美术中风景题材和静物题材有何区别和联系

景物讲究主次，明暗，色调。风景更多表达各人情感，比景物更高一个层次，一条街，一片林，颜色都是五颜六色，怎么去取舍变化，达到一定的效果，比如城市接头的凄凉，故乡的淳朴，湖边的宁静，画的是情感。就好比梵高的星空。用自己对色彩的理解，去表达强有力的画面。更能能震慑人心。如果是初学，要懂得取舍，别看到什么都画进去，别没看到的不画进去，假设你画一条村路，到处垃圾肯定不画进去。

1、有远有近有虚实。

（1）如果我们在拍摄静物时，背景是纯色的，那在摆放静物时，可以把静物摆出有远近距离的感觉，这样对焦在前景，或者对焦再好远景，都会有一个被虚化，照片就会有虚实，有主次。

（2）如果背景不是纯色的，那在拍摄时，让前景主体离镜头近一些，让背景离前景的主体，以及距离镜头远一些，这种情况也可以把背景拍成虚化，让主体景物更加突出。

2点变线可斜可直。拍摄静物也会遇到小元素比较多的情况，很容易拍乱，让画面看起来没有秩序。

静物之美是指光影美。

静物摄影的光影之美。光是摄影的灵魂，光在物体上投射下的影调与色彩相比，是一种更为单纯有力而又细腻古典的艺术语言。在彩色胶片产生之前，黑白摄影已经成了无数经典作品，直到今天他仍然保持着经久不衰的魅力，其原因就是它充分体现了摄影的光影之美。

光和影都是“有像无体”的物质，光影扑朔迷离，捉摸不定的变化，能给摄影作品带来奇妙的趣味。因此光影是摄影艺术中既独特又丰富的一种艺术语言，巧妙的运用光影手段，可以极大的增加作品的艺术感染力。

在静物的摄影中，色彩不仅具有真实对象的再现，一旦注入摄影者的情感，更能调动感染观众的情绪。每一个色彩都具有它的象征的鲜明的个性。比如，红色让人感觉喜庆，欢乐，紫色让人感觉神秘。暖调让人感觉热情温暖，冷调让人感觉安静，清爽，冷静。

在静物的摄影中，色彩不仅具有真实对象的再现，一旦注入摄影者的情感，更能调动感染观众的情绪。每一个色彩都具有它的象征的鲜明的个性。比如，红色让人感觉喜庆，欢乐，紫色让人感觉神秘。暖调让人感觉热情温暖，冷调让人感觉安静，清爽，冷静。

中国古典诗词用词凝练，意境含蓄，诗画合一，形象生动的特点在交流中融入了英美现代诗人的诗歌创作中，我们先来比较下面的两首诗：饮酒（晋）陶渊明

结庐在人境，而无车马喧。问君何能尔，心远地自偏。采菊东篱下，悠然见南山。山气日夕佳，飞鸟相与还。此中有真意，欲辩已忘言。

茵纳斯弗利岛

（爱尔兰）威廉·巴勒斯·叶芝

我就要动身去了，去茵纳斯弗利岛；

搭起一个小屋子，筑起泥巴房；

支起几行云豆架，一排蜂蜜巢，

独个儿住着，荫阴下听蜂群歌唱。

我就会得到安宁，它徐徐下降，

从朝雾落到蟋蟀歌唱的地方；

午夜是一片闪亮，正午是一片紫光，

傍晚到处飞舞着红雀的翅膀。

我就要动身去了，因为我听到，

那水声日日夜夜轻拍着湖滨；

不管我站在车行道或灰暗的人行道，

都在心灵深处听见这声音。①

从上面的两首诗我们可以看出，两者的意境和用词是非常相似的，“结庐”与“造屋”如出一辙，“采菊”与“种豆、养蜂”异曲同工，“山气”与后一首的中间四句的意境完全可以互相补充。两位诗人所要表达的意思都是要离开这个充满痛苦的红尘世界，去过世外桃源般的生活，表现了宁静致远的思想和远离尘嚣的真意。从写作手法上看，两者都用了近乎白描的艺术手法，没有加入主观色彩，客观真实地描写景物，直白地道出胸臆。这至少可以证明中西方文化之间是有共通性的。

两首诗所表达的飘逸、洒脱的意境在古典诗词和英美现代诗歌都是屡见不鲜的，从李白“笑而不答心自闲”到杜甫“千秋万岁名，寂寞身后事。”，还有更多的例子举不胜举，而英美现代诗歌中不乏其例，如T·S·艾略特著名诗歌《荒原》就是一个很好的例子，它充分表现了这样的意境。

在艺术表现手法上，两者也有许多共同点。中国古典诗词最大的特点是含蓄，生动凝练。气氛只用寥寥数字便可烘托，意境只需片言只语就可表达。英美现代诗歌的创作显现出含蓄、凝重、集中、富有感情的特点跟他们的诗歌理论受中国的影响有很大的关系 ，甚至一些表达方式也基本相同。埃兹拉·庞德的名震西方诗坛的两句短诗《在地铁车站》含蓄、凝练，令人回味无穷：

这些面庞在人群中涌现

湿漉漉的黑树干上花朵瓣瓣

这与中国古典的“人面桃花相映红” 、“杨柳青丝” 、“梨花带雨”的意境是大致相同的，反映出中西文化交流的结果。但笔者个人认为，西方的诗歌这些比喻所表达出来的意境没有中国的那么美，那么让人富于想象。诗歌很形象地再现了那些漂亮的面庞在人流中涌现的情景，但缺乏了一个让人思绪飞扬的空间，语言上也欠缺了美感。这与中西方的思维形式不同有关，本文将在后面论述。

（三）不同之处

比较可以看出共性，也可以看出个性。中西诗歌虽然在渊源上能找到一定的源头或能证明两者之间的关联与影响，但在比较之中我们还是不难地发现两者的差异。存在这种巨大的差异是由其本质不同、思维形式不同带来的。

中国诗词善于写景抒情，以写景烘托气氛或造出意境，而英美诗歌则注重描写景物在人们心里唤起的反应，从此来表达自己的主观意识。这是由两者不同的思维模式造成的差异。中国人注重表现，西方人注重再现，这种思维模式指挥下发展而来的诗歌文学理论和诗歌创作自然大不相同。以中国为代表的东方，形成了意境说、教化说，西方则形成了典型说，因此中国的诗词更注重的是一种意境的创造，追求言已尽而意未尽的效果，让人有无限的遐想空间，这种诗歌的出现是因为中国古代传统的思维方式是感悟式直觉思维方式。即使到了现在，中国人写诗歌依然追求意境的营造，如果说得太白了，就没有意思了，当然当代一些新新人类作家的作品追求一种直白，则是另外一回事，并不能一概而论，毕竟这些人并不代表中国诗歌创作的主流。

中国诗词讲究含蓄，以淡为美，而英美诗歌则比较奔放，以感情激越为胜。很突出的例子就是对待爱情方面，中西方的诗歌特点在此能得到完全的体现。中国诗人描写爱情“才下眉头，却上心头”，始终不把那种爱表达出来，而西方诗人会高喊“你是我的太阳，爱情之火烧得我浑身焦灼。”这种直言不讳中国人是很难接受的，产生差异的实质在于彼此的审美取向不同。

另外，中国诗词多以歌颂为主，而英美现代诗歌多以揭露为主。中国诗词或托物言志，或借景抒情，永远把诗人的情感埋藏于诗词之中，只有通过“感悟”才可能感觉出其美，最突出的例子莫过于马致远的《天净沙·秋思》，他几乎没有用一个表达感情的词语，只是把“枯藤” 、“老树” 、“昏鸦”简单地排列在一起，寥寥几笔便勾勒出一幅凄凉寂寥的景象，后面两句把七种静物列在一处，却恰如其分地渲染了寂寞、惨淡的气氛，“夕阳西下”更是给整幅画面涂上了一层昏黄的颜色，最后一笔带出“断肠人在天涯” ，感觉上前后好像并无直接联系，但感情是连贯的，思路也是连贯的，读者一口气读下来，仿佛自己就是诗人所描绘的画中的游子，引起强烈的共鸣。然而十种静物的并列，虽然没有任何的主观感情，却比再多的语言都要强烈地表达了一种孤寂凄清的感情，这正是中国古典诗歌的魅力所在。相比之下，英美现代诗歌强调写资本主义社会中畸零人的心理，比较直率地把诗人的所要表达的意思表现出来，直抒胸臆，而毫无造作，言尽而意亦尽，回味的空间相对缩小了，但这样比较符合西方人的心理特征、思维特征。

　导语：对于摄影新手来说，想要进一步提升摄影的技法，最简单的办法就是拿着相机对着日常生活中常看到的小物件东拍西拍。对于拍摄人像或是风景来说，有可能有较多无法掌握的因素，但是对于静物摄影的各项变化因素，是我们相对比较好掌控的。例如在拍摄场景中，如果光线太暗，只要把被摄物体搬到有光的地方就好，或者是用闪光灯来进行补光等。

教你如何拍好静物摄影技法分享

　这静物摄影说简单也简单，可是要把静物拍出与众不同，拍出意境，也不是一件轻而易举的事情哟。下面笔者就跟大家分享一些可以拍好静物的技巧，希望可以帮助您对静物摄影有更深一步的认知和了解。

　主题的选择

　对于拍摄主题的选择，拍摄什么样的照片完全取决于你自己的兴趣。但是千万不要以为自己一定要像其他人一样拍摄水果或者鲜花一类的，可以开放性的选择拍摄对象。比如首饰和现在市面上流行的彩石都是常见的装饰品，它们较为小巧，而且样式种类较多，从它们开始下手，也是不错的选择哦~

　拍摄银饰手链这类饰品，可以用大光圈拍摄把背景散景化，便可呈现出一个个发光的小圆圈，为增添美感。

　对于具有名族风的饰品，可以搭配一个陈旧的化妆盒，让呈现出一种怀旧风。

　这些平时不起眼的小彩石被单反相机放大的呈现出来，每一个都具有它独特的色彩和纹理，仔细观察是不是也别有一番趣味呢

 

　把你想说的话通过上面的拍摄方式呈献给你心爱的他(她)吧~

　对于拍摄这些小物件来说，拍摄时要作近距离摄影，因此使用的器材应从近距摄影的角度来考虑。所以对于镜头的选择，笔者建议选用中、长焦镜头或者微距镜头。使用中、长焦镜头时，镜头与被摄体的最近对焦距离可稍大，布光比较方便。但如果您对拍摄画面的细节要求高一些，那就应该选用微距镜头来拍摄。

　正确使用背景

　选择一个好的背景对创作一件成功的作品起着非常重要的作用。对于静物拍摄来说选择的背景最好能够简单而且漂亮，这样不会对你所拍摄的物体产生很大的影响。一面淡雅素色的墙是比较不错的选择。

 

　白色的背景墙，使整张看起来简洁大方。

　如果你想使画面看起来颜色更加丰富饱满，不妨找一些和实物相匹配色调的背景或者是反差大的背景。

 

　具有沧桑感的背景墙与前景的和谐搭配，使画面看起来更加饱满。

　对于拍摄戒指类的银饰，可以选择颜色反差较大的亮色背景，便可凸显出银饰的质感，且令画面看起来不那么单调。

　对于一些比较小的实物，有可能用不上使用背景，所以我们可以使用一个衬底来代替，例如黑色的天鹅绒会是不错的选择，因为它能够吸收光线，使衬底看起来是纯黑色的。

　构图

　对于静物拍摄来说，它不局限主题元素的个数。所以构图就显得尤为重要。在拍摄前应该充分考虑如何使你的作品做到各种元素的最佳组合，既可以让画面看起来充盈，留白适当，也能抓住观众的视觉焦点，不使画面看起来散乱。下面笔者就给大家介绍几种静物拍摄常用的构图技巧。

　1三分构图法

　三分构图法在摄影中是最基础也是最为安全的一种构图方式。将画面的上下左右各平分为三等份，他们的四条等分分割线相交成四个点，这四个点被称之为趣味中心点，是安排作品的最佳位置。

　摄影中常用到三分法构图。

 

　2散点构图

　对于拍摄非单一物体来说，散点构图是静物摄影中最常用的构图方式。散点构图是把物体布满整个画面，不刻意去突出某件物体，完全是自由松散的构图结构。通过疏密或色调去组织画面，使无序的画面置于有序之中。这种构图方式可以充分发挥拍摄者的创作空间，不过要使画面看起来不过于凌乱，各位朋友还得下一番功夫。

　运用散点构图法的时候切记不要把物品集中堆在一起，这样会使画面看起来比例不和谐。

 

　3对角线构图

　对角线构图是很有视觉冲击力的一种构图方式，动感最强。如选用的得当的话，拍出来效果会非常好。

 

　4三角形构图

　三角形构图通常是以三个相同性质的主题构成画面的三角形整体。由于三角形的三条边是由不同方向的直线合拢而成，而不同的线条组成不同的形式的三角形，产生不同的趋势和变化，会给人带来不同的感受。

 

　三角形构图拍摄，可使的主次分明，疏密相间。

 

　5对比构图

　对比是构图的一种表现形式，对比的极化在摄影中被广泛应用，例如色彩对比、质感对比、大小对比、阴暗对比等等，比比皆是。但是这种构图方式也最难拿捏，能成功运用对比构图的作品多数不凡。有一定摄影基础的朋友不妨多多尝试。

　实色的葡萄与透明的器皿形成对比，玻璃的光滑材质与底布的褶皱形成对比。

 

　光滑表面的金属质镜子和布满纹理的木板形成鲜明的对比，这样的拍摄是不是多了几分趣味性呢

　光线的运用

　静物摄影的主要表现是突出物体的质感，要将其表现出来，除借助于某些道具外，关键在于光线的运用。静物摄影中常用到的光线有直射光、柔光、侧光以及顶光。

　1柔光的运用

　在静物拍摄中，打柔光是经常会用到的一种用光方式。它不局限于拍摄某一类物品，只要你想让你的影像表现出朦胧柔美的情调，便可使用这种用光方式。

　柔光拍摄中会使用到柔光罩。

 

　2直射光的运用

　直射光适合于表现一些质硬的物体，会给观者带来一种明了、强悍的感觉。

 

　直射光可展示硬质物体的金属质感。

 

　3侧光

　正面光由于不利于表现物体的立体感，所以一般多用做辅助光。侧光则立体感表现较好，也最适宜表现物体的质感。因此，静物摄影中最常用到的就是侧光。

 

　对于拍摄瓷器来说，宜以正侧光为主，柔光和折射光最好同时应用，在瓶口的转角处保留高光，在有花纹的地方应尽量降低反光。

 

　4顶光

　顶光最近似于太阳光照射的`方向，所以这样的用光方式可以模仿阳光投射的效果，并且使拍出来的照片有一种高光感。不少作品采用这种光做主光。

 

　在很多摄影爱好者的印象中，认为光线越复杂越好，喜欢把所有光都照射到被摄体上，其实这是错误的，因为这样不但不能体现出光的层次感，相反会给人留下乱糟糟的感觉。

　最后笔者再给大家提个醒，在拍摄中不仅布光要合理，使用光线的先后顺序也是很重要的。首先要重点把握的是主光的位置，然后再利用辅助光，来调整画面上由于主光的作用而形成的反差，突出主题的层次，控制投影。

　色调与情感

　一幅优秀的摄影作品不仅只是记录下真实，更重要的是它可以让观者感受到它想要表达的情绪。色调是表现情绪的主角。好的摄影作品通常可以传递给观者情感。

　静物摄影常从道具、色彩的选择，灯光的布置以及背景的取舍去营造不同的色调，表现不同的情绪。有时在一个色调中有一点对比强烈的色调，犹如柔和的乐曲中插入一句悦耳的高音，特别提神，静物摄影中也常采用这种手法来表现主体。

　充分运用到色彩是笔者较为喜欢的一种摄影方式。着重表现元素的色彩，使之为画面增色，营造意境。好的照片一定要让观者有想象空间，例如上图的高跟鞋让笔者想到了女人，它随意摆放的姿态仿佛像一个性感尤物慵懒的坐在自己的心爱的玫红色宝座上，在等待着她的梦中情人为之宽衣解带。整张凸显的冷艳高贵之感不言而喻。

 

　暖色调也是静物拍摄中常用的一种色调，它色温柔和，会给予人一种想要靠近的感觉，通常被用来拍摄具有怀旧风格的影像。例如上图，铜制怀表、皮革记事本、小的铁质物件、随意蜷缩的图纸，整幅图配上暖色调，宛如呈现出上世纪二十年代美国富豪的书房一角。

　以上就是笔者为大家分享的静物摄影的技巧了。一旦你掌握了单个实物的拍摄技术，尝试着几个实物一起拍，最好几个实物形状、颜色、纹理都不同，看看你是否能拍出好的效果。所以还在等什么，设置好你的相机，布置好你的背景，调整好合适的光源，找一个独特的迷人的物体，开始摄影吧!

静物画通常表现的均是我们日常生活的实物，这些看似不起眼的物品，需画家自己的画笔去塑造、去美化。这就要求作画者的在作画的过程中，注重以物传情，情寓画中，作画中应善于挖掘自然的本质与人精神世界的联系，以达到充分表现个人的思想意境的目的。同时，还应在其小小的画面中强化情感与表现形式的统一，对不同物体采用不同的表现手段。如画一组陶瓷静物，就可以用古典主义写实的方法来表现。在具像写实的基础上，结合作者的再创作去表现主体是较为适宜的。

瓷器是我国经过千百年的反复锤炼而产生的，它无论在造型还是纹样上可以说均是精美绝伦的佳品，用现代手法的抽象或其它形式去表现固然可以，但要想达到陶瓷本身完美的境界，具像写实的效果是其它各种方法都不可代替的。古典具像写实技法有利于深入刻画物体本身的质地、光泽，它较为细致、深入，造型严谨准确，虚实空间合理而尊重现实，用这种方法表现出的物体凝固、庄重、稳定，而在表现强烈阳光照射下的松软物体如日常食用的面包、柔软的毛巾、海绵等，因阳光中冷暖分明，色彩丰富，而物体本身质地柔软，这时用古典写生的方法去表现感到僵硬而死板，用印象派绘画方法去塑造这些物体效果会更好。

印象派绘画色彩灿烂、丰富、冷暖对比强烈而不失和谐统一，印象派绘画结构自然、流畅，适度的虚实对比和有节制的夸张手法客观而生动，用这一方法表现的画面活泼自然，生动而富有生命的感染力。现代绘画手法各异，表现形式多种多样，亦是静物创作的首选，后者作者可依据而有所选择地进行。总之，静物画创作是一门科学，它是集个人性格、爱好，所处环境和社会背景及技法决定的，它不是异想天开，亦不是随不是手就来，只有经过大量的反复实践才可获得。

●《静物》(法国)夏尔丹(1699～l 779)(油画)

夏尔丹出生在巴黎，立身之初经历颇为艰辛，后终于成为成功的画家。他的绘画题材广泛，人物、静物、风俗无所不包，都深切地体现着他与下层劳动人民的深厚感情。后来夏尔丹受荷兰静物画的影响，专以精细地表现金银器皿的质感为能事。有一位法国评论家说：“在夏尔丹之前，法国只有静物。自从有了他，才开始了‘静的生命’，就像英国人和德国人对静物(still life)那样。”这一评语形象地称赞了夏尔丹静物画的魅力。他的静物画尽量还静物以本来质朴的面貌，不用浓艳的色彩和闪光的器皿摆设，有一种粗糙朴素的平凡生活趣味。

1730年以后，他所表现的静物对象是属于中产阶级厨房里的普通用品，那些极其平凡的厨房器物，一旦再现在画上，它们的幻象显出很强的“生命感”。正如这幅静物、整个画面笼罩在一片温暖的**光晕之中，笔触粗糙但并不失其细腻味道，似有皴裂痕迹，但生动、朴实无华。静物排列疏密有致，并未停留在一般“再现”层次上，而是充分融入了画家对所描绘事物的深切真挚感情。他认为，经过推敲的静物构图，不但要使所画的静物可信，还要让它们具有光与色的丰富表现力。这幅作品所体现的美感也正在于此。