声乐演唱艺术中的情感把握

声乐演唱艺术中的情感把握

　在各艺术类别中，声乐艺术无疑是一门充满情感体验的艺术门类。声乐艺术中所饱含的情感，需要演唱者首先调动起自己曾经的情感体验，情绪到位后，表演者再通过自身的表演，将歌曲中所包含的各种复杂情感传达给观众，并使观众们感同身受。下面是我分享的声乐演唱艺术中的情感把握，一起来看一下吧。

　查理潘才拉说“歌唱必需触及灵魂，我们要把整个的生命和爱这双重的灵感，通过我们的演唱再现。”可见情感表达在歌唱中的重要性。 音乐起源至今，经历了漫长又复杂的发展过程。歌曲从创作、演唱到欣赏都离不开感情，是词曲作者动心，演唱者唱心和观众感心的艺术加工过程。歌唱艺术的真正魅力在于表现真实的人性、抒发真实的情感。

　声乐情感的运用和表达既要求我们加深对作品的认识，又要求我们用自己个性化的风格去表达自己，感染观众并在不断认识的过程中，反复的表演和实践中加深对情感内涵的理解。声乐艺术又不同于其他的艺术门类，即由于它自身就是一具乐器，所以它能给人以更直接的影响，更易于感人。它的美既是直观的、也是内在的、深入的，这就需要我们不断地去探索和挖掘。

　一、声乐演唱艺术的审美特征

　声乐演唱是饱含情感的一门艺术，其中最重要的因素之一就是情感的审美性。声乐演唱艺术情感的审美是一种精神活动，受歌曲的情感和演唱者的演唱技巧这两大因素所影响。在一首歌曲中，演唱者本身的声音美固然至关重要，但演唱的情感审美也不可忽视，这两者互 相补充，相辅相成，紧密协作，共同烘托出了整个演唱艺术的美感。演唱者不仅要充分展现出自己声音的美感，更要重视歌声的情感表现方式，声乐演唱艺术的最高境界就是声与情的完美结合。

　具体地说，声乐演唱艺术的审美特征有三大特点：

　1、声乐演唱的情感审美受制于普适的情感审美标准以及情感审美表现

　俗话说人有七情六欲，可见人类情感的复杂与多样，人们对于情感的表达方式更是千差万别。但是总的来说，任何情感都会受制于历史因素和社会环境，受制于人类的理性。人类情感审美的标准归根结底就是对事物对与错、黑与白的评判。上文已指出，声乐演唱艺术是生活的一种投射，源于生活，它不可避免地面临着对于审美态度的选择，以及对于情感表达的抉择。越是成功的声乐演唱，就越能将时代精神、社会追求、大众理想和历史潮流融入在歌声中，用普适的审美观唤起听众的共鸣和感动，同时注入演唱者自身的情感体验，最终感染到每位听众。

　2、声乐演唱艺术审美具有真实性

　声乐歌唱艺术是一门以情动人的艺术，必须投入真情实感，任何矫揉造作都会影响声乐演唱艺术整体的效果。真情实感的流露，需要以实际生活为基础，创造感动人心的艺术形象。同时，演唱者要悉心地揣摩歌曲的词和曲本身所蕴含的思想感情，将本身对于歌曲的演绎，包括感情的性质、强度，与歌曲所含的情感相契合、相融合，将两者毫无违和感地贯穿为一体，形成震撼人心的完整艺术作品。

　3、声乐演唱艺术能直击人的心灵

　最近两年，最受观众欢迎的综艺节目莫过于歌手选秀节目了，而声乐演唱艺术之所以能这么广受欢迎，最关键的就在于它具有直入人心的特点，比起其他艺术形式对人心灵的震撼更直接、更快速。短短几分钟的歌曲，带给人的是多种多样的情感体验，或兴奋、或沉静，或喜悦、或哀伤。而且由于歌曲的简单易学性，观众容易跟着歌曲一起唱，所以声乐演唱艺术是最贴近群众的一门艺术类别。而只有听众在精神上获得了享受，这首歌曲才能带来真正的审美体验。从另一个角度说，歌唱者必须谙熟听众的审美反映，才能最大程度地打动听众，所以，声乐演唱艺术的演绎着不仅要是一个成功的演唱家，还要具备高超的审美能力和欣赏水平。

　二、声乐演唱艺术中的情感把握

　声乐演唱艺术是听觉艺术和视觉艺术的综合体，而又首先是听觉的艺术。演唱者在讲语言符号和音乐符号转变成声音时，本身就是一个艺术创作的过程，因此可以说是在既有歌曲上的再创作。无论歌曲本身的旋律多么优美，歌词多么隽永，没有演唱者的演唱，听众永远无法感受到歌曲的情意和内涵。演唱者从这个意义上说就是名副其实的创作者。因此，歌手应该不断地提升自身的艺术修养，不断提升艺术再创造的能力，保持艺术创作的活力。

　1、对作品内涵的理解

　作品的内涵是作品的思想感情之所在，也是作品的内在含义。面对一首歌曲，歌手首先要做的就是搞清楚歌曲的内涵，这是表演歌曲的最基础的工作。对于作品内涵的理解，首先要弄清歌词大意，将歌曲中蕴含的思想感情分析清楚。这其中包括歌曲的情感基调和情感风格，比如作品的悲喜，是哀怨还是激昂，是奔放还是婉约等等。此外还包括歌曲特定的时代特征和历史缘由。记得一位声乐理论家说过这样一句话：“如果歌者献出足够的时间和思想来分析他的歌曲，并充分发挥他的想象力，他将对其结果感到愉快、惊奇，如果他坚持下去，他将及时发展出一种敏锐的机能，

　从而他将能够进入与作家创作某特定作品时的、多少有些相似的心理状态。”所以，不管唱什么歌曲，都应该仔细认真分析作品，做到深刻理解作品，尽可能的把自己放在一个具体环境中，这样会在表现上更加切实，也给观众身临其境的感觉。认真地分析作品的词和曲，这是演唱好任何音乐作品都首先要做到的，但对演唱好歌曲向而言，我们还要对作行全面的了解和研究。

　2、对作品情感基调的把握

　中国自古以来就是一个多民族的国家。由于各民歌受到不同地区的语言音调，生活特点，地理环境等的影响，使得民歌具有独特的民歌风格和浓郁的地方色彩。如平原地区的民歌大多婉转流畅，山区的民歌比较高亢豪放，而在一望无际的大草原产生的民歌则是音调悠长，气息宽广的长歌，西北民歌的旋律高亢激越这与西北地区人民生活在贫瘠的黄土高原。性格粗犷豪放声调高亢有关。

　必须先对作品进行深入细致的分析，了解作品创作时代背景，分析作者在歌中为我们演唱所带来的意图，正确的把握作品的基本思想，然后运用各种表现手法处理歌唱。千万要注意设身处地的理解人物思想感情，准确表达歌唱的内容。例如四川民歌《槐花几时开》我们首先要知道由于四川特殊的地理环境，崇山峻岭，造就山里人豪爽粗狂的性格。唱歌时要真挚炽热，欢快热情。演唱时音调高亢明亮。如云南民歌《小河淌水》优美柔和的旋律，亲切含蓄的语言生动描绘了在朦胧，恬静的山村夜晚。阿哥阿妹相知，相恋不相见。通过内心独白式的歌唱来传达心生的婉约情境。呈现出清新柔美的夜曲风格。

　3、对作品意境的想象

　我们发现，很多歌手在演唱时经常会闭着眼睛，仿佛在摸索什么，揣摩什么，可以说，这个时候，歌手便进入了对于歌曲意境的想象中。任何优秀的声乐演唱艺术家在演绎一首歌曲时，都会想象自己身临其境地处在歌曲所描绘的场景中，发挥音乐对于想象力的启迪作用，根据歌曲的内容，在脑海中虚构出各种场面，这就是演唱者对于作品意境的想象。只有感同身受，才能最大程度地阐释出歌曲所蕴含的情感和思想。如果歌手将歌曲本身的意境建设得非常具象和细致，那么在演绎时就会生动和真实，对于歌曲意境的想象能够帮助歌手尽快地完成对歌曲所含艺术形象的塑造，形象完成后，整个歌曲的主旨也就豁然开朗了。对于作品意境的想象与建立，需要歌唱者以实际生活为蓝本，多听、多看、多思，不断累积对于生活、社会、人生的感悟，增强自身的艺术领悟力和灵性，以便能更深刻地阐释声乐作品。

　4、对作品风格的掌握

　风格是指艺术作品在整体上呈现出的具有代表性的独特面貌。不同于情感基调与意境，风格更侧重于作品本身的文化元素和社会背景，一种风格的形成受到时代、社会、民族、阶级等错综复杂的社会历史条件的影响，因此在一个作品的风格中我们最容易发现这个作品中交织的地域与时代特征，以及文化的底蕴。例如由台湾艺人陈升创作的歌曲《北京一夜》，原本是一首摇滚歌曲，但特别之处在于因为里面加了京剧的唱腔，再加上。地安门、老情人、绣花鞋、古锈铁衣、征战男儿，使得这首歌曲蕴含了一种古典的中国风。

　视觉艺术由于具有直观性的特点，风格往往比音乐更容易把握。而同为线性艺术的文学在一定程度上有助于音乐风格的把握。提升歌唱者的文学修养对于把握和理解作品的风格有着至关重要的作用。而成熟的歌唱家能把作品的创作意图和作品的风格特点淋漓尽致地表现出来， 能让听众感受到音乐背后的声音。

　5、把握作品的艺术对比

　所谓歌曲的艺术对比，就是指一首歌的强与弱，轻与重，叙述性和歌唱性，而艺术对比最重要的就是一首歌曲中高潮点与低潮点的对比。处理歌曲的通常做法是强化高潮，弱化低潮，并在高潮和低潮之间进行合理和恰到好处的过渡，设置一定的转折，通过比对，增强艺术的多变性。一味地高亢或者低沉都是不成功的艺术表现。加强高潮部分的方法常常是加重一部分字词或语句，重点突出的部分要逐字逐句地揣摩，既不能强度不足、火候不够，也不能过于浮夸，过犹不及。这个过程需要歌手仔细揣摩，反复寻味，最终找到最恰当的表现方法。歌手在这个过程中可能会遇到某些难关，但必须遵循最初的设计，不断克服难关，直到所有情感都内化在歌声中表达出来。歌曲的总体设计应该包括歌曲的整个感情基调、快慢、强弱、音色、音调大小，以及歌曲的伴奏音乐等。这些设计都要根据歌曲的结构、旋律以及情感发展来构建，确保歌曲的艺术表现能够指引歌手的情感基调，并能完整表现出歌曲的高低潮和内在层次。

　如云南民歌《小河淌水》全曲5各乐句一气呵成。第一句“月亮出来亮汪汪”与第二句“想起我的阿哥在深山”是一种平稳的情绪。第三句“哥像月亮天上走天上走”情绪上要稍微有渐强的变化。第四句“哥啊哥啊”连续三声对阿哥的深情呼唤。情绪高涨形成了全曲的高潮阿妹对阿哥的浓烈情感已经无法用语言表达。演唱这一句的三个阿哥要有力度的对比处理突出阿妹微妙丰富的心理描绘。

　三、声乐演唱艺术中的情感表达

　声乐作为一门学科，如其他学科一样，由多个技术性的层面构成，这些技术在实践中得以完善和提升。而情感的表达是技术层面中最为特殊的部分，甚至它本身已经超越了技术的层面。在声乐演唱中，传神的情感表达将使这种艺术形式更臻完美，这将带来听众与演唱者之间心灵上的共鸣，也正是由于这方面的原因，使得声乐成为不仅仅停留在技术的层面，而成为一门艺术。

　什么才是良好的情感表达人们形容演唱常常会说声情并茂，即演唱的音色、唱腔与情感都非常动人。“声”侧重于我们所说的一般意义上的声乐技巧，“情”即是指情感。二者并茂即意味着声音与情感得到完美的融合。声与情并非是孤立的两个部分，声音是演唱艺术的载体，声音即是内容的载体，同时也是演唱情感的载体。情发自于声，情感的表达是通过声音传递到听众的耳中，完美的表达即是形式、内容、情感的高度统一。

　情感的表达是一个复杂的过程，但是也并非不可把握，通过体悟、训练和实践可以提升情感表达的能力。而这也正是歌唱家探索和实践的重中之重。

　1、情感想象与场景想象的重要性

　在熟读乐谱的过程中，要反复体悟音乐的感情特征，领略歌曲音乐的旋律，理解歌曲音乐的意境。歌唱者就是要从歌曲的文学(歌词)语言造型和音乐旋律起伏中，发掘出这些丰富的情感闪素，掌握歌曲的风格基调，引发我们心中的想象，发展自己的音乐思维，激起内心的歌唱热情，使自己的歌声充分抒发内心的情思，从而艺术的表现出完整的音乐形象。

　场景想象即想象作品描述的场景，并把自己置身于当时的场景，设身处地的感受。如四川民歌《槐花几时开》演唱者可“移情”于这样‘种场景：在开满槐花的山上一位羞涩的少女对情郎的思念和向往。

　2、再创作的重要性

　对声乐作品的“二度创作”，即再创作，对一部声乐作品来说至关重要。歌曲是语言符号、音乐符号和声音等多方面的结合， 作曲家、作词家、歌手，共同完成了一部歌曲，任何歌曲，都要经过歌手的演绎，才能成为一部真正的声乐作品。 这种再创作，是歌曲演唱表达情感的基础。纵观乐坛，演唱家们之所以受听众喜爱，除了他们与生俱来的绝美嗓音、超凡的演唱艺术，还在于他们的歌声包含着深情，不仅毫无遗漏地将歌曲中蕴含的感情表达了出来，更将原本的感情进行了演绎和升华，使听众和歌曲产生了共鸣。

　增强声乐演唱艺术的表现力，就必须不断丰富自身的情感体验，不仅要充分调动听觉，还要在内心积淀不同的音乐形象，为演唱艺术积累起足够的情感储备。演唱家的再创作不同于其他艺术形式的再创作，由于歌曲的独特性质，歌曲具有语义和非语义的共同特点，正是这种非语义性，为歌曲家提供了无限的创作可能，也为歌曲的情感表达提供了足够的表现空间。在表现作品的方法中，联想和想象是最佳方式，这两种方法是表达歌曲情感的前提，也是激发歌手感情的源头。准确而丰富的想象能够使歌手更深入地进行作品剖析和延展，也会使作品更有感情，使作品感染力更强。

　声乐的艺术魅力取决于声乐的情感表现。歌唱的初衷就是“唱情”，声音贵在以情动人，歌唱者应以自己特有的演唱风格、优美的音色和真挚的情感将作品的思想内涵表现出来，把听众带入歌曲的意境中，把生动、具体的艺术形象展现在听众面前，才能做到以情动人，以情感人，收到演唱的预期效果。

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唱歌唱出感情技巧

　导语：唱歌唱出感情这是真实的，那么唱歌唱出感情技巧都有哪些以下是我为大家整理的文章，欢迎阅读!希望对大家有所帮助!

　用音色变换手法来塑造艺术形象

　我们之所以选用美声唱法为例来解释声音技巧的重要作用，在很大程度上是由于其在现代歌唱中具有奠基性的地位，在作品的表现时美声发音具有一般的基础性的技巧。其它的演唱形式都会以其技巧为基础来拓展和变通。美声唱法包含的技巧的领域很广，可以在不同的层次之间进行转变，对于共鸣效果无疑是最具表现力的。这种共鸣能够起到一石二鸟的作用，能够在音量和音色方面实现双丰收，在提高了音量的同时又能圆润音色的美感。(想获取更多声乐咨询，请关注微信公众号：声乐家APP)美声唱法还能够有效地组织各个发音的部分团结一致，各司其职，分别在不同的时候构成不同的演唱发声组合，特别是在一些需要用技巧来衬托的难度性的发音上，各个发声器官能够通力合作犹如一个庞大的乐团，每个发声器官就是乐团中的每个乐手，在人思维的指挥下不断地演艺出一段段美妙的旋律，大大丰富了声乐作品的艺术表现力。

　音色是指演唱者声音的个性特色，是区别于其他歌手的一个很重要的方面，但多数情况下是天生自然形成的，虽然可以经过后天的修饰，但整体不会跨度过大。对于音色的描述，可以用来修饰的词汇不是那种可以清晰描绘有形的概念，从现象学的角度来说是一种需要意会的东西。同样这种音色有时也可以带有情感，也并非总是空洞、没有内涵的。音色也可以被比作是人的性格，音如其人。音色也可以给听众带来重要的审美愉悦和情感体验，听者会有一种思维模式来判定某种情况下用哪种音色来诠释更好。在听众的期待中，表现节日欢庆和喜悦情绪的歌唱一般音色嘹亮，开朗且有弹性;痛苦的哭诉和悲伤失望的歌唱一般比较平淡沉闷。所以歌唱者应根据不同的歌唱风格、情感、内容、适当调整歌唱时声门的闭合状态、喉头高低、气息的`力度，共鸣腔使用的程度等以获得相应的音色。

　用声音的快慢来表现曲目的张力

　歌曲的表达很重要的一点就是节奏，听者在听的过程中也会受到这种节奏感的制约，这种节奏的双方均衡使得歌者在演唱的时候对于音律的掌控要拿捏得十分到位，无论曲目中的哪一句、哪一个部分都要与曲目相应的节拍匹配得完好，只有这种感觉才能够给曲目的演唱增色。节奏的控制主要涉及曲目的快慢，在演唱歌曲速度比较快时，虽然嘴中歌速较快但内心却是安稳的，只有内心的稳定才能保证每个小节的节奏不乱，特别忌讳的是在演唱快速歌曲的时候抢拍，给听者以很忙乱的感觉，让人很不舒服。要让人感觉快的很安然、很稳定，不会因为演唱者的失误而提心吊胆，既能体现出旋律的美感，词意也能很清楚地表达出来。慢曲子常有延长的单音，唱这种长音不能只呆滞地唱完全时值就可以了，而应该在延长时做到情绪上有发展、征引上有流动的变化。(想获取更多声乐咨询，请关注微信公众号：声乐家APP)慢曲子一般更深情，故演唱时应该更富有激情。不同情况下的曲目要做感情化的处理即所谓的稳中有变，变中不乱，单位音节的长度要控制好，同时要与词义相协调，某个部分的延长或缩短要做到恰到好处，不能让听众感到某个音节时间过长显得拖拉，使后面的音节无处安放，让整句歌词处于一个很尴尬的位置。因为这样这就失掉了发声技术的精华部分，其它的地方再好也是无用之功。

　用声音强弱对比来处理歌曲的开头与结尾

　在歌曲的表达当中，要学会处理好强弱关系。强音不是用蛮力，要恰到好处、有节制，应该以兴奋、轻松、从容为好，这样才能更好地表达感情。强音也不能从头到结束都一样强，而要以感情的发展为动力，使声音向前运动，结束时自然到位。在一首曲子中多数音只需要用中等音量甚至较弱的声音唱，强音一般只是少数乐句中的少数几个音。弱音应该和强音一样地用气，一样地把声音和情感释放出来，使弱音同样很丰富、开阔、有共鸣。因此，在歌曲的演唱中，一开始就应当恰到好处地运用强弱的变化，凝聚起所有的情感，倾注于第一声发出的瞬间，使演唱一开始就能达到“先声夺人”的效果，从而为整首歌曲感情的流畅抒发打下良好的基础。

　用延长高音时值的办法来渲染歌曲高潮

　多数听众都会很期待曲目高潮的部分，它是一个寻找桃花源的过程，在不断的等待与追寻的过程中，山重水复疑无路，柳暗花明又一村。所以这个部分的处理就显得特别重要，要坚持常规中的各种技巧原则，同时也要打破常规，给听者带去惊喜。所谓歌曲高潮，就是歌曲主题思想最集中、最突出的地方，也是整首歌曲感情最浓厚的地方。此时，歌曲的旋律与情感均已发展到了最高峰，不论是对歌曲本身而言还是对于歌唱者自己本身的声乐技巧而言都是一个很好的考验。(想获取更多声乐咨询，请关注微信公众号：声乐家APP)歌曲的高潮是最能对听者产生强烈音响刺激的部分，它能促使听者获得听觉上的满足，同时在心理上产生一种强烈的震撼。此时我们需要用一些特殊的技巧比如演唱高音时值来不断地展现感情涌动的效果，在一波未平一波又起的感情堆叠中，勾出听者的共鸣。

　总之，技术只是空洞的躯壳来展现音乐的美感，情感内涵才是曲目的本质。意大利声乐专业兰佩尔帝曾很贴切地说过这样一句话“嗓音不等于一切，因为歌唱家必须表达出诗人和作曲家的灵感，因此他们必须有天生的热情和崇高的心灵，否则他们不会成为一个具有风雅艺术趣味的歌唱家，而是一个喊喊叫叫的人。”一个真正可以称为艺术家的歌者不仅仅能够驾驭演唱技术，同时能够控制情的发散。

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