现代欧美爱情电影有哪些啊，推荐几部啊？值得思考的

1西线无战事

奥斯卡授奖以来第一部具有强烈思想性的作品

**史上“最伟大的反战**”之一

揭示了惨绝人寰的战争实况，击溃了所谓的“爱国”迷梦

2马路天使

中国早期社会问题片的集大成者

海派城市市井生活的经典写照

20世纪30年代中国**的压轴之作

3乱世佳人

好莱坞“第一巨片”

展现着旷世爱情的绝世佳作

奥斯卡史上一个不可逾越的“至高点”

4魂断蓝桥

镜花水月痴人泪，蓝桥愁断离人肠

战争时期一首催人泪下的爱情绝唱

**史上三大凄美不朽的爱情悲剧之一

5公民凯恩

世界**史上的一次重要实验

反映一个浮士德式的人物在物质世界中的生存状态

一部纯粹的“**的诗”

6卡萨布兰卡

世界**殿堂中的经典之作

以爱情故事贯穿起来的惊险侦探片

蕴涵着爱国主义的主题和反法西斯激情

7小城之春

一部典型的心理抒情片

世界**史上不可多得的艺术珍品

开创了中国**史上诗化**的先河

8罗生门

挖掘人性丑恶的巅峰之作

在国际影坛上产生重大影响的第一部日本影片

标志着日本的**艺术进入一个新纪元

9罗马假日

流芳百世的浪漫经典

**史上爱情文艺片的典范

温馨浪漫中充满了艺术的美感

10后窗

“永远的惊悚大师”的杰出代表作

一则“看**”的寓言

一首直指阴暗人心的诗

11宾虚

一部名垂影史的史诗巨片

奥斯卡历史上一个突破性的记录

满含着对神的谦恭之感和敬畏之情

12西区故事

百年经典的主题与现代艺术的融会贯通

美国“街头歌舞片”的经典之作

一幕“罗密欧与朱丽叶”式的现代都市爱情悲剧

13音乐之声

人类记忆中最值得珍惜和细细回味的艺术佳作

好莱坞音乐歌舞片中经典中的经典

**史上绝妙的神来之笔

14教父

一部令人拍案叫绝的成功之作

一部最具史诗气魄的揭露黑社会明争暗斗内幕的影片

一幅气势恢弘的“社会图卷”

15星球大战

20世纪最为重要的文化事件之一

科幻**史上最为经典的作品

影响了整整一代人

16人证

一部探讨人性、人情、人伦的杰作

世界侦探推理片中的精品

开拓了悬疑片的社会深度

17城南旧事

满含人间烟火味，却无半分名利心

近乎一幅宁静、淡泊、简约的中国水墨画

似一首淡雅而含蓄的诗

18莫扎特

展现一位“并非完人的乐圣”的坎坷人生

反映人生道路上善与恶的冲突

深刻洞悉人性的经典之作

19芙蓉镇

“**泰斗”谢晋的扛鼎之作

表现了各式人物在历史面前的真实面目

发出对人性的呼唤和对美好感情的讴歌

20红高粱

中国新时期**创作的新篇章

中国**走向世界的新开始

犹如一声霹雳，惊醒了西方人对中国**所持的蔑视与迷幻

21十诫

欧洲“道德焦虑**”的代表作

以探讨当代人的道德困惑为主旨的鸿篇巨制

透过世界上最伟大的人生契约引出满含悲悯和质疑的精神命题

22悲情城市

当代台湾社会的灰色寓言

都会浮世风景中喑哑的安魂曲

一部时代转换与个人命运紧紧相扣的台湾史诗

23人鬼情未了

好莱坞道德复兴运动的代表作

一幕杰出的爱情悲剧

体现了超越生死的浪漫柔情

24与狼共舞

多元化文化观在**史上的成功折射

对美国西进运动的深刻反思

好莱坞历史上一部永垂不朽的西部传奇

25情人

一段让人痛彻心扉的异国之恋

一段大胆、炽烈、郁闷而又无奈的叛逆恋情

一堵无法逾越的经典叹息之墙

26沉默的羔羊

美国社会问题片的经典之作

一部令人紧张得透不过气来的心理分析片

好莱坞最令人激动的恐怖片之一

27牯岭街少年杀人事件

锐利的现代感和青春化特征的真实结合

一曲青春的悲歌、一幕夹杂了少年初始的懵懂之美的戏剧

展现与夜色、血腥和猫王的歌声联系在一起的别样的青春

28霸王别姬

通俗中见斑斓，曲高而和者众

一部绚烂、令人陶醉的史诗

29辛德勒的名单

探寻和讴歌在特殊环境中的人性发展轨迹

具有巨大影响的震撼力和深沉而令人痛苦的艺术魅力

深具史诗的格局和撼人心魄的情绪力量

30真实的谎言

美国20世纪90年代动作片经典中的经典

特技**的典范

大陆市场进口好莱坞大片的开始

31阿甘正传

美国“反智**”的代表作

充满着好莱坞**回归的保守主义精神

以小人物的经历透视着美国的政治和社会史

32燃情岁月

一幅波澜壮阔的美国西部画卷

一部经典的唯美派**

恍如隔世的成人童话

33钢琴课

一个凄美感人而又令人迷醉的爱情故事

细腻地展现了维多利亚时代一个哑女深邃的情感世界

反映女性意识觉醒的佳作

34阳光灿烂的日子

20世纪90年代中国**的“意外之喜”

对“文革”时期青少年的生活状态和青春期困惑的真实描绘

标志着中国**跨入了一个新的时代

35肖申克的救赎

一部揭露美国司法黑幕的巨片

一幅用友谊和希望描绘的生命画卷

蕴涵人生哲理的喻世之作

36狮子王

动物界中的“哈姆雷特”

历史上最受欢迎的英语影片

迪斯尼公司的巅峰之作

37这个杀手不太冷

一部偏重于暴力美学的动作巨片

令人心碎的问题少女与中年杀手的悲剧之恋

满含绕指柔情的都市寓言

38七宗罪

**史上最成功的心理惊悚片

一幕让人发狂的人生戏剧

一部具有浓厚哲学意味的警世录

39勇敢的心

一部具有深刻民族主义和政治内涵的史诗巨片

一段缠绵而令人荡气回肠的铁血柔情

一部悲壮的血泪传奇

40廊桥遗梦

一部内涵深刻的社会伦理片

一段柏拉图式的经典爱情

一部本地化思维极强的力作

41猜火车

一部着眼于社会现实的“问题**”

另类影片的经典之作

以写实主义的基调展示了现代青年自我放逐的生活状态

42泰坦尼克号

**史上第一昂贵的**

沉没之船上永不沉没的爱情绝唱

一部人类应时时审视自己劣根性的警世箴言

43美丽人生

一部超越常规的黑色喜剧片

一服医治战争创伤的最佳良药

拥有温暖的质感，清新、达观，而又生机盎然

44中央车站

全世界最好看的**之一

一部具有现实主义风范的温情小品

一段悲悯旋律下的自我救赎之路

45楚门的世界

一则荒诞无稽的人生寓言

对惟利是图、践踏人权的社会现象的强烈讽刺

有力地批判了“媒体万能”的价值观

46搏击俱乐部

一则极具颠覆性质的社会生活寓言

一部真正意义上的世纪末的现代启示录

一幕以死亡为主题的黑色喜剧

47花样年华

无法抗拒而又绮丽无比的东方之美

一个有关人生的命题、一段互为交织的爱情

一种紧张、神秘、情欲的调子，一场苦乐参半的梦

48一一

一部高水准的社会学宝典

世界现状的缩影，充满迷人的奥秘与美感

在冷静观世之余不乏对人的关怀与尊重

49黑暗中的舞者

北欧**史上耗资最大的一部影片

一部同现实激烈碰撞的质朴而伟大的音乐剧

一首关于执着信念的赞美诗

50千与千寻

自我救赎的英雄史诗

重新审视人类生命力的力作

在人与自然的对决中探寻世人活着的力量和理由

1、因为”一剪梅“MV中的场景暗合欧美疫情之下凄风苦雨的悲观现实，因此与欧美年轻人产生了情感上的共鸣。

2、整件事情还要追溯到今年初，网红蛋哥在一片雪茫茫的雪地里举着手机，原地旋转，嘴中唱着《一剪梅》的一句歌词：雪花飘飘北风萧萧，天地一片苍茫。并将这段视频上传到快手，后来又被网友转发到YouTube上。然后外国小伙看到后发现这歌唱到心眼儿里去了，于是纷纷模仿、传播。

3、有人说这是“丧文化”的体现，世界各国年轻人通过调侃、模仿的方式把当下2020年的生活囧境，用轻松愉快的方式表达了出来。

。。。。实在不好意思。。。

“节奏布鲁斯”(R&B)在20世纪40年代中期出现的时候,它甚至还没有名字。但这个词才一出现，它就迅速广泛地传播开去。时至今日，R&B已经成了黑人流行音乐的代名词，尽管它更多的是作为一种区别于说唱乐(Rap)、灵魂乐(Soul)、都市歌(Urban)的音乐种类被特殊的听众和唱片界人士提及。早期的摇滚乐

就是以R&B为基础的，它是由受流行音乐影响的“乡村和西部音乐”延展而来。R&B不仅仅是在布鲁斯和摇滚乐之间的一种重要的过渡音乐，它还是布鲁斯和灵魂乐之间最重要的音乐分支。

当然，布鲁斯无疑是R&B的一个重要组成部分，但爵士乐元素也同等重要。最早的R&B艺术家就是来自“大乐队”(Big-Band)和“摇摆爵士”(Swing-Jazz)领域。在“二战”前，爵士乐远比今日风行，那时它是一种为跳舞而演奏的音乐，但是在乐队中通常会有歌手。“二战”期间，许多重要的爵士乐艺术家开始发展“上乘爵士”(Be Bop)和“酷爵士”(Cool Jazz)，这种跳舞元素更少的爵士乐。然而受战时的经济、军事等因素的影响和约束，“大乐队”开始逐渐减少。但听众们，尤其是那些在大城市中迅速增加的非裔美国社区的听众，他们仍然希望听到可以跳舞的音乐。于是音乐家们为了适应听众，就做出音量更大、使用更多的电声乐器，并且以“回复”(Riff)为主的“布吉音乐”(Boogie)。

最初开始流行的R&B风格通常是指“跳跃布鲁斯”(Jump Blues)。它不仅吸收了爵士乐里的摇摆节奏和以号为主的编配方式，而且吸收了布鲁斯里普遍使用的回复段与和声结构。这种风格最重要的先驱也许要算卡布·卡洛维(Cab Calloway)。在“跳跃布鲁斯”中，歌手的声音更加刺耳，节奏更快，乐器的演奏也不一样——钢琴的弹奏力度更大，萨克司的声音更加长而尖锐。

最重要和最具流行性的“跳跃布鲁斯”明星是路易斯·乔丹(Louis Jordan)，他的唱片在黑人听众和白人听众里取得了同样的成功。而且他还深深地影响了查克·贝里(Chuck Berry)。许多早期的“跳跃布鲁斯”表演者都是来自洛杉矶，因为那里在“大萧条”和“二战”期间形成了庞大的黑人社区。40年代末期，更多的城市开始有了自己的“跳跃布鲁斯”明星。洛杉矶的独立唱片公司“专业”(Specialty)和“阿拉丁”(Aladdin)通过出版“跳跃布鲁斯”唱片，不仅填补了大唱片公司在这个领域的空白，而且使自己获得了成功。乔·里金斯(Joe Liggins)、泰尼·布雷德绍(Tiny Bradshaw)、阿莫斯·米尔博恩(Amos Milburn)、卡米利·霍华德(Camille Howard)，这些如今大部分已被完全忘却的艺术家，当时都在“跳跃布鲁斯”方面获得了巨大的成功，并成为他们时代最风光的黑人音乐家。

“跳跃布鲁斯”后来转变为几种不同的风格。那些被称作“大嗓门们”(Shouters)的演唱者在“大乐队”拘谨的演唱方式里加入了更具活力的“福音音乐”(Gospel music)和“灵魂乐”(Soul)。“胖子”乔·特纳(Big Joe Turner)是在堪萨斯的一支爵士乐队开始他的艺术家生涯的。他是R&B和“爵士乐”的双重传奇人物，他不但轻松地由“爵士乐”转向R&B，甚至还创作了一些早期的经典摇滚乐歌曲。另外，维诺尼·哈里斯(Wynonie Harris)、罗伊·布朗(Roy Brown)、罗伊·弥尔顿(Roy Milton)、纳皮·布朗(Nappy Brown)也是40年代末到50年代初“大嗓门们”里的重要音乐家，尽管他们没有特纳那么有名。

50年代开始的时候，“种族”(Race)音乐曾被《告示牌》(Billboard)杂志的杰瑞·维克斯勒(Jerry Wexler)用来重新命名R&B。作为“大西洋”唱片公司的A&R，杰瑞把“跳跃布鲁斯”推广到了流行音乐听众和青少年当中。早期的“大西洋”唱片公司的明星们[鲁斯·布朗(Ruth Brown)、莱文·贝克(LaVern Baker)、“漂流者”(Drifters)、查克·威利斯(Chuck Willis)]的唱片维持了这种对“跳跃布鲁斯”的偏爱，但他们的节奏、回复段、歌词都开始接近后来的摇滚乐。事实上，贝克和威利斯还曾依靠一些受年轻听众喜爱的歌曲在早期的摇滚乐领域取得了不同程度的成功。50年代初期到中期，摇滚乐开始崭露头角。一些和R&B有着明显区别的音乐类型大显身手，它们依靠自身的力量对流行音乐文化发挥着不同的巨大影响。比如“街头布鲁斯”(Doo Wop)乐队、“电声布鲁斯”、“新奥尔良R&B”等。这些音乐在摇滚史上延续的影响力甚至超过了更早、更有爵士味的R&B。

相当数量的艺术家在50年代里不仅存活了下来，而且通过出版R&B唱片获得了成功和认可。艾克·特纳(Ike Turner)、艾弗利·乔·亨特(Ivory Joe Hunter)、菲·亚当斯(Faye Adams)、维诺那·卡尔(Wynona Carr)、“胖妈妈”桑顿(Big Mama Thornton)、“胖子”梅百利(Big Maybelle)，这些人都不是纯粹的布鲁斯艺术家，但他们的音乐也不是摇滚乐。而布鲁斯歌手鲍比·“蓝色”·布兰德(Bobby "Blue" Bland)、小帕克尔(Junior Parker)、小弥尔顿(Little Milton)虽然把“电声布鲁斯”和“灵魂乐”结合在一起，但他们也不能被称作纯粹的摇滚乐歌手。偶然有象强尼·奥蒂斯(Johnny Otis)、“嚎叫的”杰伊·霍金斯(Screamin'Jay Hawkins)、韦博特·哈里森(Wilbert Harrison)这样的歌手能在摇滚乐听众群赢得承认，也是通过他们最通俗易懂的歌曲。哈里森的《堪萨斯城》(Kansas City)就是一首广为流传的“跳跃布鲁斯”歌曲。

一些50年代的歌手开始使R&B比以前更加大众化——加入明显的“福音音乐”和教堂音乐元素。时至今日，我们依然可以记起那些伟大的名字：雷·查尔斯(Ray Charles)、詹姆斯·布朗(James Brown)、杰克·威尔森(Jackie Wilson)、小威利·约翰(Little Willie John)、强尼·艾斯(Johnny Ace)、杰西·贝尔文(Jessie Belvin)，以及克莱德·麦克菲特(Clyde McPhatter)。作为“灵魂乐”的教父们，这些人中有的后来在60年代成为了“灵魂乐”的超级巨星，比如查尔斯和布朗；而另一些则由于时代的变迁和不能解决的个人问题从此退出了音乐舞台，比如麦克菲特和约翰。

对于R&B来说，如今被赋予的纪念性意义和迟到的喝彩声并不能改变当初它所面临的窘境——早期的R&B唱片很难被全部的新听众所接受。而40年代和50年代的R&B歌手及唱片公司更多的是将注意力放在娱乐性方面，并不是致力于推广多元化的艺术作品。因此在R&B的全盛时期，人们听到的歌曲都是由相似的和声、进行模式以及编曲构成。不过，尽管R&B从诞生之初至今已经改变了许多，但它依然保留了摇滚乐、灵魂乐和说唱乐中极其重要的部分，并且在音乐的背后发挥着作用。

推荐唱片：

1合辑(Various Artists)《“布鲁斯名家”第五辑：“跳跃布鲁斯”经典》(Blues Masters Volume 5:Jump Blues Classics)(Rhino)

最棒的“跳跃布鲁斯”选集，包括“胖子”杰伊·麦尼利(Big Jay McNeely)、维诺尼·哈瑞斯(Wynonie Harris)、泰尼·布雷德绍(Tiny Bradshaw)、“胖子”乔·特纳(Big Joe Turner)等人的作品。另一张“布鲁斯名家”系列里的唱片《更多的“跳跃布鲁斯”经典》(More Jump Blues Classics)具有同样的高水准。

2合辑(Various Artists)《“布鲁斯名家”第十四辑：更多的“跳跃布鲁斯”》(Blues Masters Volume 14:More Jump Blues)(Rhino)

和上面这张唱片具有相同的水准。收录了路易斯·乔丹(Louis Jordan)、“胖子”梅百利(Big Maybelle)、菲·亚当斯(Faye Adams)等人的作品。

3“胖子”乔·特纳(Big Joe Turner)《“大”，“糟”和“蓝”：“胖子”乔·特纳选集》(Big,Bad&Blue:Big Joe Turner Anthology)(Rhino)

就象特纳本人的经历一样，这套三张装专辑包含了从“大乐队”爵士乐时代到摇滚乐诞生期间数十年的作品。它见证了R&B的发展历史。

4路易斯·乔丹(Louis Jordan)《路易斯·乔丹精选》(The Best Of Louis Jordan)(MCA)

乔丹在40年代到50年代间录制了许多脍炙人口的歌曲，没有哪张专辑能把所有的好歌一网打尽，但这张精选是最棒的。

5合辑(Various Artists)《“大西洋”节奏布鲁斯 1-4辑》(Atlantic Rhythm&Blues Vol1-4)(Atlantic)

“大西洋”是对现代R&B做出最大贡献的唱片公司。这是那套一直出版到1974年为止的七张装唱片的部分——收录了1947-1962年R&B向摇滚乐全面转变之前的代表歌曲。

6合辑(Various Artists)《“专业”的故事》(Specialty Story)(Specialty)

“专业”也是著名的早期R&B和摇滚乐独立唱片公司。这套五张装唱片对于“非专业”人士来说，的确有些多，但毋庸质疑的是其中的伟大艺术家和作品。它甚至还选有早期的摇滚明星小理查德和拉里·威廉姆斯的作品。

7鲁斯·布朗(Ruth Brown)《节奏化摇滚：鲁斯·布朗精选》(Rockin'in Rhythm:The Best of Ruth Brown)(Rhino)

“大西洋”早期的声誉大部分是靠这个歌手建立的，这张唱片囊括了她在50年代的所有好歌。

8拉文·贝克尔(LaVern Baker)《火焰上的灵魂：拉文·贝克尔的精选》(Soul on Fire:The Best of LaVern Baker)(Rhino)

一个在R&B向摇滚乐进化过程中起了重要作用的歌手。

9“漂流者”(The Drifters)《让“布吉伍吉”摇滚：最佳精选(1953-1958)》[Let Boogie-Woogie Roll:Greatest Hits(1953-1958)](Atlantic)

“漂流者” 的第一张唱片，克莱德·麦克菲特(Clyde McPhatter)亦参与其中。他们其实也可以被称作是一支“街头布鲁斯”乐队，但仍然有很强的“跳跃布鲁斯”痕迹。

10艾克·特纳(Ike Turner)《我喜欢艾克：艾克·特纳精选》(I Like Ike:The Best of Ike Turner)(Rhino)

这张专辑里的歌曲大部分来自50年代，是R&B和“电声布鲁斯”的综合体。

11雷·查尔斯(Ray Charles)《灵魂的诞生》(Birth of Soul)(Rhino)

一套三张装唱片，收录了50年代期间查尔斯在“大西洋”时的作品。

12强尼·奥蒂斯(Johnny Otis)《“首都”年代》(The Capital Years)(Capitol)

作为乐队领袖和音乐家，奥蒂斯在R&B领域取得了巨大的成功。50年代末他还在摇滚乐方面取得了成就。这张唱片是他最优秀的歌曲选集。

13小威利·约翰(Little Willie John)《狂热：小威利·约翰精选》(Fever:The Best of Little Willie John)(Rhino)

最多才多艺的R&B歌手之一，对詹姆斯·布朗(James Brown)产生了巨大的影响。

14克莱德·麦克菲特(Clyde McPhatter)《深海舞会：克莱德·麦克菲特精选》(Deep Sea Ball:The Best of Clyde McPhatter)(Rhino)

这是那些他在50年代末离开“漂流者”后所做的最好的歌曲。

15詹姆斯·布朗(James Brown)《革命的根源》(Roots of Revolution)(PolyGram)

一套用来追溯历史的双张唱片，收录了布朗1956-1964年间的歌曲。它将我们从“硬核R&B”(Hardcore R&B)带到了“疯克”(Funk)诞生的边缘。

BLUES

布鲁斯

布鲁斯（又译蓝调）是一种基于五声音阶的声乐和乐器音乐，它的另一个特点是其特殊的和声。布鲁斯起源于过去美国黑人奴隶的圣歌、赞美歌、劳动歌曲、叫喊和颂歌。布鲁斯中使用的“蓝调之音”和启应的演唱方式都显示了它的西非来源。布鲁斯对后来美国和西方流行音乐有非常大的影响，拉格泰姆、爵士乐、大乐队、节奏布鲁斯、摇滚乐、乡村音乐和普通的流行歌曲，甚至现代的古典音乐中都含有布鲁斯的因素或者是从布鲁斯发展出来的。在诗歌里这个词常被用来描写犹豫情绪。

布鲁斯（英语：Blues，蓝色、蓝色的）一词是与“蓝色魔鬼”（Blue devils）一致的意思，意思是情绪低调、忧伤、忧郁。早在1798年乔治·科曼就写过一部名为《蓝色魔鬼，一幕滑稽戏》的滑稽戏。19世纪里这个词被用来表示震颤谵妄和警察。在美国黑人音乐中这个词的应用可能更老。1912年孟菲斯威廉·克里斯托弗·汉迪的《孟菲斯布鲁斯》是这个词在音乐中最早的书面纪录。

提起现代音乐就不能不讲Blues,它是居住在美国的黑人在困苦的底层生活中创造出的音乐风格,发源于20世纪初密西西比河的三角洲地带，早期为人们劳作时的劳动号子,后来逐渐影响了世界流行音乐的发展轨迹,现在象ROCK'N ROLL(摇滚)及R'N B(节奏布鲁斯)等字眼早已为你所熟悉了吧这两种音乐里所使用的Blues音阶是你在学校的音乐课里所学不到的,但是每天你从大街上走过,从音像店里传出的声音早已使它深入你心

上个世纪的20年代，Blues以它个性的歌词、和谐的节奏以及忧郁的旋律迎合了某些人而逐渐兴起。Blues音乐中包含了很多诗一样的语言，并且不断反复，然后以决定性的一行结束。旋律的进行以和弦为基础，以I 、IV、V级的3个和弦为主要和弦，12小节为一模式反复。旋律中，将主调上的第3、5、7级音降半音，使人有着苦乐参半、多愁善感的感觉冲击。

虽然Blues音乐中主唱是焦点，但是以吉他为主的乐器即兴演奏也非常精彩,乐器演奏者可以超越和弦的界限随意发挥，除了旋律的忧郁动听外，还包括小刀刮擦声和滑棒使用的声音，以及模仿主唱的哼唱声。在将Blues音乐流行化的过程中,Eric Clapton是一个成功的乐手和歌曲创作者,如果你没听过,那么现在就开始感受吧！

Blues音乐发展到今天，已经被纳入主流音乐的行列，他的许多元素被更多的运用到摇滚乐及流行音乐中。但是传统的Blues音乐还是有着强大的实力，这个领域的音乐家有BBKing、John Lee Hooker、Etta Baker、Junior Wells和Buddy Guy等等。

JAZZ

爵士乐是在布鲁斯和拉格泰姆的基础上，融合了某些白人的音乐成份，以小型管乐队的形式即兴演奏而逐渐形成的

　　

　　爵士乐的发源地--新奥尔良（New Orleans）

　　爵士乐于19世纪末、20世纪初诞生于美国的南部城市新奥尔良。19世纪初，法国人统治着新奥尔良。由于管理非常松散，许多非洲黑人从美国南方的奴隶主手下逃到新奥尔良享受"自由黑人"的身份。再因通婚自由，非洲黑人与法国人的结合出现了大量的混血黑人，人quot;克里奥尔人"。到了19世纪末，新奥尔良的居民中除了白人、黑人外，剩下的就是克里奥尔混血黑人。南北战争前，克里奥尔人享有与白人同样的地位，接受良好的教育，包括古典音乐教育。南北战争后，由于实施新的种族隔离法，迫使他们与黑人为伍。黑人的非洲音乐传统与克里奥尔人的古典音乐训练相结合，对爵士乐的产生起到了良好的作用。

　　新奥尔良对黑人一直采取比较宽容的态度。当其他城市歧视黑人，压制黑人音乐发展时，新奥尔良仍然允许黑人在大街上以弹唱谋生。新奥尔良也是美国当时惟一实行公娼制度的城市，许多妓院、赌场、娱乐场所给黑人提供了大量的谋生机会。此外，新奥尔良曾是美国的管乐器制作中心，管乐器很便宜，几乎任何黑人都很容易得到一个二手货，因而小型管乐队随处可见。由于这些原因，使爵士乐在新奥尔良这片土地上得到了充分的酝酿，以致迅速地发展起来。

　　

　　尽管现代的唱片界有时将爵士乐划分为传统爵士乐和现代爵士乐两类，其中传统爵士乐是指采用了4/4拍的行进性的管乐队演出相关工作的爵士乐，而现代爵士乐是指采用了贝斯演奏跳舞音乐的爵士乐。这种划分有时会显得毫无疑义，如果那这种标准来衡量，人们几乎无法判断肯尼·金是否比比赛希尔·泰勒的音乐更应属于现代爵士乐。其实传统和现代这两个相关的概念予以划分爵士乐的种类并不确切，这造成了一些既具现代风格又包含了传统风格的优秀作品无法分类的问题，因为爵士乐将近一百年的发展历程是连续不断的。各种风格流派也有其相互的联系，大体来说可以划分为以下十九种风格：

　　　　

　　Ragtime（拉格泰姆爵士）

　　New Orleans（新奥尔良爵士）

　　Standards（主流爵士乐）

　　Classic（古典爵士）

　　Dixieland（迪克西兰爵士）

　　Cool Jazz（冷爵士或西海岸爵士）

　　BigBand（大型乐队爵士）

　　Swing（摇摆爵士）

　　Bop（波普爵士）

　　Latin（拉丁爵士）

　　Brazilian Jazz（巴西爵士乐）

　　Avant-Garde （前卫爵士）

　　Post-Bop or Mainstream Jazz（后波普爵士或现代主流爵士）

　　Third Stream（第三流派爵士）

　　Hard Bop（硬波普爵士）

　　Free Jazz（自由爵士）

　　Fusion（融合爵士）

　　Crossover Jazz（交叉风格爵士）

　　Vocal Jazz（人声爵士）

ROCK

摇滚

历史上第一首被打上摇滚烙印的作品是美国的白人音乐家Bill Haley在20世纪50年代中期录制的《整日摇滚》（Rock Around the Clock）。那个时候的Bill Haley穿着笔挺的西装，而且还打着领带，头发梳得油光发亮，如果这样的一个人走在大街上，或者站在现在的舞台上演唱这首歌，一定没有人会认为他是在唱摇滚，可偏偏历史把它定义成第一首摇滚作品。这也没什么奇怪，原来人们还觉得天是圆的地是方的，原来人们还觉得地球是宇宙的中心呢！我们可以把它当作是时代和我们开的一个玩笑。这样说来，其实任何具体的定义似乎也都是相对的，因为时代在变，人们的认识领域也在不断地随之拓展、改变。

世界上最难的就是为某种事物下一个定义,因为这需要描述的准确、精练。而世界上最容易的也可以说是为某种事物下一个定义，因为你完全可以以自己的理解方式和认识程度给出一个概念。所以很早以前，在国人的传统意识中，一头长发加上皮夹克就是摇滚。然后有人认为，摇滚就是吉他上的SOLO，贝司上的低音，架子鼓上的节奏。现在有人说摇滚是一种精神，可是，也有人说这些都不对。于是带着越来越多的疑惑，我开始翻看有关著作和资料，找到了下面一些所谓的摇滚专家们所给出的定义：

格雷尔·马库斯是闻名遐迩的摇滚名著《神秘列车》的作者，他认为摇滚无非是“一种美国文化”，比如埃尔维斯·普莱斯利无非是“把作为美国人的感受戏剧化，把这种感受的含义、价值和美国生活的利弊作形象的表达”。

卡尔·贝尔兹则在他那本《摇滚故事》中视摇滚为“民间艺术”，一种下意识的俚语表达方式。

查理·勒特称摇滚为“城市之声”，认为它是都市少年们创造的新音乐呐喊。

乔纳森·艾森则在《摇滚时代》中称摇滚为“对西方文化之伪善的反叛……是一种深刻的颠覆形式”。

戴夫·哈克《物有所值》中用马克思主义的阶级斗争学说分析摇滚，认为它是“工人阶级文化”；而保尔·约翰逊则在《新政治家》重视摇滚为资产阶级的阴谋，其目的是招安潜在的革命者，使他们“沉溺于其中而麻木不仁，懒散不堪并脱离实际”。

理查德·戈尔德斯坦在《摇滚之诗》中则认为，摇滚最重要的特点仍是对青春活力的肆无忌惮的挥霍……

说到这儿，我想起了美国黑人音乐家Chuck Berry用他的作品给摇滚乐下的定义，这同样是一首50年代摇滚乐诞生初期的作品Johnny B，Good。它讲述了一个弹吉他的年轻人走向成功的故事，它以叙事的手法给摇滚乐加上了一个十分诱人的光环，摇滚乐可以让一个普通人走向成功与辉煌。这个普通人可以没有任何的乐理知识，不懂音乐，只要他有理想，只要他勇敢地把自己心里想的唱出来，只要他愿意。另外还特别值得一提的是，在美国发射给外星生物的一艘飞船上，这首歌还作为人类文明的精华被刻录在一张光盘上，用以表达地球人的文明成果。

在众多摇滚的类型中，重金属是在音量，男子气概和戏剧化风格上最为极端的。在重金属声音的体裁上有很多的变种，但是他们都通过在喧吵的效果，失真吉他的演奏（通常演奏重复段）和简单，重击旋律上尽量取得共识。重金属自从它存在那天开始就不断引起争论---批评家从传统上抨击了那种故意吸引大部分青少年的舞台剧效果，还有一些保守的组合经常抗议他们所感到的包含有害，邪恶意味的歌词。尽管有重重困难，重金属从它的诞生就还是成为了稳定流行的摇滚音乐形式，有足够的能力去适合这个时期，仍能保持它完美的未被侵蚀的核心吸引力。尽管如美国在声道选择上的叛逆的形式，重金属在很大程度上还是英国的创造物。最初重金属的种子是在60年代英国蓝调运动中被播下的，特别是在那些发觉已很难适应美国蓝调naturalng的乐队中。这种韵律更加没有规则，增强了电子乐器的使用成为更加重要的特点，特别是通过像the Kinks, the Who, Jimi Hendrix, Cream和the Jeff Beck Group这些创新的乐手。然而，正如可提出证据加以证明的那样，最初真正的金属乐队是Led Zeppelin。最开始，Zep演奏蓝调曲调比任何人都更为沉重和喧吵，并且通过获取许多音乐源极很快创造一种以大规模，有质感为代表的重型摇滚。更少精细但是可能更大影响力的是Black Sabbath，他的黑暗，沉闷的吉他重复段创造了一种幻想中的世界末日，充满了毒品，死亡和超自然的迷惑。接下来被Zep和Sabbath所丢弃的这种风格，很多美国的乐队在70年代把重金属更改为更易接近的的形式；Alice Ccooper和Kiss易记的曲调和残暴的舞台表演；Aerosmith的sleazy boogie；Van Halen的浮华吉他引子和狂热的派对摇滚。在70年代末期，一些隐藏的英国乐队号成为英国重金属新浪潮（包括Judas Priest, Iron Maiden, Motorhead）开始演奏金属更为快速，倾斜和使用更多恐吓。他们的出现为80年代新的美国金属---鞭挞金属提供了影响力，这个新事物定性于对金属新主流流行的突破，它的出现是以Def Leppards Pyromania为代表的。金属在80年代的辉煌期里是最为享受的，由于大量的glammed-up流行金属乐队，除了鞭挞金属乐队激烈演奏复杂的重复段外，有时会融入些柔美的声乐作品。像Metallica和Megadeth这样的鞭挞乐队形成了狂热的歌迷从而在车库脱去了他们流行金属外衣的同一时间推动他们进入了主流。90年代的主流金属以一种新的叫做另类金属的混合物为中心，它（在它有效的商业形式上）通过hip-hop和工业的繁荣期结合了grinding trash和grunge的影响力。其间，地下以更粗糙，阴冷的风格成长，产生了两种类似的，起源于鞭挞的风格，被叫做死亡金属和黑暗金属，他们创作了一些最为重要的研磨，剧烈，超速的音乐和金属世界从未展示的graphic shock tactics。

Alternative Metal（另类金属）

在其初始期，另类金属以相对于那些可直接分类音乐的不同寻常的敏感形成了自己的风格。重金属是这种音乐的核心，但是这些乐队太不规则了，应且他们的影响力对于适合地下的鞭挞金属来说太折衷了，所以他们主要的乐迷都是些喜欢重型吉他摇滚的人。然而，在车库音乐帮助另类金属更丰富从而获得了大量听众，特别是当更多的有闯劲的乐队逐渐考究他们的音色后，另类金属开始成为90年代重金属中最流行的风格。当它表现出几乎最少重金属分类类型的时候，它的形式和80年代早期的另类金属就很不大相同了。同时，大部分幸存下来的硬核朋克乐队都已转入到了金属领域的潮流，推动了地下重吉他摇滚乐队在别处找寻灵感。最早的带有重金属风格的另类金属分为前卫摇滚（Janes Addiction, Primus），车库朋克（Soundgarden, Corrosion of Conformity），噪音摇滚（the Jesus Lizard, Helmet），疯克（Faith No More, Living Colour），说唱（Faith No More, Biohazard），工业（Ministry, Nine Inch Nails），迷幻音乐（Soundgarden, Monster Magnet），甚至是世界音乐（later Sepultura）。这一切的演变并没有在一个特定的场景下发生，只是不断增长的想去尝试已经形成的那种越来越依靠乐器的纯演奏形式。一些这样的乐队终于在大众中获得了很大的影响力，特别是通过巡回演出，并且他们还为在1993-94年逐渐显露的另类摇滚奠定了基础，形成了以Rage Against the Machine 和Korn为代表的说唱金属，以Tool为代表的不协调音乐，以White Zombie为代表的重。。。。和以Nine Inch Nails为代表的流行突破。这些乐队将成为在剩余的90年代期间连同Pantera那种有别于任何鞭挞金属乐队的粗厚，溶解的即兴重复风格在声音的制作和另类金属类型的风格上最具影响的力量。像很多另类金属乐队，Pantera是严肃的，阴冷的和内在的，但是他们示范了关于此如何具有男子的气概。在90年的中后期，大部分新的另类金属乐队开始玩起了把单一鞭挞，说唱，工业，硬核朋克和车库混在一起的风格。这种新的声音更多的包括了比hooks或memorable riffs更多的碾核特征和剧烈进攻，因此更多地依靠工作室录制完成它所展现的力量；然而，它俘获青少年那种隐藏的主流金属所代表的男子气概，从而成为一种商业崇拜。Korn, Marilyn Manson, 和Limp Bizkit这些有时配以aggro-matal, nu-metal, 或者(incorrectly) hardcore内容的乐队是这场新运动中最大的明星，并且在这十年的末期，无数新的乐队开始表演那种类似80年代后期微金属分支的带有成年性质暴力行为（ironic, given alternative metals vehement rejection of hair metals attitude）的风格。

Indie Rock（独立摇滚）

独立摇滚这个名字是从“独立”这个词来的，这个词代表了按照自己乐队的思想去做和发行唱片时小份额，低预算的特性。虽然大部分独立种类的音乐是靠主公司的牌子来进入市场，占取销售份额的，但是他们做决定的过程仍然是依照自己想法的。同样的，独立摇滚可以自由的探究声音，情感和歌词的主题，无需迎合大众的口味---大众和个人口味的利润是不一样的（尽管他们是这样做的，毕竟，还是想在商业中停留）。它根深蒂固于80年代的美国地下和另类摇滚，虽然自从那时开始地下摇滚乐已经开/

婚姻心理咨询涉及的领域有婚前心理咨询、婚外情咨询、家庭暴力处理、夫妻互动模式调整、离婚、再婚等几大方面。在感情中屡遭挫折或已进入婚姻但是遇到情感问题的都可以通过婚姻心理咨询来获得支持和帮助，以重新找到幸福。

婚姻心理咨询的起源：

婚姻心理咨询最早在欧美国家被用来挽救即将破裂的婚姻，后来几经发展，到现在已经成为人们在恋爱、婚姻中出现任何心理问题时的缓冲剂。它通过对咨客的婚恋问题进行深度心理剖析，并对当事者出现的各类心理问题进行治疗，来保障当事者的心理健康，常见服务项目包括以下几种。

婚姻 心里 咨询涉及的领域：

婚姻心理咨询的第一部分：婚前 心里 咨询，主要针对适婚群体

与恋人之间产生矛盾，失恋，经年暗恋而不得，年届婚龄却尚未有一次真正的恋爱经历，以及虽然恋爱却被恐婚心理缠住…等等这些问题，都可以通过婚姻心理咨询解决。婚姻心理咨询可以对咨客的成长经历、性格、爱的方式等要素进行分析，帮助咨客重新审视自己的恋爱观、择偶标准和恋爱经历等。最终提升爱的能力，为构建美满婚姻打下良好基础。

婚姻心理咨询的第二部分：婚外情、家庭暴力、夫妻互动模式等的咨询

婚姻情感心理咨询师对咨客的婚姻诊断和评估，可以帮助来访者在心理层面全方位认识自己和配偶，以及婚姻状态。进而评估婚姻的质量，分析婚姻问题的症结，解决婚姻中存在的问题，从而达到和谐婚姻的状态。

另一方面，对于婚姻中潜在的问题和风险，婚姻情感心理咨询师会通过与来访者的互动，或是观察夫妻双方的现场互动，帮助来访者发现其真实的婚姻状态、夫妻互动模式等，与来访者共同培养良好的夫妻沟通模式，建立合理有效的婚姻规则，从而减少婚姻矛盾和冲突，提升婚姻质量。

婚姻中存在危机的情况是比较多的，包括婚外情、家庭暴力、婆媳矛盾等等都是容易引发婚姻危机的危险因素。以婚外情为例，婚姻情感心理咨询师会与咨客共同探讨婚外情的起因、发展、恶化的过程，重新认识婚外情，包括其发展规律，学会冷静处理这个危机。而不是受情绪的左右，采取一些过激的行为，导致危机进一步恶化。

婚姻心理咨询的第三部分：离婚、再婚咨询

对于离婚、再婚等出现问题的婚姻，如何保护孩子不受伤害，最大限度地降低对彼此的伤害，如何面对再婚的复杂家庭结构，也是婚姻情感心理咨询要面对的重要问题。

婚姻情感心理咨询不但可以有效帮助处在婚恋中的人们维护婚恋关系、双方感情的稳定，同时可以很好的缓解和消除由于婚恋矛盾和问题给当事者带来的心灵创伤。这对保护当事者的心理健康十分重要。

相信大家对婚姻心理咨询是怎么一回事已经有所了解。在此，也提醒各位在婚姻情感方面遇到困惑的朋友及时寻找朋友或心理咨询师的帮助，因为婚姻情感问题出现精神疾病的还要及时就医。

　　欧美地区由于有着深厚文化底蕴和特殊的历史背景，在歌曲的形式及风格上都有较大的空间。福音、灵魂乐、音乐剧、节奏蓝调（R&B）、Hip-Hop、民谣、传统摇滚、迪斯科（DISCO）等是一开始的几种形式。到了上个世纪的七、八十年代，一些新兴的流行音乐形式例如电子舞曲、朋克、重金属开始出现了，这些演变渐渐组成了现在听到的流行音乐的模式。欧美流行音乐的编曲一般都较为复杂和巧妙。它结合了上述提到的多种元素，将它们巧妙地结合在一首作品中，同时加上丰富的配器使音乐更锦上添花。这种编曲的风格常见于黑人的流行音乐中。

　　中国流行音乐的编曲相比较就简单多了，一般仅有Verse，Chorus和间奏3部分组成，配器一般由鼓、吉他、Bass组成，但在现在的中国流行音乐中，曲作者会将中国的传统戏曲的旋律和配器加入歌曲中，可以说是融合了中西方的文化。

　　中国的流行音乐在早期的时候以民谣（校园歌曲）、民族流行（如青藏高原）、乡村、传统摇滚为主。到了上个世纪80年代以后，随着文化的开放，欧美的一些如节奏蓝调、嘻哈、电子等音乐开始影响我国本土的音乐。但至今，民族流行的独特音乐形式仍然存在并得以衍生，韩红就是这个流派典型代表。

　　欧美流行音乐在歌词的表达中也具有高超的水平，有的充满哲理、如诗如画，有的针砭时弊、警醒世人。但同时也有些歌曲在歌词中大量地描述暴力、性、种族和性别歧视。

　　中国流行音乐的歌词大多也较优美，整个歌词的线条是流畅的，但是由于文化上的差异，有些艺人无法真正表达自己内心所想的东西。比如郑智化就因为一首“大国民”的歌词触及到了敏感点而被台湾地方政府软禁了将近10年之久。

　　演唱方法和技巧

　　这个是欧美流行音乐和中国流行音乐最大的差别所在。欧美通俗演唱方法，主要是以富有激情和即兴的表演方式来体现。同时，承纪继了严肃音乐一部分的发声状态。比如真假声转换，高音华彩部分、跳跃技巧，连续跨越八度音区的声音展现。如果不具备相当纯熟的演唱方法，根本无法完成有一定难度的作品。也可以说不能够叫作欧美通俗唱法。当然，也不是欧洲人演唱中都有技巧。在近年举行的GRAMMY颁奖晚会上，获得者经常是以清纯、自然唱法的风格。 然而，他们的发声基础始终是统一的--中音区像“说话”、低音区像“叹气”、高音区像“远处喊人”。尽管到了电声高度发展并应用于流行歌坛的今天，始终保持着它这种唱法特色不受风格变幻的影响。不仅如此，在欧美通俗演唱方法中，还会经常采用哑音、怒音、呐喊、装饰音、滑音、抽泣、假声包括一些气声的特殊运用，来演绎歌曲的忧伤、悲泣、真挚、委婉、激情等等……利用肢体语言融合节奏的表现形式，运用混声、和声、不规则人声，进行有声或无伴奏伴唱，使一些并不复杂的旋律，变得富有色彩，具有极强的感染力。加上一些歌手创造出高度炫技性演唱形式，使通俗歌手能在舞台上产生震撼人心的艺术魅力，在表演艺术上达到较高的造诣。并且由于有着深厚的文化底蕴，欧美流行音乐中出现的许多发声方法和技巧都是借鉴了早期教堂福音歌曲和灵魂音乐的精髓。这种发声的方法类似于美声，但又不同于美声，在保持了声音的清晰度的同时又保证了声音的饱满程度。使原来可以更有起伏的歌曲显得平淡。而且大多数的中国流行歌手在唱高音和低音时候都没有用到腔体，使之高音上不去，低音下不来，或者就是靠喉咙硬“喊”上去的，给听着的感觉音没有支撑力，漂浮不定，摇摇欲坠，SHE就是典型的例子。不仅如此，在气息的掌握上也不十分尽如人意，时常会出现大音量急促的换气声，并且可能由于不规律的换气破坏了歌曲的完整性。容祖儿就是个很好的反面教材。

　　欧美的后期制作是十分复杂的一道工序，一般都要经过降噪音—压限—激励—衰弱（衰减包络）—失真—混响—均衡—母带处理等多个步骤。而且每个步骤又是按照歌手在每个时间段不一样的发挥程度进行调节的。所以，一首优秀的欧美流行的作品有时会需要几周甚至几个月的时间来做后期的效果。欧美流行歌曲的制作不仅仅是对人声的制作，在这之前还会对歌曲的伴奏和和声进行一翻修饰和效果。在伴奏的制作过程中，制作人一般会将不同的配器作成起该有的不同的效果，包括音量、声音的远近、饱和度、温暖程度、干湿程度、节奏变化起伏等等，这样，每个配器都要经过这个几个程序的加工，最终完成的纯音乐伴奏就是一个十分立体，有层次感的伴奏音乐了；第二步是做和声，和声在欧美流行音乐中的地位是举足轻重的。欧美流行音乐一般会采用华丽的和声与伴奏相搭配做出美轮美幻的效果。并且不同的和声用不同的效果来表达。最常用的是和声者将需要的和声录制多遍利用不同的声音频率作成从左右声道同时输出的和声，也就是所谓的“耳语”效果。这种方法后来被采用运用于后来中国流行音乐的制作。另外一种方法就是最原始的和声法，即多人同时唱出和声部分的高、中、低三个音区，组合然后效果而成，这中制作和声的方法是最古老的也是最难的一种，对和声者及制作者都是个极大的考验。这种和声常在教堂福音歌曲和灵魂乐中出现。接下来就是主音的处理，通常有一般效果（录音室效果）、电台效果、电话效果、现场效果、电子合成效果等等。完成后将先前制作好的带和声的伴奏与主音混合。这个就是我们通常将的母带（DEMO），最后将母带进行综合处理（Master）就是我们听到的成品了。

　　中国流行音乐的后期制作是在引进了欧美流行音乐以后才有了根本的改变，像“耳语”式的和声效果，到现在的电台效果、电话效果、现场效果、电子合成效果都是学习欧美制作的产物。

　　新人的推出及系统操作

　　在欧美的流行乐坛可以说是真正的偶像和实力歌手的新人辈出。欧美的娱乐圈有它自己的一套推新人的方法。首先是俱乐部，比较有名的就是米老鼠俱乐部(Disney Club)了。现在在欧美流行音乐界名声大震的小甜甜Britney Spears；她的前男友，被喻为是新一代流行天王的Justin Timberlake；她的强劲对手，同时又是儿时的好友，被喻为是天后接班人的Christina Aguilera,Jessica Simpson,Hilary Duff以及像JC Chasez, Jesse McCartney等一些近来崛起的新星曾经都是这个俱乐部的成员。米老鼠俱乐部是美国文化的特产，也是美国孩子实现梦想的幸运所。当然，那里的竞争也和严酷，并不是有梦想的孩子都能被神眷顾成为耀眼的明星。其次是挖掘新人的各类比赛，比较有名的是美国偶像（American Idol）。这个选拔新人的比赛现在已经不完全是美国本土的比赛了。来自世界各地的对自己的未来抱有梦想的年轻人都来参加这个比赛。而这个比赛也的确在一夜之间捧红了像Kelly Clarkson，孔庆祥(William Hung)这样不同风格和类型的新人。再接下来的方法就是毛遂自荐，即想成名的年轻人自费到专业录音棚录音，请专业的制作人制作，然后将作品制成试听的片段（DEMO）寄到唱片公司。当然鸥没地区推新人的方法还有好多，但以上几种则是最常见的也是效果最好的成名方法。

　　在推新人的这个环节上中国在很大的程度上受到了欧美的影响，而在众多的影响中，靠举行比赛是目前最盛行的一种。现在我们熟知的“超级女声”、“莱卡我行我秀”等比赛都是以推中国流行音乐的新人为宗旨而举办的。这2个比赛还是比较公开、公正、公平的，但大多数的类似比赛都因为缺乏其应有的公正性而影响了参赛者的情绪。

　　都市传统音乐我们在观看日本**和电视剧时常常会听到一种具有独特东洋韵味的音乐，它们的旋律多数是取材于日本都市的传统音乐，在一个纯日本的氛围中，存在着一种似是而非的西方音乐，这正是多年来两种对比鲜明的东西方文化相互作用的结果：虽然日本的音乐人大量借鉴了美国的流行音乐，但他们却能冷静地以自己的方式对这些音乐进行再创造。

　　尽管日本的许多流行音乐与美国音乐有着一脉相承的关系，但日本的音乐创作处处渗透着民族的独特性。日本音乐除了那种可感知的民族性之外，更是一种两国文化相互作用的产物，正是这种相互作用，才产生了日本音乐所特有的综合性。诚然，美国音乐曾经对日本音乐产生过不小的影响，但至少在日本国内，日本音乐人的创作对美国音乐产生了更大的影响。

　　日韩音乐类型的互补

　　虽然日韩在文化上有着惊人的相似，但是他们的音乐却在本质上有着不同，各有各的特点，使你一听就能分辨出哪种来自日本，哪种来自韩国。日本的音乐无论是什么音乐风格，都有一种“元气”在里面，最典型的就是日本动漫的“热血”主题歌。这些歌曲即使是表达非常忧伤的主题，背后却也有着积极、励志、不服输的气质，而这种气质正是日本民族所发扬和特有的，并融进了他们文化的各个领域。而韩国的音乐近些年也找到了自己的特点，即纯真朴实的温情，无论是他们的**、电视剧还是情歌，虽然都是一些小情小调描写爱情的内容，但却把人性中的温情发挥到极致，创造了许许多多的现代爱情童话。而这种纯纯的情感表达却是日本现今社会比较缺乏的东西。

　　(以上摘自网站，仅供参考）