是会处于一个特定的时间、场合和地点中，因此在你着装时，应考虑一下，穿什么怎么穿这是你踏入社会并取得成功的一个开端。

着装的配色原则

服饰的美是款式美、质料美和色彩美三者完美统一的体现，形、质、色三者相互衬托、相互依存，构成了服饰美统一的整体。而在生活中，色彩美是最先引人注目的，因为色彩对人的视觉刺激最敏感、最快速，会给他人留下很深的印象。

服饰色彩的相配应遵循一般的美学常识。服装与服装、服装与饰物、饰物与饰物之间的色彩应色调和谐，层次分明。饰物只能起到“画龙点睛”的作用，而不应喧宾夺主。服饰色彩在统一的基础上应寻求变化，肤与服、服与饰、饰与饰之间在变化的基础上应寻求平衡。一般认为，衣服里料的颜色与表料的颜色，衣服中某一色与饰物的颜色均可进行呼应式搭配。

服饰礼仪着装的注意事项第一，进入室内场所应卸去帽子、大衣、雨衣和套鞋，并一起存放到存衣处。

第二，男性在室内不允许戴手套、围围巾。在进入室内前，手套与围巾均应除下，与大衣等物一起存放于存衣处;女性在室内则允许戴礼服手套、帽子、披肩、短外套等作为服饰的一部分饰物。

第三，穿用礼服，女性不应露出小腿或颜色不大相称的袜子。

第四，与他人握手时不得戴手套，哪怕是极薄的手套也是不允许的，但是女士如戴礼服手套则可除外。

第五，不得穿内衣裤或睡衣裤迎接客人。

第六，在较为正规、隆重的场合，最好不要戴手表，可选用精致的怀表;同时在参加活动时不宜多看表。

第七，裙子一般长至只露出鞋头为最符合礼仪，并且不能过于透明，而使他人窥见内裙甚至内裤颜色。

第八，穿露肩、胸或背的晚礼服赴会时，在会场外，应把裸露的部分用披肩、斗篷等遮掩起来。进入会场后，披肩才可以脱下，可不必存放在存衣处。

第九，手套与手包都不能放于餐桌之上，手包可以挂到架子上或挂在餐桌底下或椅子靠背处。

第十，拿餐具时，手套应脱下，但喝鸡尾酒时可以只脱单手手套。脱下的手套可以放在手包中或膝盖上或椅子背后。

第十一，男性打招呼、说话、用餐时均应脱帽。男士打招呼时脱帽是一种传统的礼仪。

第十二，结婚戒指和订婚戒指不应戴在手套上，但装饰性戒指除外。

饰礼仪的规范原则有哪些

所谓“十美风格”，是指中国历史上上层社会和美食理论家们对饮食生活美感的理解与追求的十个相互区分而又紧密关联的具体方面，是充分体现传统文化色彩和美学感受与追求的、系统完备的民族饮食思想。下面学习啦小编为大家整理了古代饮食的十美相关的知识，希望对大家有用。

　　古代饮食十美：质

　　原料和成品的品质、营养，贯穿于饮食活动的始终，它是美食的前提、基础和目的。袁枚所谓：“凡物各有先天……物性不良，虽易牙烹之，亦无味也”，“大抵一席佳肴，司厨之功居其六，买办之功居其四。”原料的质美是一切其他诸美的基础与灵魂，因而很早便作为美食要素提出，并一直是中国古代饮食审美的基本要素。20多个世纪以前，我们的祖先就留下了深入讨论“鱼之美者”、“菜之美者”、“饭之美者”、“果之美者”的明确文录，认为只有物料质美才能“至味具”。

　　古代饮食十美：香

　　闻香是食物美的极为重要的标志之一，同时也是鉴别美质、预测美味的关键审美环节和检验烹调技艺的重要感官指标。气味能鼓诱情绪、刺激食欲，所谓未见其形，“闻其臭者，十步以外，无不颐逐逐然”。“香”字表义，最早源于人们对饮食美的感觉。《说文》释云：“香，芳也。从黍，从甘。”先哲认为黍稷等食粮的养民活命之性可引发出施教化、行礼仪、申道德的功用，认为谷物的馨香是一种高尚的“德”之表征，故敬祀鬼神，“明德以荐馨香”。

　　古代饮食十美：色

　　悦目润泽的颜色，既指原料自然美质的本色(质美是前提，但烹调中的火候等因素也至关重要)，也指各种不同原料相互间的组配。色美又是一审鉴指标。色美，不仅可以看得出原料的美质，也可以看得出火候等烹调技巧的恰到好处，还可以看得出多种原料色泽之间的辉映谐调之美。通过色、香两个感观指标的直观判断，即可基本测定出肴馔的美学价值。所谓：“嘉肴到目、到鼻，色臭便有不同：或净若秋云，或艳如琥珀;其芬芳之气亦扑鼻而来。不必齿决之、舌尝之而后知其妙也。”这里追求的是本色，是物性先天的美质本色。

　　古代饮食十美：形

　　体现美食效果，服务于食用目的的富于艺术性和美感的造型。中国古代饮食审美思想中对于肴馔形美的理解和追求，是建立在原料美基础之上并充分体现自然形态美与意境美的结合。它如同中国古代的诗和画一样，都追求一种自然古朴和典雅清逸的意境。如唐景龙三年(709年)韦巨源拜尚书左仆射，谢恩宴中的“生进二十四气馄饨”(花形馅料各异，

色彩对于人们的影响是很大的，衣食住行都离不了。服装作为一种文化，它的形成和发展都有着悠久的历史文化，中国在上古时就重视对颜色的运用，传说中在皇帝时就能五色衣裳，周代的旗旌、衣服不仅有许多种色彩，而且还画锈上各种彩色装饰纹，已经相当精美。

随着社会的发展，它的美化功能越来越显现，人们对着装美的追求几乎成了着装的最高目标。服装设计除了对款式、布料等的要求以外，对色彩的要求也越来越高了，色彩成了服装设计三要素中最重要的因素。马克思说“：色彩的感觉是一般美感的最大众化的形式。”� 因为它有很强的视觉冲击力，是最直观的，可以直接影响人的情绪，左右人的情感，支配人的行为，也是最具有吸引力的诱饵，激起购买的欲望。

一、服装色彩来自自然界

就以大自然的色彩而论，自然界的色彩随季节千变万化，一年四季，都在和谐地变化着：当“春分又绿江南岸”的时候，到处是疏疏嫩绿，点点丹红，给人以万物生机、欣欣向荣之感，这时的服装色以柔和、明快的色调为主；夏天的绿荫，又是郁郁沉沉，显得茂密葱茏，深远刚健，服装色以冷色和浅色调为主；秋天的景象，不尽是“红叶黄花秋意晚”，田野里是一片金黄，这是丰收的季节，服装色以不冷不暖的柔和色调为主；冬天虽是万木萧疏，但那银色的雪花好像给大地披上一层素洁的衣裳，正蕴育着未来和希望，服装色以暖、深色调为主。宋朝郭熙在《林泉高致》中对山川四季的色彩变化引起的感受这样写道“：真山水之云气四时不同，春恰恰，夏蓊郁，秋疏薄，冬暗淡，⋯⋯真山水之烟岚，四时不同，春山艳治而如笑，夏山苍翠而如滴，秋山明净而如妆，冬山惨淡而如睡。”�正是这种自然的色彩为服装的色彩提供了美学原理。如战士的草绿色军装，海员的蓝色制服，医生的洁白大褂，它所给人的印象和鼓舞更大。

二、服装色彩受不同思想、时代、情感的影响

1社会文化与色彩

服装色彩的审美心理不是孤立的，它必然受到一个国家、一个民族的哲学思想、伦理道德的影响，受到整个审美意识的制约。中国古代追求“道”，用有限表现无限，讲究以少胜多，用单纯表现丰富，这就在色彩上要求单纯、明快、纯净，具有装饰性。因此我国佛教和道教一般都穿灰色和黑色。敦煌千佛洞壁画题材极为广泛，天上人间，山川花卉无所不包，在这神秘的世界五彩缤纷。然而，有人仔细作过分析，那些壁画所用颜色仅有土红、朱砂、石青、石绿、黑、白几种，通过这些颜色的对比，形成了一种明快的节奏和优美的旋律，使之成为传世珍品。基督教徒视**为大逆不道的卑劣色彩，表示嫉妒、奸诈，在达芬奇的名作《最后的晚餐》

中出卖耶苏的叛徒犹大穿着**大袍，是罪恶、背叛、狡诈的象征。由于世界各国处的环境、文化、宗教信仰的不同而产生了不同的色彩象征性。就拿白色来说，我国古代殷商尚白，在中国、印度，白象、白牛是吉祥、神圣的象征。蒙古人以白色象征吉祥如意，而我国民俗传统则以白麻布作为丧服，表示悲哀和悼念。在欧洲的一些国家里白色象征纯洁、神圣，并被作为结婚时穿的礼服。

2 色彩的时间序列

“色彩是时代的色彩，时代是色彩的时代。”服装色彩的流行记忆着时代的变迁，我国以前把颜色作为尊卑的象征，各个朝代都有严格的等级，天子、皇帝与诸侯、大臣的服装色彩决不能相同，每个时代都有被认为最高贵的色彩和卑贱的色彩。如今，随着人们观念的改变，在人们面前呈现的是琳琅满目的各色时装，反映了改革开放型的时代特征。每年、每季都会有主导的流行色，主要是要满足人们审美的追逐。

3 情感、感觉与色彩

所谓“色彩的感情”，不是色彩本身产生了什么感情，而是在具体条件下诱发出人们的联想，因而使色彩的效果进入了更高的层次。同样是蓝色，海军服就使人感到广阔、遥远、高深，而护士服就使人感到沉静、理智、大方。适宜的服装色彩搭配，会给人带来自信和成功。