绘画中素描的解释

　素描，简而言之就是单色画。却又不尽然，毕竟素描涵盖与牵连的东西太多，解决的问题也太多，素描过程是同一时间要考虑许多问题的综合思维活动。当今美术院校各专业都把它作为基础课，虽然各专业的侧重点不同，油画重体积、调子，国画重线条，版画、设计重结构等；但素描的共性是差不多的。同时，素描作为独立的艺术种类，自有其独特的艺术价值，当然，专门的素描艺术家并不多，大都是兼职者，如诸位大师们，他们寥寥几笔的创作草稿就已经价值不菲，你根本不用分是基础性强的速写还是独立的艺术品。这些即便看似寥寥几笔的素描作品，其后面的功力也非常了得，有时随便一条起伏弯曲的线条，体现的却是艺术家对形体、结构、特征、节奏、韵味、艺术史的深刻理解与掌握，于其背后的艰辛也自然不言而喻了。

　下面谈谈本人对素描的理解，又或者可以说是十几年来教与学的体会。下面几部分有内容上的交叉，这是素描的综合性决定的，每一部分只是素描综合体中的一个理解侧面，它们的关系是分解与重组。

　1 理解多少就能表现多少

　总体来讲，素描是很理性的，素描的过程是脑、眼与手高度结合的人的活动。大脑是总指挥，充实的理性显得尤为重要；眼睛偏感性，生动、鲜活，但常常出现片面与误差；手只是实现脑眼商量的结果的工具，只要听话就行了，属于技术类（当然还有其它工具）。所以大脑要不断地学习与思考，只有思考才会有创新，会思考是人区别于动物的最大特征。首先，要学美术史，了解美术的发展过程，了解诸大师独特的成长过程、艺术理念、风格区别及技巧表达，经过不断评判思考后才能给自己正确地定位，促使自己更好地发展，从而避免茫然失措和重复浪费；学习素描就不能不学习达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、丢勒、鲁本斯、康伯夫，仅仅知道契斯恰科夫是不够的。解剖学、透视学诞生给素描注入了更多的科学理性因素，而解剖学、透视学这两门学科就需要花时间精力去学习与掌握，比如：表现一个人，仅仅了解表面的轮廓起伏而不知道其下的'骨骼构造、肌肉走向作用及视觉上的透视变形是不行的；每画一条线、一个起伏都要能体现解剖学和透视学知识，这些内在知识能使素描作品更深刻、更完整。构图知识使素描作品更趋于完美和个性化，更有画面感、更有艺术性。对结构、特征、比例、形体、朝向、节奏、对比、点、线、面等要素的熟练运用与驾驭，无疑对素描的充分表达起到深度与广度的关键作用，几何概念的把握与深入塑造技能又起到画面的宏观与微观的调控作用。照相机的发明、网络时代的来临使素描从客观的世界中解脱出来，从而更关注后工业化人的思想情感的无限空间，素描更呈现多元风貌。

　显然，拥有如此丰厚的知识储备，你就要做个优秀的指挥家 ，而且要在直觉、激情中尽情地艺术表现。

2 基础·能力·素质

　素描是造型艺术的基础，素描学习训练的目的在于培养学习者正确的认识能力、观察能力、造型能力、表达能力和审美能力，宽厚扎实的基础已经成为进入艺术殿堂必备的素质，就如同高楼大厦的根基，厚实、深藏、无华；也像武术中的站桩功，站都站不稳，“功夫”也只是个花架子。初学者学习素描一定得沉住气耐住寂寞，要能吃苦，要有难度意识，冰冻三尺非一日之寒，古人百步穿杨、庖丁解牛也非一日之功。但光凭理头苦干是不行的，要有意识地培养自己正确的观察与表现能力。观察方法通常指整体与比较，如：眯着眼睛看大体，在整体中比。而细节特别是精彩的细节却要瞪大眼睛地近距离观察，而且你描绘的如是正面，最好从侧面或顶部来观察物象，这样多角度的立体考察对表现物象的结构、起伏、特征、转折是有帮助的；要能敏锐地判断感悟到表达对象独特的形象特征、精神气质，能从平凡中发现美的形式、美的韵味，并能迅速地选择相适应的又是自己的方法加以表现、处理。素描作为一种绘画形式，有其自身的艺术生命力，单凭“基础”两字已难以容纳素描的全部意义，它不单是打基础那么简单。有时，培养良好的审美素质，可以为一生的艺术活动奠定基础

1、设计素描训练是设计审美能力训练与培养的一个重要环节，是将设计提升到艺术层面的不可缺少的训练过程和学习手段。

　2、设计素描是设计造型能力训练的重要组成部分，是设计师运用造型语言自由表达其设计思想与设计意念的基本能力。

　3、设计素描训练应强调思考在先，强调对学生的逻辑、推理和判断能力的训练，使他们养成自觉地积极地探究所研究形态的最根本成因，创造性地运用明确的绘画方式、技艺、及基本原理，以线性表现手法去理解有关形体与空间问题的习惯。

　4、设计素描要求作画前要有一个明晰的作品概念，并将要描绘的对象进行一词意识上的剥离，将一个复杂的形象剥离、净化成一个单纯的形体，讲一个多义、模糊的对象明确化并赋予其秩序感。、

　5、设计素描训练要求我们在作画中，将对象中各个微小的视觉变化展现在明确的形体之中，从而建立明确的实质性的形体与空间。

　设计素描的作用：

　设计素描训练可以养成画者正确的观察方法，培养画者的观察能力、动手能力、模仿能力、对空间的认识能力、创造构想的发生、发展与逻辑思维能力、审美能力，并进而养成设计思维模式。

　设计素描训练的意义在于通过素描训练，使学生用绘画语言自由表达设计思想，并通过素描及相关训练将设计提升到艺术的层面，同时将素描手段作为吸收设计知识的一个重要途径。

素描作品，无论其内容及风格特点，均离不开线条、色调这两个基本表现语言。在这二者当中，线条是首要因素。首先，素描作品可以只用线条画成；其次，色调本身也是由线条的排列组合或把线条加宽(宽线条)而成的。因此，提高线条的运用技巧和表现力，是提高素描水平的关键。下面，就线条和色调的构成原理分别进行说明。

一、线条

从客观上说，任何形体形象，本身是严密的整体，分离不出任何一条单独存在的线条。但是，从视觉上说，当我们在某一角度观察某一立体形象时，处于该形体外轮廓部位的体面由于透视的原因，在视觉上就缩减成了一条较细的线，这就是我们平时所说的“边缘线”或称“外轮廓线”。其次，在形体两个面的转折处或交界处，我们也会看到一条明显的“线”结构线， 如桌子上的棱角线，眼睛、嘴的结构线等等。这些结构线又称为“内轮廓线”。形体的外轮廓线和主要结构线是素描中线条语言的客观依据。换句话说，素描线条的构成主要取决于形体的外轮廓线和主要结构线。因此，在素描中只用单线条也能较正确地表现出形体的主要特征。

另方面，线条的构成也受画者对客观形象的主观感受、印象、理解和审美趣味等因素的影响与制约。素描中的线条既体现客观形象的主要特征，又可以表现作者的激情、感受和艺术风格等等总起来说，客观形象的特征和主观表现的结合，即是素描线条的构成原理。

二、色调 

形体在一定光线照射下，其物质“固有色”的深浅、明暗变化、质感、空间色等等组成丰富的色调层次，这些是素描中色调语言的客观依据。运用细腻色调造型的表现语言比只用单线条更能全面而深入地刻画形体的形、色、体、质感、空间关系等特征，其效果也就更接近于自然形象。但是，画者也可根据自己对形体的感受，强调或简略客观特征的某些因素而不求其全，以利艺术表现的生动性。因此，素描中的色调语言也是主客观因素相结合的产物

对于初学者来说，应当首先学会用线条表现形象，即学会用线条打准轮廓及把握比例、透视关系。初学阶段，也要注意表现形体的明暗和色调深浅，但主要是为了帮助观察、理解形体的轮廓和结构特征。初学者有了一定基础和把握之后，可以着重训练深入细腻地表现形体的色调层次，打好全面塑造形象的基本功。

素描训练的后期，从形式上看，往往仍用以线条为的造型方法，但是其线条比初学时更成熟、准确、简练、生动，更富于艺术内容和美感。

　　有点多，自己再根据需要精简吧，希望对你有用！

　　1 [理论]表现单纯

　　2 [理论]节奏变幻

　　3 [理论]结构视觉

　　4 [理论]描与刻划

　　5 [理论]明暗关系

　　6 [理论]光影害人

　　7 [理论]素描感悟

　　8 [理论]何谓素描

　　9 [理论]线面融合

　　10 [理论]结构是真

　　11 [理论]纵深空间

　　12 [理论]神似优先

　　[理论]表现单纯

　　素描不但具有研究性，还具有表现性。从艺术欣赏的角度说，素描习作同样可以当作一幅完整的艺术品去欣赏。

　　虽说素描是单色，相对表现手法比较单纯；也就因此，素描可以更概括和精炼。画家可以集中精力用简洁的笔法刻意表现对象的结构和内在的气质。

　　中国传统的书法和水墨画，就是具有神韵的素描。汉字和水墨画同属于中国传统文化的艺术构成。汉字笔划之间的布局与构图的变幻，绘画焦墨枯笔与泼墨润色的对比，书画同源之密不透风与疏可走马的艺术表现，均刻划出中国传统艺术独有的素描构成美和力透纸背入木三分的力度。

　　没有具象形体的构成，只有黑白灰纯粹层次间变幻，抽象地表现自己的感官感受，同样能创作出墨分五色——素描的节奏。

　　随着西方文化的传入，素描也随之进入中国艺术训练的课堂。好像只有到了成为大师一级的素描，才最终成为可以欣赏的作品，其他好像只能称其为习作。这是因为大师毕竟是大师，长期文化的积累，悟出了大师出手不凡的写意技法，通常极具有表现力。从一开始，画家就是从表现主体出发，揭示对象的内在的结构和神韵，不用也没有必要再使其他的形式去赘述。

　　[理论]节奏变幻

　　节奏是素描美之所在。没有节奏的素描只能是一片没有感情的躁点、线条或灰色，就像一根琴弦只能发出一种音节，一个人说话不停顿、不喘气一样。

　　根据形体的变化，我们运用抑扬顿挫的笔法和充满韵律的线条，勾画出形体美之所在。

　　线条可能是有刚有柔，用笔必然分轻重缓急。刚自然直，柔就会虚。粗成为了强调，细就感虚拟。和线条一样，运用线面结合加以光影，借此强调人体的形态变幻，使自然的对象产生艺术的节奏之美。

　　[理论]结构视觉

　　视觉的锻炼也是一种思维的过程，是不断剔除错觉，正确感知世界的桥梁。如何使我们的视觉思维在感知形体结构中，形成确切的概念和严谨的画风，尽量多的练习是必须、必要的——俗话说，熟能生巧。

　　结构素描是对明暗素描而言的，不是说明暗素描就可以不讲究结构，也不能说结构素描就摒弃明暗，它需要十分认真、精心研究和熟练掌握。它以线条为表现力，适当加入一些明暗关系，直截了当地将画面对象的立体结构以解剖形式表现出来。不管是素描石膏像还是真实的形体，都要根据对对象的理解，去分析对象，把握形体，力求排除对象在画面中的琐碎因素。特别要运用解剖常识，牢牢地把握形体的大体骨架、骨点和肌肉之间的关系，进行刻划塑造。

　　素描虽然画的是形体，但却不应该仅仅是形体的本身，更多的是对形体的观察感受，可以说是一种发现行为。素描的表现形式、方法、手段取决于视觉思维，只有在表现对象时积极而主动的选择，才能体现视觉的基本特征。

　　视觉绝不是被动复制我们的感受，而是一种积极的理性活动即思维活动。知觉使思维的结果，推理是直觉的研究，最后才能形成自己的创造。

　　[理论]描与刻划

　　对于习惯于使用明暗调子的人来说，总是觉着只有这样画才是扎实的素描。其实，经过后来的习作，我还是感到不过强烈，描的东西太多，而刻的地方太少。

　　应该说利用素描明暗来刻画对象的体积还是有用的。但是如何从明暗调子中走出来，却不是一件很容易的事情。脑子里的固有观念和习惯的势力，加之悟性提高缓慢，使本来想丢弃的画法还会不时的有所反复。

　　明暗调子就像钢琴的键盘，越是多越能表现得丰富。我们使用的铅笔还能出产7B、8B的吗？即便是有了9B、10B的，也无法表现出现实模特儿空间的黑，黑与白的对比只是相对的。在舞台美术的布景暗调子处理上，使用纯黑+普兰在灯光的照射下也泛白，就改用黑丝绒，可我们的绘图纸如何表现出这样的黑洞？其实黑与白只是一种感觉。强烈的感受需要我们改变以往的写生的办法，摒弃故有的脑子里的死的概念，用全新的思维，在结构意志的控制下，充分发挥我们自己的感触而凝注在笔端的力度，画出对象感受的神似。

　　不停地改变自己固有的观念，不断尝试新的绘画方法，千万不能为完成一幅作品小心翼翼的作业，完成作业不能成为我们目的的负担。不然，你将丢弃更多尝试的机会，千篇一律的重复自己的已知而禁锢自己思维的想象空间。

　　[理论]明暗关系

　　明暗素描是很多人在初学阶段接触较多的学习方法。各美术院校在素描教学也常用此方法引导学生。

　　明暗素描是通过光与影在形体上的变化，体现所画对象丰富的明暗层次关系。初学者在开始学习时常常采用灯光下练习，它能帮助你认识物体在光源下的明暗变化，了解光源在复杂形体的明暗变化，以更深一步了解和掌握光源的变化及对象所表现的立体感、质感、明暗、空间的丰富变化等。

　　在明暗素描的明与暗、黑与白、光与影、高光与反光的各层次关系中，掌握节奏的变化很重要。有比较才有鉴别。在对形体准确的基础上，反复的比较，是画好明暗素描的关键。

　　也许明暗素描大体分成几个步骤，如：构图、角度、光源、结构、刻画、调整等等，但这并不是绝对的。不是我们一定要走弯路，但走了弯路未必都是坏事。明暗素描仅仅是一种方法，在练习的过程中要学会总结自己的体会，注意发现自己在练习过程中毕露的锋芒，并加以发扬光大，使自己闪光的一念成为个性发挥的起点。

　　可能你的明暗素描没有他的对比强烈，可能他的关系处理得比你微妙，在素描写生的明暗处理中，没有一成不变的真理，惟一的真理就是对象形体的结构。

　　[理论]光影害人

　　这是作者在进入中央美术学院油画研修班的第一张摸底画，也可以说是自己在读完大学美术专业本科10年后的总结画。它是使用明暗调子手法所画的铅笔课堂作业，像张照片差不多吧？

　　这样的画法在改革招生制度后的美术院校是很流行的，然而这张画我受到了指导教师的近似挖苦的批评。如果不到北京进修，可以说，我一直会这样画下去；或许还以为是最正统的画法呢。

　　从石膏像入手就是画明暗，明暗调子让很多人误入歧途，只看到对象的调子——光与影。很多情况下，是在灯光下所画，强调明暗交界线，学会巧妙地虚化投影和处理空间，然而最要命的是没有真正的把握住对象内在的结构。使得所画对象只是头部、脖子和衣服的组合，甚至衣服穿着下的左臂膀没有长在人的身上一样别扭。

　　电脑硬件的普及和各种绘图、绘画软件的应用，使得我们可以用数码相机轻松的为对象拍摄一幅高分辩率照片，然后在Painter、Photoshop等著名绘画、绘图软件下，几次使用不同过滤器命令就可以轻松地将照片“绘”成现在这副模样，我们还费了九牛二虎之力一笔一笔的画这样的素描干什么？即便没有这样的软件，我们也不能再这样画下去了，因为这仅仅是客观的写照，没有一点儿刻划（不是描绘）的痕迹，更谈不上自己的感受和创意。

　　这种较长时间的素描浪费了我们很多的时间和精力，使我们的注意力全都集中在明暗调子之中，变成了被动的投影机，真实害苦了很多人。

　　[理论]素描感悟

　　素描，不就是素色的描绘呗! 这样的解释作为大众的一般概念勉强可以说得过去，但是作为艺术或绘画的概念就显得肤浅。

　　素描是基础，是绘画、设计及一切造型艺术的基础。去掉浮华的色彩和形式，素描就成了构成、节奏、曲线的纯粹的素材刻划、底层研究。如果我们剥离一幅绘画的外在形式和色彩涂层，就会浮现所表现对象本质的框架和结构—— 一个真正表现作品内涵的支撑的美。

　　素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。

　　素描又是训练造型能力的最基本的手段。但是由于从事绘画艺术和设计艺术不同的分工，对素描训练的着重点也是不同的。绘画素描作为基础支撑的是欣赏的美；设计素描一般是不作为独立欣赏艺术品的形式出现的，它更具有实用性，仅作为设计艺术的一部分或一个过程。在绘画素描的高级阶段，可以逐渐升华成独具欣赏价值的作品，逐步从训练中走出去，或许更简练或许更精致，总之品位见长；而设计素描的深入阶段就越发体现其物质性，越是精美就越体现实用性。

　　素描好比攥紧的拳头，是实实在在的东西，来不得半点的虚张。它需要交代清楚拳头的结构，表现出各手指与手掌之间的关系，骨骼与肌肉、脉络、表皮的承载及各种造型所呈现出的美的造型。不管使用纯线条、线面结合还是光影调子，目的只能有一个：刻划出拳头造型到底是怎么一回事。从这一点说，素描决不能仅依靠感觉去画，而要谨慎表象的误导。

　　有人说素描就是黑白灰，其实这是一种对绘画素描的误解，是长期铅笔素描作业在处理光影阶段为避免在绘画过程中出现层次不清的一种肤浅的认识。在具象绘画中，黑白灰仅仅是一种色调，是一种表现形式的一些元素而已；用黑白灰三大调子所描绘出的层次、光影往往是一些表象，也许是所谓学院派从石膏几何图形——石膏像学起的“正规”路子所带来的负效应。当然，对于纯粹的黑白灰研究，它又具有一定的素描关系的节奏美，同样具有一定的欣赏性，这属于形式美的范畴。

　　在艺术实践中，素描的初级阶段应是理性的；是需要艺术家冷静的分析、思考，仔细的去揣摩。当然，一幅绘画作品的创作需要感觉，而且感觉非常的重要；形式和各种表现方法也更重要，常常可以体现画家的后期风格。但是，作为绘画基础研究阶段，或者作为一幅作品制作的前期，必须先解决好素描的问题。这就像建筑一样，要把地基打牢，框架设计合理，至于建筑外装修的形式，那是后期工序，是建立在素描基础之上的。

　　高级阶段的写实主义和表现主义画家，对素描的着重点有明显区别；后者追求“表现一个场面的情感而不是描绘形体的现实外表”，而超现实主义者则着重表现潜意识心理。

　　[理论]何谓素描

　　对素描的解释有很多种类，以下摘编仅供参考：

　　●英译划分：

　　素描 （DRAWING）、 速写 （SKETCH）、素描 （DESSEIN）；

　　●颜色划分：

　　由木炭，铅笔， 钢笔等，用线条来画出物象明暗的单色画，称做素描。素描是一切绘画的基础，这是研究的过程中所必须经过的一个阶段。（艺术家杂志，论素描——萧如松）；

　　●工具划分：

　　素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法，如蜡笔，炭笔，钢笔，画笔，墨水，及纸张，其它还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，金属，石器，容器或布的表面所造成的磨损。（艺术视觉百科全书）；

　　●一般划分：

　　轮廓和线条是素描的一般称谓。素描具备了自然律动感，观者从赏过程中可感受这一点。不同的笔触营造出不同性格的线条及横切关系，并包括节奏，主动与被动的周围环境，平面，体积，色调，及质感；

　　●概念划分：

　　素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。（大不列颠百科全书）；

　　●过程划分：

　　在西洋美术辞典这本书中，与素描相关的解释，只有速写一项，文中认为作品或作品部份的粗略草图，是艺术家针对光影、构图和全幅之规模等要点所作的研究和探讨；它是全幅画的初步构图或其中之一。一幅出自风景画家的速写素描通常是一幅小而快的记录，用来表现风景的光线效果，同时也是为了将来重新作画时的构想作准备（雄狮图书公司出版）。

　　[理论]线面融合

　　我们面对的形体，本来是没有“线条”和“点”的，就是我们所感觉到“面”的存在，也是在起伏的千变万化中附着在结构与形体上的。

　　正对着我们的“面”，侧过去就成为了一道压缩的线条，纵深过去，线条就是成为一个点。这些素描的构成元素，使得我们捕捉对象形体有了得力的手段。但是，在写生过程中，我们又非常容易过于潇洒的使用线条，而导致流畅的浮躁。在找准形体结构的耐心与枯燥的练习中，我们很难逃避划线的乏味；同时也很难抵挡挥洒的诱惑。

　　可以说，在素描中我们所划出的任何线条都应该具备形体结构的属性，才具有真正意义。不然，就成为了一根或一组废线；而由这些线条所组成的面当然也成了无意义的脏灰色。可能在写生中也会感到一些灰色的“面”，由于我们的感觉其实还处在错觉时，就误以为是一块“面”而画出来，结果仍然是脏灰色而非形体的一部分。

　　如何避免这种错误的产生，就需要我们始终以对象的结构为中心，不能被动地照抄对象，而要主动、主观的分析与判断对象给我们提供的绘画元素，透过整体的结构去完整的驾驭被画形体。

　　我们使用的无论是“点”、“线条”还是“面”，都是一种手段，它们本身没有任何的意义，把它们用在我们所刻划的形体上，就成为了人体结构的元素，最终成为所画人体的一部分，而不再是什么点线面了。

　　中国人物画用线条对衣褶的描画方法，总结归纳出游丝描、琴弦描、铁线描、竹叶描等“十八描”法。西方绘画空间的运用，使得线条的运用融入了面的成分，变得更加丰富多彩。在对形体与结构的观察中，相信每个人的感悟都是不同的。如何运用点线面的融合，将你对形体的理解刻划出来，将是你创造的一个过程。在此之前，不妨也可采用中国传统的训练方法——临摹的学习，来体验一下前辈大师的用笔，再融入自己的体验，相信你的写生将更加的有趣

　　[理论]结构是真

　　在素描绘画当中，最关键的当然是结构。

　　现实中很多画家，由于对人物或物体结构缺乏了解，最后只能走形式的路子，在创作中很难拿出具有深度的力作。虽然我们已经有了方便的照相机（现在都使用数码相机）和扫描仪，可以在电脑中处理图形，能够省却很多造型的麻烦，但是，形是形，结构是结构，并不是一个概念。对绘画的过程而言，形是附着在结构之上的表象，而结构才是对象的支撑；外在形的轮廓无法真正表现对象的内在美。

　　我们所观察到的对象的外形，那是一种表象，一种轮廓。当对象一旦变换位置，而我们又缺乏对结构的了解，就很难着手。在初学阶段，几乎每个人都经历了利用稳定的三角形来确定形体的大体位置和构图，然后再用小的虚拟的三角形、方形等分解被画对象局部的位置，这样的方法最后只能是比葫芦画瓢，照相般描绘对象。

　　就像我们已经走过了充饥的年代一样，我们已经走过了缺图的年代，正跨入一个读图的时代。各种图形、图像、图库层出不穷，再用照相的方法——抄照片去再现对象，倒不如干脆去搞摄影算了，那我们还不如照相机来得客观。对画家来说，最难以接受的便是被人夸奖为：看画得多好，像照片一样。也就是说，那些个作品没有强烈、强调和更深层次的东西，缺少画家对形体结构的理解和对对象的内涵表现的创意，这又怎么能算得上绘画的艺术作品呢？

　　艺术的真实，并不是纯客观的真实，而是画家通过自己的感官和手，表现画家内心的感受的一种艺术的真实——去粗取精、去伪存真、由此及彼、由表及里的刻画与刻划。

　　[理论]纵深空间

　　我们面对的是一个三维的空间，而我们的画面却是只有两度空间的纸张或画布，如何画出对象的深度空间，也是需要通过素描解决的重要课题。

　　解决空间的问题，可以运用光影，也可以运用线条或线面结合。在我们已经习惯于平面观察物体的时候，尤其遇到透视变化较大，还没有解决造型功底的时候，常常束手无策。解决这个问题的关键首先在解决对形体的把握能力和理解结构，在结构的基础上，敏锐的找出纵深的构成元素——点、线或者是面，谨慎的处理远近的关系，你一定能把空间处理的恰如其分。

　　可能在你成为大画家的时候，不再需要三维的空间而有意追求平面的装饰效果或是别的什么震撼的色彩构成，而就在你的执着之中，也还是存在着虚实变化的肌理和远近的对比。

　　石膏素描的练习不失为时一种方便，它反映出的结构、形体、比例、明暗、空间等关系比较纯洁，在特定光线下，可生成微妙的明暗变化以便于观察；且不受环境、时间限制，可以让初学者从不同侧面、不同角度较为固定地长时间观察、分析，从容地表现对象。

　　但是石膏素描画久了，容易给人误导——在用光条件、明暗交界、投影等方面产生依赖性，而敏锐的观察移动形体结构的能力得不到锻炼。

　　[理论]神似优先

　　无论是所画对象的形象还是体积，我们都无法做到绝对的形似。因为我们是透过眼睛的观察后，用手和笔表现出来的。不说我们的造型能力有高有低，即便能够做到绝对的酷似也还是 不如神似。

　　神似有些像我们常说的特征。但特征仅仅是带有神似的成份，却没有神似的韵味。特征显得比较生硬和理性，往往对艺术的夸张成份表现不足。

　　偏重于形象思维的绘画素描在理解形体结构的基础上，创造性的使所画形体达到一种表现的冲动，一种艺术的高度。而依赖于理性思维追求物质真实性的设计素描则较客观、严谨、甚至死板的达到工艺的利用和美观，尽管设计素描的过程参杂着形象思维的因素，但依然是缺乏神韵的激情。因此，设计素描很难上升到很高的艺术欣赏境界。

　　绘画素描与设计素描根本的区别，就在于形似与神似地追求不同。当绘画素描向表现性素描发展时， 我们当然要优先注重神似地发挥。如何对实物和画面进行感觉的反复比较，在写真、写意中传达视觉的冲击和感染，以实现艺术的审美价值。

对于一幅素描作品好坏的评价不同层面有不同的标准，其根源在于通过作品考察学生对于形体结构的理解和传达能力（当然，对于形体的理解可以贯穿一个画家一生的探索），在此基础上将涉及到形的把握是否准确、神态传达是否得当、黑白关系是否协调等等基本因素，将以上因素处理好就不失为一张好素描了康德经过反抗是达芬奇的一个恶作剧,他画的是他自己,想戏弄世人,不过也有说是,十九世纪的一个公主,众说分歧,只有作者才知道

回答者：裙舞飞扬9898 - 试用期 一级 6-15 17:36

楼上乱说，怎么会是19世纪的呢？

反映的是文艺复兴时期，一个略有忧愁的商人妻子的内心世界。

回答者：惟草木之凋零 - 魔法师 五级 6-15 17:42

文艺复兴时期,达芬奇画的

素描画的立体感是通过明暗关系表现的，也就是亮、灰、黑这三种不同灰度的色彩组合构成立体观感。

亮部是高光，代表光线射入方向，比如画一个苹果，左上角有一个光亮区，说明光源在左上角，有了光线射入角，就可以确定对应的阴影区域，这就是明暗。阴影区域用画幅中最大的灰度表示，画得越黑说明明暗关系对比越强烈。但若只有明暗两种纯粹对比，不能有效体现出物体的立体结构，这中间需要有一个灰色过度区域，即比亮部要暗一些又比暗部亮一些，这样整个物体就是由亮渐变成暗，立体的观感就出来了。

博艺设计画室老师介绍基础素描中，最先学的是画立方体、球体这一类简单的形体，这是除了是为掌握物体结构外形，另一个目的就是分解物体明暗关系。要学会怎样画出立体的感觉，首先要在自己脑中锻炼出黑白滤镜技能，将所观察到的事物从彩色世界分解降级到黑白世界，形成黑白的单调统一。在绘画前，先观察自己需要描画的对象，确定好轮廓后，再将对象分成多个亮部和暗部区域，亮部留白，暗部打底，中间部位做灰度的缓慢过度，连接其亮灰暗三种区域，这样一个有立体结构的图像就构成了。

当然除了明暗关系对比，还需要有透视结构分析，这就是离自己近的画的大些，离自己远的画小些，这是人眼看待世界的一种方式，在画作中依样表现也能表现出强烈的立体感。有一类例子，通过将物体近的部位按正常比例画，越远的按越长的比例画，最后将整张画倾斜一定角度观察，会发现平面纸上的画似乎越出纸外了，这也是透视原理的利用。

其实画素描要解决的问题很多，体积感、空间层次感、质感、结构，情感等等问题。 立体感专业一点应该叫体积感，它只是学习素描时需要解决的最基本问题。

首先造型要准确，造型包括透视和结构。透视要符合形体上的近大远小，以及色调上近实远虚的透视基本原理，这是产生立体感的最基本要求。

结构准确是要求所画物体的正负形要准确，要像!!找出物体的结构线，所有的结构线就像建筑的梁板柱一样，把物体的轮廓支撑了起来。这是产生立体感的前提，为下一步的明暗关系刻画打下基础。

其次，分析概括光线对物体的影响，找出物体的黑白灰三大面，黑白灰三大面对比要正确且明确。三大面不明确，就会显得画面很灰，对比不够，立体感就不够强烈。然后在三大面关系正确的基础上，深入刻画找出五大调，让物体更加真实，体积感更强。

需要注意的是，无论画单个的物体还是多个物体的组合。一定要注意色调的透视关系，也就是近实远虚，近处的物体明暗对比要强，远处物体明暗对比要弱化，不只考虑单个物体的体积感，也要考虑画面的整体性，把每个物体的位置正确的表达出来，画面不仅仅有体积感，空间感位置感也会很好!

要明白立体的概念，其实立体的概念在中国画中也有所表现，都说石分三面，其实这个三面就是黑白灰的这三个面，所以立体的意思就是要具备三个面，只要具备三个面，就会出现立体，所以素描要画立体首先要解决的就是黑白灰，把三大关系区分清楚，在加上反光和投影，你你画的东西就算立体了，要更立体也是在这三大关系中进一步细化，也就是在黑里面在分黑白灰，灰里面在分黑白灰，白里面在分黑白灰，那这样一分，你画的物体具备了九个层次面，那画面就更立体了，所以画素描的立体是有规律可寻的。

创意素描画法第一周创意设计素描的认识欣赏创意设计素描区别于传统意义的素描学习，不以写实再现为最终目的。写实再现式现代素描以锻练画者的观察能力为主，要求正确观察，忠实再现，讲究严格的形体、结构空间的表达和熟悉的素描技巧。创意素描突出发散性思维意识，强调主观设计性利用素描手段表现独立于主体之外的审美意识，将装饰图案、设计、素描、新材料等因素妇；叠加处理，形成新式的一种素描样式。不论是传统素描还是设计素描，其共同的前提是从生活中获取自己更独特的感受，用情感将感受包装和美化，利用传统的绘画手段，表达现代社会的发展特征。欣赏：表现主义、现代主义、新素描学习过程：一、静物写生准备二、画具的准备、绘画材料的尝试不同材质绘画媒介的使用写生静物安排：《酒瓶系列》无背景、不同形状、质感的酒瓶。要求：不使常规传统的素描工具铅笔，扩媒材使用范围，不单一表现空间为目的，突出创意设计性，为日后几周写生做一个抛砖引玉的工作。三、再现客观真实到再现心理真实的认识。利用自然物象的真实细节，表达自己主观思想意识，首先是真实的描绘。但在真实的背后，有着更丰富、更有哲理、更耐人寻味的思想感情。在这个过程中要突破和重建真实的真实。四、绘画方法和表现形式的大胆尝试。艺术要善于把特定物质材料变成艺术形象。凡是真正的创造，都应该具有独创性。工欲善其事，必先利共器。把材料与要表现的内容联系起来，尝试多种素描材料并置。第二周创意设计素描静物写生“不同形状物体的组合”注意：高低、大小、粗细的变化方法：利用拉长变形、水墨灰条等材料的特性，打破传统的写实方向，突出趣味性、个性等独特韵味和表现。参考：莫兰迪静物、塞尚静物、夏俊娜等等。第三周创意设计静物素描“生活用品的组合”提示：柔轻、厚重、华丽、俭冼。抓住客体背后的感情表达，比如：病态DD如何表现，消极、郁忧、歪歪扭扭、面黄肌瘦，凡是可以和病态相联系的所有词汇可以表现的意识。比如：蒙克（表现主义画家）珂勒惠支、凡高。第四周写生用品的组合介绍：法国后印象派画家保罗61塞尚。努力寻求物体的体积感和坚实感，并着意强化画面自身结构，以达到揭示物质本质的视觉效果。一幅画的主要特质不是透视而是结构形式，感受自然时深刻比平面更为重要，成为后来立体主义画家解构形体的理论基础。为强调立体和空间，在达到更加理想的画面效果，往往有意改变自然对象实际的空间效果。凡61高的画风曾受到日本浮世绘版画的影响和启发，强烈肯定。简陋的陈旧，质朴的人物，略显夸张的表现手法，遒劲起伏的形体变化，可以感受到他那强烈的个性和独特的风格倾向。画家后期作品受到精神变化的影响。作品中扭曲的线条、茫然的神情，折射出画家对生命的热爱与眷念。创意设计素描对我们的提示：真诚、敏锐的感受，机智、热情的表现。（生活感受的重要性）（生活用品的组合写生包括废弃的无用的等等）第五周材质多样化表现设计性写生联系创作“干花系列”要求：1、写实方向（超级）2、写意方向3、表现方向4、抽象方向5、立体主义方向6、材料试验方向7、综合性考虑近现代绘画理念的借鉴使用，突出新意，不要求完整、完美性。第六周问题情况总结一、关于表现创意素描要求：在思维层面上摆脱传统素描对其训练思维的束缚，打开学生的眼界，激活学生的热情，灵活学生思路。具体表现方法可用两种：1、内向要在素描本身的表现形式和自律性上做文章，广开新的思维形式和新的表现形式，从被动的、冷漠的、机械的再现物和变为彻底实现情感的、激情创造新的物象。主动地运用新的艺术形式去表现物象。2、向外就是扩大素描表现的选取对象，从多元化、多方法去发展，发现更多新的表现形象和视域。二、关于媒材的运用只要能表现出好的素描形式，什么材料都可以使用。三、关于内容与形式的关系既统一又是对立的“质胜文则野，文胜质则史，文质彬彬，然后君子”四、关于形式美的因素以：1、点线面的因素点是一个宇宙，线是道路，面是意义。2、构成的形式因素：多样统一的形式、节奏与韵律的形式、提炼与概括的形式、材质与肌理因素3、道具选材的因素五、关于创意静物素描的人文性、思想性素描的独特性不是产生于准确的模仿自然中发现的形式，也不在于耐心地堆砌敏锐察觉的琐碎事物，而主要产生于画家对他选择的客体所抱的深厚感情，从而使素描从表现外表到表现内在，从表现物质转到了表现精神。一个画家一应只画眼前看到的东西，而应画他心中看到的东西。如果他心中什么也没有看到，那应该放弃他眼前要画的东西。六、用真实的表现手法赋予抽象物体以新的内涵，使没有生命的物体变成有思想、有艺术生命的物象，这时艺术形象才获得了确定性和明确性。从物体到物象的表现过程是从传统到不断创造加工使之成为新具象艺术的过程。七、在欧州艺术家几乎用遍了当今一切可以用做素描的材料工具。诸如：复印机、电脑、摄像机、物理与化学材料以及拓印、影印等。许多优秀的素描作品不是来自于画室，而是来自于科学实验室。就绘画而言，今天的素描艺术已是一个广义词，与人们传统习惯上的有相当差异，艺术也需要实验。欣赏：画家莫兰迪作品、毕加索、塞尚、保罗61克利。如何画创意素描？谁能给我一些创意素描的作品参考一下啊。这个创意素描其实也叫设计素描正所谓设计素描就有设计的成分在里面但别忘记他始终是素描！！！设计你应该理解就像你画的速写有创作类的就是感受力很强很抓人视角的黑白灰分明的设计类速写呢相对要简洁干净更著重线的变化穿插设计味要浓得多那么这个设计素描呢肯定是不同于静物啊石膏啊肖像啊他有很强的主观色彩但我说了他始终是素描是素描就应该有舒服的构图！明确的黑白灰！空间！塑造！然而他的不同就在于你所表现的对象需要你主观处理一幅好的设计素描01要有创意！同一个题目你应该有别人想不到的东西这要求你从问题入手换角度选材2要有视觉冲击力！！！构图点线面的构成关系一定要有韵律美//大胆甚至夸张的视角大俯视大仰视强透视通过什么看什么等等//黑白灰！！可以用光影效果画面一定要整黑是黑白是白必须分明对比强烈//形式感这个需要培养可以借助载体瓷砖窗户都是载体3刻画造型能力必须要强让你画什么必须要画的起来才行什么质感破旧感都要有设计素描的创意方法包括

设计素描的创意方法包括：形体结构、光影、质感、明暗调子、体积感、具体表现、视角。

1、形体结构：物体的各个部分，以特定的方式互相结合，构成整体的内在构造关系，成为结构。它是决定外观形态的基本因素。

2、光影：光作用于物体的方向和距离，是物体表面视觉特征的重要因素，物体离光源渝近渝清晰，反之，则渝模糊。

3、质感：任何物体的外部形态，，除了自身的外部机构以外，都有构成其外部形态所特有的材料质感。

4、明暗调子：表现物体时，只能用线描的形式把物体的高、宽、深三度空间的机构、体面、透视关系画出来，不涂明暗也能呈现出物体的体积感，使人们能够在视觉上认识它的形象。

5、体积感：体积感是物体的基本属性，任何物体在空间中均有一定的高度、宽度和深度等可测量的因素。

6、具体表现：单纯的机构素描表现在考试中应用是比较少的，绝大多数是采用明暗形态造型法。按照客观物体明暗形成规律，运用明暗调子的造型方法，对所描绘的对象的形体、结构、质感及空间关系等方面予以准确、生动的表达。

7、视角：视角的选择也是试卷画面构成很重要的一项，考生不用拘泥于传统的静物写生45度视角。在联系中可以尝试各种程度的仰视、俯视效果。甚至是以昆虫的视角去感受物体强烈的视觉效果。

画素描最重要的是结构，因为好的明暗关系和透视头衔都是在准确的结构上面体现的，所以素描静物也一样，评价的标准的第一点和最重要的一点就是结构的准确，然后到透视关系，最后才是明暗关系，因为一幅画有了准确的结构和透视关系以后才有深入刻画的资本，才有给人评价的价值，所以不管你的明暗画的多好，没有准确的结构和透视关系去体现去衬托多好的明暗都是没用的，只有这两个方面都做好了才可以深入的体现明暗的关系，让人看上去才能清楚的看见你要表达的是什么，才会有评价的价值，当然，这不是叫你一味的去最求结构的完美，还有透视的准确，素描本来就是一种加上了你自己对美的理解对风格的体现的一种艺术，他不紧紧是要表达你画的物品，更要表达你当时的情感，而你风格的体现和情感的表达很多时候都是从明暗关系里面表达出来的，总的来说，准确的结构和透视关系才能为一幅画打下基础，而明暗关系的深入刻画就可以给你的作品添加灵魂，而这个灵魂是需要有很好的承载体的，所以素描静物的评价标准就是你对基本功的了解，也就是打结构和透视关系的了解，还有你作画的风格还有情感，也就是你的明暗关系的了解这个亮点。

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