谢进歧多大了

谢进歧

著名萨克斯管演奏家，中国人民解放军军乐团萨克斯管首席，中国音乐家协会会员，中国音乐节协会、中国音乐学院考级教材编委和评委。现为解放军军乐团国家二级演奏员、独奏演员。

中文名：谢进歧

国籍：中国

民族：汉族

出生地：河北省鹿泉市

出生日期：1963年5月

职业：萨克斯管演奏家

毕业院校：中国人民解放军军乐团

代表作品：只有一颗孤独的心、故乡的亲人

主要成就：最早举办个人独奏音乐会

人生经历

谢进歧1963年5月生于河北省鹿泉市，1977年考入中国人民解放军军乐团，1989年获解放军军乐团萨克斯管首届比赛第一名，是我国最早举办个人独奏音乐会的萨克斯管演奏家及国际萨克斯管联合会会员。曾师从著名萨克斯演奏家陈志芳先生及加拿大籍国际萨克斯管大师波罗●博柔迪先生学习萨克斯管演奏。

主要作品

谢进歧主要著作有《萨克斯管演奏法》（上、下册），并与多家出版社合作出版发行了《只有一颗孤独的心》、《故乡的亲人》、《萨克斯管世界名曲重奏曲集》、《沉思》、《野蜂飞舞》等多张个人专辑，并主讲和示范录制了《萨克斯初级教程》VCD两张。

个人成就

谢进歧先后出访日本、香港、法国等地参加艺术节，并于1992年作为我国演奏家代表参加了在意大利举行的第十届世界萨克斯管大会，其出色的表现，受到了国内外专家和观众的广泛赞誉。

谢进歧六次举办个人独奏音乐会，多次被中央人民广播电台实况转播，被中央电视台、北京电视台、北京音乐台多次专题报道。应邀为中国国际广播电台录制了我国第一个萨克斯管独奏专辑和第一个中国作品专辑。

● Andir为知名的英国品牌

Andir为知名的英国品牌，1860由英格兰人Andir创建，Andir萨克斯产品全部为手工制作，又因其音色优美，做工精良，受到许多知名萨克斯手的追捧；由于其产量较少，其萨克斯产品已很少在世。

● Julius Keilwerth 德国最知名品牌

Julius Keilwerth是德国最具知名度的管乐制造公司，不但规模较大，历史也较悠久。许多知名的爵士艺人像 Ernie Watts、Kirk Whalum、Grover Washington Jr 等，都使用此厂牌的萨克斯风，因为他们研发了一种黑金色相间的萨克斯风，外型相当抢眼。

● Cannonball 爵士演奏家的喜爱

Cannonball乐器公司由音乐家Tevis和Sheryl Laukat于1996年创立，是一家专业的管乐定制厂商，旗下产品线包括了萨克斯、单簧管、小号、长笛等乐器。Cannonball的工厂设在台湾，但官方宣称全部乐器会运送回美国进行手工雕刻和检查，Cannonball也被誉为是外形最为华丽的萨克斯品牌。Cannonball萨克斯以其热情狂放的音色深得许多爵士、灵魂乐演奏家的喜爱，包括GeraldAlbright、Branford Marsalis、Don Menza、EricDarius在内的多位艺术家都在使用Cannonball萨克斯。

●Rollins 中古世纪的萨克斯之魂

Rollinsax(罗林斯)萨克斯由出身于国际知名萨克斯品牌法国selmer(塞尔玛)工厂的工艺大师FRND先生亲自把关设计， Rollinsax萨克斯以早期 Mark VI马克六原型和晚期Selmer Balanced Action(萨尔玛SBA)为原型，选取德国的上等黄铜并融入独特制作工艺，在台湾装配而成。

●Buffet Crampon 历史底蕴最悠久

布菲是历史底蕴最悠久的萨克斯厂商，早在1868年就开始制造萨克斯，比Selmer早了40年，比柳泽雅马哈早了近100年。但由于产品战略的原因，布菲萨克斯一直不温不火，多次面临倒闭危机。后来，布菲调整了自身产品线，开始单簧管、双簧管、巴松管等乐器，现在已经成为世界上最著名的单簧管制造商。2010年布菲收购了德国Keilwerth和 Schreiber,随后再次成功收购德国管乐品牌B&S,可谓财大气粗。虽说已将Keilwerth纳入麾下，但布菲和Keilwerth仍然分属两个品牌独立运营，在定位方面Keilwerth偏向高端，而布菲则偏向中端及入门市场。

当决定让孩子学习萨克斯后，最重要的事莫过于找一个好老师了。然而目前市面上的萨克斯老师多如牛毛，非但水平参差不齐，人格也是鱼龙混杂，圈外的人很难辨认真伪。一旦你选择错误，那就不但被人误了子弟，大量的钱财也就付之东流了。那么，如何为孩子找一个好的萨克斯老师呢？我列举了市面上萨克斯老师的十种行为。如果一个老师占了十种中的五种以上，那他一定是个不合格的老师，三种以下为合格，一种都不占的目前紧缺。 1，靠卖乐器挣学生的钱 谁都希望能买一支好乐器，但面对市场上繁多的品牌，学生和家长很难做出选择。这时候就会求助于老师。老师帮学生挑选乐器，付出了劳动，耗费了时间，学生给予一定的报酬，这本来无可厚非。问题在于有时候这个报酬的数目太离谱。我个人认为：一支万元以下的乐器，老师可加价百分之五；万元以上可加价百分之三，这是比较合理的，再多就太黑了。更有一些专业院校的学生，本身已具备了挑选乐器的能力，也知道乐器的底价。但老师还要强迫他高价买某一品牌的乐器。学生因为惧怕老师在专业考试时给小鞋穿，只好忍辱负重。这种老师最为缺德。 2，高额收取学费 学费是老师的劳动所得。高水平的老师学费高；低水平的老师学费低，这是很正常的事。那什么算是高额收取学费呢？学生和家长可以这样去衡量：你付给老师的学费中，除了学习老师的知识与技术的费用之外，还含不含其它费用？比如你想考学，想送一笔钱给考官老师，老师一般都不敢收。如果你变通一下：每次上课除了交学艺的那部分学费外，再注入一部分感情投资。这样，你原本想贿赂老师的那部分资金就分期分批地以学费的名义转到了老师的名下。即使最后老师没给你办成事，你也无法去告老师。这种确保安全的受贿方式是被那些掌握学生生杀大权的考官老师广为采用的，每个学生和家长其实心里都很清楚。3，不让学生接触水平高于自己的人 这种老师当他掌握了一定的权力（比如某音乐学院的教师，某比赛、考试的评委等），就会在身边拉起一个比他水平更低的人组成到圈子，最好这些人不是专业吹萨克斯的。这样他就有了安全感。一旦发现周围有人比他水平高，哪怕是他的学生，他立刻就会本能地设置各种障碍，使他现在的学生和领导接触不到这些对他的位置构成威胁的人。识别这种老师只需看他周围那些与他关系密切的同行是些什么水平的人就一目了然了。4，光说不吹的嘴把式 这种老师都有一些显赫的头衔：某音乐学院的教授、某著名专业团体的演奏家、某音乐协会的主席等。不过他们的专业都不是萨克斯。所以他们在授课时会想出各种借口来拒绝为学生作示范。识破这种嘴把式的方法一是请他作示范，二是观察一下他有没有登台吹萨克斯的纪录，三是看看他那些光辉的头衔是不是萨克斯专业的。 5，不加节制地自我吹嘘 许多萨克斯老师的名片上都印有“萨克斯演奏家”的字样。但这些人中能上台演奏且够得上演奏家水准的实在是少得可怜。更有甚者，尽然在各种媒体把自己标榜为“专家”、“中国萨克斯之王”、“中国古典萨克斯第一人”、“萨克斯王子”、“东方萨克斯之王”、“世界四大萨克斯之一”等等。还有去美国给老美讲爵士乐的。说实话，中国萨克斯当前的水准与中国足球差不多。给美国人讲萨克斯就跟给巴西人讲足球一样，属于天方夜谭。可惜国人对足球的了解要远远高于萨克斯。所以当李毅说了一句自己象亨利，就立即遭到网上网下一片嘲笑；而“去美国讲学”的萨克斯学者及“东方萨克斯之王”一类的“大师”们仍在频频出镜。可悲啊！识别这种人的方法很简单：头衔越大，水平越差。绝对成比例！6，人贩子 这种老师极力劝说学生出国留学，并可为学生包办一切手续，但费用不菲。介绍的学校大都地处东欧，主要是独联体解体后的各个国家。因为那里的经济不甚发达，法制也不够完善，各学校都迫切需要通过中间人赚取外国学生的学费，于是给中间人的回扣就非常丰厚。这几年，第一批上当受骗者已陆陆续续回国。他们虽然持有各种外国文凭，无奈实际水平有限，回归后不是改行就是接人贩子的班继续骗下一拨揭穿这类骗子的方法就是听他吹一曲，看他是否比国内的同行高出许多。如果连他都吹不好，你去了又有何用？当然，他要是能吹好也不会去当人贩子。7，“黑哨 ” 这种老师的名字经常出现在各种比赛和考学的评委名单上。为了达到自己各种不可告人的目的，他们在比赛和考学的打分时颠倒黑白，指鹿为马。某学院举办萨克斯比赛，前十几名竟然全是本校的学生！赛前，主评委老师动员全体学生参赛（因为需要造声势外加挣报名费），但谁能获奖，同学们个个心知肚明。迫于老师的威严，大家只好报了名，然后以弃权来表示不满。至于校外的学生，有路子找到主评委老师上一两堂课，交付了高额的“学费”后，你也许能进入第二轮。要是连这步程序都不走，那就太不知趣了。吹几声回家吧！这种老师对那些获奖的学生来说，也可算是恩师了（虽然你在学艺过程中花去了多少“感情投资”自己心里明白）。然而对整个萨克斯界来说，他就好比是足球圈里的“黑哨”。识别这种老师的方法是看他那些学生有没有得到社会承认的；也就是说，有没有敢到演出市场去转一转的。8，浪费纸张 如今，音乐书店书架上的萨克斯教材（包括音像制品）可谓是多如牛毛。知名和不知名的老师大多有所“贡献”。一个老师，如果根据自己的教学经验及心得编撰了一本教材，那么，无论这本教材多么初级，甚至有错误，它对学生也是有价值的。我买过一本教材，其中的一首“回家”有一小节记成了五拍子。虽然这肯定不对，但至少说明这个老师是自己听录音记下来的谱子，是经过劳动的。人非圣贤，孰能无过？另一本教材，收集了几十首名曲的乐谱，其中竟然出现了n种印刷体，一看便知是用拍照或电脑扫描的方法从各种教材上盗版拼凑的，连版体都懒得改。其中的“回家”虽无错误，但一看便知是从一本韩国教材上盗版来的。因为那本韩国教材所用的是很容易辨认的手写体。还有的萨克斯教材上竟出现了小提琴的弓法标记。这位高产作者大概实在是能抄的都抄遍了，只能去抄小提琴谱了。这种你抄我、我抄他、他再抄你的编教材风气目前颇为盛行。这才导致了国产萨克斯教材泛滥成灾的局面。学生一不小心就会买到外皮各异、内容相同的教材。辨别这种抄袭教材的方法是看前言。如果书的前言中有“萨克斯是比利时人阿道夫萨克斯于1840年发明的，虽然是铜制品，但却属于木管组……”这一类人所皆知的常识，那么，作者肚子里有多少水你也就可想而知了。9，两面人 这种老师的两面性并不体现在对对方的专业水平上，而体现在对对方的社会地位上。假如你的社会地位没他高或者与他相似，那么，你的专业水平再高，他对你都不屑一顾，甚至会极力排斥。对待学生，这种老师更是威严异常。一旦遇到社会地位比他高的人，比如上级领导、上级音乐学院的老师，他的态度立即变得卑躬屈膝，颇像狄根斯笔下的尤莱亚。这种老师其实很辛苦。因为他深知自己的专业水平与社会地位严重不符，一不小心就和摔得头破血流，所以就想尽办法去贿赂那些掌握着他生杀大权的人物。可是钱从哪儿来呢？自然是苦了他的下级——学生们。辨认这种老师的方法是看他们和上级的关系。如果一个老师与他的上级关系特别铁，那么他的专业一定好不了。因为专业好的老师没必要溜须拍马。如果你的老师跟你吹嘘他和那些专业上有名望的人物如何如何近乎（通常还会在家中或教室中挂几张他和大师的合影），那你就得小心了！10，因循守旧 这种老师视一切他不懂的音乐为歪门邪道。说白了，其实就是为了保住自己在他所熟习的音乐领域中的权威地位。学生一旦流露出对新音乐感兴趣的苗头，老师立即会采用一切手段掐死之。辨别这种老师的方法极简单：只需问他，自1974年那位写过萨克斯组曲的法国人弥尔豪德死了以后，世界上还有为萨克斯谱曲的音乐家么？他一定不知道。工匠萨克斯工作室欢迎光临！

雷 查尔斯，诺拉 琼丝是我最喜欢的！

**中的爵士王家卫的《花样年华》让古老的爵士歌手Nat King Cole一下子迷倒了中国观众。《珍珠港》中给空军小伙子们出征前和护士欢聚的温馨场面配乐的正是爵士。还有《卡萨布兰卡》中那曲伤感的《Time goes by》、《廊桥遗梦》中男歌手强尼哈特曼所唱的《For All We Know》、《I See Your Face Before Me》，有浓厚蓝调色彩的黛安娜 华盛顿演唱的那首《Soft Wind》，《西雅图夜未眠》中路易阿姆斯特朗的爵士名曲《Makin'Mhoopee》、《新娘不是我》中美国歌王Bennett的《The Way You Look Tonight》，尼古拉斯凯奇主演的《爱在纽约》中悲情歌后Billie Holiday演唱的《They Can't Take That Away From Me》，科波拉的《棉花俱乐部》、马丁斯科赛斯的《出租车司机》……用爵士配乐的**数不胜数。 在这个多元文化的音乐时代，爵士元素越来越多地被采纳，流行音乐、摇滚乐、古典音乐、红透全球的Hip－pop，其中都有着爵士的影子。Radiohead的新作《KID A》，Kenny G的萨克斯，窦唯的译乐队，顺子的新专辑《and music's there》，丁薇的《断翅的蝴蝶》……其实，爵士的独特魅力已经被越来越多的人熟悉和喜爱什么是爵士？简单的说，爵士乐是一种杂交的乐种。从它的身上可以找到美国民歌小调，黑人灵乐怨曲以及各种村音俗韵的身影。这种"鸡尾酒"式的音乐从其发端说来不过百十年的历史。

一、爵士乐起源的背景文化 （一）、非洲渊源 爵士乐来自黑人音乐，黑人音乐的故乡是非洲音乐。在非洲文化中，音乐以对人生的全部理解为其基础，无所不在，充斥着一切，不仅仅有服务于宗教，而且服务于生活的所有方面，包括生老病死，工作与娱乐。非洲，这块充满原始野性的大陆其音乐中最突出、最主要的因素是节奏。原住民手下的鼓在太阳的炙烤下自然诞生了火焰般跳跃的节奏。于是，这种节奏成了非洲音乐的内核，它所独具的活力和强烈的感染力让全世界每一个听到的人都能深切感受到来自非洲的动感冲击。非洲音乐传统是"口头的"，既无记录也无常规，只是带有本地风情。口头传统产生灵活性和创作力。节奏歌词随领唱情绪而变。领唱（常）在演出中编新词新调，这就是"即兴"的含义，即艺术家用脑（和心）创作。非洲音乐另一突出特点是，演出中变换节奏。通常是起奏延缓、随机强调音节。18世纪到19世纪，黑奴贩卖交易繁盛，来自非洲大地各个角落的许多黑人被贩卖到美洲，绝大部分充当奴隶。黑人音乐文化遗风，被白人殖民者装船远渡而受重创。在奴隶制度的压迫下，他们顽强地保持着自己的文化。象舞蹈、音乐、神话、宗教仪式等，"自由修改"词、节奏、风格的趋势愈加明显。这是他们民族文化中最宝贵的东西，并经过代代相传，其核心部分终于存留下来了。在奴隶得到解放后，这些传统文化有了新的发展，甚至最终给居于统治地位的白人的音乐文化，打上了特殊的印记。 （二）、宽容的文化氛围非洲音乐中传统的节奏和即兴是黑人音乐的根源。在黑人音乐全面影响美国主流音乐以前，美国白人音乐也是不讲究旋律的。再往前推一步，非洲音乐也并不是只讲究节奏的。正宗的非洲音乐对旋律的讲究至少不亚于节奏。美国黑人音乐中节奏的特殊地位是和早期白人奴隶主不准黑人唱歌弹琴有关的。黑人音乐在初到美洲时受到了极大的限制，可总有一个地方能够容纳非洲来的音乐。新奥尔良正好处在这么一个政治地位上。于是决定了它必然成为爵士乐的发源地。 在19世纪末到20世纪初，新奥尔良恐怕是全美国最不美国化的城市。它座落在密西西比河拐入墨西哥湾的河口以内80英里处，混合着西班牙、法国、诺瓦斯科夏（加拿大省名）和非洲等若干不同文化，其氛围十分开放、宽容、自由、温馨。新奥尔良在爵士乐诞生及发展过程中扮演了一个关键的角色。在整个18世纪，新奥尔良是一个独一无二的"三不管"自由地区：法国和西班牙将新奥尔良转让来转让去，这个州就是这样与管辖主若即若离，殖民者似乎时有时无，直到1803年，被美国政府以700万美元买下。此地的法国、西班牙统治松散不力，许多非洲黑人从美国南方和加勒比群岛的奴隶主手下逃到新奥尔良，享受优越独特quot;自由黑人"身份，在求职、进修、与当地白人交往、通婚等方面都不受限制。由于通婚很普遍，他们的后代形成此地一个优势阶级"克里奥耳人"（双亲中一方是非洲人，一方是西班牙或法国人）。19世纪初叶，克里奥耳人享受的社会地位几乎和白人的一样。 18世纪末，19世纪初，统治着新奥尔良的法国人一贯重视音乐，尤其热衷搞音乐节和艺术节。法国、西班牙商人和专业人员从故国携带钢琴、小提琴、小号等乐器，以便来到新奥尔良以后还能继续欣赏巴赫、莫扎特和舒伯特的乐曲。商人家庭多因有钱、受过教育，受过欧洲音乐作品熏陶，通晓乐器，保留传统已成习俗。后来当地人（非洲人和克里奥尔）与他们自由往来并受其音乐艺术熏陶。有钱人送天赋颇高的克里奥尔人去欧洲音乐院校，而他们小时侯在当时所受的却是正宗的黑人音乐。于是19世纪末，大批黑人、克里奥尔音乐人在唱歌剧、奏弦乐，给他们的赞助人和自己以文化激励。西城大部分就是贫穷的黑人，他们之中的乐师却连乐谱也不认识。在这种情况下，新奥尔良产生了两种不同的音乐团体，一种是"端坐乐队"，在闹市演出；另一种是"即兴乐队"，通常走街串巷。在1894年，突然这种格局发生了巨大变化。政府发布了"种族隔离政策"，将黑人和克里奥尔人全部归结成了有色人种而实行隔离。地位的降低引起了克里奥尔人的极大不满，并在客观上使他们与当地黑人更为亲密。于是，受过良好音乐教育的克里奥尔人和黑人乐师们坐在一起研究和探讨音乐，让克里奥尔人放弃了原先优美舒缓的欧洲风格音乐，而故意将音乐加大拉长，以此抗议歧视。新奥尔良早先曾有过极大的社会自由，几种不同文化传统曾自由融合，来自不同国家的人一度自由交往、通婚，也把各自的音乐揉进新奥尔良音乐之中，使之成为一种与美国主流音乐传统迥异的混合音乐。

二、爵士乐的直接起源 （一）、BLUES蓝调 Blues音乐是居住在美国的黑人在艰难困苦的生活中创造出的音乐风格。它发源于密西西比河的三角洲地带，起源于20世纪初。1865年，美国内战宣告结束，往日的奴隶们获得了人生自由，他们多数是文盲，生活依然贫困潦倒，唯有靠自己故土培植出的音乐自娱自乐，是采摘棉花或筑路时唱的劳动号子和农田歌曲。美国南方黑人与白人早期在音乐方面接触的重要媒介之一--宗教音乐，对黑人在音乐上的影响形成了黑人圣歌。在教堂里黑人牧师们在宗教集会上借用了英国的惯例，即采用一种名为"领唱"的技巧反复吟诵两到三行圣诗，以此解决人们不识字的问题。最初这种音乐完全以人声吟诵，极少有乐器伴奏。后来这种音乐（至少对欧洲人）逐渐变得很正式，被精心记录和正规演奏。信教黑人（常不懂玄奥的神学及圣人风度）也奏乐，但远不及神父的期盼。黑人教堂中的圣歌（这样严肃的音乐）中出现了许多非洲音乐名词。牧师也取代了西非音乐的领唱，唱法充满活力、令人兴奋、与众不同。颂唱、应答合唱拖长变幻音节与模式，加上喊叫和感情自然迸发，都是黑人献给上帝的独特补充。 到了19世纪下半叶，黑人音乐风格得到了快速的发展，并同样受到非洲音乐以及美国白人从欧洲带来的传统音乐的影响，劳动歌曲和黑人圣歌相结合，形成了一种独特的黑人民歌风格，从这种风格中便产生出了Blues 音乐。Blues最初主要是人声的叙述，后来才加上了乐器的伴奏。主要是吉他或者班卓琴之类的单一乐曲伴奏，器乐旋律与歌曲者交替表演。它节奏特色明显，而且保留了集体即兴创作的特点。在上个世纪的20年代，Blues以它个性的歌词、和谐的节奏以及忧郁的旋律逐渐兴起。Blues音乐中包含了很多诗一样的语言，并且不断反复，然后以决定性的一行结束。旋律的进行以和弦为基础，以I 、IV、V级的3个和弦为主要和弦，12小节为一模式反复。旋律中，将主调上的第3、5、7级音降半音，使人有着苦乐参半、多愁善感的感觉冲击。布鲁斯作为一种音乐形式看似简单，实际可以有几乎是无穷的变化，一直是任何一种爵士乐的重要组成部分，而且它成功地保持了自身独立的存在。可以说如�挥胁悸乘咕筒豢赡苡薪裉斓木羰坷帧⒁」隼帧br> Blues 的产生是为了抒发演唱者的个人情感，它为音乐家提供了表白自身的机会；他们的爱、他们的恨、他们对工作的态度等等。著名Blues 歌手布朗 麦克斯就曾说过："我从不运用想象力写曲子，Blues 不是梦，是现实。"Blues 本身就是一种精神状态，是平民的音乐，是来自生活的音乐。而它的内容则包括许多，而且是最真实的反映；对不公正的反抗、对美好对爱情的向往、挫折后的失意、情感上的宣泄；同时幽默、自嘲，有时甚至是流着眼泪的笑。 （二）、拉格泰姆REGTIME音乐本身没有肤色之辨。吟游歌手们最初都是白人，他们将脸孔涂黑，模仿并歪曲黑人音乐家的演唱；乡村里贫困的白人乐手表演的，往往来自欧洲的民谣和说法语的路易斯安娜洲所独有的移民音乐。内战结束，士兵们复员回乡后，有价格相当便宜的军乐可利用；器乐演奏行列的壮大意味着黑人音乐的日臻成熟。当美国的黑人搬到像孟菲斯和新奥尔良这样的都市中去打工的时候，布鲁斯逐渐转为更大程度上的都市化现象。1900年，由于音乐互相融合渗透，在新奥尔良形成所谓"新奥尔良派"音乐，人称"褴褛时代音乐"。正如前述，许多黑人、克里奥耳音乐人极具天赋。他们弹欧洲古典乐及民谣的技术炉火纯青。当时，这些乐师在妓院和酒馆里为一群没有多少音乐素养的人演奏。在昏天酒地的气氛中，他们开始修改曲目，甚至自己创作。钢琴师们自由发挥，随意偏离固定格式。他们这样做几乎是出于报复。由于演出时间长（从傍晚到次日清晨），可以想象这些松垮的艺人对严格的音乐标准感到厌烦，开始创作新的有趣的韵律格式。由"妓院"钢琴师发展出两种模式--"切分法"和"即兴法"，它们是"褴时代音乐"标志。在20世纪初，"褴褛时代音乐"已显现严格的新奥尔良爵士前身音乐的主要风格。"褴褛时代音乐"开始明确作为钢琴演奏的独特风格。它复杂、节奏严格，"引用"古典乐润饰。然而，在底层黑人和克里奥尔钢琴师手中古典音乐中严格的节拍被打乱，甚至完全崩溃，显得有点恶作剧，"ragtime"由此得名。拉格泰姆的黄金时代大约是在1898年到1908年，但它的时问跨度实际很大，影响绵延不绝。

三、爵士乐的发展进程早期的爵士乐（1900-1917）曲目有32小节、4乐句的AABA流行歌曲式的曲调；有4乐节、两个调的拉格泰姆曲调；还有12小结的器乐布鲁斯曲调。拉格泰姆乐曲的和声节奏倾向于比另两种更快的速度。布鲁斯乐曲的和声节奏最慢，但它的独奏旋律线的变音转调较多，起音不一，音高变化也不少。早期爵士乐队的设置平均为8位乐师。在新奥尔良风格爵士乐队的固定形式上增加了两件乐器。有时添一支短号和一件节奏乐器，有时加一把小提琴为领奏。在演奏过程中，乐队的每个成员，不仅仅是独奏者，都要做即兴演奏。彼此之间自发的互相谦让与合作，只受和弦进行结构的限制，这种新的声音在20世纪初期任何听众以下就能辨认的出，它就是"爵士乐"。 1917年，"JAZZ"这个名词首次出现在人们的生活中；这一年被人们公认为"爵士元年"。从这时候开始，爵士，这种黑人古典音乐逐渐影响了整个现代流行音乐世界。在当时，爵士音乐更多地是充当一种跳舞性的伴奏音乐，还没有能够形成很好的理论，也没有跨入大雅之堂。但是随着时间的不断推移，爵士音乐家靠着自己不断地摸索和创新，形成了一整套的爵士音乐理论，开创了大大小小十几种爵士音乐分类和风格，逐渐成为了世界音乐殿堂中的主流音乐。甚至有一些预言家说："今后50年，音乐将变革得更为彻底，大体分为非即兴和即兴两大类音乐，而后者的代表将是爵士音乐。" 总有一个群体在不断的推翻另一个群体，因此使爵士乐充满了活力。 二十世纪初直至第一次世界大战之前，爵士乐仍然是新奥尔良地区性的音乐形式。二十年代因爵士乐的流行被称为"爵士时代"，一支完全由白人组成的著名的"始创迪克西兰爵士乐队"的集体即兴演奏风靡一时。而新奥尔良爵士乐的典范--"克里奥尔人爵士乐队"及其灵魂人物短号手路易斯阿姆斯特朗的出现改写了爵士乐，集体合奏开始向个人独奏的形式过渡。到了三、四十年代，以单簧管演奏家本尼．古德曼（Benny Goodman）为首，爵士乐进入了"大乐队时代"也称"摇摆时代"，这一时期爵士乐已成为流行音乐的主流，以伴舞为主要职能quot;摇摆乐"盛极一时。摇摆乐打破了原有的乐队编制，它将乐队人数增至二三十人，并将乐队分成萨克斯管、�堋⒋蚧骼秩�糠职雌籽葑唷M�绷硪恍┚羰恳帐跫颐抢�门分蘧�湟衾钟quot;蓝调"相结合，创造出"经典蓝调"。 四十年代中期，摇摆乐从音乐上开始缺少新意，有时为了取悦白人听众而失去了艺术个性。因此，以萨克斯演奏家查理．帕克（Charlie Parker）为代表的比博普爵士可谓是爵士乐的疯狂时期。爵士音乐家冲破"摇摆乐"的束缚，创造了以忽略旋律，追求高超的以复杂和弦演奏为基础的即兴演奏的"比波普"爵士乐。爵士乐不再适于伴舞，演变成艺术音乐，退出流行舞台。同时各种形式的爵士乐依旧发展，"迪克西兰"复活，爵士乐受到前所未有的重视。五、六十年代，爵士乐进入了一个自由创作时期，被称作"比波普"和"酷"时代。 "比波普"爵士乐成为爵士乐的主流，但同时强调舒缓的音色和编曲的"冷爵士"亦称"酷"在西海岸兴起，五十年代中期达到顶峰。而另一种强调灵歌成分的"硬比波普"在影响上超越了"比波普"。随后，结合非洲原始音乐和欧洲现代主义元素无调性的"自由爵士乐"却真正推动了爵士乐的进步，将观众甩在了身后。六十年代，"自由爵士乐"达到顶峰。"波普"、"比波普"、"酷"和"自由"派的相继出现为现代音乐的进一步"演化、试验和想象"铺平了道路。而后爵士乐该往哪儿走？这便是"否定-创新"中的第二个概念--创新。否定本身就意味着创新，然而创新即意味着又将有新的现象出现。爵士乐吸取了美国音乐中的所有营养后开始播撒全球。然而当它经过拉丁美洲时，这一刹那又为爵士乐增添了一页光辉历史。拉丁爵士--当今最受欢迎的拉丁音乐和流行音乐的最高统帅爵士乐撞到了一起擦出的火花都是带光环的。以节奏闻名的拉丁音乐加上还是以节奏为特色的爵士乐，因此，拉丁爵士的节奏性是任何音乐都不能与其相比的。特别是巴西的波萨诺瓦（Bossa Nova）将拉丁节奏曼波（Manbo）与冷爵士相结合，打击乐的色彩在切分节奏的衬托下一幅幅崭新的画面使人眼花缭乱。 七、八十年代，爵士乐进入"融合派爵士乐"时代，音乐家将摇滚乐、节奏、布鲁斯、芬克式低音以及流行音乐引入爵士乐，并在演奏中加入电子合成乐器。八十年代，爵士乐开始不断回归。 "融合"是为主流，而另一些音乐家重新回到波普以前去寻找灵感，"新波普"诞生。九十年代，"新经典主义者"创造出压抑的、节制的、经济的音乐，游离于爵士浪漫主义传统之外。 今天，几乎每一种爵士风格都活跃在舞台上。具有强烈持久生命力的爵士乐经过百年的演变和融合，早已突破了种族和国界的限制，在世界各地广为流传。今天，爵士乐的主要舞台也从美国移向了欧洲并扩展至世界各地，成为一种世界性的音乐，为各国音乐爱好者所喜爱。

四、爵士乐的各大流派 尽管现代的唱片界有时将爵士乐划分为传统爵士乐和现代爵士乐两类，其中传统爵士乐是指采用了4/4拍的行进性的管乐队演出相关工作的爵士乐，而现代爵士乐是指采用了贝斯演奏跳舞音乐的爵士乐。这种划分有时会显得毫无疑义，如果那这种标准来衡量，人们几乎无法判断肯尼 金是否比比赛希尔 泰勒的音乐更应属于现代爵士乐。其实传统和现代这两个相关的概念予以划分爵士乐的种类并不确切，这造成了一些既具现代风格又包含了传统风格的优秀作品无法分类的问题，因为爵士乐将近一百年的发展历程是连续不断的。各种风格流派也有其相互的联系，大体来说可以划分为以下十九种风格：

时间风格代表人物

1910'-1920'

Ragtime（拉格泰姆爵士）Carlos Barbosa-LimaDick BakerBurt Bales

1910'-1930'

New Orleans（新奥尔良爵士）Louis ArmstrongBig Bill BissonnetteHenry "Red" Allen

1920'-1930'

Classic（古典爵士）Coleman HawkinsFats WallerLouis Armstrong

1920'-1930'

Dixieland（迪克西兰爵士）Eddie CondonBob CrosbyCharlie Teagarden

1915-1960'

Standards（主流爵士乐）Bing CrosbyDee Dee BridgewaterNina Simone

1920'-1940'

Cool Jazz（冷爵士或西海岸爵士）Dave BrubeckLester YoungStan Getz

1930'-1940'

BigBand（大乐队）Frank SinatraBenny GoodmanDuke Ellington

1940'-1960'

Swing（摇摆乐）Count BasieLouis ArmstrongElla Fitzgerald

1940'

Bop（波普）Charles MingusOscar PetersonSonny Rollins

1940'

Latin（拉丁爵士）Tito PuenteRay BarrettoThelonious Monk

1940'-

Brazilian Jazz（巴西爵士乐）Lisa OnoAzymuthLuiz Bonf

1950'

Avant-Garde （前卫爵士）Cecil TaylorCharlie HadenMax Roach

1950'-

Post-Bop or Mainstream Jazz（后波普爵士或现代主流爵士）Elvin JonesGeorge BensonGil Evans

1950'-1960'

Third Stream（第三流派爵士）John LewisTeo MaceroGunther Schuller

1950'-1960'

Hard Bop（硬波普爵士）Art BlakeyElvin JonesThelonious Monk

1960'-

Free Jazz（自由爵士）Chick CoreaJohn ColtraneOrneete Coleman

1960'-

Fusion（融合爵士）Miles DavisMarvin GayeWayne Shorter

1970'-

Crossover Jazz（交叉风格爵士）Bill EvansGeorge BensonQuincy Jones

Vocal Jazz（人声爵士）Billie HolidayElla FitzgeraldGeorge Gershwin

下面我们将介绍几种比较有影响的爵士风格。

Swing 当新奥尔良爵士乐已经创造了即兴演奏的合奏之时，爵士乐在二十年代在美国社会逐渐流行起来，同时对于爵士乐的需要要求增加更多的舞蹈乐队。Swing 如果当成一个形容词，它通常是指一种感觉，一种对爵士乐的切分音的感觉, 因为重拍与古典乐不同而产生的一种swing 的感觉。 这种感觉, 通常成为判断一个音乐是不是爵士乐的标准之一 所以, 大家有时会听到这种话: Keith Jarrett 的东西还不够swing, 或是说, swing 不起来等等, 即是将Swing 变成一种判断的标准。三十年代的大乐团型式的那种东西,通常被称为swing, 或有人译为摇摆乐, 而三十年代同时也被称为 Swing-era。（也有人称三十年代中期到一九四六年为止。） 若说二十年代以前是爵士乐的草创期，则三十年代是爵士乐的流行期。三十年代初期，因为流行工业（如留声机、广播以及唱片）的发展，爵士乐的重镇从芝加哥移转到纽约，配合着为了从第一次世界大战后的经济萧条中站起来的美国消费界，爵士乐手一方面失去单独（或是小编制）表演的机会，一方面却也使得大乐团的表演型式更加流行。三十年代中期后，摇摆乐大乐团已是流行音乐中的大将，一直到四十年代中期，这股风潮才开始随着二次世界大占的终战退去。这段由摇摆乐大乐团独领流行乐界风骚的时期，就是一般所称的：摇摆时代（Swing-era）。在这一段爵士乐的黄金时期里，收音机传出的尽是摇摆乐大乐团的演奏录音，酒吧、舞场及其他表演场地里，尽是大乐团的天下，就在他们的乐音的搅拌之下，美国人民用狂舞来度过他们的经济低潮、工潮与世界大战。Count Basie的乐团可是一个极佳的乐团，除了有很强的节奏之外，特别是他团里出了许多著名的乐手，Count Basie的音乐及乐手，同时也成为日后bebop的一个前哨，甚至有人认为他才是真正的波普之父（The real father of bebop）

Bebop "Bebop"一词源出自爵士音乐家在练声或哼唱器乐旋律时发出的毫无词义的音节（或无意义的狂喊乱叫），是一种激进的新的音乐风格。波普爵士乐从四十年代初期开始逐步发展，在1945年左右迅速发展成熟。比波普的乐句经常在末尾以一个很有特色的"长一短"音型突然结束，而这个节奏又常被哼唱成"里波普"或"比波普"。这个词初次出现在印刷品上是作为吉列斯匹6人乐队于1945年在纽约录制的唱片曲名-《咸花生Bebop》。 Bebop发展于摇摆时代次中音萨克斯手Lester Young和Don Byas钢琴手Art Tatum和Nat Cole, 小号手Roy Eldgridge, 巴锡伯爵的节奏乐器组，还有Charlie parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, miles Davis和Bud Powell。 Bebop音乐通常由3至6人组成的小型爵士乐队演奏。他们不用乐谱，这一点正是他们用来对抗摇摆乐使用改编乐谱的准则。演奏的程序是先把旋律完整地演奏一次（如果是12小节的布鲁斯则演奏两次），接下来是在节奏组（一般是钢琴、低音提琴和鼓）伴奏下的几段即兴独奏叠句，再重复第一叠句的旋律结束全曲。节奏组自始至终重复着全曲的和声音型（包括变化音型），以保持乐曲的结构。

Cool Jazz 冷爵士乐是在四十年代后期和五十年代，从波晋爵士乐直接演化而成的，这种音乐风格基本上是波普爵士乐和摇摆乐某些被忽视和抛弃的特点结合的产物。不和谐的声音变得流畅自然，曲调更为柔和，编曲重新受到重视，节奏部乐器的演奏也更为和谐，有人称酷派, 有人称凉派, 主要是异于bebop的hot, 而较冷静的一种演奏风格。 五十年代早期, 有人受不了bebop 的那种压力, 便将 bebop 小小的改了一些, 将其中的那些快速的和弦变化和吹奏速度放慢一些 或者, 有的放慢很多。主要特色是不像bebop 一样有棱有角, 是较冷静而柔顺的一种乐风 一般是以西岸为根据地 所谓west-coast jazz 一般是指cool。 若要谈起源头，应该是1949年, Miles Davis 和 Gil Evnas 合作的- Birth of the Cool( Capitol), 但是跟上这种乐风的, 却大部分是以西岸的乐手为多。一般来说, 酷派的生命很短, 在五十年代成为一种主流的演奏方式, 但是很快的, 又被Hard-bop抢去风头, 但是酷派的一些元素, 还是会在一些乐手的东西里面跑出来。 Miles Davis 49-50年前段, Lee Konitz, 60年以前的Stan Getz的东西就算是酷, 可以参考。

Free 60年代是一个信仰破灭的黑暗时期，人们借助艺术来逃避对社会责任的监督和对自身欲望的追求，在所有的艺术形式中，爵士乐可能是一名最不羁的醉汉了。摇摆、冷却、坚硬和即兴，促使这种音乐的发展轨迹已无踪可觅，人们根本摸不清它明天会扑向何处。就在这种无所顾忌的放任自流里，自由爵士应运而生了。这种全新的音乐刚一出现，就深受广大爵士音乐家和爵士乐迷的喜爱。 自由爵士不同于以往爵士乐，在和声、旋律方面没有太多的限制，演奏者在演奏过程中可以自由、大胆、随心所欲的发挥。自由爵士具有全新的节奏概念，节拍、对称性被统统打乱，同时，它也强调音乐本身的强度与张力，加入大量的不谐和音，把非洲、印度、日本、及阿拉伯等不同的音乐融合到了一起，采用了印度的西塔尔琴、塔布拉双鼓、扩音拇指钢琴、警笛和大量的电子设备及打击乐器，因此，有些自由爵士乐队看上去就象一支非爵士的先锋派乐队。 自由爵士乐对60代爵士乐的发展起到了深远的影响。

Fusion Fusion是融合的意思, 所以, 其实任何一种音乐元素被加入, 都可以算是Fusion, 但是一般来说, fusoin是指涉:jazz-rock fusion, 其它如巴西音乐加入会称：bossanova, 俄国音乐会被称Russia- jazz 六十年代, 爵士的风光不再, 三十年代转开收音机收到的爵士乐, 在六十年代已被摇滚乐取代, 市场决定了乐手的生命, 所以, 面对商业压力, Miles Davis 开始在爵士乐里加入了摇滚乐的元素。摇滚乐和爵士乐都是来源于相同的根目录: 蓝调, 福音,工作歌与r&b,所以, 将这两个东西合起来的过程, 还算自然。至少在音乐内容上没有太大的翻转。 六十年代中期, 老麦的第二个五重奏的节奏组： Tony Williams就已经开始在他的鼓声中加入了一些摇滚的节奏, 到了六十年代中后， 许多人开始加入这个潮流, 著名的包括: Gary Burton, Larry Coryell, Herbie Hancock, Keith Jarrett, Freddie Hubbard, Charles Lloyd, Don Ellis 等等。 起带头作用的重要的专辑是老麦的三张: Filles De Kilimanjaro, In a Silent Way, 和BitchesBrew, 其中带入了摇滚乐的鼓法, bass的弹法亦有了改变, 电吉它及Keyboard 也加入了jazz舞台 这几张专辑的阵容包括Herbie Hancock, Chick Corea, Joe Zawinul, Wayne Shorter, John McLaughlin,Tony Williams 和 Larry Young, 这些人日后也都组了自己的Fusion乐团, 像Headhunter, Reture to Forever 等等。另外Joe Zawinul和 Wayne Shorter 合组的Weather Report也在音乐中加入了中欧的民谣音乐。 总之, Fusion代表了市场对爵士乐的迫害所找寻的出路, 吓走了许多基本教义派的爵士迷, 却也吸引了一些当时的新一代加入爵士聆听行列。

五、爵士乐的特点 爵士乐的特点之一是变化多端，首先是风格多样，100年来它几乎总在变，各类风格的爵士乐粗线条说有十几种，细线条的数不清。这也是流行音乐的一个属性。其次是演奏过程中的变幻，即兴演奏是它的典型特征。爵士音乐一般在大家的合奏中有一个主题的框架，然后又在一个固定的和弦变化之下发挥每一个乐手即兴的演奏水平，他们只有一个主旋律的总谱

马耶尔萨克斯好。马耶尔萨克斯产地为中国台湾，路易-阿道夫·马耶尔(Louis-AdolpheMayeur)是萨克斯在1864年聘请的在全法国、荷兰和比利时巡演的几个著名音乐家之一，以音乐会的方式展示萨克斯的乐器。