十大治愈系钢琴曲

十大治愈系钢琴曲：

1、卡农 Canon

这个可谓之经典，百听不厌。喜欢《卡农》，首先喜欢的是它的旋律，优美而浪漫，每次听到它的时候我总是能联想到一些很美的画面，有时想，其实婚礼上放这首曲子也很好，其次喜欢它纯净的意境，每当心烦的时候听一听，总是能慢慢的沉静下来，然后心平气和的解决那些无比繁锁的问题，总有一些看似不可能解决的问题也就随之迎刃而解了。

2、雨的印记 Kiss The Rain

一直很喜欢这个音乐，在很多**或者短片里都作为背景音乐出现的，很轻柔。《Kiss The Rain》，中文翻译成《雨的印记》，出自韩国最擅长描会爱情的音乐家YIRUMA之手，写这首歌的时候，是在一个星星满天的夜晚，忽然间一场雨，让YIRUMA有感而发写下Kiss The Rain这首曲子。

3、魂牵巴塞罗那 Theme From Love Story

看过**《Love Story 》的应该都对这个有印象，凄美的剧情，再配上这个音乐，完美的忧伤。影片一开始，在弦乐的衬托下，钢琴淡淡地奏出这段爱的音乐主题，把人们带入了爱的意境。随着影片情节的深入，这一爱的音乐主题也逐渐展开，时而委婉深情、娓娓倾诉，时而激动高亢、尽情礼赞。

4、爱的纪念

说来也是钢琴名曲了，也经常被引用为背景音乐的，听起来很熟悉的感觉，跟Kiss The Rain 听起来感觉差不多。华美的音符，承载着爱的详和，如轻柔的丝绸，款款流动，又如轻曼的银光，徐徐绽开，任何听者都会被挟裹其间，挥去所有的浮躁与欲念，过滤出生命本真的律动，心灵和谐的在这音乐的磁场中款款舞蹈！

5、梁祝

梁祝音乐太好听了，也有超多版本，一对男女、一段悲剧、一番爱情、化成两只蝴蝶、翩翩起舞。《梁祝》是一种思想，是一段让人沉思的爱情，是一曲深入人心的音乐。

6、神秘园之歌

这首《神秘园之歌》出自神秘园的第一张专辑《Songs From A Secret Garden》。据说这首歌伤感能杀死人，让人象迷失在神秘的丛林里，黑暗的看不到天，找不到出口，沉溺在这样的黑暗中，象一个人孤独的坐在路边大树的阴影下，静静看路上人来人往，别人看不到你你也不想被看到，因为你害怕，因为你孤独，你知道这不是什么好事。

7、天空之城

喜欢宫崎骏的**，同样喜欢**中的音乐，他和久石让的合作堪称完美，《天空之城》更是让他们的合作达到了顶峰。他们的创作每次都让人震撼其中，天空之城是其中一个经典。每一个音符都静静像我们诉说着**中的情节，将他们想表达的一切娓娓道来。一直都很喜欢清清淡淡的曲风，不同于城市的喧闹，不理会外界的嘈杂，仿佛我也一如动画里的角色般，置身于云端。

8、One Summer's Day

这首钢琴曲是宫崎骏**《千与千寻》中的插曲，音乐时而温柔如水，时而慷慨激昂，优雅而美丽的琴音里不时随着剧情坠入调皮、可爱、奇趣、踌躇、犹疑、不安、感伤的思路，并随时与掌握惊险奇异冒险历程的管弦乐交互融合，而繁复多变的弦乐编曲中更见久石让融会日本与西方音乐情感基调的匠心。

9、Secret—不能说的秘密

周董的曲子，《不能说的秘密》相信大家还是看过的吧，个人觉得周杰伦在弹钢琴的时候还是蛮帅的，大概男的有才了就会招人喜欢吧。**里面钢琴曲蛮多，这首是他谈给黄秋生听得一首悲伤的钢琴曲，看**时听得还挺震撼的。会弹钢琴真是幸福，喜怒哀乐全都寄予其中，肆意发挥，且将心事付钢琴，知音少。

10、 I Believe—我相信

**《我的野蛮女友》背景音乐，悠扬的琴声，舒缓的音调，就像恋人在耳边窃窃私语，许下专属于两个人的誓言，缠绵悱恻，让人沉溺其中不可自拔。优雅，浪漫，伴着那执子之手的约定，让我们一起白头偕老。

　　[摘 要] 本文主要描述了钢琴音乐在**《一曲难忘》中的情感体验,从主人公肖邦悲情的一生中,描绘出这位波兰伟大的钢琴音乐家的情感人生,把他对祖国的爱和对国家命运的悲痛全部倾注于其钢琴音乐作品之中,用浪漫主义音乐语言喊出了深受压迫奴役的波兰民族的愤懑的声音。肖邦在音乐中所表现的“个人主观情感”,以爱国主义思想为核心,密切地与波兰民族解放运动的严峻现实联系在一起。肖邦富于诗意的情绪精华构成其钢琴音乐的重要因素。

[关键词] 肖邦;钢琴音乐;情感体验

音乐是一门古老的艺术,是用有组织的乐音创造艺术形象来表达人们的思想感情,反映社会现实生活的一种听觉艺术。它不仅能表现作者的审美体验,同时,欣赏者通过聆听乐曲,对音乐作品产生再体验,从而激起美感,也能获得审美感受。

一部优秀的**作品,其中的音乐具有强大的感染力,它可以鼓舞斗志,振奋精神,提高人们的思想境界,培养人们的高尚情操,同时还可以给人以美的享受,正如古人所说:“移风易俗,莫善于乐。”音乐以它特殊的功能成为**、电视艺术中的一种必不可少的表现手段。

影片《一曲难忘》描写了波兰钢琴家肖邦的一生,肖邦是极度爱国的作曲家、钢琴家。他的音乐如歌,旋律接近说话的表情。他喊出了深受压迫奴役的波兰民族的愤懑的声音。因为音乐是通过听觉而直接作用于心灵的语言,那么,再配以视觉感观,所以使得影片更加感人至深,震撼心灵。

在肖邦短暂的一生中,分两个时期。

华沙时期

这个时期的肖邦充满青春活力,表现出一代青年无所忧虑的欢乐情绪,并富于浪漫主义幻想。在他的创作中,采用最富于民族性格的波兰乡民喜爱的舞曲,如创作了玛祖卡舞曲音乐,旋律优美,吸收民间舞曲精髓,创造性地运用它的特性节奏,仿佛我们马上要跟着节奏翩翩起舞,伴随民间调式和声,能感受到具有鲜明的民调色彩和波兰民族气质。

但是18世纪末至19世纪中的波兰,是一个多灾多难的国家,但也是可歌可泣的民族,面对俄国、普鲁士、奥地利三个强国对弱小的波兰的摧残,波兰人民始终坚持着不屈不挠的爱国斗争。这一切,给肖邦的思想发展带来深刻的影响。肖邦有着炽热的爱国主义情感,鲜明的民族风格,在他的作品中,普遍强调主观的个人感情,密切地与波兰民族解放运动的严峻现实联系在一起,他常把抑郁的情绪和反抗的情绪交织在一起,展现在他各种作品中。起义失败,民族悲剧,使肖邦感到极大的悲痛,从此他的创作意识产生根本性变化,充满悲愤和对破碎山河寄予希望的热爱祖国的思想感情,构成他创作的主题。如C小调《革命练习曲》OP10NO12乐曲采用复三部曲式。引子从右手弹奏的不和谐的九和弦强奏开始,左手引出一连串的上下翻滚流动的十六分音符,左手奏出失望与愤怒的上下行音阶的狂浪波涛上,犹如热血在沸腾,来表现作者悲愤的情绪。右手奏出由果断有力的和弦构成的号角性音调,坚强刚毅,使乐曲由悲愤转为激昂,表现了波兰人民的反抗精神和英雄气概。然后左右手同时并进,两道音流奔腾不羁,犹如千军万马、浩浩荡荡。紧接着在上下起伏的琶音式的伴奏音型衬托上,呈现了情绪悲壮的主题。强弱交替的乐句,仿佛激奋的呐喊和动荡的回声。主题后半部分具有较明显的喧叙调特点,犹如倾诉着内心的痛苦。中间部分,附点节奏级进上行的呐喊式的音调,在急骤起伏的伴奏声中一再重现,使乐曲情绪越来越激昂。接着,以开头的引子作为过渡,使主题在原来的主旋律上加装饰音变化后再现。尾声中出现了蕴含着悲愁哀痛的曲调,寄托了深沉的忧虑和哀思。但乐曲的结尾又回复到自豪、刚毅的形象,充满英雄气概的激情,使乐曲情绪再一次兴奋起来。音乐在很强的力度下,从高音向低音冲击,并且左、右手八度同奏,气势逼人。最后,又用引子开始下行的旋律线坚强有力地奏出了大调的4个和弦结束,象征了肖邦对胜利的坚定信念。

这是一个漂流他乡的游子为家乡革命胜利而呼喊的心声,让我们通过音乐来认识肖邦,也通过他本人来理解他的音乐。

影片中的一段情节让人很难忘。在一次演奏时。由于肖邦拒绝为“俄国的走狗”演奏,在众人面前愤然离席而去,激怒了俄国人。之后,他不得不背井离乡,踏上了法国的土地。临行时,家乡好友赠他一杯家乡的泥土,希望他无论身处何地,都不要忘了祖国。看到此处,笔者第一次感受了波兰人民对家乡的挚爱。

巴黎时期

肖邦在巴黎结识了李斯特、乔治•桑等有才之士,渐渐他的才华也充分地展露出来。他做出一首首惊世名作,成为当时文艺界一颗璀璨的明星。

肖邦有着浓厚的抒情气质,为了感谢乔治•桑的帮助,肖邦给她弹奏了E大调练习曲OP10NO3,是一首以歌唱性旋律为核心的、既忧伤、又温存、深沉的哀歌,在柔和、温存的旋律里,蕴藏着丰富的情感内涵,它蒙上了一层浓厚的忧伤、悲哀的情调,又似乎沉浸在对祖国、故乡往昔生活的亲切美好的回忆之中。这部乐曲的整体结构,显然是同作曲家思绪情感发展的脉络和过程息息相关的。一种既忧伤又温存的情感,逐渐难以控制终于发展成似乎是暴发性的情感宣泄,之后逐渐平静下来,回到原来的情感状态。这个情感的发展过程被对应地转化为一个动态性的、充满矛盾和内在张力的声音过程。这个看似带有一定即兴性的作品,其结构却极其精致,它既具有在富于对比性中展开,波澜起伏却又一气呵成,因而又具有扩展的二部性结构的性质。

人的情感体验是复杂的,转化为音乐之后同样是复杂的。这首练习曲的音乐主题既忧郁、感伤,但又似乎蕴含着某种对往昔幸福的模糊回忆,二者混合在一起,形成一种难以言喻的复杂体验。在与女文学家乔治•桑的爱情生活期间,曾一度为他带来人生的幸福,他创作了大量的作品,肖邦有着诗人的气质,他的钢琴音乐艺术本身充满着诗意,其音乐底蕴有着发自心灵深处的自我血肉的部分,成为激动人心的力量源泉。

由于工作劳累过度和环境不适,肖邦身患重病,更为不幸的是,波兰人民也正生活在水深火热之中,他的老师埃尔斯纳找到他,希望他能以开演奏会的方式筹款,拯救家乡的人民。老师留下一袋东西后离去。

肖邦打开了小包,倒出里面的东西――那是家乡的泥土。此时,掌中祖国的泥土,引起肖邦对往事的回忆,想到阔别已久的家乡,想到正受尽苦难的家乡人民,想到自己的老师、亲友……他无法抑制住感情,手不由自主地伸向了琴键……面对极力劝阻的乔治•桑,他没有开口,而是用自己昔日慷慨激昂的乐声,做了最有力、最坚定的回答。之后,在法国、德国、荷兰、瑞典……召开了一场场的演奏会。弹出了一系列著名的音乐。肖邦那花丛中的大炮,炸响了整个欧洲大陆。他弹奏的a小调练习曲作品25之11,是一首气氛阴沉、情感严峻,而又气势磅礴的音诗。作曲家愤懑的情感波澜犹如打开闸门的巨流,排山倒海般地倾泻而来,不可抑制。可以说它是作曲家内心中掀起的情感“风暴”。

乐曲是从一个悠远、宁静的单音形式的音乐动机开始的,它好似远方传来的号角声,当它以四声部织体的形式再一次出现时,它更加微弱了,似乎是山谷中隐约可闻的回声。然而,骤然间,狂暴的音流好似从天而降,猛烈地倾泻而来,造成了一种势不可挡的磅礴气势。营造了肖邦的钢琴音乐中所独有的那种强烈的悲剧―戏剧性品格。

然而,此时肖邦的身体状况,禁不起如此重负。在他灵动的十指弹奏的同时,汗珠,一颗颗从额上渗出,又一滴滴滚落下来。可他却只擦一擦,继续忘我地演奏。他的病情也日益沉重。可他却依然不知疲倦地奔波于一个又一个大城市。在一次演奏会上,拖着病体的他,手指按键也愈发吃力。凝视着键盘,眼前浮现的是亲友、老师那熟悉的身影与话语。泥土、家乡、天才、奋斗、战火、祖国……任凭热汗从额上滚落,不顾鲜血从口中咳出。场下的观众们,已是热泪盈眶,笔者被深深地震撼了,一瞬的精彩,胜于一生的平庸。

影片中始终贯穿着那优美而激昂的乐曲。影片中给人最深刻、最强烈震撼的钢琴音乐作品是降A大调波洛奈兹舞曲OP53,人们把它称为《英雄舞曲》,全曲充满战斗性和史诗性。在暴风骤雨式的引子以后出现的主题,它的旋律动机具有斩钉截铁般的节奏,体现了英勇不屈的斗争精神。作曲家以最通俗的方式满足了政治的要求,具有深刻的爱国主义思想内容,在艺术性上发挥了钢琴的乐队性、交响性和宏大气式。摆出一幅盛气凌人的炫耀姿态,而且在三重奏中它得到一个军乐主题的支持。他为他的同胞的荣耀、胜利和失败而歌,歌唱悲哀和幸福。盛气凌人的傲慢、战斗的气概、满怀感伤语调回忆的思考,生之欢乐的昂扬姿态,衰亡中淡然忍受的尊严――这些都表现在作品中,但是它们构成了一个空间,一个保存失去国家的人民的民族身份的空间。充满了强烈对比与反差,证实了舒曼的话:“在花丛中隐藏着大炮。”

波兰舞曲,仍回响在广阔的大厅里。在这英雄的舞曲、壮丽的乐章的衬托下,凸显出一位真正的英雄。世界的一颗巨星,此时正在乐坛之上,散发着格外耀眼的光芒。

掌声、喝彩声连续不绝。然而,肖邦却已筋疲力尽,面对走来的老师,他倒下了。

在病榻上,他合上了双眼。在悲怆的《圣母颂》中,这位天才,落幕了。

“人最宝贵的是生命”,它给予我们只有一次。人的一生应当这样度过:当他回首往事时不因虚度年华而悔恨,也不因碌碌无为而羞耻。这样在他临死的时候就能够说:“我已把我整个的生命和全部精力都献给最壮丽的事业――为人类的解放而斗争。”肖邦正是这样,为了自己伟大的祖国与深爱的人民,奉献出了自己最宝贵的生命。人已远去,然而这颗璀璨的明星,即使事隔百年,也是光芒依旧,闪耀在乐坛之上。伟大的人,必定会从世上消失,然而即使这样,也一定会有人传承他那高尚的品质。爱国、无私……肖邦身上那些闪光点,一直影响着后人。有多少文学家、艺术家,怀着爱国的热情,创作出了无数瑰宝;有多少战士,带着这种品质,为自己的祖国,为大地上的和平奉献着自己的一切;又有多少平凡的人,在向这位伟大的英雄学习,昨天如此,今天如此,未来,亦如此。

[参考文献]

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[2] 万木外国音乐简史[M]长春:时代文艺出版社,1989

[3] 吴国翥,高晓光,吴琼钢琴艺术博览[M]北京:奥林匹克出版社,1997

[作者简介] 张宇(1971― ),女,黑龙江哈尔滨人,哈尔滨学院艺术与设计学院副教授,主要研究方向:音乐教育;高昂(1982― ),男,黑龙江哈尔滨人,东北农业大学艺术学院助教,主要研究方向:多媒体音乐教学。

　　这篇文章对你应该会有所帮助的，呵呵！

　　浪漫主义时期的钢琴音乐创作与演奏

　　摘要：虽然浪漫主义时期的舒伯特、舒曼、肖邦、李斯特、门德尔松等作曲家的创作侧重点不尽相同，但他们作品中所体现的浪漫主义精神、典型的创作手法却具有某种共同性，充分地体现了浪漫主义音乐的总体风格。这一时期钢琴演奏技巧发展与作曲技术改进之间相辅相成、互为要求，形成了钢琴音乐艺术发展的最大动力。充斥在浪漫主义时期的技术为上的风尚也产生过很大的负面影响，但从钢琴艺术历史演进看，技术因素的强化，却促使钢琴制造者对近代钢琴从多方面不断地改进，为后来钢琴音乐表现的飞跃奠定了基础

　　随着西方音乐史上浪漫乐派的形成，钢琴音乐也

　　进入了其鼎盛的发展时期。影响钢琴艺术发展的因素

　　来自不同的方面，首先是乐器制作工艺获得了较大改

　　进，制作技术越来越规范，并逐渐趋于完善。从"# 世

　　纪初开始，各国钢琴制造家对近代槌击钢琴进行了重

　　要改进，如以铸铁张弦支架替换了原来的木质支架，

　　机件变为复式杠杆装置，槌头上包裹的凫皮由绒毡所

　　取代，琴弦加长并交叉排列，音域也扩大到七个半八

　　度等等，致使钢琴音乐的表现力大大提高和加强。并

　　且涌现出了大批专门制造音乐会演奏用琴的钢琴制

　　造商，如格拉夫、施特顿希尔、布罗德伍德、伯森多幅、

　　普莱耶尔、埃拉尔、斯坦威等，致使欧洲人的音乐生活

　　中，钢琴的地位日益见长，独奏音乐会频繁举行，社会

　　文化生活中，对钢琴人才的需求也与日俱增，因而，涌

　　现出了大量的以钢琴演奏为生的艺术家，成为浪漫主

　　义音乐发展的一大亮点。除此之外，这一时期的钢琴

　　演奏技术也得到迅速提高和发展，并逐渐形成了以炫

　　技为导向的多种演奏风格派别，预示着$% 世纪以此

　　为特性的演奏流派纷呈局面的到来。

　　从文化思想发展史来看，浪漫主义风潮形成于法

　　国大革命后，复辟与反复辟长期较量的这一动荡变乱

　　的紧张岁月中，它所力求表达的是躁动不安的个人主

　　观感情，所创造的艺术形象是感情热烈、桀骜不驯的，

　　其中心精神理念是情感至上。虽然这一时期，每一位

　　作曲家的创作侧重点不尽相同，但他们作品中所能体

　　现出的浪漫主义情怀、典型的创作手法却有其共同

　　性，充分体现了浪漫主义音乐艺术的总体风格。

　　崇尚浪漫主义理念的音乐家们，非常注重塑造具

　　有个性的音乐形象，张扬个性成为一种时尚。就浪漫

　　主义音乐作品中的诸多音乐技术环节而言，虽说抒情

　　性是其钢琴音乐创作的一个重要特征，但最明显的创

　　作建树却是在和声变化与音响色彩布局的追求上。譬

　　如，变化音和声、近关系转调、复杂化和弦运用等等，

　　其目的是力图模糊大小调体系的调性轮廓，是和声进

　　行变成了一种表现的工具，而不仅仅是音乐结构的组

　　成部份。在作品体裁上，最突出的现象是钢琴小品成

　　为浪漫派作曲家抒发情感、捕捉瞬间情绪体验最拿手

　　的表现形式，是"# 世纪最富有特性的音乐体裁之

　　一。

　　浪漫主义作曲家把大量的精力都投放到了对钢

　　琴音乐潜力的挖掘上，极大地提高了钢琴音乐的表现

　　力。这一时期钢琴音乐的真正奠基人是奥地利作曲家

　　舒伯特，他的作品深受其艺术歌曲的影响，不仅表现

　　在旋律的纯声乐性上，而且在钢琴音乐的情感内容

　　及主题形象上都与其艺术歌曲相关联。如同人们所

　　说：“舒伯特的艺术歌曲使诗变成音乐，他的钢琴曲

　　又使音乐变成诗。而他用以表现钢琴音乐诗性的一

　　个重要手法就是运用大小调交替的调式和频繁变换

　　的调性。”# $ %整体来看，舒伯特的钢琴作品可分为两大

　　类：奏鸣曲和小品。其钢琴奏鸣曲虽继承了维也纳古

　　典乐派的传统，但更具有抒情性，充满着幻想与诗意

　　的浪漫主义气息。其钢琴小品，即八首即兴曲和瞬间

　　音乐，则充分展现了舒伯特旋律、和声色彩变化方面

　　的才华，并成为后世浪漫派音乐家创作钢琴小品的

　　楷模，开创了钢琴音乐创作的新领域。

　　受舒伯特影响最深，并直接从其作品精神中得

　　益的是门德尔松。门德尔松的&’ 首《无词歌》在世界

　　钢琴文献中都占有重要地位。从这些作品中，反映出

　　的是门德尔松钢琴音乐的室内性风格特点，旋律优

　　雅流畅，和声质朴纯真，从不追求浮华的炫技效果，

　　也少有深刻的戏剧性和激动人心的内心表白，整体

　　上以音乐语言的谐和均衡、清新淡雅见长，其中那些

　　富于歌唱性旋律的作品给人的印象最深。

　　真正让钢琴音乐燃烧着浪漫主义热情，洋溢着

　　兴奋激昂情绪的是德国作曲家舒曼。由于早年与其

　　师之女克拉拉之间恋爱的失败，加之对当时音乐界

　　陈腐、保守、庸俗的市侩风气的不满，使他形成了易

　　于沉思幻想和激动热情的双重性格，切几乎贯穿在

　　他所有的钢琴音乐中。可以说，舒曼大多数的钢琴作

　　品都是他前半生内心生活的写照，带有某种自传的

　　性质。舒曼在标题性的套曲形式上有较大创造，他是

　　第一个将独立的钢琴小品贯穿成不可分割的艺术整

　　体———套曲的作曲家，代表作有《狂欢节》、《蝴蝶》

　　等。他的钢琴音乐作品中的“标题性”提示，往往是通

　　过内容的进行，用来更深刻地表现细致入微的情感

　　体验的重要手段。折射出的是音乐中的诗意和文学

　　意味，而不是简单地运用情节性的标题进行提示，

　　《童年情景》中的“标题性”提示几乎就具有这样的意

　　义。

　　被誉为“钢琴诗人”的波兰作曲家、钢琴家肖邦，

　　把他的全部生涯都奉献给了钢琴创作，这在钢琴音

　　乐史上是独一无二的。他创造了典型的浪漫主义的

　　钢琴音乐语言，他对新的音响色彩的探索开辟了新

　　的音乐表现天地，创作中大量半音的运用动摇了由

　　维也纳古典乐派确立的自然音调性体系，而拿波里

　　六和弦、属七、减七、属九和弦的层出不穷使用，则大

　　大地强化了和声色彩的功能。不仅如此，他还对旋

　　律、织体、装饰音等各方面进行革新，以利于音乐表现

　　的需要。肖邦的钢琴作品所涉猎的体裁范围无人能

　　及，玛祖卡、叙事曲、谐谑曲、奏鸣曲、夜曲、圆舞曲、练

　　习曲、回旋曲、协奏曲、前奏曲等，从不同的侧边真实

　　地记载了作曲家由祖国命运危机、社会环境变迁和个

　　人经历的波折，所引发的一系列复杂的情感体验。除

　　了浪漫主义激情外，他的创作和演奏风格中还保留着

　　一种含蓄内在、均衡典雅的古典精神气质。

　　如果说肖邦发掘了钢琴内在的表现潜力，那么与

　　其同时代的匈牙利作曲家、钢琴家李斯特则弘扬了钢

　　琴艺术的外在表现力。其钢琴演奏风格直接继承和

　　发展了克列门蒂、贝多芬的动力性风格，技术辉煌，激

　　情四溢，在钢琴上追求宏伟的交响性音响。他的钢琴

　　作品大都是外向性的，音乐感情炽热，旋律带有朗诵

　　调性质，不少作品冠以与文学、绘画、雕塑有关的标

　　题。而他对于大量半音、增减和弦，甚至是全音音阶

　　的运用，更是成为了印象主义风格的先声。除此之

　　外，李斯特还在《( 小调奏鸣曲》中成功地运用了“主

　　题变奏”的手法，使音乐本身的展开更富有逻辑性。

　　正当李斯特在浪漫主义的潮流中推波助澜时，出

　　现了一位要恢复古典主义精神和传统的反潮流人物

　　———勃拉姆斯。秉承德奥文化气质的勃拉姆斯，其音

　　乐创造较之同时代人的要深刻严肃、富于理性。在他

　　的某些作品中，特别是最后几年的创作，有一种个人

　　精神倾诉的趋向，可看作马勒音乐创作的先行。某些

　　地方如同肖邦一样，他把自己的感情深深地隐藏在抽

　　象的标题背后，与同时代音乐风尚相比，勃拉姆斯对

　　于赋格曲、奏鸣曲、变奏曲等古典形式所具有的兴趣

　　要强烈得多。他的演奏风格是厚实的，他是继贝多芬

　　之后$) 世纪最重要的键盘作曲家。他的音乐有着德

　　国北部的严肃性，充满了技巧上的困难。

　　上述我们所介绍的作曲家基本上也都是本时期

　　优秀的钢琴演奏家，这是这一时期音乐发展的一大特

　　点。钢琴演奏技巧发展与作曲技术改进之间相辅相

　　成、互为要求，形成了钢琴音乐艺术发展的最大动

　　力。其实，早在$) 世纪头+ 年就已表现出钢琴家对

　　于演奏技巧训练的重视，如克拉莫、胡梅尔、费尔德、

　　车尔尼、莫舍列斯等，他们仿效,·-··巴赫建立

　　键盘演奏理论体系的做法，纷纷编写各种类型的练习

　　曲，试图建立各自演奏技术训练的体系，致使钢琴演

　　奏技术训练开始走向规范化的道路。

　　应该说李斯特是钢琴演奏史上的重量级人物，过

　　去，除了贝多芬，所有的钢琴家都是双手紧贴键盘进

　　行弹奏，而李斯特一反常规，把手臂高高举起，头发往

　　后一甩，使钢琴发出了巨大的轰鸣，迸发出兴奋的感

　　情色彩。而他早年受小提琴演奏家帕格尼尼启发，推

　　出的大量的双音、八度音阶、大跳八度和弦、快速轮

　　指、滑奏等高难度技术，使得钢琴获得了前所未有的

　　风驰电掣般的音响效果。但李斯特对演奏时力量的控

　　制也是很有讲究的，如同哈莱写到的一样：“他在演奏

　　时显示出的力量是我从来未听见过的，但既不显得粗

　　糙，又不是过度响亮。”# $ %他的这一做法，极大地影响

　　了当时整个欧洲钢琴界的演奏风格，涌现出了诸如

　　“琶音大师”泰尔伯格、“八度大王”德雷肖克等炫技演

　　奏家，他们的炫技作品也如雨后春笋般地层出不穷。

　　另外，李斯特根据交响曲、管风琴曲、歌剧片断和流行

　　歌曲所作的集大成般的“释意演奏”# " %，一方面显示了

　　钢琴这件万能乐器的神奇魔力，另一方面则体现了李

　　斯特对原作品和钢琴音响极强的领悟力。就像门德尔

　　松所描述的那样：“我从来未见过任何一个像他那样

　　连指尖都流露出音乐感悟力的演奏者。”# & %

　　’(")—’() 年间，占主流的是炫技大师和沙龙

　　钢琴家，但其中也存在着一小群与之相抗衡的钢琴

　　家。他们反对哗众取宠的炫技，认为这只会使钢琴演

　　奏艺术走上死胡同，其中就有肖邦、门德尔松、克拉

　　拉+舒曼等。

　　肖邦是继莫扎特之后又一位追求典雅风格和高

　　尚趣味的钢琴演奏家。他的手指触键技术极其精湛，

　　对于音乐的细腻变化、踏板的色彩性运用、弱音区声

　　音的探索和钢琴内在表现力的发掘都达到了前所未

　　有的高度。他的演奏方法中最有特征性的是散板节

　　奏，那里面含有精妙的韵律摆动，洋溢着绝对的情感

　　表现，其创作、演奏中的诗意追求由此而体现。而门德

　　尔松则是伟大艺术作品的宣传者，他从不演奏五花八

　　门的炫技乐曲，只是演奏先辈和同辈大师的杰作。作

　　曲家舒曼的妻子克拉拉·舒曼也为钢琴演奏艺术做

　　出了杰出的贡献，她不仅演奏她丈夫的大量作品，而

　　且广泛宣传巴赫、莫扎特、贝多芬、肖邦、勃拉姆斯等

　　大师的杰作，其演奏风格一反当时流行的炫技、做作

　　和夸张，在音乐表现追求上显示出理性的节制和高雅

　　的趣味。

　　随着浪漫主义音乐的发展，以炫技大师为代表的

　　钢琴家与以伟大艺术品的宣传者为代表的钢琴家之

　　间逐渐出现分野。曾经辉煌一时的炫技大师们，落得

　　了一个演奏艺术价值不高的尴尬境地，但如果站在历

　　史的角度上辩证地来看，他们并非是无所作为的，最

　　起码对于提高钢琴艺术地位，促进钢琴技术进步，其

　　贡献仍可说是巨大的。

　　不过，充斥在浪漫主义时期的技术为上的风尚也

　　产生过很大的负面影响，由于过份强调发展演奏技

　　术，并急于求成，也贻误了许多年少的学琴者。譬如，

　　当时曾风行过一套用于辅助手指训练的方法，狂热的

　　舒曼就因此而练废了手指头。不可否认，这个时代由

　　于过多地着眼于钢琴演奏技巧，在演奏观念上显露出

　　了对于炫耀技巧的广泛兴趣，从而挤兑和降低了对于

　　音乐作品的内在艺术质量的追求，使得钢琴艺术的发

　　展充满着浮燥的气息。艺术评价急功近利，过分强调

　　钢琴演奏技术进步，的确是这个时代的不足，我们应

　　该清晰地看到这一点。但是，从钢琴艺术历史演进来

　　看，这种对技术因素的强化，却酝酿了钢琴演奏史上

　　的一个转折性变化，促使钢琴制造者对近代钢琴从多

　　方面不断地改进，为后来钢琴音乐表现的飞跃奠定了

　　基础。

　　艺术和技术之间从来都是相辅相成的，好的艺术

　　需要良好的技术作支撑，反之，好的技术又会对艺术

　　表现提出新的要求。浪漫主义作为人类音乐历史的一

　　个断面，作为钢琴艺术发展的一个阶段，自有其辉煌

　　的一面，也有其不足的地方，只有从整体上对其进行

　　全面观察，才可能对浪漫主义钢琴艺术发展有一个较

　　为客观的认识和评价，也才可能更准确地看到浪漫主

　　义钢琴音乐的历史性贡献之所在。

　　参考文献：

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　　文 ’/() 02 1,

　　#" % # 美% 勋伯格, 世界著名钢琴流派的演奏风格# -% , 钢

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　　#& % 徐元勇, 钢琴音乐简史# -%, 音乐天地 ’//" 0$ 1,

　　贝多芬、肖邦、李斯特、舒曼:人们可能说本专辑收录的这四位作曲家作品，正是阿劳音乐里的四大基石。可是立即又马上会有许多其它作曲家的名字浮上来，例如舒伯特和莫扎特……等。总之，阿劳确实是个兴趣广博和感悟力强的钢琴家。这样广的音乐涉猎，多少让乐评家分析起来觉得头痛，可是一个客观判断的耳朵还是可以区分出不同作曲家在阿劳艺术中的不同份量。

　　贝多芬在阿劳的演奏曲目中占有特别的一席之地。我从一九五零年代中期就开始听阿劳的演奏会，我不认为他有任何一场音乐会让这位作曲巨匠缺席。我用「巨匠」一词是别有深意的，因为这正是阿劳用来形容贝多芬的用语，他认为没有任何其它音乐家能与贝多芬等量齐观。贝多芬象征看人类的抗争与超脱，代表不断「重生」与「新生」。阿劳在他的《华德斯坦》奏鸣曲中所想表达的正是这些涵意。拉丁国家人们称呼这部奏鸣曲为「破晓」(L’Aurore)，但这个「破晓」并非代表一日之晨，而是一整年的起始。阿劳曾一再重复说明老克莱巴如何找到这部作曲的正确涵意:根据1967年12月号《钢琴》(Clavier)杂志上艾尔德(Dean Elder)的记载，阿劳说:「E克莱巴告诉我，这部作品所描写就像春日开始之际，大自然苏醒之时。演奏时必须宛如不经意地踏下踏辫，弹奏得愈轻愈好。第一乐章起首部份也得弹奏得像春草嫩芽钻出大地…老实说，我们平常听到的演奏基本上都是错误的。」

　　在阿劳眼中，「平常人演奏的第一乐章比正确速度快了三倍」。说实在，阿劳演奏的这个乐章确实是个大惊奇，他的速度比一般人沉稳(比贝多芬学生彻尔尼所建议的速度还慢)，在乐曲开始处也显得极富神秘感。另一个特色是速度充满弹性，但并不是说采取夸大的对比，而E大调段落强烈呈现出演奏者个人的意念倾向。不管什么情况下，阿劳都力主钢琴家应该自行安排贝多芬作品中的脉动感，所持证据得自贝多芬同时期人物所留下的蛛丝马迹。另一方面他以钢琴家的角度来看，认为每个乐章确实都有戏剧性的成份在。

　　从序奏到终乐章轮旋曲，阿劳认为这是贝多芬作品中最深刻的一部，并用演奏来证明自己的论点。贝多芬对此曲动态对比的标注极其大幅度，阿劳不回避用言语解说他的认知:「就像太空漫游一样」。阿劳深信，诠释音乐的依据得自对乐谱细节的深度理解，这是诠释音乐的出发点，但很多钢琴家都只停留在观察乐曲表面的层次，这就是为什么我们时常听到人们抱怨青年音乐家的演奏总是听来一个样儿。

　　如果要我挑这段轮回曲最值得赞许的一段，我会选出一大段「找回家路」(Donald Tovey所说)的乐段(第221-312小节)，这个段落由五个八度音引导出来，双手一起弹奏，暗示一种沮丧绝望的感情。前三个和声是响亮而坚定的，但按着却渐弱下来，最后柔和的结束，这段介于第二大段和轮回曲主题间的音乐，通常并不吸引一般钢琴家兴趣，而阿劳却在此表现出孤独被弃的沧桑感，而只消强调了三个音符。阿劳演奏本曲比布兰德尔足足长了两分钟，看来，阿劳对贝多芬标注的速度似不是那么忠实。

　　阿劳在《皇帝》钢琴协奏曲里也放了很多个人倾向，他没有像皇帝一样威风堂堂，而是和乐团作出融合一气的整体感。值得注意的是，他用了较多的极弱音，表情极其优美而色彩丰富。这并不是录音效果所致。因为即使在现场演奏，阿劳也同样作出这种大幅度感情和韵味。再一次，阿劳带给人们一种熟悉作品的特异诠释。

　　有趣的是，一般人也许没注意，许多优秀的贝多芬演奏者也同时是优秀的李斯特演奏者。您会想到布兰德尔、肯普夫和李希特……没错，这些钢琴家，当然也包括阿劳，他们在李斯特的大量作品上都做出顶尖的表现。阿劳把李斯特的角色与舒曼、萧邦、白辽土、华格纳和拉威尔归在一起，阿劳认为李斯特B小调钢琴奏鸣曲是「史上最伟大的钢琴作品之一」。这是一部「高度集中，没有一个多余音符，没有任何地方是为钢琴技巧表现，一切都是为了戏剧性」(节自 Robert J Silverman所作访谈，The Piano Quarterly冬季号1982-83)。所谓的「戏剧性」是指《浮士德》传奇，这是阿劳对乐谱内涵洞悉后的体认，更有趣的是，其实所有李斯特的弟子都接受李斯特与《浮士德》传奇确有特殊关联的观念。标题音乐被大多数现代乐迷当成是落伍过时的东西，真是令人遗憾!其实这种内部精神联系所带来的逻辑性和特殊情境，对演奏者诠释来说，是非常有用的泉源。在阿劳的诠释观点中，他并非描述葛丽卿(Gretchen，《浮士德》中的女主角)，而是描述「葛丽卿心中的感情世界」。阿劳说:「我不会只描述角色的外表形象」。无庸赘言，阿劳这部作品的诠释可说出类拔粹，快板部份充满动感和震撼性的低音，慢板部份也不显松散，而是贯串着出色节奏韵律和色调。

　　好的贝多芬演奏者可以专长李斯特，但优秀的李斯特演奏者却未必长于肖邦。布兰德尔尽量避免弹肖邦，肯普夫开始弹肖邦作品时显然犯了大忌。李希特则小心处理两位极不同典型钢琴家音乐间的桥梁-音色以及他们对键盘的处理概念。我想，阿劳也是采取这种做法。不过尽管如此，欣赏阿劳的肖邦并不是件简单。Decca本来想在五零年代为阿劳录肖邦作品全集，结果反应恶劣，以致他们不得不取消计划。阿劳早期的肖邦演奏说实在有时真的不算是第一流，1960年阿劳录的F小调幻想曲并没有1977年的飞利浦版(本片收录者)那么出色。1960年版太拐弯抹角，后来的新版本则显得直接得多。

　　在李斯特的作品中，阿劳投以无拘无束的激情，在贝多芬里，无论在乐句中寄以多深的感情，速度方面阿劳仍是保有一定的节制。舒曼则相当不同，他的思想有部份得自霍洛维兹的说法:「舒曼的音乐永远不曾是安静的，就算在最抒情的段落，底下仍是暗潮汹涌。」这里所说的「暗潮汹涌」无疑表现在舒曼《幻想曲》Op17的前两个乐段里，同时也有证据显示出现在最后一段，如果我们仔细审视原谱当可辨识这点。阿劳的演奏颇重视这个暗潮及低音声部，并忠实清晰地表现其内在精神。

　　本片收录的四位作曲家，首先是非常有利于藉彼此差异来观察阿劳的不同风貌。第二个特殊点是，我确信您一定可以发现和其它钢琴家比起来，阿劳的诠释永远独树一格，即便是那些人们最熟悉的曲目。

　　浪漫主义时期的钢琴音乐创作与演奏

本文以影片《钢琴课》中的器乐钢琴为切入点，分析钢琴作为非文字性**语言展示的叙事策略，以及迈克尔·尼曼的简约主义配乐作为一种客体表达，如何呈现不同主体的情感世界。

一架来自文明社会的钢琴，经历了海洋的波涛汹涌后与粗糙原始的新西兰森林擦出了有关情欲和自我超越的火花。精于细微实验乐风的迈克尔·迈克尔·尼曼在为影片配乐时，减少了他浓厚的简约主义(1)风格。除了风格化的简约笔触之外，为了掩盖一种机械式的重复曲调，每一首乐曲都被加重了音乐中的旋律感[1]。以当地民谣及流行曲作为片中音乐的基础，艾达在**中弹奏着行云流水般的抒情琴音，叫人沉醉当中。作为影片极力渲染的意象，钢琴与哑女艾达的命运紧密相连。遗落在新西兰海岸的钢琴，就如同被男权社会遗忘在文明边缘的艾达。随着钢琴被搬到了贝因斯的家中，艾达的心也逐渐落在了贝因斯身上。琴键与断指，沉琴与跳海，新生与新琴……围绕着这架钢琴的自我救赎就此展开。

“你听到的声音不是我的说话声，而是我脑海的声音”。影片《钢琴课》开场的镜头即是艾达从捂住双眼的手指缝里去窥探和审视这个世界。用一个苏格兰小女孩的画外音，艾达诉说道，“从我六岁起我就没有开过口。没有人知道为什么，我自己也不知道。”紧接着画外音继续自言自语，将观众的目光带向了她的挚爱珍宝——钢琴，“奇怪的是我并不觉得自己是沉默的，因为我拥有我的钢琴”。 于是就算父亲毫无商量地将她远嫁去新西兰，没有选择权的艾达也能在钢琴中获得平静。黑暗中艾达的后背定格在画面中央：一身黑色的维多利亚时期长裙，一架黑色钢琴，连同黑暗的房间一起被展在高反差布光中，这样的场面调度给人一种强烈的压迫感。但她的手指一碰触到充满灵性的钢琴，那包围着艾达的令人窒息的黑暗和压抑就立刻被充满自由意志的钢琴曲一扫而空。     

 如果说艾达的沉默反映了对无所不在的男权压迫的反抗，那么她的钢琴就是一个闸口来释放她所有的愤怒，并为她保留空间坚持真实独立的自我。影片最开始的这种沉默压抑与声音爆发的对比，暗示了艾达沉默背后潜藏的力量：她是拥有主体性的个人，能自由地决定自己是否开口，如果开口将说些什么。从这个意义上来说，艾达的缄默不语是从符号层面反抗男权社会符号秩序的行为[2]。她抛弃了男权社会的所有语言，用通过弹奏钢琴表达和主张自己的方式保持自己的主体性完整不受侵犯。所以，当艾达与她的陪嫁物品被粗暴的白人水手扔在海滩上时，她拼命透过钢琴挡板去触摸琴键；当艾达的钢琴被丈夫暴力剥夺时，我们看到她在刻满琴键的餐桌上忘情演奏。我们也看到她为了钢琴与贝因斯做见不得人的肉体交易，在钢琴课上跟他讨价还价。她是沉默的，但透过钢琴，她又在言说一切。总之，她做了所有的努力来保存这点可以区分她的沉默的珍贵的主体性。       

 也是钢琴，让贝因斯爱上了艾达，帮助艾达实现了自我超越。艾达心爱的钢琴被丈夫无情地抛在岸边，她找到邻居贝因斯，表达自己想去岸边看一看钢琴的意愿。贝因斯在多次拒绝之后，被艾达的执着打动，带着母女二人来到海岸边。看着艾达深情忘我的演奏，贝因斯对艾达的感情由此而生。艾达的意愿第一次在男性那里得到尊重和满足。在此之后，贝因斯用八十亩地向艾达的丈夫斯图尔特换来了这架钢琴。然而易主之后，贝因斯所提的唯一要求即是他只听不弹。面对已经调音完毕的钢琴时，艾达深感意外，这是她第二次拥有这种被尊重的感觉，而贝因斯只愿听不愿弹的要求，使得艾达不再是独自弹琴，而是得到欣赏与倾听。这个一直以来表达艾达内心独白的钢琴，第一次得到了除了艾达之外他人的回应。哑女艾达的自主性再一次在贝因斯这里被找回。艾达就在这被贝因斯主导的、互相平等又掺杂情欲的交往之中对贝因斯心生情愫，直至被丈夫发现二人的奸情被砍断手指，也丝毫不能动摇自己对于贝因斯这个给予她尊重和倾听的男人的爱恋之心。     

 影片最后，当贝因斯与艾达选择离开之时，贝因斯做出了与斯图尔特这个男权社会标志性的产物完全不同的举动，他坚持一定要带上钢琴一起乘船，并最终尊重艾达的选择将钢琴丢进大海。艾达的自我也随着钢琴的沉落海底而获得重生：她的话语权不再需要钢琴这个载体替她去表达，她本身的自我已经可以得到尊重。艾达的主体性，伴随着《All Imperfect Things》缓缓响起，终于可以脱离钢琴这个载体，获得完整。

在艾达到达新西兰的第二天，身着西装的斯图尔特带着一支衣衫褴褛的迎亲队伍到海滩迎接自己心中的女神缪斯。等到艾达缓缓从帐篷中走出来的时候，注重外表的斯图尔特对于艾达的外在是极其失望的，这种失望就迁怒到艾达众多嫁妆中最累赘的钢琴上。为了维护尊严和权力，斯图尔特严词拒绝了艾达“什么都可以不要，只希望带走钢琴”的恳求。钢琴在这里象征着一种话语权，斯图尔特命令佣人丢下它，实际上是在向自己的未婚妻艾达宣布自己的绝对控制权。      

这个男人不知道的是，从他对象征着艾达另一个自我的钢琴不屑一顾甚至加以嘲讽的那一刻起，他就注定无法占有艾达的心。斯图尔特不能理解伴随着画外音乐《The Promise》响起，艾达凝视山谷之下的钢琴时眼里流出的绝望与悲凉；不能理解艾达在木桌上刻下琴键的奇怪举动。影片的尾声，当斯图尔特发现艾达再次辜负了自己的信任，击碎了自己作为一个男性的尊严时，他难忍胸中怒火地手提着斧头冲下山坡。《The Sacrifice》如暴风骤雨般倾泻，随着斯图尔特脚步的临近愈加充满紧张与不祥。艾达被砍掉手指的一段，钢琴曲始终悠扬清澈的，如同雨中飘零着的风声。配合这样的空灵，却是艾达徘徊在倾盆的大雨中，尽管她极度克制面部痛苦的表情，然而在这样的克制下却是无尽的惨烈和震撼，触目惊心。

与艾达的沉默相比较，**中贝因斯的沉默更加隐晦也更加难以察觉。从贝因斯的刺青纹和他同毛利人的交谈中，我们可以得出他毛利人的身份。但是当斯图尔特处于一种欧洲中心主义的自满情绪，并被一种对“落后的”当地人的统治逻辑所支配时，贝因斯的价值体系是不被重视和倾听的[3]。因此，他无法拒绝艾达提出想要去新西兰海岸弹奏钢琴的请求。艾达倾心弹奏的《The Heart Asks Pleasure First》弥漫在咸湿的海风，贝因斯就在那时对同样不被男权社会重视和倾听的艾达产生特殊的情愫。短暂的午后，沉默的艾达因为钢琴得到救赎，沉默的贝因斯因为艾达得到救赎。贝因斯看似愚蠢地用自己的八十亩良田交换了艾达钢琴的所属权。导演简·坎皮恩将贝因斯和艾达感情线索的发展推进在仅有的次钢琴课中。

1得知钢琴和自己都被斯图尔特擅自出卖之后，哑女艾达是愕然震怒的，却被同样怒不可遏的丈夫以“一家人总要做出牺牲”的理由终结争吵。但是第一次上门之后，艾达发现贝因斯十分重视自己的钢琴，为此花了高价请专业人士调音。艾达在明确贝因斯只听不弹的意愿后，用这架钢琴弹奏了简单的音阶。

2《The Fling》的欢愉中，贝因斯身不由己地抚摸上艾达洁白纤细的脖颈。意识到自己的唐突，贝因斯和艾达达成了这样的触摸用一个黑色琴键交换的协议。

3昏暗的木屋里，贝因斯久久凝视着醉心于《Big My Secret》之中的艾达的背影。在她走后，赤身裸体地抚摸着钢琴，不知如何释放这种情感。

4仍然是在这曲《Big My Secret》中，艾达掀起了自己的裙子，裙摆下贝因斯用自己粗糙污垢的手指摩挲艾达丝袜破洞下光洁的肌肤。

5被族人调侃之后，贝因斯提出了更过分的要求。在已经脱下外衣之后，艾达用一段明显杂乱无章的旋律宣泄自己的不满与恐惧，打消了贝因斯更进一步的念头。

6艾达在观看舞台剧《蓝胡子》时假意与斯图尔特亲密来刺激贝因斯。在这一次的钢琴课上，贝因斯用十个琴键交换两身赤身裸体相拥的机会。      

贝因斯的内心充满了矛盾与挣扎，他决定终止这场借着钢琴课的名义来满足自己情欲的肉体交易。但是此时在艾达的心中，贝因斯的突然缺席带给她的是无尽的失落和空虚。顺着《Lost And Found》的乐声，艾达的眼光望向森林深处的木屋，和那个在她心间掀起情欲波澜的男人。在脱离了钢琴课师生的关系后，艾达奔赴心中的爱人，于钢琴曲《The Scent Of Love》中，两人的情感得到升华。    

《钢琴课》是一个关于在沉默中发声的故事。为了要让一切沉淀下来，导演简·坎皮恩把故事发生的环境设置在一个幽闭荒芜的海岛。遥远空旷的新西兰海岸上，没有声音，只有旋律，每一个人都在默默地饱受挣扎变做无奈之后的煎熬。对于女主角哑女艾达而言，这种煎熬向观众所展示的，不是世俗意义上女人与男性权力的对抗；而是一个内心独立、能够在精神上自足的女性，在自身生存环境和精神世界的冲突中寻求平衡，经历多重挣扎之后，终于获得内心的平静，与现实达成和解的过程。

(1)简约主义：简约主义的称号最初来自绘画与雕刻艺术，又称为“极简抽象艺术”。音乐中，也有一种称为简约主义(Minimalism)。简约音乐有不同的称呼，它又被称为复奏音乐(repetitivemusic)、原声音乐(acousticalmusic)及冥想音乐(meditativemusic)，每种名称分别说出不同简约主义音乐家在音乐上的不同取向。可以肯定的是，简约主义音乐家都一致有意识地要对抗传统以来教条主义下的十二音阶体系作曲技法，他们更着意在音乐上的回旋反复设计，强调韵律与节奏。

[1] 罗展凤**×音乐[M]北京：生活·读书·新知三联书店，2005：247-248

[2] 赖丹浅析《钢琴别恋》中的女性视角[J]**评介,2011(22):68-69

[3] 李亚苹沉默的艾达与被消声的毛利人——从简·坎皮恩的《钢琴别恋》谈起[J]**评介,2013(20):35-39