细谈一下：后印象与印象主义的关系

印象主义与后印象主义的异同

印象派运动可以看作是19世纪自然主义倾向的巅峰，也可以看作是现代艺术的起点。印象主义绘画专注外光画，主题的作用被弱化了，而且把兴趣扩大到从前认为难以处理的题材。印象主义绘画以再现自然对象瞬间的光色关系为目的，它基本上属于一种图绘的风格，从这个意义上说，印象主义是巴罗克风格的发展，是写实主义视觉实验的延伸，是文艺复兴以来"再现性"传统绘画发展的极至。前期印象派的大师人物主要有莫奈、德加和雷诺阿。

印象主义是一个松散的艺术社团。这个社团没有明确的纲领。艺术家集合在一起，仅仅因为画风比较一致，便于共同举办展览。参与展出的艺术家，有的仅在一段时间内迷恋于印象主义画风，后来则另有追求；有的在绘画风格上曾多次变化反复。此外，参与画家的水平也不尽一致。绘画中的印象主义是和法国文学中的自然主义流派相对应的。印象主义和自然主义都曾受到哲学上实证主义的影响。

后印象主义艺术运动是1885年至1905年间出现于法国的一种绘画风格，它包括所有印象主义派生出来的或者与之对立艺术运动，譬如：新印象主义、象征主义、综合注意和纳比派等等。印象主义和后印象主义皆是以感觉而用科学的方法作画， 是一种非常客观的艺术，也是写实主义过分发达的结果。受哲学及文学方面反客观的科学之影响，绘画不得不加入了主观的成份，亦即以个性为基础的强烈自我表现。另受东方简洁明了的山水画风影响，以及更为精密和正确的照相术之纯客观比较观点来看，都是激起后期印象派艺术兴起的原因。

通俗地说，印象主义表现的是眼睛直接看到的东西，就是表现非常客观的东西

后印象派完全不一样了，能够先自己主观的感情，表现自己的主观情绪，这种色彩就是客观物体的原来色彩已经不重要了，更重要的是用这种的物象来表达人类自身内心的一种主观情感，所以这种画派更多的是认为不能像印象主义模仿世界，而是表达画家对客观世界的主观感受。如果你那天心情非常不好，或者心情灰暗，哪怕是阳光灰暗你都会觉得很惨淡。这就是人的主观感受对客观世界的不同的反映。

造型、色彩、光影、笔触是创作和欣赏油画时，都要考虑的元素，造型通过科学写实手段，可以让油画画面的外在形象贴合真实性的要求，色彩不但可以表现强化造型的精确性，还能展现画家的情绪和思想，更能提升视觉冲击力。光影和笔触是体现画面节奏感和韵律感必不可少的元素，同时，笔触跟色彩结合起来，能展现出强烈的主观情感。

（雷诺阿风景）

自始至终，色彩在油画创作中扮演着非常重要的角色，文艺复兴中期，威尼斯画派大师提香是第一位重视色彩感受的画家，通过他对色彩的发扬，自此后，从巴洛克、洛可可、浪漫主义，一直到印象派，色彩在油画中的比重越来越高。

（雷诺阿作品）

尤其到了印象派时代，色彩的作用在油画创作中上升到了第一位，给油画进入现代性开了一个好头。

实际上，色彩是一把双刃剑，用得好能很好地提升画面趣味，若用不好的话，画面会呈现出凌乱，跳跃，拼凑，没有主题的感觉。归根结底，画面中的色彩组合到一起，以和谐为基准。

（雷诺阿·河边沉思的姑娘）

中国画中经常有浓破淡、淡破浓、干破湿、湿破干等画法，是指先在纸上画出浓墨或淡墨，未等它们干透后，在浓墨或淡墨的基础上，继续施加淡墨或浓墨，这样画出来，等画面完全干透后，就能看到浓淡相宜，虚实相生的层次感，让画面体现出一种自然节奏，给观者没有死板的感觉。

（梵高·花园花开）

油画跟国画都是视觉艺术，它们的画理实际上都一样，都是采取一定方法，让画面色彩不产生冲突和遏制。

从这个意义来讲，油画中在设色时，不能使用同一种色彩或色调，每种色彩或色调在画面不同地方使用时，要有明显的区分，哪里轻哪里重都要贴合画面的主题。在这一点，完全可以参考梵高和雷诺阿的油画色彩。

－－－安格尔 Ingres(1780-1867)－－－

法国画家，古典主义画派的卓越代表，他尤其擅长肖像画。曾任罗马法兰西学院院长。1825年被选为皇家美术院院士。1863年获黄金桂冠称号。

他的油画肖像作品造型严谨、细致，着力刻画面部表情的细微变化，色彩华丽而沉稳，调子统一，非常好看，属典型的学院派画家的画风。本辑还选了一些他的素描人物作品。他的素描更象是“慢写”——速写的一种，重点刻画头部，其余用线条勾勒结构和衣纹走向，给人很爽快的感觉。

简介:

让-多米尼克·安格尔，生于蒙特庞省。他曾经向杜尔兹学习绘画17岁时到巴黎，投入达维特门下。当时，达维特正担任拿破仑的首席画师。安格尔极受达维特的喜爱，达维特曾为他画过一幅肖像：那微微皱起的眉毛下，有着一双认真思考的眼睛。

1806年，安格尔赴意大利，1824年回到巴黎。后来，1834—1841年，他再度赴罗马，深刻地研究了文艺复兴时期意大利古典大师们的作品，尤其推祟拉斐尔。经过达维特和意大利古典传统的教育，安格尔对古典法则的理解更为深刻，产达维特流亡比利时之后，他便成为法国新古典主义的旗手，与浪漫主义相苏衡。

作为19世纪新古典主义的代表，安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式，他善于把握古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。他从古典美中得到一种简炼而单纯的风格，始终以温克尔曼的“静穆的伟大，崇高的单纯”作为自己的原则。在具体技巧上，“务求线条干净和造型平整” (文社里语，见《西欧近代画家》一书)。因而差不多每一幅画都力求做到构图严谨、色彩单纯、形象典雅，这些特点尤其突出地体现在他的一系列表现人体美的绘画作品中，如《泉》、 《大宫女》、 《瓦平松的浴女》、 《土耳其浴室》等

对于安格尔的画，有评论认为是拉斐尔完美线条的延续，亦有人认为是毕加索人体解剖及扭曲等画风的预告。当时大诗人波特莱尔对安格尔赞扬有加，称他具备了“最大胆的才华”，但同时批评安格尔的“古怪狂妄”的也大有人在，事实上，如安格尔自己所形容，他首先是一个“革命画家”，不过是从内心出发的，绘画理念和情感表达上的革新。

从早期的《阿纳迪欧曼的维纳斯》开始，安格尔一直便在发掘情色艺术和女性身体的奥秘，一直持续到他生命的最后几年。即使看起来冷若冰霜的《泉》也在执意描绘性感，将女体理想化，这幅作品是安格尔从1830年在意大利佛罗伦萨逗留期间开始创作的作品，但一直没有完稿。26年以后，当他已是76岁高龄时才画完此画。作品把古典美和女性人体的美巧妙地结合在一起，出色地表现了少女的天真的青春活力，也是西欧美术史上描写女性人体的优秀作品之一。

作为他研究女性人体高峰的《土耳其浴室》则是他从79岁到83岁之间所作。安格尔虽然有过画宗教画的时期，但对情色题材并无顾忌，画中的每个浴女以一种“洗练”和“洁净”的形式结合在一起。以冷静、优雅精于用线和微妙的明暗色调来体现人体表达方式，是来自古典主义的传统；但是，其中的抽象意味，以及作品中所流露出来的浓郁的东方情调，是传统的古典艺术中所从未有过的。

－－－布歇 Buxie，F·Boucher（1703－1770）－－－

罗可可绘画的代表者，十八世纪法国深得当时统治者赏识的画家，32岁就当选为皇家美术学院院士，以后又荣获法国皇帝路易十五首席画师的称号。晚年升为皇家美术学院院长。布歇的这种社会地位和他所处的上层社会，决定了他的艺术主要是迎合当时上流社会的需要。《浴后的狄安娜》就是这一类作品的代表。它假借罗马神话中狩猎女神狄安娜的名义，描绘了上层社会所喜欢的裸女。

简介：

布歇，F· Boucher (1703～1770) 法国画家，洛可可美术的典型代表。1703年9月29日 生于巴黎，1770年5月30日卒于同地。父亲尼古拉·布歇也是一位画家。布歇17岁时，父亲推荐他向法国画家弗朗梭瓦·勒穆瓦纳(1688～1737)学画。1725年，受已故华多的友人让·德·朱利埃纳的委托，他与其他画家一起把华多的许多素描刻成版画，后被出版印成版画集《千姿百态》。这项工作使布歇对华多的艺术更加崇拜了。1723年，布歇参加了巴黎美术学院举办的绘画竞赛，并获得了赴罗马考察的一等奖，但学院方面未能支付这笔旅费。几年后，他自费去了意大利。在那里他首先对17世纪充满牧歌情调的美术杰作发生兴趣。1731年回到巴黎，此后很快风靡画坛。1734年被选为美术学院院士，后又升为教授。至1765年，随着他的声望日高，学院方面终于聘任他为该院院长，并获得“皇家首席画家”的称号。

布歇的艺术成就在于他既绘制天顶画、装饰壁画，也作肖像，还画一些具有牧歌情调与风俗场景的风景画，同时又为皇家织造厂设计挂毯稿子，负责宫廷演剧的舞台布景和服装设计。他的那些以裸体女性为主的神话题材的油画，显示了没落贵族追求糜烂的享乐生活的一面。订画的贵族们要求尽可能画得甜腻，带有肉欲的诱惑力。他画的那些裸体女神，就象是用玫瑰色瓷土捏成的，肤色圆润光滑，毫无真实感。最能够代表他的风格的是那些为装饰宫廷和贵族府邸而 创作的神话题材的故事画，如《维纳斯的胜利》（1740，斯德哥尔摩国立博物馆）、《狄安娜出浴》(1742)等。这些作品色彩华美柔丽，表现了他的想像力和装饰才能，但却充溢着宫廷脂粉气息。布歇的这类作品在当时就遭到 D狄德罗的抨击。布歇还喜爱收集东方工艺品，并且为皇家织毯场设计过一套9幅的中国主题的壁毯。路易十五曾于1746年将这套壁毯赠予乾隆皇帝。

布歇的缺点在于不能深入研究对象的真实性，仅仅追其效果。狄德罗曾说道：“何等漂亮的色彩，何等丰富啊！他（布歇）拥有一切，除了真实。”布歇的艺术完全是属于18世纪的。

布歇的大部分艺术作品都是表现女人的娇艳、柔媚与肉感。但是，对于布歇，却有一件必须提到的趣事，就是他曾经画过表现中国的艺术作品，这是由于，法国的洛可可艺术也受到了中国艺术的强烈影响。自从新航路开辟以来，中国的工艺美术品，瓷器、漆器和纺织品源源不断地流入欧洲，成为欧洲宫廷的奢侈品。在路易十五时代，无论绘画、雕刻、工艺美术等等都掀起了一阵中国热。中国式的花鸟鱼虫、松竹兰梅、人物图案，都潜移默化地影响了西方人的审美兴趣。18世纪的中国清代的工艺品，提倡繁缛的曲线，精巧的造型，所有这些，都与欧洲的洛可可艺术一拍即合。