一首歌的感情色彩，是由什么决定的，主要说一下，调式，和弦，还有节奏的运用关系

　　音乐的物质材料和形式要素相关资料

　　各种样态的声波振动，是音乐赖以存在的物质材料。它们是人类运用各种物质手段而发出的，其中，既包括人类天生的器官(发声器官、四肢等)，也包括人类所创造的各种器具。人类之所以会造成某种样态的声波，一方面取决于物质条件（生理或生产条件）所提供的可能性，另一方面也受听觉审美需求的引导。古人最初追求乐音的纯净性和音程关系的协和性，很可能是由于受到某些狩猎工具（如猎哨、猎角、弓弦）所发乐音和某些鸟类啼鸣的启发，在自然界的天籁中，具有纯净、协和这类性质的音响和这种声音的泛音列，使人感到悦耳动听,人们才会去追寻、探求,创造各种器具将其模仿、再现出来。人类对声波样态（作为物质材料）的审美追求，推动了歌唱技术、乐器制作技术（作为物质手段）的发展；反过来，新的发音器具（新乐器、电子合成器等）的创制，又提供了获得新的音响材料的可能性；材料与手段的交互作用，模仿与创造的辩证结合，使音乐所运用的物质材料不断丰富提高。

　　乐器是人类所创造的发音器具，当代的乐器学已经根据声学原理把乐器分为五大类（体鸣、 膜鸣、 弦鸣、气鸣、电鸣），形成科学的系统。但从人类学的角度看，从人类运用发音手段以支配音响材料的方式这一更广的角度看，可把发音手段区分为如下三类：

　　第一类发音手段，由人类天生的器官、肢体构成。其中主要的是人声歌唱所用的整套器官，由于它的复杂的生理结构和丰富的性能，使运用人声的歌唱艺术（声乐）成为音乐表演艺术的一大重要门类。此外，口哨、拍手等发音手段，在初期的舞蹈中，曾有过重大的作用，其后由于各自的局限性虽都不占主要地位，但在音乐基础教育的节奏训练中，拍手仍有其重要价值。

　　第二类发音手段，由人类运用天生器官、肢体直接激发与控制乐器构成。其中由呼吸器官用气息激发声源的是吹奏乐器（管乐器、气鸣类乐器）；由手的动作激发声源的则有：以摩擦发音的弓弦乐器，以弹拨发音的拨弦乐器，以敲击发音的击弦乐器和体鸣类、膜鸣类乐器。上述发音体中，凡是音域宽广，音位齐全，音色富于变化，声学性能丰富，乃至能同时奏出几个不同乐音的，它的艺术表现力就强，演奏技巧就发展得高超。中国传统乐器琴、筝、琵琶、二胡、笛、箫等，现代乐器提琴、竖琴、圆号、小号、双簧管、单簧管等，都各自形成一整套演奏艺术。

　　第三类发音手段，是在人类天生肢体与发音体之间介入一系列部件而构成的复合系统。其中首先应当提到的是带有键盘装置的乐器，如管风琴、钢琴、手风琴、电子琴等。键盘作为人类手指的延长，使演奏者的手可以发挥好几倍的效能，能够同时奏出许多乐音，并可自由地选择它们的组合方案，它向人类提供了发展多声部音乐思维的条件。在工业文明条件下，人类可以进一步利用机械和电声手段自动化地演奏音乐，八音盒、音乐自鸣钟、唱片唱机、磁带录音放音机等，仅仅是这个等级里的历史前奏，当电子乐器开创了用电子技术模仿乐器音色和探寻新鲜音色的先例之后，真正成熟的自动化电鸣演奏是通过电脑（计算机）控制电子合成器进行音乐表演，甚至进行音乐创作的实验。

　　当人们把任何一首优美动听的乐曲象分解化合物那样拆成各种元素时，会发现构成音乐的基本要素是十分简单的，不外乎音的高低、音的长短、音的强弱、音色的差异而已。由这些基本要素互相结合，形成一些常用的形式要素，例如节奏、句法、音程进行、和弦、调式等；由这些形式要素进一步构成一些形态侧面，例如曲调、织体、和声、曲式等。音乐艺术品就是由这样一些侧面综合而成的。

　　节奏是音乐最重要的形式要素，从最早期、最幼稚、甚至没有明确音高的原始音乐起，直到最复杂、最丰富、含有和声、复调的多声音乐，都离不开节奏。在节奏中，实际上包含了音的强弱和长短两种不同的简单基本要素在内。节奏的最小单位是节奏型，不同的节奏型有不同的性格和表情，它们好比是音乐生命体上有活力的细胞。一连串的节奏型前后相继时，通常由节拍把它们组织起来（散板除外）。节拍是要求重拍周期性地出现的强弱配置规律的格式，它作为一个潜伏在低音区或隐藏在欣赏者内心中的规律性框架，起组织节奏型的作用。节奏型的多样性和重拍周期的统一性结合在一起，大大加强了音乐的艺术魅力。

　　与节奏节拍密切联系的是速度和力度。从音乐可以表达什么样的情感内容这个角度来看，速度和力度具有特殊的作用。假如把一首葬礼进行曲用快两倍的速度来演奏，它就不再具有沉痛哀悼的情感内容了；又如把一首乐曲中经过渐强发展、引出凯旋主题的段落，改为渐弱来演奏，它也就会不再具有欢庆凯旋的意味了。这是因为速度的快慢、力度的强弱都有助于表达音乐作品中某种性格和表情。速度的准确和力度的恰如其份，是音乐表演艺术中头等重要的问题。

　　由节奏组织起来的一系列乐音，在高低方面呈现出有秩序的起伏呼应，就形成了曲调（旋律）。曲调是音乐的各种形态侧面中最重要的，被誉为音乐的灵魂。任何一首脍炙人口的世界名曲，首先是在曲调上有动人心弦的艺术魅力，才能使人喜爱，经久不忘。曲调有不同的类型，一类是吟诵性的，一类是歌唱性的，还有一类是器乐化的。曲调在音高方面的横向组织，可以区别为浅层和深层两个层次：浅层就是音程的进行，即使是缺少音乐修养的人，也能凭听觉直接感受到一串旋律音程的不同样式：上行、下行、级进、大跳、小跳等连缀起来形成的音调；从深层来看，不同音高的音在音乐艺术品中,有支柱音与非支柱音的区别，有静与动的区别,在动的性格中还有支持性与对比性的区别，又有阳刚与阴柔的区别……。这些细微、奥妙的形式要素与表情手段，都由调式理论加以阐述。

　　由音高与节奏两方面的横向(继时性)组织综合在一起构成曲调以后，音乐的形态就呈现出一定的乐节、乐句和曲式逻辑。不同的乐句，除了在幅度的长短方面有其规定性外，还在结束音方面有其特征。各个乐句用相同的还是不同的结束音，不同的结束音相互间要求有什么样的音程关系，这些都影响到曲调的表情性格。曲调中相继出现的各个部分的形态样式彼此间的相同与相异，形成逻辑因素，例如最简单的“问答式”句法，进而有“正反合”结构、“起承转合”逻辑模式等等,都是凭听觉直接可辨的。相同或大同小异的音调材料的重复，显示肯定；相异或大异小同的音调材料的并置，显示否定；处于这类逻辑关系中的各个音调材料可以按某种格式加以布置，这样的布局格式就是曲式。

　　和声是音乐的又一重要形态侧面，它的素材是音高之间的纵向(同时性)组织，在纵向组织基础上形成更高等级的横向组织(和声进行)。在一些古老的民族中，可以发现各具特色的民间合唱，如中国的侗族、壮族、瑶族、都有多声部民歌在流传，几条旋律线按某种音程关系作纵向的结合，形成和声效果。但是朴素的民间合唱仅仅凭习惯选择了和声手段中的一小部分；至于把和声手段作为一个独立的形态侧面来开发它的表情力量，在掌握规律的基础上运用自如，则是到近代才发展起来的。

　　当音乐形态从单声部发展到多声部以后，在形成和声手段的同时，也形成了织体手段。如果同时演唱演奏的是几条各有自己独立个性的曲调，就形成复调性织体；如果几个声部中只有一个具有独立个性，其余的都是为烘托它而结合成各种和弦的，就形成主调性织体。主调织体是一个大类，在它下面，还可以由于陪伴声部的厚薄、节奏、音型的不同，以及它们与主旋律声部在音区与节奏上的不同关系而形成许多织体小类。各种织体都有自己的表情性能。

　　音色，是音乐形态中直接作用于人类听觉器官的、最为感性的要素。人类只是到了近代才学会从物理学的角度，用声谱分析的方法来描述每一种音色的构成。仅凭听觉的直感分辨各种音色以及它们的表情性能，是古代音乐家们早已具备的本领。音乐的表演艺术，无论是声乐还是器乐，都在追求美好音色上花费了大量功夫。表现在人声歌唱中的音色，是最为丰富和多彩的。除了男高音、女高音、男低音、女低音等不同的声型分类外，每一个歌唱家的发声都具有各自不同的音色特质，在中国的戏曲和欧美的歌剧中，不同类型的角色使用不同的音色和表演风格，更促使声乐艺术呈现极为绚丽多姿的面貌。在器乐领域,每一种新乐器的发明,都给人类带来一种新的音色；乐器改良工作的重要一环，也是为了追求更加美好和纯净的音色。各种民族乐器所特有的音色常常唤起本民族人民特殊的情感共鸣，带来特别亲切的精神交流，这是音色手段具有特殊审美价值的例证。自从人类学会运用电子振荡器发出声波以来，人们除了用它模拟各种喜爱的音色外，还致力于开发闻所未闻的崭新音色，以扩大音乐的表现力。音色的创造和运用，也是作曲技法中的一个方面。在配器法中特别讨论到各种音色的选择、配合，通过乐器组合获得新的音色，以及运用织体、和声手段创造新的音色等。

　　音乐的基本要素是简单的，由基本要素所构成的各个侧面的样式形态却是无限丰富的。它们是在人类文化发展的历史过程中逐渐形成和积累起来的，其中不仅有专业音乐家的创造，更有广大人民的创造和积累；正是由于各民族各地区的人民群众在漫长的历史年代，以自己的生活和艺术实践使音乐呈现出种种鲜明的民族性和地区性特点，世界音乐宝库才能达到今日的壮观规模。

T1（第一梯队）。1992年起完美喉位、腔体共鸣。早期拉胯，喉位不稳，音色喑哑；中期中音区惊艳，但鼻腔过重。

张国荣具有音乐天赋。他的唱功，随着二十多年的练习，处于一个不断进步的阶段。

早期1977年具有十分明显的年代局限性，1983年，成为职业水准 。1992年后，系统学习京剧唱腔后，趋于完美。稳稳T1。

张国荣初出茅庐时十分拉胯， 喉位不稳，气息不足，肌肉撕扯，音色喑哑 。中期，增加了 鼻腔加大音色共鸣 ，发音点和喉位逐渐稳定，在当时算得上中音区表现不俗，代表作《沉默是金》。后期，93年之后更进一步，掌握科学发音，踏入T1。

以下分阶段讲解：

出道：1977年多利宝时期：英文中低音具有一点天赋，高音拉胯

1977年，张国荣参加一个业余级歌唱比赛「丽德电视亚洲歌唱大赛」。演唱歌曲为《American Pie》最终获得亚军。说一个趣事，当年的冠军钟伟强在三十多年后，参加了《中国好声音》，还说过张国荣曾经败给他的事情。这一首歌本该有8分钟，但是张国荣只唱了5分钟。

以下来具体分析音色、腔体和音域；

音色：发音为英文，不得不说，开口前三句的音色体现，十分完美。英文的发音点十分合理，声压正常，发音点集中，喉位正常。 音色明亮，听起来像极了一个口音地道的美国人演唱 。对一个21岁的年轻人而言，十分不错。

但是随着进入到 B段时，节奏变快 。张国荣整体音色开始变得 趋向喑哑，肌肉开始紧张，喉位开始变化，导致音色质量变得越发浑浊 ，质量过低。其实这个阶段的音高并不高。只是进入了C4阶段。总体听下来，这个阶段的张国荣显得过于稚嫩。

腔体： 舌根音并未处理好，喉位不稳 。

与音色相同，腔体共鸣上中低音问题不大，甚至于中低音听上去，现场听觉很悦耳。这种腔体平衡，体现在 英文咬字 和 发音区的优势 上。作为线性音乐语言，张国荣选择英文具有很好的优势。这部分的腔体没有问题，不考虑 情感 性表达，是十分不错的。

进入C4，直接拉胯 。 喉位开始移动，腔体平衡打破， 具体体现在肩部和胸腔肌肉忍不住地紧张，带动声带紧张，无法松弛，在快节奏下共鸣缺失。越发喑哑，质量越发下降。

我们以上下共鸣区为例，具体探讨这阶段的张国荣的腔体问题。

下共鸣腔：腹腔、胸腔。咽喉、口腔。

腹腔处于胸腔的牵带状态，未达到主动控制，但也并未出现阻隔状态。

胸腔过多，这是当时的唱法主流， 以加强胸声增加声音质感 。这种胸腔控制过多，让中低音可有拥有很好的胸声支撑点，这是张国荣的部分优势。在中低区凭借胸腔支撑拥有着很好的声线体现。同时也是他的劣势，在高音区，他依旧保持了较大的胸腔力道。

这个时候， 气息开始紊乱。支气管附近肌肉和肩部肌肉带动咽喉肌肉紧张 。同时腹腔气息开始快速消失，气息支撑不足。体现结果结果就是高音喑哑，发音点和喉位开始剧烈晃动，不觉被听觉审美。

这个力道过大破坏了他的整体乐感。当这一段高音演唱过去后，重回缓慢的音乐状态，他又开始回归了正常状态。但在最后一个音上，却再度压低喉位。个人认为，这个阶段的张国荣缺乏系统声乐认知，他的喉位一直不稳。并没有意识到喉位对于声线的认知。

音域：

这首歌的音域不高，最高音在E4，但是张国荣自己加花， 唱了一个转音D#5，我对此只能说两个字：车祸 。

这个转音，直接让张国荣的冠军拱手让人。毫无音乐审美，干涩、生硬，没有共鸣。也没有任何质量可言。在音域上，张国荣的优势应该是在C3-B3的中低音区。高音区少碰为佳。

1983年《风继续吹》：找到了自己的优势音区

1983年，加入 华星唱片， 发布《风继续吹》专辑，同时这一张专辑的主打歌 《风继续吹》成为了张国荣的事业转折点 。

这一首歌，很有意思。 大量音集中在C3-B3，最高音不过F4 ，出一个常人都能演唱的阶段。这个音域的选择，就是属于为张国荣量身打造的音乐，张国荣的中低音区优势在这一首歌之中得以展现。

1983年，距离 许冠杰全面打开粤语市场还有3年 。这时候的张国荣发行的这一张情歌专辑，完美填补了许冠杰的音乐空白，一举占据了大量音乐市场。从这一张专辑开始，张国荣进入成熟阶段。

一下来具体解释音色、腔体，看一看进步和不足都在何处。

音色： 声线统一 。 中音质感体现出，一点忧郁风，自然体现 。在高音质感上，还是有一点问题。我个人觉得，张国荣的粤语发音，不如英语平稳。或者说，张国荣对于粤语的腔体共鸣有些不到位，影响到了他的音色体现。这个问题，在后期得到了比较好的解决。但是在这个阶段，十分明显。

通过倾听：“你也令我痴痴醉”的“痴痴”两字，有着明显的过于靠前，这实际上属于腔体共鸣理解不足的表现，实际上应该是贴着后咽壁发音，增加包容感，降低突兀感。

但是由于这个阶段的，由于当时的听觉潮流大多集中在鼻腔。无意之中，不断强化。造成咬字过于紧张，影响到了腔体共鸣的统一性。

腔体：形成了自己的 情感 理解；从这里开始，张国荣正式踏入T2阶段，也是职业歌手水准。

在此阶段的腔体上，张国荣已经形成了围绕鼻腔延音的一套自己体系。

具体为：下共鸣腔： 腹腔放松，以胸声为主 。在低音区加强腹腔气息控制，形成颤音和 情感 点缀。在其他地方，仅仅作寻常的腔体支持就行。胸声占据主体地位，胸声和鼻腔共鸣作为主要共鸣腔。胸腔提供质感，鼻腔提供主要共鸣空间和延音。

上共鸣腔：上颌窦半开状态，在高音区进行打开，在中低音区不碰上颌窦。

以上这种体系，在90年代，极为吃香。许冠杰，刘德华也多是如此。虽然不够科学，但是符合当时的听觉审美。这种唱法就体现出，高音的尖锐性，C4-F4的音高音色会和普通腔体具有一点一色差别，而这种差别恰恰是和歌曲 情感 搭配是具有推动作用的。

1992年，和许冠杰合唱《沉默是金》：完美喉位、腔体。

1992年，《霸王别姬》开拍前一天，经过两年系统学习京剧的张国荣，参加许冠杰的宴席，时隔两年重新开唱。

这一次演唱， 张国荣直接吊打许冠杰 ，一开口，就展现出本质性差别。许冠杰的唱腔依然存在1980年，而张国荣已经开始进入到了新世纪的唱腔，通过京剧的吊嗓。以它山之石可以攻玉，攻克原本自己的唱腔问题。

我们来简单介绍一下， 许冠杰依旧以完美音准演唱，一个字一个坑的去唱 。但是当张国荣一开口时，完美共鸣提供的低音空间听觉直接对比之下， 让许冠杰的原本唱腔，成为了干巴巴、毫无 情感 的代表。而张国荣游荡在戏剧的绵长之中 ，如同游曳在河海之中。充满着音乐想象力。

以下，以音色、腔体、音域来具体展示一下：

音色： 忧郁共鸣之上声线清晰、明亮。细腻、具有完美 情感 。在细微之处，具有强弱对比， 情感 体现拉满 。这个阶段，真的是完美的喉位。

腔体： 腹腔控制加强，胸声控制减弱。更加自如 。

京剧讲究丹田发力，这一点要害，直接命中张国荣先前的腹腔不足，从这里开始，张国荣通过京剧意识到腹腔气息的重要性。在科学发声之中，腹腔才是气息的核心心脏，胸腔只是通过支撑点来控制腹腔出气量的功能。这一点京剧有着非常科学的发力。

主体腔体上，张国荣的腹腔开始进入自主控制阶段，整体演唱的气息具有了十分显著的包容感提升。虽然达不到陈奕迅那种的“拥抱感”艺术体现，但依旧在1993年处于超前的阶段。

上共鸣腔，上颌窦全开。张国荣的高音终于不再那么紧张。这是得益于腹腔的参与。注意力被腹腔击中后，喉位就逐渐处于平衡合理松弛的状态。如此声带状态不紧张，高音自然变得极为动听。声压具有戏剧波动感。

同时，终于走出80年代的鼻腔共鸣状态。鼻腔放缓后，中低音区音色不再浑浊，变得极为清晰，听觉感受上更加自然。相比之下， 许冠杰正是处于鼻腔阶段。在共鸣腔体上，直接拉胯 。

在这一次演唱之中， 戏剧对于张国荣的影响十分明显 。 那种悠长，婉转的律动被张国荣随意地展示而来，极具魅力 。

在最后的音高之上，张国荣的胸声支撑，腹腔气息颤抖，已经极具科学发展的核心。

在这一刻，张国荣从《风继续吹》的T2，正式迈入T1。

与此相同的，还有1999年的粤剧 《帝女花香夭》 ，用 流行演唱的标准去看，依旧具有十分完美的腔体共鸣和喉位咬字 。

所以，总体而言，张国荣的唱功分为三个阶段：

1：1977年的 业余不入流 。

2：1983年的T2（普通职业歌手水平）。

3：1992年的T1（通过戏剧打破腹腔共鸣意识）。

总体而言，张国荣具有着不俗的音乐天赋。在中音区上具有十分完美的表现力。 和戏剧结缘，完美缔造 。

张国人的唱功如何？

哥哥已经远离很久，但一直无法让我忘却的就是他对音乐的一种态度。

很多杂志、小报上会经常拿哥哥和校长做比较，个人觉得那可能是炒作，也可能是给歌迷的一份慰藉，在我看来他们除了在同一个年代给了他们一个同样的音乐氛围外，单纯说音乐的话他们的歌曲中很少有相同点。

我不是专业的音乐人，不会用专业的水准去评价哥哥的唱功，我只能说我喜欢哥哥的歌，让人难忘，歌词里句句都能感受到哥哥的情殇。还记得那首《夜半歌声》主题曲，我流泪了，我绝对不是个泪点低的人，可我能感受到哥哥的情怀，换句话说，这也是他唱功的一种表现，希望你能认同。

张国荣唱功非常的厉害！在80和90年代，张国荣可谓是香港月坛非常强悍的男歌手，他创造了很多优秀的作品，像《风继续吹》，《千千阙歌》，《Monica》《倩女幽魂》等等。他是一个十分优秀的人，一生追求完美，音乐天赋异禀，唱功深厚，创新唱法，真的很牛掰

哥哥唱歌韵味十足，辨识度的音色，音域广，声线磁性，低沉醇厚及高，具听说他的音域可达18度半 ，有兴趣的话可以听听《你在何地》《无心睡眠》现场版 。

举重若轻，浑厚低沉，以情唱歌，独树一帜！

其实很多歌手，唱得好，但唱不来他的歌曲。

比如他的经典曲《我》，张国荣作曲，林夕写词，就是他量身而作。

他是不一样的烟火，但很多人是两块五的窜天猴！

这也是他本人的内心写照。

比如林夕看着他的照片写的《怪你过分美丽》。

怪你过分美丽，怪我过分着迷。

有谁能像他这样唱得理所当然了。

比如《沉默是金》，就是当时歌坛谭张争霸，歌迷斗争激烈时，他的感受。

比如《当爱已成往事》，除了他，谁能唱出程蝶衣的悲寂。

最后，我想说，歌曲是能让人感动，有共鸣的作品，不是局限于框架中的产品，张国荣的歌曲能让我感动，这就可以了！

唱功了得，不愧是天皇巨星优质偶像！流传很广的歌曲很多，80年代最厉害的三位歌星：谭咏麟、张国荣、梅艳芳！而且哥哥演**也很棒，经典作品百看不厌！永远怀念哥哥，那个经典的年代一去不复返了，唏嘘！

唱功好不一定代表声音质量好，如孙楠，唱功一流，可并不耐听。张国荣的声音质量很好，低沉醇厚富有磁性。

还用说明吗，哥哥过世这么多年，影响一直没断就说明了一切

当爱已成往事 听张国荣唱这首歌，娓娓动听！你会觉得他在唱他自己，让你忍不住有点心酸。

张学友的歌听两遍就不想听了，张国荣的歌可以一直听下去，唱功不可否认张学友厉害，张国荣唱歌不能用唱功评价，他是用内心去唱，用意境唱。

　合唱指集体演唱多声部声乐作品的艺术门类，常有指挥，可有伴奏或无伴奏。它要求单一声部音的高度统一，要求声部之间旋律的和谐，是普及性最强、参与面最广的音乐演出形式之一。，以下是我整理的合唱演唱形式的分类，欢迎参考阅读!

　●从声部、音色上分为齐唱、合唱两种。

　(一)齐唱。齐唱是指所有合唱队员不分声部，共同演唱同一曲调的合唱形式。常被群众性歌咏活动所采用，也可用在合唱曲中的某些片段。

　齐唱尽管属于比较简单的一种演唱形式，但在音乐实践中应用广泛。实际上，齐唱是一种很高级的艺术形式，要做到五个统一：即呼吸的统一，唱法的统一，吐宇、 咬字的统一，速度、力度的统一，情感表现的统一。众人演唱同一个曲调，要做好这五个统一是不容易的，队员在呼吸、唱法、音色、音准、节奏、速度、力度等方 面如稍有差异，是很容易显露出来的，所以，指挥切不可轻视和低估齐唱这种艺术形式。

　齐唱一般分为同声齐唱和混声齐唱两种。

　1．同声齐唱：同声齐唱是指同性别或近似同音色的队员组成的齐唱。同声齐唱常见的形式有女声齐唱、男声齐唱、童声齐唱。同声齐唱因为是由相近音色的队员组成，因此容易获得声音的统一。

　2．混声齐唱：由不同性别、不同音色的队员组成的齐唱(男声与童声组成的齐唱也属混声范畴)。混声齐唱从谱面上看，似乎是在演唱相同的曲调，但在实际音响 上较同声齐唱有一定的差异，同性别高、低声部的八度差别和不同性别发音的八度差别，已具有雏形的和弦泛音效果，其声音较同声齐唱更有力度、更具宽厚感。

　(二)合唱。合唱是指两个及两个以上不同声部的叠置或对比构成的合唱。是最典型的合唱形式之一。合唱一般分为同声合唱和混声合唱两种。

　1．同声合唱：由相同性别或相同音色的队员演唱两个及两个以上声部的合唱。常见妁有二声部合唱和三声部合唱的组合形式，同声四部合唱相对少见。

　(1)同声二部合唱——由高、低两个声部构成。标记为：高声部、低声部或工声部、Ⅱ声部。常见的组合形式有：女声二部合唱、男声二部合唱、童声二部合唱。

　(2)同声三部合唱——由高、中、低三个声部构成。标记为：高声部、中声部、低声部或工声部、Ⅱ声部、Ⅲ声部。常见的组合形式有：女声三部合唱、男声三部合唱、童声三部合唱、女声与童声的三部合唱。

　(3)同声四部合唱——由高、次高、中、低四个声部构成。同声四部合唱的演唱形式相对少见一些。如：A．男声四部合唱：如韦伯的《猎人合唱》(选自歌剧 《自由射手》)、黄白的《渔阳鼙鼓动地来》(选自歌剧《长恨歌》)等。B．女声四部合唱，如严良堃编曲的墨西哥民歌《燕子》、波兰民歌纠、鸟》等。C．童 声四部合唱：如《音符》、《和声》(吴苏宁词秋里曲)等。

　2．混声合唱：由不同性别、不同声部的队员演唱两个及两个以上声部的合唱。

　(1)混声二部合唱——由高、低两个声部构成。常见的组合形式有：男、女二部合唱及男、童二部合唱(童声代替女声)。常见的标记有：女声部、男声部，男女高声部、男女低声部或工声部、Ⅱ声部等。

　(2)混声三部合唱——由高、中、低三个声部构成。常见的组合形式有：A．男、女高声部演唱高音部，男：女中声部演唱中音部，男低声部演唱低音部；B．女 高声部演唱高音部，男高或女中声部演唱中音部，男中声部演唱低音部；C．童声与女高声部演唱高音部，男高声部与女中声部演唱中音部，男低声部演唱低音部的 组合形式等等。常见的标记有：高声部、中声部、低声部或工声部、Ⅱ声部、Ⅲ声部。在实践中，一是按具体标记要求分部，二是由指挥根据乐曲的表现需要具体分 部。

　(3)混声四部合唱——由四个不同的声部构成。常见的组合形式是由女高音部、女低音部、男高音部、男低音部构成的混声四部合唱。因为混声四部合唱中的四个 声部基本概括了人类的声音特点，所以，它是最完善的一种人声合唱形式，也是作曲家常常采用的一种艺术创作形式。有的作品根据需要还可在其中一个声部中再划 出二、三个分部，如将女高声部再划分为第一女高、第二女高等，仍视为混声四部合唱。

　●从伴奏形式上分为无伴奏合唱和有伴奏合唱两种形式。

　1．无伴奏合唱：没有任何器乐伴奏的合唱形式。无伴奏合唱是一种纯人声的艺术形式，靠的是声部间的对比、补充、衬托、伴奏等手法而获得整体的协调。没有了 器乐伴奏的帮助，在演唱中要特别注意音准的把握和情绪的表现。无伴奏合唱形式在同声合唱和混声合唱中都可以见到，尤以混声合唱和男声合唱多见(详见本书第 十六章“合唱曲的种类”中对无伴奏合唱的论述)。

　2．有伴奏的合唱：有器乐(含键盘乐器)伴奏的合唱。器乐能为合唱的音准，以及烘托、对比作品提供诸多的方便和帮助，所以，大多数合唱作品多采用有伴奏的 艺术形式。值得注意的是，伴奏与合唱是不可分割的整体，无论是和声、调式、力度、速度，还是风格、情绪、表现，都要按照要求统一到整体作品中(详见本书第 五节“伴奏”)。

　●从年龄上分为幼儿合唱、童声合唱、少年合唱、成人合唱。

　1．幼儿合唱：4岁至6岁的学前幼儿组成的合唱。组织这个年龄段的幼儿合唱有一定的困难，尤其是4岁左右的幼儿，音准、咬字、句式等都受到年龄的限制，应首先从齐唱训练开始，如条件成熟，可适当选择或改编一些简单的幼儿合唱歌曲进行训练、演唱。

　2．童声合唱：6岁至12岁左右的队员组成的合唱。这个年龄正处在小学阶段，大部分队员还未出现变声，声音甜美、纯净，是人生最富有特色的声音阶段。对这 个年龄段进行合唱训练，要特别呵护他们的身心健康，注意保护他们的嗓音不受损害，劳逸结合、科学训练，要选择适合本年龄段演唱的歌曲进行训练。

　3．少年合唱：13岁至16岁左右的队员组成的合唱。该年龄段的少年大多正处在变声期，声音及音域较前产生了大的变化，男生尤为明显。指挥要对他们特别关 照，应科学地选择曲目进行适当的训练，不宜强化训练和强声演唱，要使他们安全、自然地度过变声期(详见本书第三章第三节“关于童声合唱训练的几个问 题”)。

　4．成人合唱：17岁以上的队员组成的合唱。根据不同的年龄段又分为青年组、中年组、老年组。可根据不同年龄段的声音特点，来选择相应的曲目和方式进行训练。

　拓展阅读：　　

　特点

　人声作为合唱艺术的表现工具，有着其独特的优越性，能够最直接地表达音乐作品中的思想情感，激发听众的情感共鸣。

　1、音域宽广。合唱的音域是所有参与者音域的总合，从男低声部的最低音到女高声部的最高音可达到三个半至四个八度。

　2、音色丰富。在合唱中可包含男女高、中、低声部中所有的戏剧、抒情种类，还有每个人的不同音色，以及各种音色的不同组合情况。

　3、力度变化大。从最弱的ppp到最强的fff，都是合唱所能够胜任的力度变化范围，任何个人都是不能与之媲美的。

　4、音响层次多。由于合唱是多声部音乐，不同的和弦、不同的和弦转位、不同的声部组合、不同的力度级别、不同的音色变化等等，都会产生不同的音响效果和层次。

　5、表现力强。合唱可以表现各种种类的作品，不论主调音乐还是复调音乐、不论任何历史时期、不论任何情绪、不论任何风格的作品，都可以通过合唱来进行完美的表现。

　声音要求

　声音质量的优劣，不能脱离音乐和合唱艺术的特殊需要来加以评价。无论什么样的声音，只有当它完全吻合了音乐的需要，完全吻合合唱艺术的特殊要求，成为合唱艺术表演所需要的声音时，才能被认为是好的、美的声音。

　综述

　合唱是包含着同声的、混声的齐声、轮声、领唱、重唱以及和声的、支声的、复调的、有伴奏或无伴奏的'一种集体歌唱艺术。常见的合唱有同声合唱（男声、女声、童声），混声合唱（男声与女声、童声与男女声），演唱形式有齐唱、轮唱、二部、三部、四部等合唱、无伴奏合唱。合唱有声域更宽、气息更长、力度更大、音色更多的特点。好的合唱应该是均衡而协调。合唱的均衡取决于声音的音量、音色的平衡。合唱的协调取决于声音的谐和、音准。混声合唱一般为男女声部混合，如女高音SOPRANO，女低音ALTO，男高音TENORE，男低音BASS。女高音：明朗、轻柔、柔和。女低音：充沛、坚实而圆润。男高音：柔和、明朗、清晰、坚实。　男低音：坚实、有力、充沛而宽厚。

　呼吸

　1、整体性的呼吸——即全体合唱队员同时呼、同时吸、同时换气，数十百人都如一人，是最基本也是最常用的呼吸。

　2、声部性的呼吸——即以声部为单位呼、吸、换气，常用在复调作品中。

　3、循环性的呼吸——即每个人根据自己的深浅长短作不同时的呼、吸、换气。整体声音延连不断，从而做出各种力度、速度、色彩的技巧变化。

　发声

　要求合唱音响起声的统一是很重要的，发声开始的一刹那叫做“起声”。鉴别一个合唱队的好坏，起声是一个最容易鉴别的方法。

　激起——合唱的主要起声法。声带是非常紧迫靠拢。发声前准备好气息的支持，声带的闭合，共鸣腔的打开，意识中想好所要发声的音高、音量、音色并作好相应的器官状态的准备，以横膈膜的突然向内挤压，以恰如其分的气流冲击声带而发声。发声干净、整齐而有弹性并带有音头的声音。

　舒起——声带并不靠得太拢，发声前先出气再发声，无音头，音质较暗而沙，发声时有声母“h”的声音。

　为了对合唱队音量的统一，轻声、半声、抑制声的歌唱方法是合唱队员必须具备的技巧。这种音量小的弱声不等于松弛的轻声，相反要求更集中，更有力。

　半声——指演唱设较少使用本嗓，通过饱满而有弹性的气息支持，均匀节制而富于流动感地控制声音。这种声色的穿透力很强，凝聚并有良好的共鸣。

　轻声——正常唱法减少音量的技巧，属于色调处理中的力度对比，优美的含蓄。

　抑制声——更恻于表情意义，用有力的气息支持着每个唱词的始终，显得多用本嗓而不过于强调共鸣，往往表现悲伤，愤怒，痛苦这类感情。

　直声——发声后不让声音波动。现代偏向灵活，但以少波动为好。

　四种基本唱法

　1、连音唱法

　2、跳音唱法

　3、重音唱法

　4、保持音唱法

　合唱的音准和谐基本法

　1、一、四、五、八度音程要纯

　2、大调的三、六、七级音在旋律中要“扬”。在和弦中要“和而偏扬”

　3、小调主、属音要“托”。

　4、大音程单面扩展；小音程单面收缩。

　5、增音程双面扩展；减音程双面收缩。

　6、同各半音远；异各半音近。

　7、改变调性的临时变音，要较夸张地强调。

　8、五度相生律、纯律、十二平均律保留主要的。

　咬字与吐字

　合唱队员在咬字和吐字上应当养成一种喷吐有力良好的归韵和收声的习惯。抒情作品，吐字应清晰而柔和；雄伟壮阔的作品，就应该强声母，并尽力保持韵腹和韵尾的结合体的连贯及字与字之间的衔接。

　　关于歌唱技巧与情感的关系

　　朱玉萍

　　“歌唱艺术，所以能引起全世界广大听众的浓厚兴趣，说明人声艺术确有一种特殊的魅力，对于那些成就很高的歌唱家来说，他们之所以受到观众的热烈欢迎，恐怕是因为他们唱的歌儿太动听、太感人的缘故。他们将这种听觉艺术献给人们带来精神上美的享受。”

　　歌唱艺术是将由歌词和音乐结合起来共同完成艺术表现任务的声乐体裁，歌曲用演唱的技巧与情感的抒发来完成激发歌者与听者情感的艺术表现形式。“在歌唱要素中，有心理要素，有生理要素，心理要素是处于主动的、主导的首要地位，其他有关歌唱发声的生理要素，都是处在被动的地位，他们的运动都受着心理活动的支配。”

　　技巧运用和情感表达二者存在歌唱这个统一体中，有时互相对立，有时又互相统一，它们相互依存，形影相随，相辅相成。若一方表现不当，歌唱这个统一体就犹如健全的机体不在完美，哪一方都不可能独立完美的表现作品，以达到歌唱最终的目的。情感表达依靠演唱技巧支撑，演唱技巧是更好的表达情感的工具。所以，我们在掌握及运用二者的时候，就要从利弊两方面考虑，将其结合的更加合理、更加科学。

　　笔者只想通过本论文就“技巧运用”和“情感表达”二者的关系加以粗浅的论证和阐述。

　　一、情感表达

　　情感就是一个人的精神需要或者心理获得满足的需要。情感有生理上的反映，这种反映有时候很强烈，高兴时因此开怀大笑者有之，手舞足蹈者有之，不高兴时垂头丧气有之、萎靡不振有之，痛哭流涕者有之，过度悲伤甚至自虐、攻击别人者、损毁物品者皆有之，足见情感对人的影响力之大。

　　人类的情感不仅仅在两性方面，而是融合在生活的方方面面，从生活到工作、从家庭到社会、从爱情到事业、从战争到和平、从教育到实践、从艺术到科学，许许多多的场合都有情感的参与，甚至是主宰。许许多多事情的发生、发展是因它而起，因它而成功或者失败。可以说情感无处不在，情感在很多时候、很多场合是一个人行为的精神力量和支柱，严重的情感伤害可以让一个人精神颓废、失常甚至自杀；而满足的情感需要恰恰又是一个人克服困难、战胜危险、坚韧不拔之无穷无尽的源动力。

　　情感表达一方面是为了达到再现客观存在的事物，另一方面是为了表现与传递主观精神及感受。情感的表达方式一是直接地宣泄，喜、怒、哀、乐行于外露，二是理智地调控，即对情感进行理性地控制，修饰后再恰当地表现出来。宣泄与表现不同，宣泄更多的时候是非理性的、本能的、不依赖任何方式、无序的，只为满足自我需求甚至是损人利己的。而情感的表现则是理性的、有控制的、恰当的、准确的、选择适合的方式，有效的传达、影响、感染他人。

　　情感表达的方式有很多种，如，语言（口头与书面）、肢体、书画、音乐等、但归结后，可分为具象与抽象两种。

　　音乐是抽象的，看不见摸不着，没有物质存在的形态。虽然歌曲也是没有物质存在的形态，但歌曲是由抽象的音乐与具象的歌词组成的结合体，透过歌词可以直观的体验作品的意境、情绪等。因此，歌唱应该是情感表现的最好的方式，歌唱更应该准确的呼唤与激发出情感。

　　二、演唱技巧

　　演唱的技巧包含歌唱的姿势、歌唱的呼吸、歌唱的语言、声音与共鸣、歌唱的发声、音准、节奏、强弱的控制、发音、换声区、起音、连音、断音、颤音、滑音、跳进、花腔、声音力度变化、声音音色变化、语言等。

　　正确的歌唱姿势是为了让歌唱器官的各个组成部分相互配合、协调动作为着打好一个发声的基础；掌握好歌唱的呼吸技术，是为了形成优质的发声动力，是声波传导至各个共鸣体的工具；正确的歌唱语言，把字唱正、唱美、唱活，是歌唱中艺术表现的关键；优质的声音与共鸣，是保证音量可控、音色优美以致达到歌声优美；准确的歌唱发声，是为了提高歌唱的表现力、感染力，歌唱的发声练习是获得歌唱方法的重要途径。罗列以上演唱技巧的目的，无论是发声的基础、发声动力、还是共鸣体的工具、音量的可控、以及创造优美歌声、提高歌唱的表现力、感染力，获得歌唱方法的重要途径等等，这些全是为准确、形象、完美的表达作品意境及情绪而存在并运用的工具，全都是为再现表达作品内涵服务。

　　三、情感与技巧的主动与被动关系

　　歌唱艺术的基本要求是以情带声、以声传情、声情并茂，原则是情感表达胜于技术表现。“最令观众赏心悦目、激动、倾倒的演唱，是演员字正腔圆、深情并茂的歌唱表演，它是以人声将音乐、语言、情感完美结合的声乐艺术。”没有情感，就只能是一个匠人，而不能成为艺术家。歌唱艺术不是为声韵而声韵，而是通过声音，将词的意思、情感表达出来。“演员要将自己深入到唱词的情景中，而不是将声音、词意和情感三者割裂开来。”。歌唱是声音的艺术，但它却不仅是为了美化声音而唱声音的，而是要通过声音来传达人的喜怒哀乐、情景意境及其种种发展与变化。歌唱技巧是在情感的引领下为表现作品，感染听众服务的。尽管在技巧的支持下，演唱者娴熟的、科学的、美妙的歌唱声音具备了悦耳、动听、精致、美幻、迷人的色彩，具有了一定的艺术性与审美价值，但这也至多是一个匠人高超的“技艺”。早在魏晋时代，《世说新语》就有“丝不如竹，竹不如肉”的说法。这“丝”指弦乐器,“竹”指管乐器，“肉”指美妙的歌喉。意思是说丝弦弹拨的曲子不如竹木吹出的曲子动听，而竹木吹出的曲子又比不上人的喉咙唱出的歌曲动人。这是一句评论音乐的妙语，它盛赞了声乐的艺术魅力，认为人的声音最能将人的情感酣畅淋漓地表达出来。手是人的自然之物，它的轻重之分倒是可以使丝弦表达一定的情感，靠手表达感情毕竟有限。而竹木乐器虽同为外物，但它是靠人的嘴吹奏，舌、齿、气原本就是人们表达情感最直接的工具，所以竹木乐器兼具机巧之物和人体发音器官的妙处。比起丝弦来更能体现人的内在情感。人之喉是情感流露之源，它自然，巧夺天工，同时也最能淋漓尽致地表达情感。人在高兴的时候，唱出的歌，一字一句之间都情不自禁地流露出难以掩饰的喜悦，正象眉宇之间所流露出那难以描绘的幸福之气，是情感的绝妙表达；人在悲伤的时候，唱出的歌，便如泣如诉，充满了化不开的幽怨、悲情，令听者动容，潸然泪下，这些都是竹木无法比拟的。也就是说无论歌唱技巧有多高，其都是在主动与主导的情感要求下发挥其功效，表达作品的情感才是必须及最高要求与目的，表现的情感、情绪、情景等才是歌唱的目的。心理要素是处于主动的、主导的首要地位，其他有关歌唱发声的生理要素，都是处在被动的地位，他们的运动都受着心理活动的支配。

　　心理活动支配着技术的运用于发挥。心里要素不是指如何运用歌唱技术，而是情感的释放与控制。当一个作品摆在我们面前时，首先要做的是把自己如何积极、准确的融入作品中去，对作品内涵的理解，远远重要于发声技巧。

　　第十二届CCTV央视青年歌手电视大奖赛民族唱法个人单项赛中空政歌手刘和刚演唱参赛的最后一首歌《父亲》时，评委张也以及不少现场观众都感动得哭了。最终他以情深意浓的演唱捧得了金奖。在团体赛中他同样以声情并茂的演唱得到过百分（10013分）的历史最高分。“想想你的背影，我感受了坚韧；抚摸你的双手，我摸到了艰辛”――这就是刘和刚父亲真实的写照。刘和刚说：“每当唱起《父亲》这首歌时，我都会热泪盈眶，因为父亲所经历的一切几乎与歌词内容相同。不要说‘摸’，就是看一眼父亲的双手，我就想哭。”刘和刚将对父亲的真情实感以及生活的艰辛融入歌唱，生活让他懂得如何通过情真意切的歌声歌颂伟大的父爱。赛后有歌迷对他说：“我在听你唱那首《儿行千里》的时候，我也流泪了！”刘和刚回答说：“这首歌和我的生活相似，反映了我的生活和情感。”

　　歌唱艺术是美妙的声音与情感结合的统一的完整体。所以，纯粹卖弄技巧是单调乏味的，是没有生命力的，只有以情带声、以声传情、声情并茂、情真意切，才能使演唱动听、传情、赏心悦目，也只有遵循情感主动歌唱技巧从属于情感表达的原则，歌者和听者都才能准确理解作品、感受作品、享受作品，在作品描述的意境、人物中释放情感、愉悦身心。

　　世界著名男高音歌唱家卡雷拉斯说：“我始终认为声乐技巧应为表演服务，而不光是为了表现声音技巧本身，更不应该使听众感到仅仅是技巧。”哪怕在平时练声时，也要注意音乐与情感的关系。如果歌唱时不讲情感，不注重让自己的情感进入到音乐作品中，声音是没有生命力的、没有血液的流淌、没有心跳的歌声，还从何谈及感人肺腑。

　　因此，主动的情感表达是主导歌者带领发声技巧完美演绎作品的。当然，技术被动不等于技术可以低劣，相反，情感主动必须要以精湛纯熟的技术为前提和基础，否则情感主动就是无力歌唱表现。

　　四、情感与技巧的对立与统一关系

　　我们一方面在强调情感主动技巧被动,但往往为了演出的现场效果, 满足观众的多方位的审美要求,又会让技巧充分表现在情感之上。记得在八十年代时，有很多的演员在演唱歌曲《拉网小调》时把开始的”咿呦嘿”的”嘿”无限延长演唱,用歌唱技巧以展示歌唱技术、博得观众的掌声。这不是情感的需要，但好象又是感性超越理性的典型行为,“卖弄”技巧,为了演出现场的气氛需求，往往需要这样的技巧张显。还有，海豚音乐是一种特殊的发声技巧，俄罗斯“海豚音王子”维塔斯（VITAS）他在常人音域的男声唱段很自然，没有什么不妥之处，只是到了高音部分才雌雄莫辨，且有一种震慑人心的诡异之美。无论是与不是，如果他的唱法有多么特殊，高音真的特别抓人，也与情感的表达程度没有太大的关系。只能说是上帝赏赐其一副绝伦的嗓音，从整体上评价，它是情感表达加歌唱技巧完美演绎作品的典范，是情感表达与歌唱技巧完美统一的极致。

　　以上两个典型事例，虽然在整个作品演唱过程中技巧不断超越情感，但也都是情感表达与歌唱技巧由对立解决到完美统一的经典范例。

　　我们所说的情感表达与歌唱技巧的对立与统一，实质就是情感与理智的对立与统一，是技巧与情感的投入程度的对立与统一，是理智对情感的驾驭，是情感对技巧的需求，是技巧对情感的支撑。如果没有理智的控制，生理上的情感反映，极大可能会失去应有的控制，情绪失控、行为失控、声音失控，没有控制的情绪、行为、声音是不能为歌唱所用的，歌唱声音的高低、强弱还有色彩这些基本属性就失去应有的功能。

　　著名男中音歌唱家廖昌永在他独唱音乐会上特意为恩师周小燕送上《老师，我总是想起您》，面对恩师，廖昌永泪水夺眶而出，近乎哽咽着唱完作品，周小燕从观众席中站了起来，含泪微笑为学生鼓掌，直到一曲终了，现场十分感人，过于激动的情绪几乎让廖昌永唱不下去了，感情与技巧极端“对立”着、猛烈地撞击着，廖昌永努力的用理智控制着几乎崩堤的情绪，不仅没有影响歌唱的艺术质量，情真意切的演唱，反而将音乐会推向最热烈、最高潮的境界。

　　情感对技巧的需求以及技巧对情感的支撑，都要在娴熟掌握歌唱技巧的前提下，把握好两者的度。情感的投入不能太满，太满会让听众心累，没有了空间，就犹如请客吃饭，客人在主人过于盛情的状况下，喝的过量、吃得太撑。技巧使用同样也要恰当准确，不然会失去表达作品意境的准确性。炫耀其常人没有的歌唱技巧，也只是匠人的“炫技”行为，恰当、协调、统一是追求的准确度。在演唱中收放自如的能力与控制情感的强度和变化的幅度是影响作品整体性及形式美的重要保证。

　　“最令观众赏心悦目、激动、倾倒的演唱，是演员字正腔圆、深情并茂的歌唱表演，它是以人声将音乐、语言、情感完美结合的声乐艺术。”没有情感，就只能是一个匠人，而不能成为艺术家。歌唱艺术不是为声韵而声韵，而是通过声音，将词的意思、情感表达出来。“演员要将自己深入到唱词的情景中，而不是将声音、词意和情感三者割裂开来。”

　　五、情感与技巧的依存与依靠关系

　　情感表达与演唱技巧永远相辅相成。无论你演唱技巧有多么精湛与完美,也无论你的情感表达有多么的准确与投入,离开彼此谁也不能独立的以艺术歌唱方式完成作品,歌唱作为艺术的一种形式，其技巧是有规范的“量化”要求，如：强弱的控制、呼吸、发音、共鸣、换声区、起音、连音、断音、颤音、滑音、跳进、花腔、声音力度变化、声音音色变化、语言等等，都可以通过刻苦的学习与训练掌握并可达到随心所欲的使用这些歌唱技巧。表达情感需要我们的生活积累与积淀，生活经历越丰富，知识面越宽泛，文化修养越好，表达能力越强，技术才会随着情感支点的需要而变成最为自身需要的艺术表现形式，成为独特的艺术表现方式。恰到好处的个性表现就会不自觉得出现，独到的处理往往将作品表现的淋漓尽致。

　　之所以称歌唱“艺术”，而不是歌唱“技术”，就是真切的情感借歌唱技巧唱出感人的歌声，歌唱技巧又是基于真切的感情发挥到极致的，技巧依靠情感形成美妙的歌唱，情感依靠技巧的作用表达作品的意境。技巧使情感表达得更准确，有了情感才能更好的运用技巧。只有两者结合，才能达到感情歌唱的目的。在歌唱艺术中情感与技巧从来就不是各自“独来独往”的两个概念，精湛的演唱技巧与完美的情感艺术表现在歌唱艺术中永远相辅相成、必不可少的两个重要方面。没有良好的演唱技巧，情感表达就无从谈起。反之，脱离了情感表达，纯粹的演唱技巧就成了艺人没有灵魂的“炫技”。虽然也能以其技巧的高超与华丽而炫人耳目，博得一时的掌声与喝彩，但终究会因为缺乏艺术表现与内在生命而令人感到乏味。“情感”与“技巧”的相互依存、依靠的关系在于二者既是相对的两种概念，又是一个完美统一的整体，谁也离不开谁。因为，表达情感是目的，歌唱技巧是手段，只有让技巧与情感比翼双飞，才能充分发挥歌唱艺术无穷的魅力！

恰恰相反，张国荣在20年后的今天，唱功都能吊打九成歌手，稳稳的T1。

张国荣是华语歌手中陈奕迅之前，最顶级中低音区表现的歌手。在腔体共鸣上，张国荣经过了京剧的腔体认知，具有完美的腹腔和胸腔共鸣，上颌窦全开。在1992年就拥有着超越当年年代感的能力。用如今科学发音的观点来看，依旧可以稳稳处于流行唱腔唱功T1。

看了很多人的观点，说张国荣的高音问题，这种唯高音论审美是

极为低级

的：

张杰的音域

快有6个八度，最高音可以达到D8，但这并不影响张杰唱得拉胯，毫无音乐情感推动内核。只知道飙高音：“Come逆战逆战来也，我就要狂野！”

蔡琴的音域只有1个半八度

，仅仅是张杰的四分之一。但是她的歌几乎都是华语经典。无间道之中，蔡琴的歌声，点缀了一场完美的宁静。她的代表作有：《张三的歌》、《渡口》、《给**人的情书》、《你的眼神》

音乐素养的基本表现，是在于认知深度。人的嗓音是天生具有声域的，声音并非越高越好，音乐审美是以具体音乐情感张力为核心。

张国荣和蔡琴一般，声域并不高，C3-G4是黄金声域，G4-B4早期处于失真喑哑状态，后期在1992年拍摄《霸王别姬》后，因为京剧而逐渐改善，但质量依旧不高。C5、C6的混音、尖叫张国荣有过，但不具备太多音乐听觉审美，张国荣也不以此为核心。这些问题种种，并不影响他男中音的区域优势。

以下，简单说一说张国荣为什么男低中音足有T1的水准。从音色、腔体、音域表现为核心：

1：音色：由郁情感共鸣打底，声线明亮，音色清澈

张国荣的音色，在发音点的三次移动之下，有不同层次体现。具有三个阶段。

1977年初出茅庐时：低音中音音色清澈，高音喉位不对导致喑哑；

1983年的逐渐成熟：喉位维持1977年，中低音音色维持清澈，高音不在喑哑，但是过干，缺失共鸣。

再到1992年的完美：喉位正确，开口自带空间感。共鸣忧郁打底，声线明亮，音色清澈。

张国荣的音色历程，和他的个人的音乐发生腔体认知一致。足足经过了十几年的摸索，在不断积累之中找到了科学的发音方式。

这里需要说一下，1977年当时HK还是以英文歌为主。

英文作为线性音乐发音，具有最为合理的发音点和共鸣。倒是粤语不同，作为中文的一部分，粤语也有音调的问题。在这个阶段，许冠杰还处于粤语流行歌曲的打开尝试阶段，并不具备系统的发声知识。

所以，以许冠杰、张国荣、谭咏麟为核心的一线歌手，都在1977-1992年随着粤语歌曲的发展，不断摸索。包含着咬字、俚语、共鸣、腔体。

最终许冠杰停留在1980年代的鼻腔唱法，张国荣在83年也是处于这个状态，后来的刘德华继承了鼻腔唱法。但是在92年，张国荣通过京剧进入了腹腔唱法

，谭咏麟、张学友也都是处于腹腔唱法阶段。正式踏入T1。后续的HK歌手，也都以张国荣等人为代表的腹腔唱法为核心，因为腹腔才是唱法科学的核心支撑。这里面，是有着香港流行音乐的进步历程再次，并非一下子全盘就能接收到陈奕迅的科学阶段。早期95年的陈奕迅也是模仿张学友起步的。开山辟路不简单，譬如张国荣的腔体进步过程，就能代表当时人们犯的认知错误。

2：腔体：早期喉位移动，中期鼻腔过重，胸声过多。后期才慢慢平衡；

同样，以1977年张国荣参加比赛的《AmeircanPai》、1983年的《风继续吹》、1992年的与许冠杰的Live版《沉默是金》为例，来分析腔体共鸣。以下以年份称呼：

腔体：氛围上下共鸣腔；

下共鸣腔：腹腔、胸腔、咽喉、口腔；

上共鸣腔：鼻腔、上颌窦、额窦、蝶窦；

1977年：

这个阶段张国荣的腔体很不成熟，中低音在英文流的击中下，还不觉得有太大问题。但是在C4以上，出现血崩局面。

首先是下共鸣腔。首先是腹腔不具备的控制肌体能力，胸腔胸声过多，这种过多体现在高音区的肌肉过紧上，带动着喉位上升。喉位一上升，上共鸣腔就难以击中自然发音点。

总体而言，这个阶段，不唱C4以上还好，一唱就更改喉位，让音色变得喑哑。

这种现象出现得十分普遍，当时都在找

寻着科学腔体而不得。

1983年：

这一年，《风继续吹》专辑的出现，让张国荣加入许冠杰的队列，一共发展粤语流行歌市场的扩建。

在这一张专辑之中，张国荣的中低音优势被挖掘而出，打造出这一首最高音为F4的《风继续吹》。大量音集中在C3-C4，其中节奏不算快。张国荣开始雕琢自己的音乐情感表达。

在腔体共鸣上，鼻腔参与主体共鸣，共鸣的增加。让张国荣的发音点再度上扬一点，靠近合理发音点。这个阶段，鼻音加重，阻碍了部分音色表现。同时胸腔开始往下映射腹腔控制，但是腹腔控制并不强烈，主要以胸声为主。喉位在中低音处于正常状态，但是在E4-F4阶段依旧有些过干。因为鼻腔共鸣不足以提供气息润色。

1992年：

极大进步。这一年，在《霸王别姬》开拍前一天，张国荣参加许冠杰的私人宴会，和许冠杰一同演唱《沉默是金》。成为一代开口跪的经典。

在这一年，经过京剧的吊嗓练习，张国荣的腹腔控制趋于完美。发音点也稳定在鼻腔以上的科学位置，喉位完美，声带条件放松。将注意力下移至腹腔的腔体控制。

张国荣一开口，把还处于鼻腔共鸣的许冠杰吊打。现场腹腔气息充足，具有部分包容感，而发音点开口自带五度空间听觉感受。

同时，张国荣的个人唱法理解是：减少延音，缩短音程，展现出粤语的颗粒性。

在

音乐审美上，音高和音程长短，可以塑造出不同的音乐感受。不同于陈奕迅长音包容感，张国荣的个人理解是，高音短而集中。在现场倾听上，这种表现力，让声线的空间感更为立体。可以参考王菲在98年之后的如针唱法。也是主要以短音程塑造。

在这一刻，张国荣的个人音乐理解，以腔体完成音色的塑造，做到了很完美。稳稳踏入T1。

音域核心表现力：C4-G4。

张国荣的音域核心表现力，处于男中音，其实G4已经触及到了爆发男高音。但是由于张国荣的唱腔，不追求高音的艺术表达。更多以慢板情歌和细腻抒情见长。

所以他的音听起来的空间感，集中在向下的表现。并不以嘶吼和较大冲击力作为方式。对于歌手而言，一个半八度的优势区已经足够宽广。而在具体表现上，张国荣的很好地利用了腔体情感性。

音乐的高度和审美，是在于具体的情感表达核心。这一点也是张国荣的音乐核心点。

其实在1993年后期，大家都不太关注于张国荣的唱功，如今模仿张国荣的核心，依旧处于1983年的鼻腔唱法。但并不代表在音乐上，张国荣停下了进步。这或许才是他能成为巨星的原因，不断学习，永远年轻

听没听懂，点个赞呗！

人声作为合唱艺术的表现工具，有着其独特的优越性，能够最直接地表达音乐作品中的思想情感，激发听众的情感共鸣。

1、音域宽广。

2、音色丰富。

3、力度变化大。

4、音响层次多。

5、表现力强。

人多气势就出来了

笔直的一排站着会感觉有些单薄，最好是个子最高，唱的最好的一男一女站在最中间 。还有四个女生按个子的高矮分别站在那两人左右 ，一边两人， 最后两个男生分别站在两边。 

八个人稍微站成一个弧形。八个人的合唱，常有指挥，可有伴奏或无伴奏。它要求单一声部音的高度统一，要求声部之间旋律的和谐，是普及性最强、参与面最广的音乐演出形式之一。

人声作为合唱艺术的表现工具，有着其独特的优越性，能够最直接地表达音乐作品中的思想情感，激发听众的情感共鸣。声部的数量没有规定，一般有四个声部。

扩展资料：

合唱的特点：

人声作为合唱艺术的表现工具，有着其独特的优越性，能够最直接地表达音乐作品中的思想情感，激发听众的情感共鸣。

1、音域宽广。合唱的音域是所有参与者音域的总合，从男低声部的最低音到女高声部的最高音可达到三个半至四个八度。

2、音色丰富。在合唱中可包含男女高、中、低声部中所有的戏剧、抒情种类，还有每个人的不同音色，以及各种音色的不同组合情况。

3、力度变化大。从最弱的ppp到最强的fff，都是合唱所能够胜任的力度变化范围，任何个人都是不能与之媲美的。

4、音响层次多。由于合唱是多声部音乐，不同的和弦、不同的和弦转位、不同的声部组合、不同的力度级别、不同的音色变化等等，都会产生不同的音响效果和层次。

5、表现力强。合唱可以表现各种种类的作品，不论主调音乐还是复调音乐、不论任何历史时期、不论任何情绪、不论任何风格的作品，都可以通过合唱来进行完美的表现。

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