结合自己的观点谈油画题材与情感是怎么结合的

油画题材这个是根据人物的喜欢而定的，有的人喜欢画风景，而有的人则喜欢画人物，我想你的问题应该是：如何用油画来表达自己想要表达的情感吧。这个是通过色彩，包括对色彩的文化，心理学，象征意义等一系列的东西，来表现的。

造型、色彩、光影、笔触是创作和欣赏油画时，都要考虑的元素，造型通过科学写实手段，可以让油画画面的外在形象贴合真实性的要求，色彩不但可以表现强化造型的精确性，还能展现画家的情绪和思想，更能提升视觉冲击力。光影和笔触是体现画面节奏感和韵律感必不可少的元素，同时，笔触跟色彩结合起来，能展现出强烈的主观情感。

（雷诺阿风景）

自始至终，色彩在油画创作中扮演着非常重要的角色，文艺复兴中期，威尼斯画派大师提香是第一位重视色彩感受的画家，通过他对色彩的发扬，自此后，从巴洛克、洛可可、浪漫主义，一直到印象派，色彩在油画中的比重越来越高。

（雷诺阿作品）

尤其到了印象派时代，色彩的作用在油画创作中上升到了第一位，给油画进入现代性开了一个好头。

实际上，色彩是一把双刃剑，用得好能很好地提升画面趣味，若用不好的话，画面会呈现出凌乱，跳跃，拼凑，没有主题的感觉。归根结底，画面中的色彩组合到一起，以和谐为基准。

（雷诺阿·河边沉思的姑娘）

中国画中经常有浓破淡、淡破浓、干破湿、湿破干等画法，是指先在纸上画出浓墨或淡墨，未等它们干透后，在浓墨或淡墨的基础上，继续施加淡墨或浓墨，这样画出来，等画面完全干透后，就能看到浓淡相宜，虚实相生的层次感，让画面体现出一种自然节奏，给观者没有死板的感觉。

（梵高·花园花开）

油画跟国画都是视觉艺术，它们的画理实际上都一样，都是采取一定方法，让画面色彩不产生冲突和遏制。

从这个意义来讲，油画中在设色时，不能使用同一种色彩或色调，每种色彩或色调在画面不同地方使用时，要有明显的区分，哪里轻哪里重都要贴合画面的主题。在这一点，完全可以参考梵高和雷诺阿的油画色彩。

个人情感对创作乡土油画有着很大的影响，因为乡土油画通常表现的是画家所熟悉且亲近的生活环境和文化背景。画家对于自己所处文化环境以及身临其境的乡村自然和人文景观的情感理解和感知，都会深刻地影响到他们的创作思路、创作风格和创作主题。

首先，个人情感对于乡土油画的表现方式和表现手法具有重要的影响。画家对于自己所处的文化环境和社会背景有深入的了解和感知，会更加熟悉当地特有的物质文化和精神文化，从而在创作中更加自如地运用当地特有的色彩、形式和语言表现出来。

其次，个人情感也会影响乡土油画的表现主题和表现风格。画家对于当地自然和人文景观的深入感知和理解会引导他们选择更加本土化的主题和内容，例如农村风貌、民俗文化、传统手工艺等，这些主题和内容往往具有鲜明的地域特色，可以让观众更加直观地感受当地的文化底蕴和生活气息。同时，画家的情感也会体现在表现风格上，例如画面色调、笔法运用、构图等方面，这些元素往往能够更准确地反映画家对于所处生活环境和文化背景的感性认识和深刻理解。

综上所述，个人情感对于乡土油画创作具有重要的影响，它不仅影响着画家的表现方式和表现手法，还深刻影响着乡土油画的表现主题和表现风格，从而传递着画家对于自己文化背景和生活环境的深刻情感和认识。

油画有两大创作要素，一是造型，二是色彩。色彩是油画的“半壁江山”，色彩是油画的语言，油画作品所蕴藏的丰富的情感情绪主要是通过色彩的渲染来抒发来表达。色彩也是油画最突出的优势和特色。

怎样利用色彩来营造油画作品的氛围，一直是艺术家努力探索实践的课题。从油画诞生初期古典主义创立形成之时，以达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔为代表的油画艺术家就积极摸索油画创作中的色彩关系处理运用，取得了丰硕的成果和宝贵的经验。

达芬奇运用色彩营造出《蒙娜丽莎》宁静和谐温韾大气的氛围，米开朗基罗运用色彩营造出《创世纪》雄浑悲壮动感有力的气势，拉斐尔运用色彩营造出《圣母玛利亚》慈爱、温婉、柔和、唯美的情调。这些早期经典油画在色彩上的精妙运用对后来油画艺术发展产生了重要而深远的影响。

威尼斯画派重要代表提香被誉为是“用遍了威尼斯水城全套色系”的画家。提香擅长用红色用底色，然后再用更深的颜色在这底色上竞争，给画面营造出一种庄严厚重的氛围。如《圣母升天记》等。

以创立“明暗用光法”著称于世的伦勃朗，习惯以黑色或褐色作为画面背景或次要部分，用白色来突出画面主体，看上去像是一束束光集中打在画面中央，营造出十分鲜明的主次明暗远近效果。

后印象主义大师梵高对于色彩的运用更是瑧于幻境。《向日葵》艳而不俗，挺拔妩媚，《麦田》还原了大地原野一片片成熟的小麦随风摇摆丰收在望的景象，《星空》以色彩的交织变幻让人仿佛感受到了星云的滚滚翻动宇宙在不停的运行。

怎样运用色彩来营造油画的氛围，大师们的经典之作就是最好的榜样。