浪漫主义音乐的代表人物及其代表作

1、肖邦（1810-1849），波兰钢琴家、作曲家，是19世纪浪漫主义音乐主要代表人物之一，有“钢琴诗人”之誉。作品：《降A大调波兰舞曲“英雄”》《革命练习曲》、《离别练习曲》、《一分钟圆舞曲》、《降E大调辉煌的大圆舞曲》

2、李斯特（1811-1886），匈牙利钢琴家、作曲家，被誉为历史上最伟大的钢琴家。作品：《第二匈牙利狂想曲》、《第六匈牙利狂想曲》、《爱之梦第三首》、《帕格尼尼练习曲”钟“》、《降D大调音乐会练习曲”大海》

3、柴可夫斯基（1840-1893），俄国作曲家。作品：《天鹅湖》、《咬核桃人》、《第一钢琴协奏曲》、《1812序曲》、《第四交响曲》、《第六交响曲“悲怆”》

4、瓦格纳（1813-1883），德国作曲家，曾与同时代的哲学家尼采有过交往。

他创作的主要领域是歌剧，包括《尼伯龙根的指环》（《莱茵的黄金》、《女武神》、《齐格弗里德》、《众神的黄昏》）、《特里斯坦与伊索尔德》、《漂泊的荷兰人》、《罗恩格林》、《汤豪瑟》、《黎恩济》、《纽伦堡的名歌手》、《帕西法尔》等，另外还有管弦乐曲《浮士德序曲》等。

5、施特劳斯（1825-1899），奥地利作曲家，作品：《蓝色多瑙河》《维也纳森林的故事》《艺术家的生活》

罗伯特·舒曼

罗伯特舒曼（robertschumann，1810年6月8日—1856年7月29日），19世纪德国作曲家、音乐评论家。

舒曼自小学习钢琴，7岁开始作曲。16岁遵母意进莱比锡大学学习法律。19岁又进修钢琴，当听到帕格尼尼的演奏，他受到了极大的影响，放弃了法律的学习，专攻音乐。后因手指受伤，遂转向作曲和音乐评论。1835-1844年，独自编辑《新音乐杂志》，并开始创作大量钢琴作品。1840年获耶拿大学哲学博士，1843年赴莱比锡音乐学院任教。1844~1850年，移居德雷斯顿继续从事作曲和指挥。因精神疾病日趋严重1854年投河被救，1856年7月29日后逝世于精神病院。

罗伯特·舒曼是十九世纪上半叶德国音乐史上突出的人物，在他的艺术创作中深刻地反映出德国浪漫主义的优点和弱点。

中文名：罗伯特·舒曼

外文名：robertschumann

国籍：德国

民族：德意志

出生地：茨维考城

出生日期：1810年6月8日

逝世日期：1856年7月29日

职业：作曲家、音乐评论家

毕业院校：耶拿大学

代表作品：《蝴蝶》、《维也纳狂欢节》、《新音乐杂志》等

人物生平

罗伯特·舒曼（robertschumann，181068~1856729),诞生于德国东部莱比锡附近的小城—茨维考（zwickau）。父亲奥古斯特舒曼(augustschumann)是一位精明能干的书商，具有极深的文学素养，对舒曼后来的文学造诣，影响至钜。母亲约汉娜·舒曼（johannaschumann）是一位富于浪漫气质的妇人。舒曼从母亲身上所承袭的热诚而敏感的个性，可说是他成年以后精神发展的基因。1817年，舒曼初随昆施（gottfriedkuntzsch）学习钢琴，此时便已崭露出即席创作的天才。1819年，他欣赏了莫薛勒斯（moschles）的演奏之后，得到父亲的支持，立志成为钢琴家，从此努力不懈。1826年，父亲骤然辞世。1828年3月，舒曼在母亲的要求下，前往莱比锡改学法律。这个决定使舒曼至感痛苦。

莱比锡是全德音乐文化中心，这里聚集着许多优秀的艺术家，各种艺术活动都非常频繁活跃。具有强烈艺术家气质的舒曼，一到莱比锡就被这里活跃的艺术空气所吸引。在学校里，教授枯燥的法律课程命他感到索然无味，而音乐却使他感到格外的亲切。他几乎每天都在从事音乐活动。为了达到高超的钢琴演奏水平，他拜当时著名的钢琴教师里希·维克为师。两年后，舒曼在音乐艺术上的造诣与成就使他声誉大振。他公开举行的演奏会得到了音乐界的普遍承认与好评。于是他终于说服母亲，选择了音乐艺术的道路。1830年，他搬进了维克老师的家中潜心学琴。他时时抱怨老师的授课速度太慢，为了迅速提高技能，他别出心裁地用一根细绳把手指吊挂在天花板上偷偷练琴，试图以此加强手指触键的灵活性与力度。但是，错误的方法使他的手指受到了严重损伤，他想成为伟大的钢琴家的理想从此破灭了。这个意外的不幸对他的心灵是一个沉重的打击，但是挫折并没有把他的精神与毅力摧毁。不久，他把目标转向音乐创作与音乐评论方面，在新的音乐领域中开拓自己的艺术道路。三十年代是他钢琴创作最活跃的全盛时期，许多钢琴小品与曲集都是这时期的作品。

1810年6月8日，舒曼生于茨维考城。父亲是个颇有文化修养的书商，母亲是一位外科医生的女儿。舒曼7岁时向教堂管风琴师JG孔奇学习钢琴，12岁开始尝试创作。他在中学时代便深受浪漫主义文学的影响，特别喜爱GG拜伦、J保尔、ETA霍夫曼等人的作品。

1828年舒曼遵母命进莱比锡大学攻法律。他对此毫无兴趣，不久便放弃。1830年从钢琴家F维克学习钢琴，同时向HLE多恩学习作曲理论。当时他立志要做一个钢琴家，但由于手指受伤，不得不放弃钢琴转向作曲。1830～1840年间，舒曼创作了大量钢琴作品，他的音乐才能得到了充分发挥。

1834年，他创办了音乐评论刊物《新音乐杂志》并任主编。四十年代他不断扩大音乐创作的范围，写了不少声乐曲、交响曲、室内乐重奏曲、清唱剧、歌剧等，如著名的《a小调钢琴协奏曲》、《曼弗列德序曲》、声乐套曲《诗人之恋》、《女人的爱情与生活》及第一、二、三、四交响曲。同时应门德尔松的邀请，任教于莱比锡音乐学院。舒曼同维克老师的女儿克拉拉相恋多年，但他们的爱情却遭到维克的坚决反对。维克在这一方面对舒曼十分残酷，以至使他患了精神忧郁症。直到1840年8月1日，莱比锡法庭才终于裁决了他们的婚姻悬案，使这对有情人终成眷属。舒曼的音乐创作十分注重于人物内在感情的描写。他喜欢标题音乐，并经常描写一些梦幻的世界。他的钢琴作品形式短小。但在旋律、和声上、节奏上都有自己鲜明的个性和独到之处，充满了浪漫主义色彩，因此他被人们称为“音乐诗人”。

1843年F门德尔松建立莱比锡音乐学院，舒曼应邀在该校任教。次年随克拉拉去俄国旅行演出，回国后迁居德累斯顿。40年代舒曼的创作重点从钢琴音乐和艺术歌曲转到交响音乐、协奏曲、室内乐、戏剧音乐等大型体裁方面。

1848—1849年德国爆发革命，舒曼受到革命浪潮的激励，精神振奋，这在他的创作中留下了鲜明的印记。1850年舒曼居住在杜塞尔多夫，担任了该市的管弦乐团和合唱团的指挥。但是由于早已潜在的神经系统疾病的急剧恶化，1853年辞去指挥职务。

1854年，他因精神病恶化而丧失了理智，甚至连妻子也认不出了。一个严寒的冬日，他竟跳进冰冷的莱茵河里企图自杀，幸而被救并送进了精神病院，但他始终未得到完全的恢复。

1856年7月29日，舒曼在爱妻克拉拉的怀中安然逝去，终年46岁。

创作风格

旋律特征

舒曼钢琴作品的主要特色，乃在于其深具个性化的诗意表现，而旋律是呈显其特色的主要媒介。

舒曼钢琴作品在曲式上所表现的独特性，最主要乃源自其音乐诗化之理想。他曾说过：音乐是诗的最大潜能。舒曼认为，做为艺术家，道德应成为一个诗人，并且努力达到诗的悟性。这种铭刻于心的理念，使他的音乐如同富于幻想的诗，自由地从凝固的形式中解放出来，用以表达自己的理想世界。

舒曼的主要钢琴作品在多完成于一八三九年之前，也就是热情洋溢的青年时期。这个时期的舒曼习惯于在钢琴上倾诉自己的情感。一篇篇的钢琴作品，其实就是他一篇篇的生活日记。作品中所涌现旋律，也大都是可歌性的语法。而在诗学的影响下，其作品的旋律，也往往离不开方正的二小节、四小节、八小节的乐句组成。这使得他的旋律显示出极为热情内敛而不虚华外烁的线条。它在钢琴的中间音域以平和的音程进行，所表达的无限性内涵，必须像“朗诵诗”一般地反复寻味，才能得到深切的同情共感。

大致上，舒曼钢琴作品的旋律，有如下五种特征：

1、以相同的旋律语法，使用在不同的作品中，而成为特有的笔调。

2、偏爱以上拍开始的旋律。

3、绝少使用附加的装饰音。

4、常以对位手法卡农或赋格处理旋律。这是舒曼孜孜钻研巴赫作品所获得的理念。

5、常以模进手法处理旋律。进而达到转调、简化或扩展的目的。

节奏特征

“节奏”是舒曼钢琴音乐中，重要而有力的表达手法。经由节奏和拍子之间奥妙而多样的变化，产生了‘舒曼风节奏’所特有的飘逸性，这种飘逸性的不安定内涵，明显地是经由重音的拖延所造成而这种重音的不规律出现，大多来自切分音的大量使用，当节奏重音和拍子重音无法同时落下时，节奏韵律就失去了惯有的重量感，因而呈现出强烈的不安定个性。

舒曼惯用的节奏规律，大体有台下几种模式：

等节奏（homorhythmus）

互补节奏（komplementarrhythmus）

纠缠节奏（konfliktrhythmus）

以不等分节奏相互遇合的旋律与伴奏，在舒曼的钢琴作品中，较常以2：3的形态出现于内敛的乐段。这种节奏或多或少呈显了舒曼在现实与理想的冲突中，潜藏于灵魂深处的自我挣扎。

和声特征

和声也是舒曼钢琴作品呈显其特殊风格的表达手法之一。虽然舒曼的和声理念主要承袭自贝多芬和舒伯特，但浪漫主义追求无限美的思想，以及舒曼自身耽于梦想的主观性格，更驱使他极力寻求多样化而富于特性的和声效果。

舒曼特性和声的手法，主要有如下五种：

1、避免使用原位主和弦。舒曼为了达到调性感的消失，常使主和弦以隐伏的姿态出现，甚或将之排队而藉著“虚为终止”（v——vi）迅速转调。

2、经常使用转位和弦。特别是边疆六和弦，以造成音乐的飘浮性。

3、经常使用和声外音。

4、经常使用“副属和弦”与“拿坡里六和弦”（neapolitanische）。由此造成调性的扩展或藉以扩张终止式。

5、运用“持续低音”（orgelpunkt）。藉此以造成和声的混淆，使音乐产生不协和的色彩。

音乐作品

舒曼钢琴作品的曲工序要有下列三种：

奏鸣曲式

（sonataform）此类钢琴作品计有下列六首：

1、1834年《触技曲》作品7；

2、1835年《第一首钢琴奏鸣曲》作品11第一乐章；

3、1836年《幻想曲》作品17第一乐章；

4、1836年《第三首钢琴奏鸣曲》作品14第一乐章；

5、1838年《第二首钢琴奏鸣曲》作品22第一乐章；

6、1839年《维也纳狂欢节》作品26第五乐章，终曲。

变奏曲式

（variationform）此类作品有如下五首：

1、1830年《阿贝格变奏曲》作品1；

2、1833年《克拉拉主题即兴曲》作品5；

3、1834年《交响练习曲》作品13；

4、1836年《第三首钢琴奏鸣曲》作品14第三乐章；

5、1853年《三首为青年的钢琴奏鸣曲》作品118之一第二乐章。

套曲曲式

（zyklusvoneinzelstucken）此类钢琴作品有如下十八套：

1、1829年《蝴蝶》作品2；

2、1832年《间奏曲》作品4；

3、1835年《狂欢节》作品9；

4、1837年《大卫同盟舞曲》作品6；

5、1837年《幻想曲集》作品12；

6、1838年《儿时情景》作品15；

7、1838年《克莱斯勒亚那》作品16；

8、1838年《叙事曲集》作品21；

9、1839年《阿拉贝斯克》作品18；

10、1839年《花曲》作品19；

11、1839年《幽默曲》作品20；

12、1839年《夜曲》作品23；

13、1839年《钢琴曲》作品32；

14、1840年《罗曼斯》作品28；

15、1845年《为踏板平型钢琴而写的练习曲》作品56；

16、1845年《为踏板平型钢琴的技巧》作品58；

17、1848年《少年曲集》作品68；

18、1849年《森林情景》作品82。

后世影响

舒曼是浪漫主义音乐成熟时期的代表之一，生性热情敏感，并且有民主主义思想。1834年创办《新音乐杂志》，对改变当时陈腐的音乐空气，促进浪漫艺术的发展，起到重要的作用。

浪漫主义音乐是欧洲音乐文化进程中一种特定的音乐思潮和创作倾向。浪漫主义时期是个钢琴特性小品盛行的年代，作曲家们都致力于创作形式各样的特性小品。舒曼作为19世纪上半叶德国音乐文化史上最突出的人物，在他的生活和艺术创造上，深刻地反映出了德国的浪漫主义的优点和弱点。他无疑也是这支浩荡大军中的一员。舒曼在直接继承贝多芬的古典主义风格，发展舒伯特和韦伯的德国进步浪漫主义传统的同时，他使幻想曲、随想曲具有了在他以前从未有过的重要性，间奏曲在他的笔下成为了独立的钢琴作品。“阿拉伯风格曲”、“新事曲”、“幽默曲”这些体裁名称也首次被舒曼运用在钢琴作品中。最重要的是，舒曼借用了舒伯特创作的声乐套曲的形式，如同诗人将感情浓缩在数行诗中，将他的自身经历像日记般记载在精简而富有特性的小品上，然后将之连成套曲，表达完整的诗意。他首创了钢琴小品套曲这一体裁形式，这成为他区别于同一时期其他作曲家的重要标志。舒曼的钢琴小品套曲的创作风格、创作技法，如标题性，在音乐思维中掺合着文学思维，切分、赫米奥拉节奏的运用等手法对19世纪中、后期乃至19世纪后的各个乐派的众多作曲家们在钢琴小品创作上都产生了深远的影响。

人物评价

舒曼狂喜的、热情的精力增加了他音乐的个人特征。他关注高于他内在自我和灵感的源泉，无论是霍夫曼还是克拉拉。这种思想几乎是意识流的，造就了奇迹般的具有独创性的形式——在此之前，从未有像《狂欢节》或者《C大调幻想曲》那样的作品问世。

罗伯特·舒曼是19世纪德国浪漫主义音乐的典型代表人物，他的浪漫主义精神主要是受到家庭和时代的影响而形成，这个时代流行的唯心主义哲学、浪漫主义文学以及浪漫主义音乐塑造了浪漫主义音乐家舒曼。舒曼是属于十九世纪的，也是属于后世的，舒曼的音乐创作和音乐评论，更重要的是他那种精神，对后世乐坛产生深刻而长远的影响。

（1）帕格尼尼（1782~1840）：意大利小提琴家、作曲家。推荐曲目：1二十四首无伴奏小提琴随想曲。2第一、二号小提琴协奏曲。3摩西幻想曲。4《心中类乱》主题变奏曲。

5小提琴与吉他的奏鸣曲（任选）。

（2）韦伯（1786~1826）：德国作曲家。推荐曲目：1第一、二号竖笛协奏曲。2钢琴曲《邀舞》。3降B大调竖笛五重奏。4《磨弹射手》序曲、《奥伯龙》序曲、《尤里安得》序曲。5歌剧《魔弹射手》。

（3）麦亚白尔（1791~1686）：德国歌剧作曲家。推荐曲目：加冕进行曲（选自歌剧《预言家》）。

（4）罗西尼（1792~1868）：意大利歌剧作曲家。推荐曲目：1歌剧序曲选辑。2歌剧《塞维亚的理发师》。3歌剧《赛米拉密德》。4歌剧《灰姑娘》。5弦乐奏鸣曲（共六首）。

6圣母悼歌。

（5）董尼才悌（1797~1848）：意大利歌剧作曲家。推荐曲目：1歌剧《拉默摩的露西亚》。2歌剧《唐巴斯瓜雷》。3歌剧《爱情灵药》。4歌剧《联队之花》。5歌剧《宠姬》。

（6）舒伯特（1797~1828）：奥国作曲家，人称《歌曲之王》。推荐曲目：1第五、第八、第九号交响曲。2钢琴与弦乐五重奏曲《鳟鱼 》。3弦乐四重奏《死与少女》。4即兴曲D899、D935、D946。5乐兴之时D780。6钢琴奏鸣曲D557、D571 D556、D784、D845、D894、D850、D958、D960。7《阿贝鸠尼》奏鸣曲D821。8第一号、第二号钢琴三重奏。9流浪者幻想曲D760。10联篇歌曲集《美丽的磨坊少女》、《冬之旅》、《天鹅之歌》。11歌曲集（任选）。12八重奏D803。13弦乐五重奏D956。14小提琴奏鸣曲（四首）。15小提琴幻想曲D934。

（7）白辽士（1803~1869）：法国作曲家。推荐曲目：1幻想交响曲 。2序曲集（包括《罗马狂欢节》、《李尔王》、《海盗》等）。3哈洛德在意大利（包含中提琴主奏的主题交响曲）4歌曲集《夏夜》。5罗密欧与茱丽叶（戏剧交响曲）。

（8）葛令卡（1804~1857）：俄国作曲家。推荐曲目：1《露斯兰与鲁密拉》序曲。2降E大调六重奏。3管弦乐曲《卡玛琳丝卡亚》、《马德里之夜》。

（9）孟德尔颂（1809~1847）：德国作曲家。推荐曲目：1交响曲第三号《苏格兰 》、第四号《意大利 》、第五号《宗教改革》。2E小调小提琴协奏曲OP64。3钢琴协奏曲（二首）。4《芬加尔洞窟》序曲。5戏剧音乐《仲夏夜之梦 》。6降E大调弦乐八重奏 。7第一、二号钢琴三重奏。8大提琴奏鸣曲（二首）。9无言歌。10神剧《以利亚》。

10）萧邦（1810~1849）：波兰钢琴家、作曲家。推荐曲目：1第一、二号钢琴协奏曲。2练习曲（二七首）。3前奏曲（二六首）。4圆舞曲（十四首）。5夜曲（二一首）。6钢琴奏鸣曲第二、三号。7《军队》波兰舞曲OP40NO1、《英雄》波兰舞曲OP53 、《幻想》波兰舞曲OP61、沉着的行板与大波兰舞曲OP22。8马厝卡舞曲（任选）。9即兴曲（四首）。10叙事曲（四首）1 2 3 4 。11诙谐曲（四首） 。12幻想曲OP49 。13摇篮曲OP57 。14船歌OP60。

（11）舒曼（1810~1856）：德国作曲家。推荐曲目：1交响曲第一～四号(No3莱茵交响曲第一乐章 、第二乐章 、第三乐章 、第四乐章 )。2儿时情景OP15(之第七首梦幻曲 )。3C大调幻想曲OP17(第一乐章 、第二乐章 、第三乐章 )。4狂欢节OP9。5克莱斯勒利纳OP16。6交响练习曲OP13。7幻想小品OP12。8森林景色OP82。9第二号钢琴奏鸣曲OP22。10A小调钢琴协曲OP54(第一乐章 、第二三乐章 )。11钢琴五重奏OP44。12竖笛与钢琴幻想小品OP73。13三首双簧管浪漫曲OP94。14《童话画册》（中提琴与钢琴）。15五首民谣式作品（大提琴兴钢琴）。16A小调大提琴协奏曲。17D小调小提琴协奏曲。18联篇歌曲集《诗人之恋》、《女人的爱与生涯》。19小提琴奏鸣曲（二首）。20钢琴与法国号的慢板与快板OP70。

（12）李斯特（1811~1886）：匈牙利钢琴家、作曲家。推荐曲目：1第一 、二号钢琴协奏曲。2交响诗第二号《塔索》、第三号《前奏曲》 、第四号《奥菲欧》、第六号《马捷帕》。3匈牙利狂想曲（十九首）No1 、No2 、 No13 、 No15 。4匈牙利民谣幻想曲。5B小调钢琴奏鸣曲OP45。6第一号梅菲斯特圆舞曲。7帕格尼尼主题大练习曲OP67（共六首、其中第三首最著名）。8超技练习曲（十二首，任选） 。9巡礼之年。10第三号《爱之梦》。11死之舞（钢琴与管弦乐）。12《浮士德》交响曲。

（13）威尔第（1813~1901）：意大利歌剧作曲家。推荐曲目：1歌剧《茶花女》。2歌剧《阿伊达 》。3歌剧《奥泰罗》。4歌剧《麦克白》。5歌剧《游唱诗人》。6歌剧《命运之力》。7歌剧《纳布果》。8歌剧《假面舞会》。9歌剧《唐卡罗》。10歌剧《法斯塔夫》。11序曲与前奏曲集（任选）。12安魂曲1 2 6 。

贝多芬——音乐史上永远的巨人

贝多芬，一位双耳失聪的音乐家，凭着惊人的意志，创造了音乐的奇迹，给人类留下了瑰丽无比的艺术宝库。尽管贝多芬已经去世100多年了，但至今仍被全世界的人尊为“乐圣”。贝多芬的音乐，跳动着时代的脉搏，激荡着生命的轰响，充满着豪迈的气魄，真切地打动着人类的心灵。

天才少年

1770年12月16日，贝多芬出生在德国波恩一个穷苦的家庭。他的父亲在波恩的宫廷里担任乐手，靠微薄的工资维持家庭生活。贝多芬从小就展露出了音乐方面的天分。每当父亲在家弹钢琴的时候，他不管在做什么，都会把正在做的事扔下跑过去看着听着。四岁的时候，他竟能把父亲弹过的曲调，照样弹奏出来。父亲感到特别惊奇，从此，便开始教贝多芬学习钢琴。但是父亲非常严格，贝多芬稍微弹错一点，就会挨一顿痛打。这时候，妈妈总是安慰他不管怎样辛苦，都要好好练习。11岁的时候，贝多芬拜音乐家尼法为师，尼法教贝多芬弹钢琴、风琴和各种作曲的基本方法。这是一个非常严厉的老师，教法非常严格，贝多芬常常累得精疲力竭，而且只要被发现一点不满意的地方，贝多芬就遭到训斥。

日子一久，贝多芬实在受不了这种严格的训练，就向妈妈表示不要跟尼法学习了。妈妈告诉他：“大家都夸奖你是个天才，因为人家看你是个孩子，如果你信以为真的话，那就是你的错误了，照这样错误下去，你还能成为一个伟大的音乐家吗？每位伟大的人物，都是经过千锤百炼才能成功的。”

从那以后，贝多芬更加用功地学习，并在十三岁时第一次动手作曲，创作了一篇以进行曲为主题的变奏曲。

1787年，十七岁的贝多芬被送到音乐之都维也纳学习，在那里，他见到了音乐家莫扎特，并成为莫扎特的学生。但时间不久，贝多芬接到了波恩母亲病危的消息，便匆匆返回 家乡。

乐坛宠儿

1792年，贝多芬再次动身到维也纳，此后，便一直生活在那里，直到去世。

到维也纳后，贝多芬被当时最著名的音乐家海顿收为学生。但海顿是一个从传统教育中培养出来的音乐家，贝多芬独创一格的天分，使他对传统音乐的形式与格调非常不满。于是，他瞒着海顿又分别和音乐家辛克、阿布雷兹日格建立了秘密的师生关系。然而时间不长，贝多芬又开始厌倦了，他对那些拘泥于陈旧形式的音乐感到不耐烦，他很想开拓一个所有的音乐家们从没有到过的新境界。

“我要打破那些形式，我要去打开那扇还没有人打开过的门！”贝多芬在心里呐喊。

1795年，到维也纳后的两年半，贝多芬在他向往已久的白尔格剧场演奏了所作的钢琴曲。这次的登台演奏，是成功的。观众完全被美妙的钢琴声折服了。贝多芬受到了高度的赞赏。由此，贝多芬稳固了在维也纳的地位，大家开始以音乐家的最高荣誉“大师”来称呼他。

作为钢琴家，贝多芬精湛的演奏技巧和音乐鉴赏能力，使每个人都惊叹不已；他的作品，具有强烈的个性色彩，无论在曲式、内容、节奏或其他效果上，都自成一格。所以，贝多芬的音乐被人们广泛接受，并受到出版商的欢迎。

白尔格剧场演奏获得成功的第二年，贝多芬到布拉格、柏林等地进行了演出，“维也纳的贝多芬”的名声，很快传布开来。

1800年，贝多芬30岁那年的春天，他在国立宫廷剧场第一次举行独奏会，首次发表他的交响曲。这次独奏会，不论在名誉方面还是实际方面，都使贝多芬成为了第一流的音乐家。人们对贝多芬的崇拜，已经达到了极点。贝多芬成为维也纳乐坛的宠儿。

音乐巨匠

30岁的时候，贝多芬的耳朵就出现了耳聋的早期征兆，不论白天或夜晚，耳朵里老是轰隆地响个不停。贝多芬请了几个医生诊治，不但没有好转，反而连钢琴的低音也逐渐听不到了。这对于生活在音乐世界里的人来说，无疑是一件残酷的事。年轻的音乐家被日益加重的病情深深困扰着，沉沦在不安与恐惧中，他不能够专心一意地作曲，痛苦与疲惫使他对人生产生了悲观的情绪，甚至有了自杀的念头。然而，遗书写好以后，在心灵的深处有一个声音响起：“还有音乐在那里等待着我呢！等我到了不能写乐谱的时候，再死也不迟吧！”

贝多芬从想自杀的苦痛深渊跳出来后，觉得这个世界并不真的那么讨厌。虽然他的病没有好起来，但是由于情绪的转变，他对于艺术的热情又高涨起来。

1803年，贝多芬又举行了一次新作发表会，演奏神剧“橄榄山的基督”和第一、第二交响曲、第三钢琴协奏曲。接着又参加小提琴演奏会，初次演奏他的“克罗伊采尔奏鸣曲”。1804年春天，贝多芬完成了著名的“英雄交响曲”（第三交响曲），并举行了豪华而隆重的演奏会。用贝多芬自己的话说，“英雄交响曲”表现的是一个英雄必然要经历的狂风大浪，是一个一度遭遇到逆境，而掉下眼泪来的英雄，又从逆境中站起身来，豪气冲天地向前奔驰的坚强意志。这不正是贝多芬本人的自我写照吗？1808年，贝多芬发表“命运”（第五）、“田园”（第六）两交响曲，使音乐界非常惊奇。贝多芬在诠释“命运交响曲”时，总是说：“这是命运敲门的声音。”无疑它是一个克服了人世不幸的巨人所唱出的胜利之歌，非常豪放！接下来在1811、1812年，贝多芬又先后完成了第七、第八交响曲；1824年，“第九交响曲”的发表，更是轰动了整个维也纳。

在贝多芬艺术生涯中获得最辉煌成就的这段时间，他的耳聋一直在加重。不到50岁，就完全失去了听觉。命运跟贝多芬开了最残酷的玩笑，贝多芬却以超人的毅力克服了疾病的困扰，创作出了辉煌的作品。

1827年，这位虽然经历了不幸，却凭着坚强意志，不断奋斗的音乐家，最终没能战胜病痛的折磨，在维也纳与世长辞，享年57岁。

贝多芬的一生创作了九部交响曲，被后人称为“永恒的九部交响曲”；三十二首钢琴奏鸣曲，被称为“钢琴新约全书”；还有钢琴协奏曲、小提琴协奏曲等一二百部作品。贝多芬的作品中，影响最大的是交响乐，尤以第三、第五、第九交响曲最能体现他的卓越思想和艺术才华。

贝多芬以充满激情的音乐，开浪漫派音乐之先河，给后世许多音乐家以莫大的启迪。他的作品在世界各地广为流行，至今仍真切地打动人类的心灵。贝多芬是艺术家，同时，也是一个顶天立地的人。他惊人的精神和意志，顽强的奋斗毅力，至今仍给我们以莫大的鼓舞。

贝多芬，是创造音乐和人生奇迹的人。

(来自：中学语文教学资源网)

雅尼（Yanni），1954年出生于希腊卡拉马塔。著名作曲家，人们把他称作是一个用音乐讲述生活的人。从他的身上可以感到古老希腊的浪漫诗意与年轻美国的奔放现代的融合。Yanni 的作品将高雅的古典交响乐与绚丽的现代电声乐巧妙地结合起来，雅尼曾两度被格莱美奖 提名。雅尼，原名雅尼·克里索马利斯，后加入美国国籍。

雅尼，通常被称作新世纪音乐家，但在他的自传里，他更倾向于称自己的音乐为现代器乐（Contemporary Instrumental）。1972年，雅尼由希腊赴美国明尼苏达大学留学并提前获得心理学学士学位。出于对音乐的热爱，毕业后雅尼走上了音乐之路。1980年，雅尼录制了第一张专辑《Optimystique》，之后，雅尼的优秀作品不断问世，并日益获得人们的好评。雅尼至今已有十余张专辑并在世界各地举办过音乐会，如希腊卫城，印度泰姬陵，中国故宫，英国伦敦，美国拉斯维加斯音乐会。 雅尼出生在希腊南部的一个海滨小镇。少时因为家境不好，无法受到正规有序的音乐教育，但这并不能抑制他与生俱来的音乐天赋的成长。他可以不需要任何谱子而仅凭超人的记忆，准确地记下听过的任何音乐中的每一个音符。人们把雅尼称作是一个用音乐讲述生活的人，从他的身上可以感到古老希腊的浪漫诗意与年轻美国的奔放现代的融合。雅尼的作品将高雅的古典交响乐与绚丽的现代电声乐巧妙地结合起来。他曾说过：“我的目标是用情感与人们沟通，我捕捉到了生活的感受并把它溶入音乐之中，音乐将会给听众带来希望的撞击。”

班得瑞（Bandari）音乐是瑞士音乐公司Audio Video Communications AG旗下的一个新纪元音乐团体。其作品以环境音乐为主，亦有一些改编自欧美乡村音乐的乐曲，另外还有相当数量的是重新演奏一些成名曲目。

班得瑞音乐最强的3大特色

1实地走访瑞士的罗春湖畔和玫瑰山簏、阿尔卑斯山收藏自然元音。

2主要强调一种轻柔的绝对性，是最纯净、最能安定人心的音乐处方签 。

3独特超广角音场、空灵缥缈的编曲构成最具高临场感的大自然音乐。

清爽的配乐架构处零压力、零负担的乐曲，更细琢的每一轨声道的解析度，使音场效果更具空灵感，你将体验到浑圆完美的声线，就连声波最细微的毛边都完整接受……

1990年发迹瑞士的班得瑞，来自一群爱好生命的年轻作曲家、演奏家及音源采样工程师等等青年才俊。团长奥利弗史瓦兹是一位多才多艺的音乐人，不但专长多种乐器，更熟稳先进的录音工程。他的特别率先采用先进的数字采样技术，将自然界的声响，运用后期母带24bit数字录制，钜细糜遗地记录下来清晰无比音质。奥利弗史瓦兹更曾与为莎拉布莱曼制作“Timeto Say Good-bye”的天王制作人亚历士克里斯坦森合作，但挚爱新世纪音乐的他，最终选择将一身才华奉献给瑞士山林！

班得瑞闻名全球的独特之处　

莫过于班得瑞每当执行音乐制作时，从头到尾，深居在阿尔卑斯山林中，坚持不掺杂一丝毫的人工混音，直到母带完成！置身在欧洲山野中，让班得瑞拥有源源不绝的创作灵感，也找寻到自然脱俗的音质。每一声虫声、鸟鸣、花落流水，都是深入山林、湖泊，走访瑞士的阿尔卑斯山，罗春湖畔、玫瑰峰山麓，少女峰等处实地纪录。

尚·马龙（由Jean-Francois Maljean是一位来自比利时音乐王国、毕业于柏克莱大学音乐学院、在欧洲享有盛誉的流行钢琴家，他的拥护者遍及北欧、意大利、北美、日本、新加坡、台湾。在他的二十几年的音乐创作生涯创作了十余张CD：《真心日记》、《海底之心》、《真爱传奇》、《Piana & Sea》、《Ruisseaux Des Fagnes》等等。这些专集CD发行至全世界，充分体现了他超常的音乐天赋和对乐曲的内涵非凡感悟力。　尚·马龙的钢琴具有难以捉摸又令人在瞬间入迷特质，既有古典的庄重、又有新世纪乐风的人情味，从他率直的落键更透露男性内敛的柔情。时而细雨润物，时而万马齐喑，时而如银河落九天之势，时而又复小楼昨夜听风雨之形。他的演奏风格同时受到[德布西（Debussy）]这位革新派古典名家的影响极深，所以在他的演奏里不乏有七和弦与九和弦的装饰音出现，在某些精彩的乐段中尤其突出，使他的演奏显的炫丽无比。尚·马龙从不对任何乐派靠拢或怀有偏见，他认为[心]才是音乐真正的主人，在演奏会中，可以领教这位身怀学院派技巧的钢琴名家，用音乐和心与您的对话。

理查德·克莱德曼（Richard Clayderman，1953年12月28日－），法国钢琴演奏家。本名菲利浦·罗贝路易·帕杰斯。理查德·克莱德曼不是以古典钢琴曲而见长，而是主要弹奏一些现代爱情曲目。被誉为“钢琴王子”。　理查德·克莱德曼出生于法国巴黎，5岁时开始习琴，6岁时指法已非常纯熟流畅，被誉为天才，随即进入巴黎国立音乐戏剧学院学习。16岁开始演奏自作曲，得到学校音乐比赛的优胜，并以优异成绩毕业。

理查德擅长演奏肖邦、拉贝尔、德彪西等人的作品，在古典音乐界是一颗明日之星。但是，他偶然间对通俗音乐发生兴趣，不顾周围人们的反对，毅然转变方向，开始同米谢尔·沙德合作，经常出入录音室，并结识了当时法国音乐界最受欢迎的作曲家奥利佛·杜桑。由于理查德·克莱德曼不仅具有高度的钢琴演奏技巧而且具有深厚的音乐感，深得杜桑的赏识。1977年，理查德·克莱德曼为电视剧配乐，独奏了《致艾德琳的诗》，立时引起轰动：电视台设立专线电话以应付纷至踏来的咨询；各唱片行内拥挤着要求订购此曲唱片的顾客；唱片公司为满足市场需求不得不火速加制了80万张唱片。理查德·克莱德曼一举成名。自此以后，他那流畅华丽的钢琴曲犹如一股席卷全球的旋风，由斯堪地纳维亚半岛远播至南非，又从欧美大陆传到亚洲各国。《致艾德琳的诗》之后，理查德·克莱德曼又推出大量优秀作品，如：《星空》、《秋日私语》、《心曲》等，进一步提高了他的知名度。他以华丽的音色、优雅的旋律和俊美的形象，为自己确立了理查德·克莱德曼钢琴曲的独特风格，登上了明星宝座，被誉为世界现代钢琴演奏王子。1990年，法国电视一台“90之星”评选，理查德·克莱德曼以一曲《致艾德琳的诗》当选，获得世界上唯一的金钢琴奖。随后，他与詹姆斯·拉斯特合作录制了《太阳永上云端》。

喜多郎，原名高桥正则（Masanori Takahashi），日本音乐家，在1953年于爱知县-丰桥市出生，日本作曲家、音乐家，他的家庭信奉神道教。他的的曲子韵律自成一格，从自身生活环境悟知到的诸如自然的雄浑、荒远、温暖、冷漠等种种情感反映到创意的想象世界中，音乐旋律优美，意境深邃，风格独具。喜多郎所创作的乐曲《丝绸之路》风靡全球整整20年，喜多郎凭借着对中国音乐的间接认识和音乐人对历史特殊感悟，创作出了充满中国韵味的丝绸之路乐曲，并由此一举成名。　喜多郎生于1953年日本爱知县丰桥的农家，高中时自学吉他并和朋友组成“信天翁”乐团。而后加入宫下富实夫创办的“FarEastFamilyBand”在世界各地巡回演出。1972年在德国遇见“TangerineDream”的KlausSchulze而感受到电子合成器的魔力。　可以说，早在70年代便开始致力于研究电子合成音乐的喜多郎(kitaro)，是New Age音乐的首席代表，他的作品有着日本New Age音乐开路先锋的独特风格。　将古典、流行、爵士融入电子音乐，这种不同于西方音乐的东方魅力，使得kitaro从首部作品《天界》面世开始，就得到了世界上越来越多的听众的肯定（当然很多人对于他的音乐比对他本人更为熟悉）。

范吉利斯，本名埃万耶罗斯·奥德赛·帕帕萨纳修（Evangelos Odyssey Papathanassiou），1943年3月29日出生于希腊。几乎没有受过任何音乐教育的他，在4岁时便能演奏钢琴，6岁举行个人作品发表会，可谓真正的音乐天才。无论如何，只要谈起电子音乐，都不能不提范吉利斯(Vangelis)。这位才艺卓越的键盘器乐手，是近30年来影响力最广泛的电子合成器专家。　范吉利斯(Vangelis)本名Evangelos Odyssey Papathanassiou，1943年3月29日出生于希腊，几乎没有受过任何音乐教育的他，4岁便能演奏钢琴，6岁举行个人作品发表会， 可谓真正的音乐天才。范吉利斯年轻时期接受摇滚音乐洗礼，学生时期自组的乐团「Forminx」不仅是1960年代希腊最受欢迎的音乐团体，范吉利斯更是将近代流行音乐带进希腊的第一人。而为了寻找更宽广的音乐空间，25岁的范吉利斯前往巴黎发展，他自组的「爱神之子合唱团」(Aphrodite’s Child)红遍整个欧洲，也成功开发了前卫摇滚乐的新方向。

1970年代的范吉利斯全心投入电子音乐创作，并转往伦敦为**制作配乐，开启他辉煌的**配乐时代，其中包括1981年荣获奥斯卡金像奖最佳配乐的「火战车」、1982年的「银翼杀手」、1983年的「南极物语」、1992年的「1492征服天堂」等重要作品，范吉利斯开创了电子音乐与**配乐的崭新前景，奠定了所谓未来太空音乐的发展，可谓居功厥伟。　也许正是因为范吉利斯的无师自通，他的音乐具有独特的无法复制性，他以键盘音乐为基础，巧妙融合古典、流行、电子、new age等音乐元素，发展出绵密的管弦乐法以及崭新的电子音乐语法，而他身兼作曲、编曲、制作的能力，更完整地呈现他的音乐理念，从早期古典乐器到后来的新电子音乐，在范吉利斯手中诞生出崭新的表现方式，成为一种未来感十足的新音乐。范吉利斯的成就，不仅反应在全球的唱片销售数字以及无数的得奖纪录，国际天文联盟更决定将新发现的「6354号星云」正式定名「Vangelis」，藉以向这位音乐大师致敬。

艾尔顿·约翰于1947年3月25日出生于英国伦敦市郊，自幼学习钢琴课程。被誉为“英国乐坛常青树”。

埃尔顿·约翰(Elton John)是欧美流行乐坛上的一棵常青树。1947年3月25日，埃尔顿·约翰呱呱坠地，父母为他起名叫雷金纳德·肯尼思·德怀特。4岁那年，他就开始弹奏钢琴。11岁时，获得英国皇家音乐学院颁发的奖学金。他加入的第一支乐队是“Bluesology”。曾经以主唱的身份，先后为前锐摇滚乐队“King Crimson”和“Gentle Giant”试音，最终未获成功。　他在音乐的道路上不断追求，和词作家伯尼·陶品(Bernie Taupin)联手合作，然后将名字改为现在众人皆知的埃尔顿·约翰。1970年代早期，埃尔顿·约翰录制了一张名为《风滚草的联系》(Tumbleweed Connection)的概念专辑。因为作品内容丰富、曲调动人，埃尔顿成为上世纪70年代最为成功的流行音乐家。当时有许多流行歌手和流行风格，领尽风骚三两年就走上了末路，但埃尔顿演唱的歌曲却经久不衰。

1976年，埃尔顿宣布自己是个双性恋者。1984年和里娜特·布劳尔结婚，这段婚姻维持了2年，然后就因他的同性恋行为而破裂。70年代末80年代初，埃尔顿·约翰一度陷入吸毒和酗酒的泥潭无法自拔，而且还患上了易饿病，但靠着惊人的毅力，他最终战胜了这些坏生活习气和疾病，获得了新生。埃尔顿·约翰还以积极倡导宣传艾滋病研究而著称于世，但他仍紧紧把握着现代音乐的脉搏，喜欢欣赏痞子阿姆、Radiohead、“酷玩”乐队和罗比·威廉姆斯等艺人和乐队的作品。1997年，埃尔顿因在音乐方面的突出成就，被英国王室授予爵士称号。

出生在塔斯卡尼的意大利盲人歌手安德烈·波切利被称为“第四大男高音”，他在古典轻歌剧中最激动人心的嗓音，甚至在歌剧界也是颇负盛名。他参与了帕瓦洛蒂（Pavarotti）1992年《Miserere》金曲专辑的录制和意大利流行乐坛泰斗级人物Zucchero Fornaciari 1993年的世界巡唱，引起了国际性的关注。作为最成功的流行抒情歌手，他曾与席琳·迪昂（Celine Dion）、莎拉·布莱曼（Sarah Brightman）、艾罗斯·拉玛佐第（Eros Ramazzotti）等著名歌手录制对唱歌曲。和他在1995年逍遥音乐会上同台表演过的艾尔·贾诺（Al Jarreau）评价说：“我有幸和全世界最优美的嗓音一起歌唱。”

从小生活在塔斯卡尼一个村庄农场上的波切利，从6岁开始学习钢琴，后来又增加了长笛和萨克斯。天生视弱的他在12岁时完全失明。尽管有着显而易见的音乐才华，波切利起初却并没打算投身音乐界，而是在比萨大学学习法律，并获得博士学位，最终他选择了音乐道路，师从著名男高音科莱利（Franco Corelli），学习之余波切利靠在酒吧弹奏钢琴为生。1992年，他迎来了歌手生涯的重大机遇。Fornaciari招募男高音为新歌《Miserere》制作样带，波切利成功通过试唱，与帕瓦洛蒂录制了二重唱。次年他跟随Fornaciari举行世界巡唱，并在1994年9月摩德纳的帕瓦罗蒂国际节上担任表演嘉宾，与帕瓦洛蒂等世界顶级歌手同台献艺。95年11月，他与艾尔·贾诺、布莱恩·弗瑞（Bryan Ferry）等人参加了逍遥音乐会在荷兰、比利时、德国、西班牙和法国的巡演。

波切利发行于94和95年的头两张专辑《Andrea Bocelli》和《Bocelli》，充分展现了他的歌剧演唱才华。他的第三张专辑《Viaggio Italiano》虽然只是在意大利国内发行，却卖出了30万张之多。1997年的第四张唱片《Romanza》中，波切利转向流行乐的路线，与莎拉·布莱曼合唱了金曲《Time To Say Goodbye》。他1999年的唱片《Sogno》继续了前一张的流行风格，售出了1000多万张拷贝，获得一尊金球奖，并为波切利赢得格莱美最佳新人的提名。进入20世纪后，他出演了多部歌剧，虽然有歌剧迷们指出不足，但无论是挑刺的观众还是他的拥护者，都无法忽略他出众的歌唱才华。 (编译：腾讯娱乐)

瑞典钢琴演奏家罗伯特·威尔斯，出生于1950年2月16日，是当今世界上惟一同时获得钢琴和作曲两项大奖的音乐家，他是瑞典王国的骄傲。他连续四年被欧美音乐界评为世界上最受欢迎、最具感动力的音乐家。擅长将古典音乐和现代音乐相结合的他使音乐更富有节奏感，让观众们穿梭于狂热和宁静之间，感受着摇滚与古典的魅力 罗伯特·威尔斯是当今世界最伟大的钢琴演奏家之一，其作品《摇滚狂想曲》、《在山妖的宫殿中》等被誉为“颠覆传统，震惊欧美”的经典力作。威尔斯先生被瑞典王国冠之以“国宝”级人物，他的专属乐团也被誉为流行音乐的风向标，其影响力为传统和流行音乐界所赞赏和认同。

罗伯特·威尔斯被誉为当今世界最伟大的钢琴家之一，他的成就在于他是世界上唯一能把古典乐与流行、摇滚、爵士音乐融为一体的音乐家。同时，他还是一位出色的电视节目主持人和一位才华横溢的作曲家。作为中国人民的朋友，罗伯特·威尔斯早在中国申办2008年奥运会期间，就应邀来到中国举办过演唱会，并在全世界为北京申奥呐喊助威。而他当时在长城上即兴创作的一首《中国的月亮》现也已成为他世界巡回音乐会上的保留节目。他的音乐不同于雅尼，也不同于克莱德曼，从1999年起，他连续四年被欧美音乐界评为世界最受欢迎最具感动力的音乐家，因为他的音乐极富冲击力，他的演出包罗多种形式——歌舞、器乐，打破了不同音乐流派的界限，极富感染力，曾经震撼了整个欧洲和世界。

1950年2月16日罗伯特·威尔斯的名字对每一位流行乐迷来说都是一种震撼和惊喜。在西方，他与雅尼、理查德·克莱德曼齐名，被视为颠覆传统钢琴演奏的第一人，第一个用钢琴打通古典、流行、摇滚、爵士等一切音乐领域，并于不同的音乐中找寻到相通的神韵。比如，在《对贝多芬的摇滚》中，他就大胆地将说唱乐和贝多芬的《命运》巧妙结合，开创了既古典又流行的先河；《西班牙狂想曲》是他在西班牙听到吉普赛民歌后，灵感突来而作的，其中还被糅合进巴赫与贝多芬的情愫。《胡桃夹子》则完全把老柴的名曲改装成节奏鲜明的摇滚，俄罗斯滑冰运动员曾用这首曲子获得了世界花样滑冰的冠军。《野蜂爵士曲》和《马刀舞》则显示了用钢琴演奏激风骤雨般狂野激情的极致。而《摇滚的狂想》更是罗伯特脍炙人口的钢琴、摇滚乐与交响乐完美结合的杰作。优美的钢琴音色，融汇交响乐队浑厚凝重的气势、爵士乐队亲切婉约的韵律、摇滚乐队直率强烈的情感，形成独具魅力的风格，带着观者穿梭于狂热和宁静之间，感受着摇滚与古典的落差。罗伯特是被称为“巨星”的音乐奇才。

乔治．温斯顿的曲目是钢琴美学史上最纯净逸品之大成，他的音乐舒俊流畅、旋律优美，极具可听性。是新世代音乐中具有代表性的卓越人物。他因其优异的音乐才华而多次获得格莱美大奖和格莱美联社大奖提名的极高荣誉，每年都因乐迷们的强烈要求而进行100 多场全球巡演，受到世界各地观众们的热忱欢迎。他成长的蒙他那州的季节变化景象，丰富了他在创作时的灵魂。

乔治·温斯顿出生于1949年，在蒙大拿州度过了他的童年时光之后，他先后在密西西比和弗罗里达州居住。如今，他几乎只能听流行和R&B（节奏布鲁斯）器乐曲（比如FLOYD CRAMER后斯的作品、冒险乐队、THE VENTURES乐队、BOOKER T &THE MGS乐队以及KING CURTIS等）以及其他R&B艺术的作品，比如RAY CHAR LES和SAM COOKE。在电台的准点新闻之前，如果播放器乐节目的话，他会聚精会神听上半小时。 受蓝调、摇滚、R&B和爵士乐的影响，乔治从1967年开始弹管风琴和电钢琴。到了1971年，在听了传奇的摇摆爵士乐钢琴演奏家汤姆斯，胖，沃勒和特迪威尔森的后期作品之后，他转向弹奏钢琴。从那时起，他开始致力于在钢琴独奏上建立自己的风格，自己创作作品并编写其他音乐家的作品。1972年，乔治在吉他演奏家约翰．非赫的厂牌TAKOMA旗下录制了他的第一张钢琴独奏专辑，名为《钢琴小品：民谣与布鲁斯》。乔治从事的音乐，其风格实际上是2/3的R&B+摇滚+主流音乐作为元素，然后辅以1/3的优美旋律。他至今为止发行的唱片中后者是主要特色。他选择了田园式的居谣音乐作为演奏和录制专辑的风格。

提起美国最好的New Age艺人。人们都会不约而同的想到George Winston。他精通各种乐器的演奏。尤以钢琴造诣最高。1949年出生于美国密西根州的作曲家兼钢琴家乔治．温斯顿，被誉为钢琴魔手，1972年录制个人首张演奏专题《民谣与布鲁斯1972》，八十年代出版了特定的主题作品：《秋季》（1980年）、《辞冬》（1982年）、《九月》（1982年）、《夏季》（1991年）、《森林》（1994年），1995年因其卓越的音乐才华而获得了格莱美奖的荣誉。乔治．温斯顿每年巡回演出110场之多，受到世界各地区许多观众出乎意料、令人感动的热诚欢迎。　乔治温斯顿之四季（All the seasons of george winston）是首张收录乔治温斯顿二十五年来精彩绝伦的的钢琴独奏名曲精选辑。这张精选辑选自六张钢琴独奏专辑秋季”（Autumn）1880'辞冬”（Winter into spring）1982’十二月（December）1982'夏日”（Summer）1991’森林（Forest）1994以及”音乐圣殿（Linus&Lucy-themusic of vince guaraldi）1996。此外，还收录四首从未发行的乐曲：分别是”瞌睡虫小精灵（Sandman）无际的北边原野（Northernplains）我那熟睡小宝贝的脸（Sleepbaby mine）”以及亚洲地区独家收录的夕阳余晖时的吟唱（Evening song）”。

　　1 意大利女高音歌唱家：希尔维亚•达拉•贝内塔

　　1992年贝内塔以优异的成绩毕业于贝内戴托•马尔切洛音乐学院。随后在阿尔多•切卡托、德尼亚•马佐拉和卢西亚娜•萨拉等音乐大师的指点下继续深造。

　　贝内塔作为花腔女高音，在众多世界大赛中获奖无数，其演出足迹遍布世界各大著名剧院和音乐厅。演唱曲目范围之广，几乎涵盖了从巴赫到布里顿时代的所有主要歌剧作品。著名指挥家伯纳德、阿莱曼迪、切卡托、布雷辛、卡米纳蒂、韦伯、莫兰蒂和欧文等都曾与她同台献艺。

　　2 意大利女高音Giorgia Fumanti

　　意大利跨界女高音乔琪亚•芙曼蒂 从2004年以来，就已经凭着那一口优美的女高音征服欧洲、亚洲和北美各地，被誉为新世代的美声跨界天后。这位谦虚而美丽的意大利女高音，来自中世纪古城斐维扎诺，留着一头乌黑长发、带有几束紫色的挑染、一双蓝色的大眼睛。乔琪亚•芙曼蒂原本是演唱古乐闻名的合唱团员，后来成为瑜珈导师和气功师，还是一位积极投入公益，长期帮助残障儿童、满怀爱心的社会工作者。乔琪亚因为当初发掘波切利的意大利流行巨星苏可洛慧眼独具，认为她是个可造之才，因而崛起。当时她正在帕玛音乐院进修，并找老师接受私人声乐训练。随后乔琪亚因为登上欧洲著名的电视音乐会而一夕成名，之后更因为电子音乐大师范吉利斯(《烈火战车》、《南极物语》配乐)钦点她合作专辑，把她推上了跨界美声天后的宝座。

　　Giorgia Fumanti自有其非凡的歌唱魅力，被男高音歌唱家卡雷拉斯从众多歌唱家中挑选出来并成为歌王2006年年底世界巡演的特别表演嘉宾，而从2004年以来，就已经凭着那一口优美的女高音征服欧洲、亚洲和北美各地，被誉为新世代的美声跨界天后。

　　3 苔芭尔迪

　　意大利女高音歌唱家，生于佩萨罗。1944年首次登台，演唱包伊托歌剧《梅菲斯特费勒斯》中的爱伦娜。1946年受到托斯卡尼尼赏识，邀她参加米兰斯卡拉歌剧院复业典礼演出，从此走红乐坛。她是演出威尔第和普契尼歌剧的最重要的女高音之一，嗓音刚劲有力。

　　4 阿德琳娜帕蒂（Adelina Patti，1843—1919）

　　被公认为声乐史上1861—1906年近50年间世界上最伟大的女高音歌唱家。无数的艺术家拜倒在她的歌唱下，有人把曲子题献给她，她的歌声也为罗西尼、威尔蒂、李斯特等众多作曲家所激赏，也影响了一代的歌唱家们。比她小的Tamagno、Battistini、Plancon、Lilli Lehmann、de Lucia、Melba也都经历了十九世纪末，但他们是处于两个世纪交替阶段的歌唱家，他们的演唱录音也预示了二十世纪声乐技术风格的变革，但帕蒂是纯粹的十九世纪的美声演唱风格（虽然她也唱了威尔第），她完全是属于十九世纪的最优秀的歌唱家。在她1906年63岁在伦敦阿尔伯特音乐厅举行了告别音乐会后，早已年过中年的梅尔巴才成为所谓“首席女高音”。

　　帕蒂，1843年生于马德里，1919年卒于威尔士。意大利歌唱家，1861—1906年近50年间世界上最伟大的女高音歌唱家。1859年，早在16岁，她便在《拉美摩尔的露契亚》中扮演女主角。1861年，她登上伦敦科文特花园剧院，首演剧目是《梦游女》，并被立即公认为当时最伟大的女高音，年仅十八岁。1868年，她和歌剧史上伟大的女中音阿尔波尼一起在罗西尼的葬礼上演唱。她的音域极其宽广，声音充分体现美、活、正，高音达到f3。她基本上是花腔女高音，但也能演唱如《游吟诗人》中的莱奥诺拉和《茶花女》中的薇奥莱塔、《阿伊达》这样戏剧性的角色。她在伦敦科文特花园剧院连续25年演唱多尼采蒂、罗西尼、贝利尼、威尔蒂、梅耶贝尔等歌剧角色达30个以上。1906年在伦敦举行告别音乐会，从而正式结束她唱达50年的歌唱生涯，在1914年，71岁的帕蒂复出举行了一次义演。（《外国音乐辞典》/上海音乐出版社，《牛津简明音乐辞典》/人民音乐出版社）

　　无数的艺术家为她的歌声所倾倒。萧伯纳曾这样描述帕蒂：“这精彩的声音工具有着宽阔的音域，像小鸟一样灵活，这是独一无二的一个真正女人和儿童的富有魔力的声音的组合！向人施加她的魔力。多伟大的女性！一个最高级的艺术家，能够完美完成每一项技术上的难度，象萨拉萨蒂在小提琴上那样”，然而威尔弟说得更简洁：“她是大自然产生无与伦比的完美的艺术家”（An artist by nature so perfect that perhaps there has never been her eqeal）（《Adelina Patti》pearl GEMM CD 9312）。作曲家Doppler (1821 - 1883)写了长笛作品《La Sonnambula, Paraphrase en Souvenir de Adelina Patti, Op 42》献给帕蒂。

　　帕蒂也影响了一代的歌唱家，女高音大师Emma Eames（1865—1952）1889年在巴黎歌剧院首演，而在她首演前三个月，帕蒂和波兰男高音Jean de Reszke刚在古诺指挥下在同一地点演出了《罗米欧和朱利叶》（这是Jean de Reszke和帕蒂一生唯一的合作），Eames自从她小时在波士顿看过帕蒂的演出后，就成了帕蒂的崇拜者。她后来充满感情的回忆道：“我不能想象还有什么从嗓音出来的声音比这更美……。帕蒂的歌唱显示了完美的理论，她用最小的努力取得最大的效果”（《Emma Eames》Harold Bruder/ROMOPHONE 81001-2）。

　　马勒的爱将，伟大的德国花腔女高音Selma Kurz（1874—1933）也是在帕蒂的熏陶和影响下成长的。在Selma Kurz的女儿Desi Halban写的回忆其母亲的长篇文章中，她向我们讲述了不少鲜为人知的关于其母亲的趣事，例如她母亲Selma Kurz很小就是家中的小小歌唱家，小时候经常在晚上邻居聚会时站在桌子上为大家唱歌，而后来的钢琴家施纳贝尔正是她家的邻居和童年的玩伴。Desi Halban还提到一件事，当她母亲还是个年轻姑娘时，有一次去伦敦，当她母亲模仿帕蒂的方式在旅店练习咏叹调时，她住的旅店正好帕蒂也下榻。这位令人尊敬的艺术家听到了，听了一会后，她派人把母亲请去，问她如何知道用这些方式唱她这些没有出版过的旋律片断，Kurz解释说，她是一个歌剧的真正爱好者，知道点音乐知识，还有着惊人的记忆，所以平常她能随口哼出帕蒂的所有旋律。帕蒂给了Kurz鼓励，告诉她，她有美丽和训练有素的声音（《My mother：Selma Kurz》 Madame Desi Halban/《Selma Kurz》CLUB 99 CL99-43）。

　　在她晚年62、63岁时，她录制了她的21首不同的曲目，其中有10首曲目录了两次，还有1首谈话录音，共计32首录音存世。除了英国男中音Charles Santley (1834-1922)的录音外，帕蒂的录音也许是演唱者距今年代最久远的录音，而且还是十九世纪“歌唱女王”的录音，因此，帕蒂的这二、三十首录音是我们所能听到的最珍贵的声乐历史录音。关于这些录音，Pearl公司帕蒂专辑的评论者认为，帕蒂的这些录音需要聆听者有训练有素的耳朵和声乐知识，因为我们听到的声音已经远远不在其最巅峰时期了。录音技术到来和完善得太晚了。我们能听到的只是帕蒂在其舞台生涯晚期的歌声，这些录音显得换气声较大，有的歌曲被降调到次女高音的演唱音域，与她那些伟大的岁月相比，这些录音甚至是微不足道的。能肯定的是她的这些录音距离她巅峰期极富魔力的声音已相去甚远，但对于一个训练有素的耳朵来说，我们还是能从这些录音中发现帕蒂的伟大，她令人愉快的温暖的演唱风格。无疑帕蒂自己对她这些非常有限的录音是感到愉悦的，因为她在晚年经常在威尔士庄园放这些录音给她的客人听。

　　大约有三家唱片公司出有比较完整的帕蒂的录音，英国Nimbus公司的《Adelina Patti的年代》收录有帕蒂的六首录音，在其网站上还可以听到1906年63岁的Patti演唱的Yradier：La Calesera，这也是她极少的录音中最优秀的之一，令人难以置信的保持了少女一样充满魔力极其新鲜的气息，令人百听不厌（http://wwwwyastonecouk/nrl/pvoce/7840bhtml）。英国Pearl公司1988年出的Patti专辑，我认为是欣赏帕蒂的最佳选择，非常真实的记录了帕蒂的21首不同曲目的录音。Marston公司的Patti的录音全集比Pearl公司多出了十首曲目的另一次录音，但我认为Pearl公司的更可信些。其余的公司如EMI等在个别集锦唱片中收有个别帕蒂的录音，例如《梦游女》中的“花儿凋谢”(Ah!Non credea mirati) 唱段，这也是帕蒂留存的最优秀的录音之一。