线的表现力美术作品

线的表现力美术作品如下：

初步感知线条，了解线条的表现力和生命力及其作用，并学会如何应用线条表达，感受线在各种艺术形式中的地位、作用和形式美特点。

通过对各种艺术中线条的欣赏及练习，掌握用线条来表达内心感受的方法，尝试在比较欣赏中，发现美、探究美。

感受画家用线条传达出的不同情感，认识人类丰富的情感世界，提高审美能力及造型表现的能力。

用线条造型是人类最早、最简洁的绘画表现形式。中国画用线条表现物象的手法称为“白描”，或称为“线描”。最初，白描是以粗细均匀的线条为主的。

唐代的吴道子用线具有粗细轻重的变化，能生动地表现衣服的动感与厚度。北宋的李公麟擅长白描手法，能很好地展现线条的魅力。

线条是中国绘画的主要造型手段，是形成国画风格的一个要素。线条的艺术表现力很强，既能表现物象的轮廓，又能表现其体积、形态、质感、量感和运动感。

线条的变化与造型的形式美紧密结合，使画面既有韵味又有独特的表现形式。线条可以说是一种符号、一种媒介，具有较强的抽象性与概括性。画家可以用线条描绘物象，传达自己的思想。不同画家笔下会出现不同的用线特征，传达各自的内心情感。

1、色彩的情感表现色彩的情感表现色彩的情感表现色彩的情感表现 在一幅画中，最能体现画家情感的是色彩的变化。如果说画家的情感表现是一幅作品的灵魂，那么色彩就是绘画手法中的灵魂。画家的绘画创作目的就是用作品来表达自我的情感，那么只有通过对事物的色彩研究、总结、归纳，才能完成这一创作目的。 在画面中，体现的往往是高兴的或悲剧的。爱德华·蒙克的作品体现的就是浓重的悲味，在他的作品中给人的感受往往是压抑的、悲惨的，在画面中有一种类似被抽干血肉的干尸或骷髅的感觉，他们像幽灵一样在画面上晃动。而他通过使用纯度较高的亮色与暗色的混合使用强化了这种感觉，使作品带有鲜明的个人情感。 在色彩情感表现的世界里，最具有代表性的就是毕加索，他的一生是可以用颜色总结的：忧郁的蓝色时期、快乐的玫瑰时期。在孤独无助的蓝色时期中，其所创作的作品中最具代表的是《人生》，以浓郁的蓝色调表示贫老与孤独的苦难；而在玫瑰时期的作品，画面人物表情虽依然冷漠，却已注重对和谐美感与细微人性的关注。整体除了色彩的丰富性外，又已从先前蓝色时期那种无望的深渊中抽离。摒弃先前贫病交迫的悲哀、缺乏生命力的象征，取而代之的，是对生活充满了兴趣、关注及信心。 所以我们在表现中，就要利用色彩的冷与暖、厚与薄、亮与暗寻找色彩的象征性和表现性，使其描绘的对象具有象征意义，让它们产生精神上的含义。

2、线条的情感表现线条的情感表现线条的情感表现线条的情感表现 线条的情感表现是多样性的，曲线表示优美，直线表示刚强。而在油画创作的世界里，线条的作用也是多样的，对于写实油画而言，线条服务于造型，更多的是一种辅助的效果，而对于表现性油画创作中，线条则是情感的抒发，在画面中也更加的具有独立性、生动性。 在创作中线条的应用中，概括来说，可分为两种：一是线条情感的艺术表现，二是线条情感的自然表现。两者是有着本质区别的:第一，线条情感的艺术表现是为了更好地服务画面效果，不会毫无顾忌地使用线条，在使用线条的时候更加具有目的性。而线条情感的自然表现则是更加随心所欲一些，他表现的是画家创作过程中的心理反应，也许当时线条的应用只是一丝丝的灵感，而恰是这一丝丝的灵感，创作出一个遐想的空间。第二，线条情感的艺术表现是丰富的、细腻的、繁琐的，也许会有一些共性的东西。而线条情感的自然表现则是单调的、狂野的、简洁的，拥有更多的是作画者的个性展现。而在创作过程中，只有把艺术表现与自然表现更好地融入在一起，才能创作出拥有自我真实情感的作品。 奥地利表现主义画家席勒，他的作品受蒙克、克里姆特等人画风的影响，注重线条的表现是席勒作品不同于其他艺术家作品最明显的标记。席勒的绘画作品充满灰暗、焦虑、扭曲、痛苦、让人感受到席勤的生命始终笼罩着死亡的阴影，极具艺术表现力的艺术语言和充满震撼力量的线条，使得艺术家的内心真实情感和对人生的感悟跃然纸上。他的作品《死神与少女》、《自画像》、《干洗房》等以扭曲的人物造型、神秘的自然风景表达对人类生存、对生与死的思考，运用颤栗紧张的线条和夸张变化的色彩加强感情的力量，致使画面笼罩着一种痛苦、憔悴、紧张和性压抑的气氛，体现出强烈的表现主义精神。

3、创作内容的创作内容的创作内容的创作内容的情情情情感表现感表现感表现感表现 如果说色彩是画面的灵魂、线条是画面的骨骼，那么创作内容就是画面的血液，时刻流淌在画面的每一个角落。只有选择正确的、合适的内容去表达，才能够在创作中表现出自己的真实情感，心甘情愿地为创作去付出、去思考。 在创作内容的选择上，往往有两种误区：一是“题材决定论”就是认为在创作题材的选择上，只有表现重大题材的艺术创作才具有崇高的艺术价值；表现平凡题材的艺术作品只能具有平凡的艺术价值。这是不正确的，它否定了油画创作的表现性和多样性。达·芬奇认为艺术可以表现任何题材。他说，宇宙中存在的一切，不论是可能存在、实际存在还是在想象中存在的，都能出现在艺术家的“心里”,“然后移到他的手上”，称为艺术作品的题材。其次，题材不能决定作品艺术价值。18世纪的英法艺术家认为，“历史画”是高贵的，“肖像画”、“静物画”、“风景画”是低贱的，这是不对的。19世纪德国画家马克斯·李卜曼有句名言：“画得好的白菜头比画得坏的圣母头更有价值。”艺术作品的价值，不完全取决于画什么，而是看画家的综合素质和在创作中所投入的真实情感。 二是“题材无差别论”，认为题材仅仅是艺术家表达思想感情的媒介，对艺术作品是无关紧要的。克莱夫·贝尔说，艺术作品的题材，如“叙述性绘画”，具有“历史方面价值的画像”，乃至连环画中所讲的动人故事都是非艺术因素，“不仅不能唤起审美感情，反而会影响它和干扰它”。这种观点是错误的，题材在艺术创作中不具有破坏干扰作用，也不是无关紧要的，题材在一定程度上制约着艺术作品的价值，只有符合时代背景下的艺术创作，才能更容易地唤起自身的情感，将之描绘在画布上。董希文的《开国大典》、达维特的《马拉之死》等题材都是一定程度上体现了作品的价值。 总之，创作内容在艺术创作中的作用是很重要的，它是构成艺术作品必不可少的内容之一，也是表现画家情感的基础，只有拥有好的创作内容，才能呼唤起画家对创作的兴趣和激情。

摘自赵君超、马信中《浅谈油画创作中的情感表现》，希望对你有用。

一、线条“中国风”手绘插图设计已经不仅仅是用色彩来表达情感和风格,线条作为最简洁的概括艺术语言,具有如此个性化的元素,它既是生活的物质,又是造型的手段,更是绘画的外在形态有的插画师开始用线条作为表现重点,来诠释作品的情感线段的粗细、长短各不相同,不同的线段运用又会带来不同的视觉感受和心理感受绘画人不同的性格心境,都有不同的表现将线作为焦点,将线力和线变结合起来,把握造型,结构穿插关系手脚快速,顿挫成不同的线条,用笔的粗细力度,笔尖的深浅,线条的流畅滞涩,平滑毛糙,线条之间的疏密穿插关系,线条所形成的平滑感、韵律结合水彩晕染的特殊质感,以表达作品的情感,体现中国的风格与韵味二、构图构图是绘画艺术的重要组成部分,插画也不例外以日本浮世绘构图不受空间透视和立体限制为灵感,采用手绘插画设计,又借鉴了中国画的构图风格其作品不注重焦点透视,不强调物体对光和影的变化,不拘泥于物体外在形象的一致,而更注重作者想要表达的情感角色本身的透视多以平视为主,而人物与景物的关系则常采用遮挡折叠、距离安排前后关系及层次变化,以表现物体的远近距离留白与对比是其最大的特点,留白是将空白运用广泛,给观者以联想的空间并利用各种矛盾来达到对立统一、突出主题的效果图像,颜色,线条,位置,空间的对比,产生一种力量和活力,给观众留下深刻的印象也有画面的疏密感,让画面更有生气

答： 如图

在传统中国画中，基础造型作为“线造型”出现，对阴影的分离使得画面不可避免地偏向二维的平面化。相应的，这种平面化又促进了笔墨线条的表现力，由于在写实方面的缺失，此消彼长，在神韵传达方面就发挥得更加自由。而西方的传统绘画中，虽然精准的轮廓线非常清晰，但它的形象依造的是对于物象的再现和写实，线条是依附于团块出现的，由于隐没在阴影和形体之间，表现的方式则更加隐晦。

以线造型是中国画中最主要的绘画特征。在方金炉的《蒲塘清影》中我们能看到，画家用墨来进行物象造型，依靠黑白二色之间的层次衍变来表现出白鹭的不同形态特征。方金炉以花鸟、山水画见长，他的作品因受到人生经历、情感学识等方面影响，体现出明显的文人画特征。他的绘画创作以相对自由的笔墨和对物象的夸张变形来抒情达意。墨色浓淡之分被称为“墨分五色”。唐代张彦远在《历代名画记》中说：“运墨而五色具。”对于五色的说法，历来是有出入的，一说焦、浓、重、淡、清，一说浓、淡、干、湿、黑。通过作品可以看到，这种单一的表现方式在对用墨技法要求苛刻的同时，对线的造型要求也非常高，十分考验画家的笔墨功底。

水墨写意作品的重点在于创造画面轮廓的同时，用毛笔的笔触与墨的枯润来体现出质感，在质感的表达上，意笔与西方素描虽有相近之处，但也仅限于此，因为它的重心与写实是完全相对的。写意画中的线条更加主观随意，通过轻重缓急的变化，来抒发画家的个人情感。吴昌硕曾言：“墨池点破秋冥冥，苦铁画气不画形。”写意画中“画气不画形”并非是指不重形，而是不必斤斤计较于形似，写意对于作者思想的寄寓要求更甚，相应的对于现实物象则不可避免地进行了变形。

扩展资料:

对传统中国绘画来说，线在造型中始终占有灵魂地位，无论是工笔还是写意，气韵生动都是创作的最高要求。画家对客观物象的描绘需要有很强的归纳与写生能力，做到胸有成竹，对神韵的追求同样建立在以线造型的基础之上。